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  • Wes Anderson incontra Roald Dahl – Recensione dei quattro cortometraggi Netflix

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    L’inconfondibile Wes Anderson: per molti un genio, per altri un perfezionista stucchevole al limite del manierismo di sé stesso, i cui prodotti sono poco più che meri esercizi di stile dal contenuto inconsistente. Cast corali di stelle del grande schermo, un’ironia pungente, un senso tutto artigianale di concepire la messa in scena e una regia che non lascia dubbi: l’immancabile simmetria nella costruzione dell’immagine, la macchina da presa in costante movimento, colori vividi e in netto contrasto tra loro. Chi ha visto un film di Wes Anderson, soprattutto se appartenente all’ultima fase della sua carriera, può dire di averli visti tutti. Nonostante ciò, ogni suo nuovo lavoro viene accolto con attesa e interesse anche da chi, ormai, non si lascia più affascinare dalla formula decisamente fin troppo inflazionata del regista texano. Forse nella speranza che, per una buona volta, dietro a una confezione graziosa si nasconda qualcosa di più.

    Con l’acquisto della Roald Dahl Story Company, nel 2021 Netflix ha ottenuto i diritti di tutti i racconti scritti dall’autore britannico, Roald Dahl appunto, e un anno dopo ha annunciato l’impegno preso da Wes Anderson per la realizzazione di un film tratto da uno di questi, La meravigliosa storia di Henry Sugar. Il progetto ha cambiato forma e il film inizialmente annunciato ha assunto le fattezze di un cortometraggio, entrando a far parte di una serie che comprende: Il cigno, Il derattizzatore e Veleno. I quattro cortometraggi sono stati rilasciati in piattaforma tra il 27 e il 30 settembre, dopo la presentazione fuori concorso del primo di essi, Henry Sugar, alla 80ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

    Se da un lato qualcuno potrebbe non aver mai sentito il nome di Roald Dahl, dall’altro è praticamente impossibile che quel qualcuno non si sia mai imbattuto in uno dei suoi racconti o in una trasposizione di essi. Le opere di Dahl, infatti, hanno sempre trovato parecchia fortuna quando trasposte per il cinema. Per Wes Anderson l’incontro con lo scrittore britannico non è una novità ed è già avvenuto nel 2009 con Fantastic Mr. Fox. Ben più famosi sono gli adattamenti del romanzo La fabbrica di cioccolato, con il film del 1971 diretto da Mel Stuart che vede l’iconica interpretazione di Gene Wilder nei panni di Willy Wonka, seguito dalla pellicola del 2005 di Tim Burton con Johnny Depp protagonista; è in arrivo anche un prequel proprio nel 2023, Wonka, diretto da Paul King e con Timothée Chalamet nei panni del protagonista. Basti poi pensare ad altri film tratti dai lavori di Roald Dahl, come Matilda 6 mitica (1996) di Danny De Vito e Il GGG (2016) di Steven Spielberg, preceduto da una versione animata del 1989 diretta da Brian Cosgrove.

    La meravigliosa storia di Henry Sugar

    Il primo dei quattro cortometraggi rilasciati da Netflix, La meravigliosa storia di Henry Sugar, è anche quello dalla durata maggiore, con un minutaggio di 39 minuti. Henry Sugar, un ricco giocatore d’azzardo, scopre la storia di un guru indiano che ha acquisito la capacità di vedere con gli occhi chiusi ed è pronto a impegnarsi per imparare e sfruttare la nuova competenza al casinò.

    Il corto in questione rappresenta il concetto di audiolibro (o cinelibro) per Wes Anderson, o ciò che accade nella testa di un visionario durante la lettura. O la lettura collettiva di un racconto, in presenza dell’autore stesso, magari. Henry Sugar è tutto questo: Anderson si dimostra tanto affascinato non solo dai mondi narrati da Dahl, ma anche dal modo in cui essi vengono descritti. Tanto che nella trasposizione dal libro alla sceneggiatura Wes non cambia una virgola, e decide di mettere in scena proprio Roald Dahl in carne e ossa (interpretato da Ralph Fiennes) come narratore. Narratore e personaggi si confondono nella scena e i personaggi diventano a loro volta narratori, rivolgendosi freneticamente ora ai loro pari, ora agli spettatori. L’effetto prodotto da questa singolare scelta di messa in scena è a metà tra il farsesco e il comico, e per realizzare ciò Anderson rinuncia, come al solito, alla possibilità di illudere lo spettatore di trovarsi di fronte alla realtà, svelando costantemente la finzione della narrazione audiovisiva.

    Altra peculiarità della messa in scena di Henry Sugar sta proprio nelle scenografie che prendono vita: cambiano costantemente forma e si adattano al racconto e agli spostamenti dei personaggi. Altre volte vengono proprio allestite da comparse in campo. Se da un lato questa componente rimanda alla tradizione teatrale, confermata dal modo in cui gli attori calcano la scena, dall’altro essa dialoga con il cinema delle origini. Come nel cinema cosiddetto delle attrazioni, Wes Anderson esibisce dei trucchi strabilianti ma con lo scopo di esibire la loro natura fittizia; adotta scenografie di cartone e fondali disegnati; fa ampio uso della retroproiezione.

    La parte più interessante dell’intero lavoro sta nella destrutturazione della narrazione operata da Dahl nel racconto “fotocopiato” da Anderson. La struttura del racconto nel racconto non è sicuramente nuova ma in questo caso il dialogo tra le parti risulta particolarmente interessante e viene a creare motivi ricorrenti ed echi che percorrono l’intera rappresentazione. Quanto all’apporto di Wes Anderson, il suo lavoro, come sempre, risulta grazioso, fin troppo interessante, tanto che l’effetto delle sue manipolazioni della materia filmica finisce con il disperdersi, sia per la quantità delle singolarità messe in campo dal regista, sia per la reiterazione di esse: dopo un poco l’antifona è ben nota anche per il meno attento tra gli spettatori e lo stupore iniziale si trasforma in noia. Le regole del gioco sono ben chiare ma il gioco dura anche troppo, nonostante si tratti di un cortometraggio.

    Di tutto si può dubitare tranne che dei cast mega-stellari dei lavori di Wes Anderson, capitanato in questo caso da Benedict Cumberbatch, Ralph Fiennes e Ben Kingsley, mentre la resa visiva del film, come al solito, riesce a creare dei quadri stupefacenti. Ma finisce lì. Ancora una volta il lavooi di Wes Anderson scivola via, dimenticato dopo qualche minuto dalla fine della visione.

    Il cigno

    Nel secondo cortometraggio Il cigno un piccolo “genio” deve fare i conti con le angherie di alcuni bulli più grandi e meno intelligenti di lui.

    L’impostazione narrativa e della messa in scena è praticamente la stessa di Henry Sugar, quindi in gran parte vale quanto scritto nei paragrafi precedenti. Qua il senso di teatralità è ancora più forte e il risultato meno interessante, il cast meno stellare, le scenografie e la resa visiva meno impattanti. Il narratore, ancora una volta parte integrante del racconto, modula la propria voce per imitare quelle dei ragazzini, con l’utilizzo di pupazzi ben più interessante di quello presente in Henry Sugar. Nonostante le peculiarità citate, in questa occasione il senso di trovarsi di fronte a una rappresentazione destinata a un altro medium emerge con prepotenza. Nel precedente cortometraggio, nonostante le parole spese non fossero affatto lusinghiere, era ancora presente un piccolo guizzo capace di rendere la visione quantomeno non spiacevole. Ne Il cigno questo guizzo manca, forse perché il senso di già visto è ancora più intenso, e di conseguenza i 17 minuti di questo cortometraggio appaiono infinitamente più lunghi della durata del precedente, che di minuti ne contava più del doppio.

    Il derattizzatore

    Quando, dopo i primi due cortometraggi, tutto sembrava perduto, ecco arrivare Il derattizzatore. In poco meno di 20 minuti viene scandagliata la figura di un sinistro cacciatore di ratti, che si identifica nelle sue prede per superare la loro furbizia e, dunque, per neutralizzarle.

    L’impostazione narrativa e l’idea alla base della messa in scena restano sempre le stesse dei lavori precedenti. Quel che cambia, in questo caso, è il peso attribuito ai singoli elementi messi in gioco, distribuiti in maniera più bilanciata, senza eccessi ridondanti. La formula di Henry Sugar e Il cigno, che è la stessa adottata ne Il derattizzatore, non diventa tutto a un tratto vincente, ma appare smussata nelle sue punte più spigolose e trova un’armonia impensabile prima. Ci troviamo comunque di fronte a un audiolibro à la Wes Anderson con tutte le problematicità già indicate, ma a fronte del piattume del precedente cortometraggio, qua si trova spazio anche per delle intuizioni parecchio centrate. Nonostante ci si trovi all’interno di una trasposizione audiovisiva di un racconto, i personaggi mimano la presenza di oggetti o animali evocati ma comunque invisibili. Poi, per una breve sequenza, un ratto inanimato prende vita grazie alla tecnica dello stop-motion e la potenza di queste immagini porta a chiedersi il perché questa cosa non fosse già avvenuta in precedenza. 

    L’eccessiva teatralità, che faceva apparire Il cigno quasi fuori luogo nella scelta del medium cinematografico, viene meno. La scrittura di Roald Dahl è in questo caso più focalizzata sui dialoghi che su descrizioni infinite, scandendo un ritmo più vicino ai tempi del cinema. Le scenografie contribuiscono in questo senso, sono meno “interattive” delle precedenti, più statiche, permane sicuramente la loro natura teatrale, ma in maniera meno lampante. Da Henry Sugar invece tornano gli echi di un cinema del passato. L’uomo-ratto, interpretato da Ralph Fiennes, ha un aspetto che da sé costituisce metà della caratterizzazione del personaggio: la folta chioma grigia e spettinata, lo sguardo stralunato, le unghie lunghe e sozze. A restare impressi sono però i suoi due enormi incisivi centrali, che ricordano più quelli del Nosferatu interpretato da Klaus Kinski che quelli di Max Schreck. Del Nosferatu di Murnau invece torna il taglio espressionista delle luci e di certe inquadrature sghembe focalizzate sull’espressività dei volti, soprattutto nell’inquietante finale, in cui il sangue rosso intenso fa tornare in mente molti horror artigianali anni ‘60 e ‘70, compresi quelli italiani.

    Veleno

    L’inatteso trend positivo iniziato da Il derattizzatore continua sorprendentemente con Veleno, il quarto e ultimo cortometraggio della serie fin qui esaminata. La sinossi è tanto semplice quanto efficaci sono le soluzioni messe in campo per dare forma a questo racconto: un uomo si trova in estremo pericolo a causa di un serpente entrato sotto le coperte del suo letto, l’intervento di un dottore nel cuore della notte sarà necessario.

    Giunti a questo punto, possiamo dare per scontato che chiunque abbia compreso la natura dell’operazione di Wes Anderson nel dar vita ai quattro racconti di Roald Dahl in questa operazione. L’accusa, per nulla infondata, che il più delle volte viene mossa a Wes Anderson, è relativa al fatto che la messa in scena dei suoi lavori raramente riesca ad andare oltre al grazioso, all’appagante, al decorativo, raramente riesca a riempirsi di contenuti e diventare significante. Ma pensare che la sfera del contenuto debba essere legata necessariamente a dei tematismi (o ancora peggio a dei “messaggi”) è un errore madornale. Il contenuto e la forma, nei lavori migliori, molto spesso coincidono. 

    Veleno dà la sensazione di essere il più cinematografico tra i lavori posti in analisi, grazie a una scrittura che mette al primo posto la costruzione di una tensione costantemente in crescendo, che attiva dei meccanismi di suspense hitchcockiana pronta a esplodere in un finale quanto mai enigmatico. Frasi sussurrate, movimenti leggeri, Benedict Cumberbatch immobile e zuppo di sudore, tutto ciò lascia emergere la tensione. Il ritmo cavalca, le parole si accavallano e musica e luci concorrono a creare uno straniante effetto di inquietudine. Il climax raggiunto dagli altri cortometraggi non è neppure lontanamente comparabile a quello di Veleno. A rendere questo il corto più riuscito della serie, come nel precedente, è anche una durata consona agli obiettivi perseguiti, cosa che mancava in Henry Sugar, che faceva scadere l’interesse per certe soluzioni realizzative in un già visto sconfortante.

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    Alessandro Corrao,
    Redattore.

  • IL POTERE DEL CANE – MASCOLINITÀ, FRAGILITÀ E REPRESSIONE NEL WESTERN DI JANE CAMPION

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    Tra le montagne e le praterie sperdute nel Montana degli anni ’20, i fratelli Phil e George Burbank portano avanti il ranch di famiglia, occupandosi del bestiame e dei loro uomini. Appare chiaro fin da subito come i due personaggi rappresentano un western completamente diverso da quello tradizionale,  osservato da un punto di vista del tutto unico. Da genere dell’eroe virile per eccellenza (e simbolo della “mitologia” americana della conquista di frontiera), Il Potere del Cane di Jane Campion affronta la psiche di quattro personaggi profondamente travagliati e tutti diversi tra loro. Phil (Benedict Cumberbatch) è un uomo rude, spesso aggressivo, che non perde occasione per essere ostile nei confronti di chi non conosce; George (Jesse Plemons), molto diverso dal fratello, è invece più sensibile, timido e buono, interessato a costruirsi una famiglia; abbiamo poi Rose (Kirsten Dunst), vedova di cui George si innamora e che rimarrà profondamente segnata dall’atteggiamento ostile che Phil ha nei suoi confronti, a partire dal momento in cui mette piede nel ranch dopo aver sposato il fratello; infine, abbiamo anche il figlio di Rose, il giovane Peter (Kodi Smith-McPhee), la cui figura sensibile e delicata è fondamentale per il confronto e il rapporto che costruisce con Phil man mano che la narrazione procede. Non tutto è come sembra, il ranch nasconde qualcosa di molto più grande, e quello che all’inizio sembrava soltanto un western atipico si trasforma in una (necessaria) riflessione sull’ideale tossico di mascolinità e sulla repressione del proprio essere.

    UNO SGUARDO SULLA MASCOLINITÀ TOSSICA

    Il Potere del Cane è ambientato nel 1925, periodo in cui il sogno americano di conquista della frontiera nato a inizio secolo stava già iniziando a dare i primi segni di cedimento: la modernità avanza, compaiono i primi treni, le macchine cominciano a sostituire i cavalli. Si perderà il contatto con la natura e allo stesso modo anche il valore della figura del cowboy. Phil Burbank rappresenta qualcosa che si trova nel passato e che cerca di reprimere il futuro, tuttavia dovrà necessariamente affrontarlo. Il cowboy si dimostra da subito particolarmente ostile verso Rose e Peter, nei confronti dei quali pratica un vero e proprio bullismo, e il fratello George non riesce mai a imporsi ma preferisce rimanere neutrale, segno della sua “sottomissione” al carattere decisamente più forte e dominante di Phil. I suoi modi di fare rudi e arroganti ricalcano il tradizionale concetto di virilità che veniva associato (e in alcuni casi viene associato ancora oggi) all’uomo, che non può permettersi di mostrarsi fragile o sensibile, caratteristiche associate alla figura femminile. È di questo che si parla quando si sente nominare l’espressione “mascolinità tossica”, che costringe l’uomo a reprimere il proprio lato più umano, le proprie emozioni e spesso la propria sessualità. Jane Campion ci mostra un Phil che incarna perfettamente tutto questo, e di conseguenza assume le caratteristiche di un personaggio fortemente represso: si rifugia spesso nel bosco, lontano dagli occhi di tutti, e soltanto così riesce a concedersi quella fragilità che tende a nascondere al mondo intero. L’unico personaggio in grado di comprendere e avvicinarsi a Phil è il giovane Peter, che l’uomo inizialmente disprezza per i suoi modi di fare “effeminati”. Peter è infatti un ragazzo con una sensibilità unica e una delicatezza che mal si rapporta al mondo dei cowboy, in cui gli ideali di mascolinità e virilità sono chiaramente e fortemente tossici. Nella sua prima apparizione il giovane sta costruendo dei fiori di carta per la madre, lo vediamo spesso disegnare, si mostra a suo agio nella sua mascolinità che gli altri uomini intorno a lui considerano non convenzionale (e come opportunità per deriderlo). Phil è subito ostile nei confronti del ragazzo, non perde occasione per prenderlo in giro e per fargli capire che il mondo dei cowboy non è fatto per lui. Il momento di svolta arriva quando Peter scopre il nascondiglio di Phil, e qui il rapporto tra i due cambia: il fatto che il giovane si senta così a suo agio nella sua delicatezza e nella sua sensibilità destabilizza Phil, muove qualcosa al suo interno, qualcosa di represso che riusciva a venire fuori soltanto nella solitudine del suo nascondiglio (e molto probabilmente insieme a Bronco Henry, figura del suo passato che si trova a metà tra mentore e amante). 

    LE ALLUSIONI ALL’OMOSESSUALITÀ

    Abbiamo analizzato il modo in cui Phil riesce a scoprire la sua fragilità nella solitudine del bosco, ma non ci fermiamo solo a questo; al riparo dagli sguardi del mondo, Phil ha modo anche di esplorare la propria sessualità, ed è messo subito in evidenza (seppur non esplicitamente) il fatto che lui sia omosessuale. I continui riferimenti al suo mentore Bronco Henry, infatti, rimandano ad un sentimento molto profondo che va ben oltre la relazione allievo-maestro, riguardo il quale Phil non ci dà mai una vera e propria spiegazione. Il film si regge sulle allusioni e sui “non detti”, che tuttavia riescono ad essere efficaci e a stimolare riflessioni. Il rapporto tra Phil e Peter inizia a svilupparsi quando l’uomo si rende conto dell’incredibile forza che il ragazzo nasconde dietro la sua sensibilità (la forza di essere fragile, se così possiamo dire), e le loro interazioni si trasformano in una relazione mentore-allievo, in cui Phil si identifica in ciò che Bronco Henry era stato per lui. La relazione avuta in passato, qualcosa da tenere nascosto, di cui non era permesso parlare, ha trasformato Phil in un uomo represso e aggressivo, l’incarnazione della mascolinità tossica che spesso cela al suo interno una profonda vulnerabilità. E quest’ultima esce fuori soltanto quando Phil si rende conto di non essere così solo al mondo, di poter essere compreso da qualcuno (Peter, appunto), anche se ciò costituirà la sua fine.

    Nel marzo di quest’anno hanno fatto discutere le dichiarazioni di Sam Elliott (A Star is Born, Il Grande Lebowski), che ha duramente stroncato il film per le sue allusioni all’omosessualità, domandandosi “dove fosse il western in questo western”. La risposta di Benedict Cumberbatch non ha tardato ad arrivare: l’attore, senza neanche nominare il collega, ha ribadito quanto fosse importante raccontare la storia di personaggi come Phil, intrappolati e repressi dagli ideali di mascolinità tossica che avvelenano il nostro mondo.

    «Più guardiamo sotto il cofano della mascolinità tossica e cerchiamo di scoprirne le radici, maggiori sono le possibilità che abbiamo di affrontarla quando si presenta con i nostri figli.»

    Vincitore del Premio Oscar per miglior regia nel 2022 (con alle spalle ben dodici candidature), Il Potere del Cane è stato distribuito da Netflix, quindi è disponibile sulla piattaforma per chiunque avesse intenzione di recuperarlo. Anche la Cineteca di Bologna ha voluto rendere omaggio al film, che ieri lunedì 18 luglio è stato proiettato sullo schermo di Piazza Maggiore sotto le stelle.

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  • RECENSIONE DOCTOR STRANGE NEL MULTIVERSO DELLA FOLLIA – CINEFUMETTO D’AUTORE (?)

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    A circa cinque mesi dalla sua apparizione in Spiderman – No Way Home (Jon Watts, 2021), Benedict Cumberbatch torna a vestire i panni dello stregone Steven Strange nel secondo film a lui interamente dedicato. 

    Secondo la schedule originale, questo secondo capitolo doveva in realtà arrivare nelle sale molto prima, in quanto era stato pensato come il film che avrebbe introdotto lo spettatore al concetto di multiverso, tema che sarebbe stato poi approfondito con la serie Disney+ Loki ed il terzo film dedicato al tessiragnatele Peter Parker. Come ben sappiamo, però, c’è stata un’inaspettata pandemia di mezzo che ha portato Disney a pianificare da zero tutta la Fase 4 dell’MCU (che comprende tutti i prodotti audiovisivi targati Marvel in uscita dopo Spiderman – Far From Home (Jon Watts, 2019)). L’uscita di questo film viene fatta slittare, dunque, fino ad oggi, Maggio 2022. Altro grande cambiamento riguarda il regista: la direzione della pellicola è passata dalle mani di Scott Derrickson, regista del primo capitolo che ha deciso di lasciare la produzione per “divergenze creative”, a quelle di Sam Raimi, tornato a dirigere un cinefumetto Marvel dopo la sua trilogia (antecedente al Marvel Cinematic Universe) dedicata al personaggio di Spiderman interpretato da Tobey Maguire.

    Sarà riuscito Sam Raimi nell’impresa di unire la sua poetica con gli stilemi classici dell’MCU? 

    UN CLASSICO CINEFUMETTO

    Le vicende si aprono in medias res all’interno di una dimensione “magica”, con una variante di Strange intenta a combattere un misterioso demone assieme ad una giovane ragazza, anch’essa dotata di poteri. Ritrovatosi in pericolo, Strange sceglie – come siamo ormai stati abituati in tutte le sue apparizioni – il male minore cercando di rubare i poteri alla ragazza per poterli controllare e “salvare il multiverso”. Nulla va, ovviamente, nel verso da lui auspicato e la ragazzina, scopertasi essere la potentissima America Chavez capace di aprire varchi nel Multiverso, riesce a scappare teletrasportandosi in un altro universo, quello da noi finora conosciuto, dove assieme al “nostro” Doctor Strange e al fidato Wong partirà per un viaggio interdimensionale alla ricerca di un magico libro che può salvarle la vita e fermare i demoni che le danno la caccia.

    Una storia all’apparenza complessa e contorta, ma che si rivela essere estremamente semplice ripresentando i vari elementi tipici delle sceneggiature Marvel dell’ultimo periodo, con lunghi momenti didascalici e tanti “spiegoni” (forse troppi). Tuttavia si è lontani anni luce dalla pochezza narrativa dell’ultimo film su Spiderman. Qualche increspatura si trova anche in questa pellicola, ma è lodevole il tentativo da parte del team di sceneggiatori di non soffermarsi su una banale sequela di citazioni e varianti di personaggi dei vari multiversi, cercando di approfondire una certa caratterizzazione dei personaggi, con Strange che vuole risolvere a tutti i costi la situazione utilizzando anche metodi estremi (e questo vale per tutte le sue versioni seppur con le dovute differenze) e Wanda che – interpretata da una Elizabeth Olsen estremamente in parte – si imbarca in una morbosa ricerca dell’unità familiare, alla riscoperta anche del suo ruolo come “madre”. 

    Trovano spazio approfondimenti anche su America Chavez,  interpretata da una convincente Xochitl Gomez e che ci viene introdotta con semplici ma fondamentali nozioni sul suo passato, e Mordo, a cui presta le sembianze sempre Chiwetel Ejiofor con una nuova capigliatura ma che, purtroppo, si dimostra essere il meno interessante ed approfondito tra i personaggi secondari. 

    Il tutto, va comunque ricordato, viene esposto in fase di scrittura in un modo decisamente semplicistico. Viene naturale chiedersi se non fosse stato possibile investire maggiore attenzione e tempo in una caratterizzazione più approfondita di questi supereroi.

    IL RITORNO DI RAIMI

    Portata a termine la visione, l’istinto ci porta a gridare “Raimi is back!”, ma risulta doveroso fare una precisazione: qui non si è di fronte al nuovo film di Sam Raimi, bensì ad un nuovo film del MCU diretto da Sam Raimi. Come detto sopra, gli stilemi Marvel sono tutti presenti, soprattutto sul piano narrativo, imbrigliando il regista in uno schema già prefissato. Ciò non toglie, però, che la mano del regista è ben presente, soprattutto lì dove che ha avuto maggiore libertà creative: i fan delle sue opere passate troveranno moltissimo autocitazionismo, da zoom veloci ed improvvisi su porte che si chiudono improvvisamente, a morti che escono dal terreno fino alle tipiche inquadrature in piano olandese o all’utilizzo della “soggettiva del male”.

    Marcata è soprattutto la componente horror in cui, specialmente nella seconda metà del film, Raimi sembra aver spinto sull’acceleratore. Rimanendo nei canoni di un prodotto pensato per un pubblico prettamente giovanile (in America la pellicola è stata classificata PG-13), ci si ritrova davanti a numerosi momenti di tensione, anche grazie ad un sapiente uso delle luci e dei colori – ottima risulta infatti la fotografia curata da John Mathieson che passa da ambientazioni più calde e accese ad altre più fredde senza però risultare mai banale – e usufruendo di stilemi classici del cinema dell’orrore, come i jumpscare o la fuga dal mostro. Piccola parentesi va anche dedicata alla gestione dei vari camei, proposti come attrazione che farà felice più di un fan ma che Raimi decide di gestire in una maniera decisamente “bizzarra”, e all’utilizzo geniale della colonna sonora curata da Danny Elfman, storico collaboratore del regista.

    CONCLUSIONI

    Con Doctor Strage nel Multiverso della follia ci si ritrova davanti ad uno dei prodotti più interessanti della nuova fase dell’universo Marvel, che però è al contempo uno tra i capitoli più divisivi. La classica struttura narrativa Marvel, con tutte le varie problematiche che si trascina dietro, affiancata ad un regista che mette tutto sé stesso (letteralmente) all’interno della pellicola, porta alla nascita di un prodotto che molti ameranno ma che altrettanti disprezzeranno. Uno spartiacque che, una volta conclusa la visione, vi porterà a due opzioni: accettare che la Marvel sia questa e che, se accompagnata e guidata da personalità autoriali, può donare prodotti sicuramente non perfetti ma comunque estremamente godibili, oppure dirle definitivamente addio e chiudere i rapporti con essa. 

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  • RECENSIONE SPIDERMAN NO WAY HOME – COME NON SCRIVERE UN FILM SULL’UOMO RAGNO

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    Parlare di questo Spiderman: No Way Home è tutt’altro che semplice, come lo è allo stesso modo portare, ancora una volta, sullo schermo una pellicola il cui protagonista è l’amichevole arrampicamuri di quartiere. Ben 19 anni fa usciva infatti Spiderman diretto da Sam Raimi, un film che sarebbe presto divenuto un cult dei cinefumetti, portando alla consacrazione di un supereroe già famoso e da quel momento vera e propria icona di milioni di bambini e ragazzi. Il successo portò, come tutti ben sappiamo, prima a due seguiti diretti sempre da Sam Raimi, con un secondo capitolo quasi ai limiti della perfezione ed un terzo invece di una qualità nettamente inferiore, e successivamente ad un reboot della saga, intitolato Amazing Spiderman, con Andrew Garfield protagonista e Mark Webb dietro la macchina da presa. Una nuova trilogia che venne però interrotta al secondo capitolo, ritrovandosi sulle spalle il peso di aver raccontato una storia che, nonostante i vari aspetti positivi, sapeva di già visto (abbiamo di nuovo le origini, con Peter morso dal ragno e la successiva morte di zio Ben; a questo si aggiunge una costruzione dei villain tutt’altro che impeccabile). Contemporaneamente nasce e si sviluppa il Marvel Cinematic Universe, che comincia a spopolare portando alla ribalta eroi già conosciuti al cinema (come Hulk) ed altri che nessuno pensava potessero funzionare su pellicola. La soluzione si palesa davanti agli occhi di Sony (produttrice e distributrice dei film sull’uomo ragno): una collaborazione con i Marvel Studios, facendo gestire a quest’ultimi il personaggio di Spiderman. Arriviamo così ad oggi, con l’ultimo capitolo della nuova trilogia dell’Uomo Ragno, questa volta diretta da Jon Watts e con Tom Holland nei panni del protagonista, di cui non vediamo le dirette origini quanto piuttosto la crescita ed il suo diventare, passo dopo passo, un vero supereroe. Qualcosa, però, è andato decisamente storto.

    FANSERVICE CONFUSO

    Riprendendo direttamente da dove la post credit di Far From Home si era interrotta, la pellicola comincia con il dramma della svelata identità di Spiderman, con immediate conseguenze e problematiche sia per Peter stesso, che per la sua famiglia ed amici, portando così il diciassettenne a chiedere aiuto allo stregone Doctor Strange. Il personaggio interpretato da Benedict Cumberbatch, infatti, convinto a modificare un incantesimo più volte nel corso dell’esecuzione, perde il controllo, aprendo dei portali che attirano, da altre dimensioni, tutti coloro che sono a conoscenza dell’identità segreta del supereroe. Così il film motiva la presenza di ben cinque supercattivi, arrivati direttamente dalle precedenti pellicole di Spiderman mantenendo le stesse fattezze, tranne nel caso dell’Electro interpretato da Jamie Foxx. Già qui l’enorme castello di carte messo su da Sony e Marvel comincia a crollare.

    E’ necessario, però, soffermarsi prima sull’unico aspetto positivo della pellicola: la recitazione. Partendo da Holland e passando per Zendaya e Marisa Tomei, fino ad arrivare ai villain di Dafoe, Molina, Foxx e compagnia, ci si ritrova davanti a personalità che sanno fare il loro mestiere e riescono ad interpretare ottimamente i loro personaggi, il tutto nonostante la scricchiolante caratterizzazione dei loro alter ego, su cui ci si soffermerà più avanti. Se per i grandi nomi ciò era una garanzia, la vera sorpresa della pellicola è proprio Tom Holland, che mette il cuore nella sua interpretazione del personaggio e che dimostra un palese salto di qualità rispetto alle precedenti interpretazioni.

    Tocca ora parlare del problema più grande della pellicola: la scrittura. In questo film, infatti, non torna nulla. Se ad una prima occhiata il plot di partenza può sembrare interessante, si dimostra già dopo poco insulso e pieno di problemi, portando ad una sequenza di eventi che sembrano legati tra di loro da un filo sottilissimo in procinto di spezzarsi. Spiderman si comporta come un ragazzino egoista ed ingenuo, andando a rendere vano tutto ciò che era stato fatto nei capitoli precedenti; Strange è completamente istupidito e reso ridicolo rispetto alle versioni mostrare in precedenza; i villain della storia, venduti dalle interviste come l’apice della scrittura dei loro personaggi, sono in realtà la pallida ombra di ciò che erano nelle loro pellicole d’origine; aggiungiamo inoltre una comicità eccessiva messa in bocca a tutti i personaggi secondari, che riesce sì a strappare qualche risata, ma che risulta soverchiante e finisce per distruggere i momenti di pathos. 

    Proprio su quest’ultimo punto va inoltre detto qualcosa: questo film infatti non ha colpi di scena, o meglio li ha per uno spettatore candido, che non ha mai visto un film in vita sua, poiché solo in quel caso i plot twist non sarebbero riconoscibili fin da subito. Ma è proprio qui che il film crolla ancora una volta su sé stesso, perché questa non è una pellicola per novizi, ma per la vecchia guardia, per chi è cresciuto con quei vecchi Spiderman, con le ragnatele organiche di Maguire ed il discorso di zio Ben o con il dolore della morte di Gwen. 

    Se da un lato si ha quindi una scrittura piatta e banale, che punta soltanto all’effetto nostalgia, dall’altro si ha un lato tecnico disastroso. Se si salva la computer grafica, che riesce comunque a fare la sua ottima figura (anche se le vere braccia meccaniche di Octavius degli originali saranno sempre un gradino sopra), non si può assolutamente dire lo stesso della regia di Watts, confusa e tremolante, che rende incomprensibili e da mal di testa la quasi totalità delle scene d’azione, dove si palesa un montaggio mal realizzato. 

    CONCLUSIONI

    Costruita come un’opera di puro fan service, questo No Way Home si dimentica che non basta riportare sullo schermo le fattezze dei personaggi che hanno popolato i film passati, ma che c’è anche la necessità di costruire una storia che funzioni e di caratterizzare nel modo giusto i personaggi. Tutte cose che le precedenti pellicole, chi più chi meno, riuscivano a fare diversamente rispetto a questa, che caratterizza con un’eccessiva comicità tutti i personaggi pur volendo raccontare una storia toccante, non riuscendo però nemmeno a creare la giusta epicità nelle scene d’azione a causa di una regia ed un montaggio disastrosi. 

    Un’occasione sprecata, crollata sotto il peso di voler necessariamente soddisfare i fan senza far quadrare il tutto, che rimangono però per primi amareggiati da questo prodotto pieno di buchi di trama e problemi. Non ci resta che sperare che ciò sia soltanto un episodio isolato, puntando ora i nostri occhi sul seguito di quel Into the Spider-Verse che tanto fece battere il cuore dei fan ed in arrivo nel 2022.

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  • PILLOLE DA VENEZIA 78 – THE POWER OF THE DOG

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    Quella che leggerete non è una vera e propria recensione, quanto piuttosto un commento a caldo sul film visto al Lido dal nostro vicedirettore Jacopo Barbero.

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    The Power of The Dog, nuovo film della veterana neozelandese Jane Campion a dodici anni da “Bright star”, è un inquietante western tratto dal romanzo di Thomas Savage e ambientato nel Montana del 1925. Il film analizza il rapporto tra i due fratelli mandriani Phil e George Burbank (Benedict Cumberbatch e Jesse Plemons), turbato dal matrimonio del secondo con la vedova Rose (Kirsten Dunst). La Campion assume dunque, forse per la prima volta nella sua carriera, una prospettiva prettamente maschile. Purtroppo, mettendo in scena un dramma dall’incedere lento e disturbante (cui molto giovano le musiche dissonanti di Jonny Greenwood), la regista fatica a dare reale spessore ai personaggi e questo rende particolarmente difficile l’immedesimazione dello spettatore con i caratteri e le loro complessità. Certo, la Campion – da grande regista qual è – azzecca l’atmosfera e almeno un paio di grandi scene, ma l’analisi dei rapporti virili e la rappresentazione tossica del maschilismo restano in superficie ed è impossibile non constatare la freddezza generale di un prodotto che, alla lunga e nonostante le sue raffinatezze, finisce per annoiare e non trova paragoni con le travolgenti passioni e contrasti al centro dei capolavori della cineasta di Wellington.

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