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Tag: cinema orientale

In The Mood For Love – Un amore sussurrato tra le inquadrature

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In the mood for love torna al cinema dal 17 al 19 febbraio per celebrare il suo 25º anniversario. Lucky Red, in collaborazione con Tucker Film, riporta in sala la versione in 4k restaurata nel 2021. Il capolavoro di Wong Kar-wai, oltre a ricevere al Festival di Cannes del 2000 il premio per il miglior attore e il Grand Prix tecnico, è stato inserito dalla rivista del British Film Institute Sight & Sound tra i 30 film più importanti del primo decennio del XXI secolo.

Tratto da Un incontro, racconto breve di Lui Yichang, la storia è ambientata nel 1962 in una Hong Kong che sta vivendo la progressiva occidentalizzazione e lo sgretolamento del colonialismo.

Su Li-zhen (Maggie Cheung) e Chow Mo-wan (Tony Leung Chiu-Wai) si trasferiscono in due appartamenti adiacenti dello stesso palazzo. Dopo un’interessante scoperta relativa ai rispettivi coniugi, i due cominciano a conoscersi e a guardarsi in un modo diverso.

“Fu un momento imbarazzante, lei se ne stava timida a testa bassa per dargli l’occasione di avvicinarsi, ma lui non poteva, non ne aveva il coraggio, allora lei si voltò e andò via”. Questa frase rappresenta la premessa di un film che si realizzerà negli intermezzi, nei punti in cui lo spettatore non potrà entrare.

La narrazione è al servizio dei due protagonisti, che ripetono spesso azioni quotidiane, sfiorandosi senza mai toccarsi. Questa reiterazione va a sottolineare la secondarietà della parola e l’imprescindibilità dei gesti.

Il tempo è scandito dalla presenza di numerose ellissi accompagnate da dissolvenze in nero.

Ci troviamo in un ricordo al quale abbiamo accesso limitato, in quanto solo chi l’ha vissuto ha il potere di scegliere le parti da conservare e quelle da dimenticare.

Siamo invitati a spiare dal buco della serratura un amore che non si consuma ai nostri occhi, ma è come una sorta di filo invisibile che ha ragione di esistere anche senza essere visto. Il regista sceglie di mostrarci le sole sfumature di questo sentimento, che si palesano anche attraverso la fotografia (prima curata da Cristopher Doyle e poi da Mark Lee Ping Bin) con l’utilizzo costante dell’effetto flou. Spesso vengono inquadrati degli oggetti che lasciano il resto della scena sfocata, dissolta.

L’assenza dei partner di Chow e Su si traduce letteralmente sullo schermo: l’uomo e la donna non compaiono mai, di loro possiamo ascoltare solo le voci e immaginare in lontananza i volti.

In tutto l’arco narrativo viene compiuto un gioco di sottrazione, che ci invita a essere testimoni attivi di questa vicenda sussurrata. Dobbiamo ricostruire i pezzi che Wong Kar-wai decide di celare. Siamo chiamati ad assolvere un ruolo, a interpretare la poesia di una passione in cui il contatto fisico non si palesa mai.

I due brani musicali Quizas, quizas, quizas di Nat King Cole e Yumeji’s Theme di Shigeru Umebayashi, diventano un veicolo comunicativo fondamentale. Sonorità differenti si alternano in maniera del tutto complementare, adattandosi perfettamente all’ambientazione e ai corpi dei personaggi, posti davanti alla macchina da presa sempre in pose plastiche e con abiti eleganti. L’impiego dello slow-motion conferisce ancora più importanza alle figure che si muovono lentamente nello spazio, andando a cadenzare i momenti cardine e a imprimerli nella memoria.

Girato quasi totalmente in interni, In the mood for love si muove nei luoghi della reminiscenza e perfino i vicoli piovosi appaiono chiusi, sigillati da quella attrazione accarezzata e mai esplicitata.

L’unica sequenza all’esterno è quella in cui Chow si reca in Cambogia, presso il tempio di Angkor Wat, e bisbiglia il suo segreto alla fessura di un muro, lasciando che le rovine di una civiltà accolgano e custodiscano una confessione che nessun altro conoscerà mai.

Frasi taciute e atti omessi incasellano un passato che non può più riproporsi e lo collocano dietro quel “vetro impolverato” attraverso il quale ormai è impossibile vedere nitidamente quello che è stato.

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Maria Cagnazzo,
Redattrice.

February 18, 2025
La tecnologia nel cinema horror orientale – Cinque consigli (più uno)

Yokai non è solo la parola giapponese per indicare un demone, ma indica anche un momento, una sensazione di terrore e confusione, o di stupore di fronte ad un evento straordinario e inafferrabile, spiegabile solo con l’intervento di un’entità soprannaturale.

Una pratica comune di diverse civiltà e culture è quella di creare storie e miti capaci di trovare una spiegazione ad avvenimenti apparentemente inspiegabili: a partire dal sorgere e tramontare del sole, passando per l’esistenza di montagne e mari, fino a domande ben più complesse come il perché dell’esistenza stessa dell’uomo. In questo le civiltà orientali non fanno assolutamente eccezione, ma anzi mantengono ancora oggi alcune pratiche che noi occidentali definiremmo come scaramantiche o superstiziose (un ovvio esempio è il famoso maneki neko, la statuetta a forma di gatto intenta a “chiamare” con la zampa sinistra, con l’obiettivo di attirare i clienti e ancora oggi spesso presente nei negozi, o con la destra, per portare salute e fortuna e dunque spesso acquistata e posizionata nelle abitazioni private). Nella cultura cinese si manifestano così figure come gli E Gui, spiriti insaziabili di persone avide in vita, i Diao Si Gui, gli spiriti degli impiccati e dei suicidi, o le Nu Gui, spiriti femminili vittime di violenza o ingiustizie caratterizzate da un lungo vestito bianco e lunghi capelli neri sugli occhi, tanto simili alle Yuki-Onna giapponesi, che condividono con esse un aspetto praticamente identico, ed affiancate nella cultura giapponese da Oni, giganteschi ogre. Ricordiamo anche i Kappa, piccoli esseri antropomorfi dalle mani e piedi palmati ghiotti di cetrioli, e i Tengu, uccelli antropomorfi con la faccia rossa ed un lungo becco.

Uno dei concetti più affascinanti di queste culture sono gli Tsukumogami, ovvero oggetti che divenuti datati finiscono per sviluppare un proprio spirito ed una propria identità. Nella cultura giapponese, per esempio, ne esistono moltissimi con nomi diversi: dal Bakezōri, generato in un tradizionale sandalo da spiaggia, al Chōchinobake, nato da una lanterna, fino al Kosode-no-te, che si sviluppa da un kimono. Con il grande sviluppo tecnologico avvenuto negli anni recenti, la produzione cinematografica dell’orrore ha fin da subito manifestato un forte interesse nel prendere il concetto sopracitato e di riflettere sui possibili legami tra le nuove invenzioni e la cultura storica e le credenze popolari. Andiamo quindi alla riscoperta di cinque (+1) pellicole orientali che hanno saputo riflettere sulle nuove tecnologie attraverso il cinema dell’orrore.

L’articolo contiene alcuni spoiler minori riguardo ai film analizza

Ringu e le V/H/S

Con l’approdo in sala nel 2002 di The Ring di Gore Verbinski si aprì una fortunatissima parentesi di remake cinematografici in terra statunitense di alcuni tra i più famosi ed apprezzati horror orientali ed in particolare giapponesi. La forza di Verbinski – che dimostra un’abilità singolare ed unica che non verrà riproposta dagli altri cineasti che si imbarcheranno nelle altre operazioni di remake – fu quella di adattare, modificando non poco, l’apprezzatissimo Ringu, uscito in terra nipponica quattro anni prima e diretto da Hideo Nakata.

Per quanto si dimostri funzionale anche nella versione americana, la maledizione perpetuata da Sadako – il cui design pesca a piene mani da quello delle Yuki-Onna sopracitate – attraverso le videocassette ricorda molto da vicino il concetto di Tsukumogami, con la sostituzione della vecchiaia dell’oggetto con l’elemento sovrannaturale dei poteri psichici di cui dispone la giovane ragazza fin dalla nascita, anch’esso altro elemento comune a molte storie orientali e molto meno radicato invece nelle varie culture occidentali (ad esclusione della figura del medium, che comunque mostra numerose differenze). La storia messa in scena da Nakata non si ferma però al semplice sfruttamento delle videocassette – in quel momento talmente diffuse da far nascere facilmente in qualunque spettatore la paura di avere una copia della cassetta maledetta in uno dei propri scaffali – ma imbastisce un racconto pieno di tristezza ed angoscia, in cui l’amore per i propri famigliari e l’odio per il diverso tipici del cinema di Nakata donano alla pellicola una forte personalità e profondità.

Kairo e l’ascesa del web

Ad oggi anche i bambini più giovani sono capaci di utilizzare gli smartphone più avanzati ed i pc di nuova generazione. Basta però andare indietro di soli trent’anni per approdare in un mondo in cui navigare su internet era un’impresa di cui pochi erano capaci e dove il web stesso si presentava come un fattore fortemente misterioso. Non sorprende quindi che nel 2001 un regista come Kiyoshi Kurosawa abbia “colto la palla al balzo” per portare sul grande schermo Kairo (conosciuto anche come Pulse sul territorio occidentale), dalla cui sceneggiatura lo stesso Kurosawa avrebbe poi tratto un romanzo omonimo. Il film si basa sulla rappresentazione del web come ponte tra il nostro mondo e quello degli spiriti.

Tra suoni intermittenti di pc che si connettono lentamente ad internet, porte sigillate da nastro adesivo rosso, macchie sui muri dalla forma antropomorfa e strani glitch grafici sui vari schermi, scorre una prima parte fortemente incentrata sulla paura – tanto da presentare quello che da molti viene ritenuto l’incontro con un fantasma più spaventoso del cinema senza l’uso di jumpscare o forti rumori – dopo la quale la pellicola presenta una virata molto marcata, mettendo in scena una profonda riflessione sulla natura isolazionista dell’uomo e di come l’avvento dei computer e del web lo possa influenzare negativamente, andando però a perdere gradualmente il senso di terrore presente all’inizio. Se quindi nel panorama dei j-horror non si presenta come un titolo senza difetti, l’effetto instant cult si è comunque immediatamente manifestato – tanto da generare a sua volta una serie di remake americana che vanta all’attivo tre pellicole – grazie ad alcune scene divenute iconiche, ma soprattutto alla lungimiranza dello sguardo del regista, più attuale che mai soprattutto dopo il periodo di isolamento dovuto alla pandemia.

One Missed Call e il fenomeno dei cellulari

Oggi il cellulare è divenuto qualcosa che molti definiscono come un’appendice del nostro corpo, qualcosa con cui una persona non esce mai senza e che utilizza per gli scopi più svariati, da messaggiare con una persona dall’altro capo del mondo a guardare intere stagioni di una serie tv in streaming su una piattaforma. Nei primi anni 2000, invece, il cellulare era uno strumento già fortemente diffuso, soprattutto tra i giovani adulti, ma era solamente utilizzato per mandare un messaggio o chiamare (tra l’altro con caratteri o minuti limitati) o al massimo giocare a Snake. Proprio su queste limitazioni Takashi Miike costruisce il suo One Missed Call – tratto dal romanzo Chakushin Ari di Yasushi Akimoto – uscito nel 2003 (arrivato da noi con l’insipida traduzione The Call – Non rispondere) basato su una struttura molto semplice: a turno alcuni ragazzi ricevono una chiamata senza risposta sul cellulare, con messaggio in segreteria allegato che risulta però datato due giorni nel futuro ed in cui si sente la propria voce terminare una frase urlando. Superfluo dire come, dopo due giorni dall’arrivo del messaggio, la persona in questione muoia pronunciando proprio la frase sentita nel messaggio, continuando la maledizione attraverso una chiamata a un numero sulla propria rubrica.

Dove l’anno prima Kurosawa aveva puntato alla sperimentazione, Miike decide invece di imbastire un film fortemente tradizionale nel panorama dei j-horror con un elemento di riflessione meno marcato – ma comunque presente – e puntando molto sulla costruzione di momenti horror e disturbanti che risultano fortemente riusciti. Successo più di pubblico che di critica, la pellicola negli anni ha comunque ottenuto due sequel in terra nipponica ed un remake americano che non sono però riusciti a mantenere l’asticella così elevata.

Shutter e gli ultimi giorni della pellicola fotografica

Quando nel 2004 esce in Thailandia Shutter diretto dall’esordiente Banjong Pisanthanakun, nessuno poteva immaginare il successo a cui sarebbe andato incontro con quasi sette milioni di dollari di incasso, un’uscita internazionale che comprende moltissimi paesi anche occidentali ed un seguito di remake sia in oriente sia in occidente come mai successo fino a quel momento. L’attesa ed il mistero portato dalla necessità di sviluppare, con un periodo di attesa abbastanza lungo, le fotografie sul rullino aveva infatti portato il regista thailandese ad applicare l’attesa non nella riuscita della fotografia in sé ma nella scoperta di aver fotografato qualcosa di macabro e sovrannaturale.

Il film di Pisanthanakun si sviluppa quindi come un vero e proprio manuale di cinematografia horror, capace di pescare a piene mani elementi da diversi titoli più o meno famosi – le fotografie “anomale” erano in parte già presenti in Ringu ed una sequenza della trama ricorda molto da vicino quanto visto in So cos’hai fatto – integrandoli sapientemente in un racconto capace comunque di reggersi sulle proprie gambe, con due protagonisti ben scritti, riempiendo la narrazione di twist che tengono incollato lo spettatore allo schermo – il frame di chiusura rimarrà sicuramente impresso dopo la prima visione – e riuscendo anche a raccontare la cultura e le usanze della Thailandia. Se a questo aggiungiamo la rinuncia quasi totale agli effetti digitali, donando così un effetto più ruvido e realistico ai momenti sovrannaturali, e l’ispirazione ad una vera leggenda urbana del luogo, ci si rende conto di quanto questa pellicola sia estremamente geniale.

Noroi: The Curse ed il mockumentary

Dopo il successo planetario di The Blair Witch Project, era soltanto questione di tempo prima che anche dalle terre nipponiche arrivasse un tentativo di sfruttare il fenomeno del mockumentary (sottogenere per cui vi rimandiamo al nostro approfondimento). La pellicola più riuscita – da molti considerata una delle migliori del sottogenere tutto – è senza dubbio Noroi: The Curse di Kōji Shiraishi uscita nel 2005, la quale presenta allo spettatore l’ultimo documentario sul sovrannaturale di Masafumi Kobayashi, un ricercatore sul paranormale scomparso misteriosamente dopo l’incendio che ha investito la sua casa due giorni dopo la fine delle riprese.

Costruita come un vero e proprio documentario montato da Kobayashi prima della sua scomparsa, la pellicola presenta quindi un montaggio ad hoc per la visione con musiche d’accompagnamento, scritte in sovrimpressione, fermi immagini, ralenti per mostrare allo spettatore qualcosa che può essersi perso in precedenza, numerose interviste ed anche spezzoni di programmi televisivi capaci di ricostruire il quadro complessivo della maledizione su cui il protagonista sta indagando. Ciò che eleva questa pellicola sopra alla media dei mockumentary è però la scelta di non sfruttare jumpscare o rumori forti per generare lo spavento momentaneo e nemmeno di inserire le classiche “inquadrature mosse in corsa” tipiche di queste produzioni, bensì costruisce una tensione continua grazie alla sensazione continua di angoscia e disturbo che cresce sequenza dopo sequenza, con una regia sempre chiara che mantiene costantemente l’obiettivo fisso su ciò che davvero spaventa: l’orrore è reale.

Non possiamo però concludere senza una pellicola bonus, obbligatoria da inserire in quest’ultima categoria proprio per la sua abilità di dialogare direttamente con lo spettatore, generando una fortissima ansia per tutta la visione. Stiamo parlando della pellicola taiwanese Incantation, diretta da Kevin Ko nel 2022 e disponibile su Netflix.

MATTIA BIANCONI

May 17, 2023
OMBRE DA ORIENTE – TERRA GIALLA DI CHEN KAIGE (1984)

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Il nuovo cinema cinese e la “quinta generazione”

Gli anni Ottanta rappresentarono un momento chiave per l’evoluzione del cinema cinese. Sia a Hong Kong (che all’epoca era ancora una colonia britannica) sia a Taiwan sia nella Repubblica Popolare Cinese, infatti, si svilupparono in quel periodo le cosiddette new wave, che cambiarono per sempre queste cinematografie, come era accaduto due decenni prima in Europa con la Nouvelle Vague francese. I registi di questi “nuovi cinema” erano anzitutto cinefili: avevano formato il proprio sguardo sui film del passato ed erano pronti a rielaborare tali sensibilità in nuove narrazioni di dirompente originalità. A Hong Kong si imposero cineasti come Ann Hui, Patrick Tam, Allen Fong e Tsui Hark, ai quali poi fece eco una seconda new wave composta dal celebre Wong Kar-wai, da Stanley Kwan e Fruit Chan; a Taiwan, invece, si affermarono autori fondamentali come Hou Hsiao-hsien (A Time to Live, a Time to Die, 1985; Città dolente, 1989) e Edward Yang (Taipei Story, 1984; A Brighter Summer Day, 1991), che aprirono la strada alle opere di Tsai Ming-liang. La Repubblica Popolare Cinese, dal canto suo, fece il suo ingresso negli anni Ottanta con una situazione politica piuttosto complessa: nel 1976 terminò la drammatica fase della Rivoluzione culturale (una terribile guerra civile, nata dal fallimento delle politiche economiche maoiste) e nello stesso anno morì Mao Zedong; in seguito, nel 1978, Deng Xiaoping assunse la leadership cinese e iniziò un percorso di riforme che avrebbero aperto il paese al mondo e posto le basi per la vertiginosa crescita economica del colosso asiatico.

Fu in questo clima di fermento che il cinema cinese visse una fase di cambiamento profondo: l’Accademia del Cinema di Pechino, chiusa per anni durante la Rivoluzione Culturale, riaprì i battenti e nel 1982 si diplomarono presso di essa diverse personalità che avrebbero dato vita alla cosiddetta “quinta generazione” di cineasti cinesi e avrebbero contribuito al rinnovamento del cinema nazionale. Tra queste figure, le più rappresentative sono senz’altro Chen Kaige e Zhang Yimou, i quali nel 1984 girarono un’autentica pietra miliare, Terra gialla (Huang tudi, anche conosciuto col titolo internazionale Yellow Earth), che nel 2005, durante la ventiquattresima edizione degli Hong Kong Film Awards, venne eletta quarto miglior film cinese di sempre, dopo Spring in a Small Town (1948) di Mu Fei, A Better Tomorrow (1986) di John Woo e Days of Being Wild (1990) di Wong Kar-wai.

I giovani Chen Kaige (primo a sinistra) e Zhang Yimou (al centro) sul set di Terra gialla

Terra gialla: scontro tra tradizione e ideologia

Diretto da Chen e magistralmente fotografato da Zhang, Terra gialla è l’adattamento di un romanzo di Ke Lan e venne prodotto da Guangxi Film Studio, una casa di produzione (controllata dallo stato, come tutte a quel tempo in Cina) che aveva da poco avviato le proprie attività e che era quindi propensa a promuovere un rinnovamento nel cinema post-Rivoluzione culturale.

Il film è ambientato nel 1939, durante la Guerra Sino-Giapponese, nelle campagne del nord dello Shaanxi vicino alle rive del Fiume Giallo. Racconta la storia del soldato Gu Qing, membro dell’Ottava Armata della Strada (un’unità dell’esercito del Partito Comunista Cinese, che all’epoca lottava contro i nazionalisti del Kuomintang per il governo del paese: la Repubblica Popolare sarebbe nata solo nel 1949), inviato nelle aree rurali alla ricerca di allegri canti popolari da adattare allo spirito comunista e utilizzare per incoraggiare i soldati rivoluzionari. Giunto nelle campagne, Gu soggiorna presso una famiglia di contadini – composta dall’anziano padre vedovo, dalla decenne Cuiqiao e dal fratello minore Hanhan – e, grazie a loro, conosce la vita dell’ambiente contadino e scopre che le canzoni felici che cerca non esistono: gli unici canti che ascolta parlano di travaglio e sofferenza quotidiani.

Come molti tra i primi film della “quinta generazione” (ad esempio, Horse Thief di Tian Zhuangzhuang, 1986; e Sorgo rosso di Zhang Yimou, 1987), Terra gialla si ambienta nella Cina rurale e ne esalta la dimensione paesaggistica e le culture locali. Non c’è alcuna epicità propagandistica (che era invece onnipresente nel cinema dell’era maoista) e i personaggi non rappresentano più monolitiche incarnazioni di credi politici in perenne scontro: i protagonisti sono esseri umani comuni, alle prese con le incertezze quotidiane e le pene dell’esistenza, lontanissimi da qualsiasi sicurezza eroica. È un cinema collocabile “in quel «neo-tradizionalismo» che si era diffuso in diversi ambiti artistici nella Cina della prima metà degli anni Ottanta, segno di un genuino tentativo di scoprire le autentiche tradizioni del paese al di fuori della retorica di regime” (D. Tomasi). La campagna cinese, che in molti avevano tragicamente conosciuto durante le rieducazioni nei campi di lavoro nel periodo della Rivoluzione culturale, appare come un universo fuori dal tempo e dallo spazio, lontanissimo dai grandi centri urbani e dai prorompenti ideali rivoluzionari.

In questa profonda rottura con i canoni dello spesso monocorde cinema maoista, Chen mette in luce con grande finezza le illusioni del soldato Gu, sostenitore indottrinato degli ideali dell’imminente rivoluzione comunista, che giunge nella Cina profonda con la convinzione di riscoprirvi le radici di una cultura millenaria da adeguare alle dottrine di progresso proposte da Mao. Ciò che impara a conoscere, in realtà, è un mondo in cui poco contano gli ideali e tutto si fonda sulla sussistenza, sul riuscire a sopravvivere traendo il possibile dalla natura. Memorabile, in questo senso, è il confronto tra il soldato e l’anziano patriarca della famiglia che lo ospita: l’uomo racconta di aver dato in sposa una propria figlia maggiore e di come la felicità o infelicità di quest’ultima dipendano esclusivamente dalla disponibilità di cibo nella sua nuova famiglia. Non c’è spazio per i sentimenti: “Hai degli amici se hai carne e vino. L’amore coniugale dipende dalla disponibilità di cereali. Niente cibo, niente amore.”, proclama il padre, sotto lo sguardo attonito di Gu che, a poco a poco, comprende la difficoltà di instillare le parole d’ordine di Mao, che parlano di libertà e cultura per tutti (donne incluse), in un luogo legatissimo alle tradizioni del passato e alle immediate necessità.

Di lì a poco, peraltro, anche la giovanissima Cuiqiao apprenderà di stare per essere data in sposa a un uomo che non conosce: una scena che Chen gira dedicando un lungo e insistito primo piano al volto della ragazzina, interpretata con straordinaria dignità da un’intensa Xue Bai, che ascolta il padre comunicarle, con la voce rotta dal dolore, la necessità di maritarla, nella speranza che possa trovare la felicità con un consorte in grado di mantenerla. D’altronde il genitore stesso, poco prima, aveva certificato che “per un uomo sposarsi è felicità, per una donna è tristezza”. È allora che in Cuiqiao, affascinata dai racconti di Gu, che parlano di emancipazione femminile per le arruolate nell’armata maoista, germoglia il desiderio di lasciare la sua terra per unirsi ai rivoluzionari. Pertanto si fa promettere dal soldato, ormai in procinto di ripartire alla volta del proprio campo base a Yan’an, di tornare entro poche settimane per salvarla dal matrimonio combinato e portarla con sé per unirsi all’esercito comunista. La scena del commiato tra i due personaggi, di grande lirismo anche per l’impiego del canto tradizionale, mostra un addio pieno di ansie e speranze: lui si lascia alle spalle il paesaggio ancestrale di cui a poco a poco si è innamorato, sempre più consapevole della non facile applicabilità degli ideali che ispirano la sua esistenza; lei, invece, si riimmerge tra le sue montagne giallastre, teatro delle tradizioni e delle arretratezze che la opprimono, desiderosa di partire e incontrare finalmente quelle idee di progresso che tanto la allettano.

Nella sequenza successiva, tuttavia, le speranze di Cuiqiao vengono abbattute: una rossa portantina (la stessa della celebre sequenza d’apertura di Sorgo rosso) e un corteo di suonatori si presentano alla sua porta. Il matrimonio e lo sposo non sono mostrati: Chen inquadra solo una mano che rimuove un velo rosso dal volto della giovane e ne sottolinea l’oppressione tramite il respiro affannoso e un leggero arretramento del personaggio, letteralmente messo al muro, verso la parete sullo sfondo. La ragazza, poco dopo, annuncerà al fratellino minore Hanhan di aver deciso di andarsene, senza nemmeno attendere l’annunciato ritorno del soldato Gu, per unirsi all’armata comunista e trovare la sua emancipazione. “Hanhan, sto soffrendo. Non posso più aspettare. […] Di a fratello Gu che Cuiqiao diventerà un soldato.”, dice la giovane, prima di attraversare da sola il Fiume Giallo, in una sequenza notturna che ha del miracoloso per l’uso del colore, che fa apparire i personaggi come ombre nere stagliate contro il blu scuro del fiume. Gu, in realtà, farà ritorno nello Shaanxi per cercare Cuiqiao, ma arriverà solo in tempo per assistere a un rito agreste per supplicare la pioggia: una sequenza impressionante, particolarmente creativa per l’efficace uso del ralenti, in cui un popolo e una terra assetati, sottoposti all’ennesimo travaglio, invocano la salvezza dal cielo mentre il piccolo Hanhan, avvistato Gu su una collina poco lontana, corre verso di lui gridando: “Salva il nostro popolo!”. È il disperato appello delle campagne alla promessa comunista, di cui Gu è portatore. Ma Chen non chiude il film celebrando la potenza salvifica del pensiero del “Grande Timoniere”, come probabilmente sarebbe accaduto in epoca maoista, bensì sospende la narrazione e, come ultimo soggetto, inquadra un panorama vuoto e arido, in cui riecheggia un canto tradizionale rivoluzionario (“Il galletto è volato oltre il muro, sono i comunisti a salvare il popolo”) che, dopo gli orrori dell’Era di Mao e della Rivoluzione culturale, suggerisce la fallacia dell’ideologia che di lì a pochi anni avrebbe avuto la meglio in Cina. Il film, non a caso, suscitò non poche controversie alla sua uscita poiché, secondo molti, metteva in discussione la capacità del Partito Comunista di aiutare le popolazioni rurali durante gli anni della guerra civile che portò alla nascita della Repubblica Popolare. La sospensione del finale e l’incerto destino a cui Chen Kaige consegna Cuiqiao, in effetti, sono lontanissimi dalle rassicuranti certezze di tanto cinema di propaganda dei decenni precedenti, in cui il comunismo era rappresentato come un appiglio sicuro per il popolo.

Un grande racconto per suoni e immagini

Secondo Richard James Havis, autore nel 2003 di una celebre intervista a Chen Kaige, Terra gialla fu il primo film cinese, almeno dai tempi della rivoluzione comunista del 1949, a raccontare una storia attraverso le immagini, più che attraverso i dialoghi. All’estetica talvolta monotona del cinema propagandistico degli anni Cinquanta e Sessanta, infatti, la pellicola di Chen oppone una straordinaria identità visiva e sonora, che sfrutta tutte le potenzialità del mezzo cinematografico. Il regista rende il paesaggio protagonista e sono molte le inquadrature, spesso campi lunghi e lunghissimi, in cui non vi è presenza umana o in cui i protagonisti appaiono piccolissimi, sovrastati dalle aride distese e catene montuose del nord dello Shaanxi, caratterizzate dal terreno giallastro che dà il titolo al film. È come se Chen, tramite la composizione dei fotogrammi, volesse talvolta mettere da parte i suoi personaggi e sottolineare come quei luoghi sterminati rappresentino la vera culla dello stile di vita che tanto influisce sul loro destino. Tanta attenzione è dedicata proprio all’esaltazione delle tradizioni locali: vengono mostrati rituali (il corteo nuziale e il matrimonio all’inizio), danze e soprattutto molte sequenze di canto. La musica e le nenie popolari, infatti, sono assai presenti nel film e si alternano al soffiare del vento, per costruire un’atmosfera rarefatta e atemporale, caratteristica di un luogo in cui la Storia fatica ad arrivare e a sortire i suoi effetti. Il carattere pittorico della pellicola, infine, è esaltato dalla dimensione del colore, del cui utilizzo i registi della “quinta generazione” (e Chen Kaige e Zhang Yimou in particolare!) erano (e restano) maestri: i gialli predominanti, ma anche i rossi e i blu si fondono nel fotogramma, come a voler tradurre l’incontro-scontro tra tradizioni, mentalità, culture e ideologie in un amalgama coloristico di grande bellezza.

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April 21, 2022