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  • Film al cinema ad Agosto 2023

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    Demeter: il risveglio di Dracula

    Regista: André Øvredal
    Genere: Horror
    Anno: 2023
    Paese: USA
    Durata: 119 min
    Data di uscita: 10 agosto 2023
    Distribuzione: 01Distribution
    L’equipaggio della nave mercantile Demeter tenta di sopravvivere ad un lungo viaggio da Carpathia a Londra, mentre viene perseguitato ogni notte da una oscura presenza.

    Il giuramento di Pamfir

    Regista: Dmytro Sukholytkyy-Sobchuk
    Genere: Drammatico
    Anno: 2022
    Paese: Ucraina
    Durata: 100 min
    Data di uscita: 10 agosto 2023
    Distribuzione: Movies Inspired
    Quando Pamfir, ex contrabbandiere, torna a casa nel suo villaggio, è determinato a guadagnarsi da vivere onestamente e a dare il buon esempio al figlio adolescente Nazar. Ma in una città in cui la corruzione è profonda e il crimine e la religione sono inestricabilmente legati, il suo piano viene rapidamente vanificato…

    Il mio vicino Totoro

    Regista: Hayao Miyazaki
    Genere: Animazione, Fantasy, Avventura
    Anno: 1988
    Paese: Giappone, USA
    Durata: 86 min
    Data di uscita: 10 agosto 2023
    Distribuzione: Lucky Red
    Due sorelle si trasferiscono in campagna con il padre per stare più vicine alla madre ricoverata in ospedale e scoprono che gli alberi circostanti sono abitati dai Totoro, spiriti magici della foresta.

    Blue Beetle

    Regista: Angel Manuel Soto
    Genere: Fantascienza, Azione, Avventura
    Anno: 2023
    Paese: USA, Messico
    Durata: 137 min
    Data di uscita: 17 agosto 2023
    Distribuzione: Warner Bros.
    Jaime Reyes, appena laureato, torna a casa pieno di speranze per il suo futuro, solo per scoprire che niente è come prima. Mentre cerca di trovare il suo scopo nel mondo, il destino interviene quando Jaime si ritrova inaspettatamente in possesso di un’antica reliquia della tecnologia aliena…

    Passages

    Regista: Ira Sachs
    Genere: Drammatico
    Anno: 2023
    Paese: Francia
    Durata: 91 min
    Data di uscita: 17 agosto 2023
    Distribuzione: MUBI e Lucky Red
    Nella Parigi odierna, il regista tedesco Tomas abbraccia la sua sessualità attraverso una torrida storia d’amore con una giovane donna di nome Agathe. Alle prese con emozioni contraddittorie, Tomas deve accettare i confini del suo matrimonio o lasciare che la relazione finisca.

    Following

    Regista: Christopher Nolan
    Genere: Thriller
    Anno: 1998
    Paese: Gran Bretagna
    Durata: 70 min
    Data di uscita: 23 agosto 2023
    Distribuzione: MIKADO, Movies Inspired
    Bill, un aspirante scrittore ozioso e disoccupato, cammina per le strade affollate di Londra seguendo sconosciuti scelti a caso, un divertimento apparentemente innocente che diventerà presto pericoloso…

    Last Film Show

    Regista: Pan Nalin
    Genere: Family, Drammatico
    Anno: 2021
    Paese: India, Francia, USA
    Durata: 110 min
    Data di uscita: 23 agosto 2023
    Distribuzione: Medusa Film
    In uno sperduto villaggio indiano, un bambino di 9 anni inizia una storia d’amore con il cinema che durerà tutta la vita quando entra in una sala fatiscente e trascorre un’estate a guardare film dalla cabina di proiezione.

    Oppenheimer

    Regista: Christopher Nolan
    Genere: Drammatico, Biografico, Storico
    Anno: 2023
    Paese: USA, Gran Bretagna
    Durata: 180 min
    Data di uscita: 23 agosto 2023
    Distribuzione: Universal Pictures
    La storia del ruolo di J. Robert Oppenheimer nello sviluppo della bomba atomica durante la Seconda Guerra Mondiale.

    La bella estate

    Regista: Laura Luchetti
    Genere: Drammatico
    Anno: 2023
    Paese: Italia
    Durata: 111 min
    Data di uscita: 24 agosto 2023
    Distribuzione: Lucky Red
    Ambientato durante una “bella estate” a Torino nel 1938, sullo sfondo della successiva entrata dell’Italia dell’era fascista nella Seconda Guerra Mondiale, vede la diciottenne Cassell nei panni della disinibita modella Amelia, in un mondo di artisti bohémien dove si innamorerà per la prima volta…

    Si alza il vento

    Regista: Hayao Miyazaki
    Genere: Animazione, Biografico, Drammatico
    Anno: 2013
    Paese: Giappone
    Durata: 126 min
    Data di uscita: 24 agosto 2023
    Distribuzione: Lucky Red
    L’amore per il volo ha ispirato per tutta la vita l’ingegnere aeronautico giapponese Jiro Horikoshi, la cui carriera è costellata dalla creazione dell’aereo da combattimento A-6M della Seconda Guerra Mondiale.

    Jeanne du Barry – La favorita del re

    Regista: Maïwenn
    Genere: Drammatico, Storico
    Anno: 2023
    Paese: Francia
    Durata: 116 min
    Data di uscita: 30 agosto 2023
    Distribuzione: Notorious Pictures
    La vita di Jeanne Bécu, nata nel 1743 come figlia illegittima di una sarta impoverita e salita alla corte di Luigi XV fino a diventare la sua ultima amante ufficiale.

    Tartarughe Ninja: Caos Mutante

    Regista: Jeff Rowe, Kyler Spears
    Genere: Animazione, Azione, Avventura
    Anno: 2023
    Paese: USA
    Durata: 139 min
    Data di uscita: 30 agosto 2023
    Distribuzione: Eagle Pictures
    Dopo anni di isolamento dal mondo umano, i fratelli Turtle cercano di conquistare i cuori dei newyorkesi e di essere accettati come normali adolescenti attraverso atti eroici.

    Equalizer 3: Senza tregua

    Regista: Antoine Fuqua
    Genere: Azione, Thriller
    Anno: 2023
    Paese: USA
    Data di uscita: 30 agosto 2023
    Distribuzione: Eagle Pictures
    Robert McCall si trova a casa sua nel Sud Italia, ma quando scopre che i suoi amici sono sotto il controllo dei boss della criminalità locale decide di diventare il protettore dei suoi amici affrontando la mafia.

    L’ordine del tempo

    Regista: Liliana Cavani
    Genere: Drammatico
    Anno: 2023
    Paese: Italia
    Durata: 112 min
    Data di uscita: 31 agosto 2023
    Distribuzione: Vision Distribution
    Esplora ciò che accade a un gruppo di amici di lunga data una sera in cui, durante il loro incontro annuale per festeggiare un compleanno in una villa sul mare, scoprono che il mondo potrebbe finire nel giro di poche ore. Da quel momento in poi, il tempo che li separa dalla possibile fine delle loro vite sembra scorrere in modo diverso, veloce e infinito, in una notte d’estate che cambierà le loro vite per sempre.

    Manodopera

    Regista: Alain Ughetto
    Genere: Animazione
    Anno: 2022
    Paese: Francia, Italia, Svizzera, Portogallo
    Durata: 70 min
    Data di uscita: 31 agosto 2023
    Distribuzione: Lucky Red
    Piemonte, inizi del ‘900. La speranza di una vita migliore spinge Luigi Ughetto e sua moglie Cesira a varcare le Alpi e a trasferirsi con tutta la famiglia in Francia. Il regista Alain Ughetto ripercorre la sua storia familiare in un dialogo immaginario con la nonna.

    The Store

    Regista: Ami-Ro Sköld
    Genere: Drammatico
    Anno: 2022
    Paese: Svezia
    Durata: 120 min
    Data di uscita: 31 agosto 2023
    Distribuzione: I Wonder Pictures
    Ambientato in una Svezia del futuro prossimo, dove i posti di lavoro scarseggiano, i margini sono stretti e il profitto aziendale ha la meglio su tutto, questo film ibrido rivela una distopia economica spaventosamente riconoscibile. Sköld mette in luce gli effetti di questo sistema spietato su famiglie, amicizie e comunità.

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    Rosario Azzaro,
    Caporedattore.

  • MA COME LO GUARDI? DOMANDE ESTETICHE AL CINEMA

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    Sarà capitato di quando in quando, anche allo spettatore meno avveduto, di imbattersi al cinema nel fenomeno del brutto. Allo stesso spettatore è possibile sia capitato – e ciò, tuttavia, dipende integralmente dalle sue personali abitudini sociali – di discutere animosamente con altri spettatori che, invece, da quello stesso schermo, abbiano rinvenuto un qualcosa di bello. Stabilire da che parte stia la ragione è impresa ardua, anche perché si potrebbe contestare il fatto che tra i giudizi estetici e la ragione possano intercorrere sereni rapporti. 

    Si potrebbe iniziare dunque con una domanda diretta: cosa rende un film brutto? A questa molti degli intervistati rispondo che si definisce tale un film che non coinvolge, che si dimentica facilmente dopo la visione, che non suscita le emozioni promesse (aspettative infrante); oppure che fa sentire meno colpevoli quando si accettano le lusinghe dello smartphone, quando è lento e fa sperare finisca presto. Tuttavia, queste affermazioni, seppur considerabili vere per i singoli, non hanno alcuna valenza oggettiva. Il sentimento di noia provato davanti a un film di Antonioni non implica necessariamente che esso manchi di suscitare interesse a chiunque o che sia ritmicamente mal congegnato; così come le grandi speranze disattese dei tarantiniani, che di fronte a Once upon a time in Hollywood speravano di vedere una cosa alla Kill Bill, alla Bastardi senza gloria, non sono criterio sufficiente a stabilire la riuscita del film. Queste risposte mancano cioè di una prospettiva intersoggettiva limitandosi, di fatto, a spostare la domanda senza però esaurirla. 

    Attribuire a un film un certo valore estetico non significa solo descrivere un vissuto interiore, ma implica un’affermazione sulle qualità estetiche dell’oggetto film. Ci sono tratti oggettivi, cioè propri dell’oggetto, che suscitano qualcosa nel soggetto, il quale poi si esprime nelle categorie di bello/brutto, tragico/comico, sublime/triviale… Ciononostante, non è possibile generalizzare un’esperienza artistica a tutte le altre: opere differenti, lontane nel tempo come nella concezione poetica, producono effetti estetici diversi irriducibili a un sentire universale comune. Le idee di bellezza e bruttezza non sono mai state assolute, esse hanno assunto valori diversi a seconda del periodo storico e dell’area geografica. Lampante il caso della bellezza diafana tanto amata in età romantica:

    “…i tuoi occhi battuti, il tuo pallore, il tuo corpo malato, io non li cederei per la bellezza degli angeli del cielo” (Jules Barbey d’Aurevilly, Léa, 1832).

    Che cosa diciamo quando affermiamo che un film è brutto? Un’opera brutta (non conforme al corrente canone di bellezza) tende a suscitare certe sensazioni nello spettatore: disagio, repulsione, ribrezzo… Tuttavia, non tacceremmo mai Salò o le 120 giornate di Sodoma di essere un brutto film, poiché la sensazione di disgusto che si prova guardandolo è inscritta nel testo: le immagini prodotte dall’autore ricercano quel particolare effetto estetico, ottenendolo perfettamente. In fondo l’immagine del diavolo è bella se ne rappresenta bene la bruttezza.

     Un approccio molto pragmatico suggerirebbe di valutare la bruttezza (o bellezza) di un film in loco, caso per caso, escludendo così ogni possibilità di bello o brutto puro, svincolato dal contesto che sempre cambia. A qualsiasi individuo sufficientemente maturo si mostrasse il film After, non si presenterebbero altre parole per descriverlo se non brutto: perché se paragonato ad altre storie simili mostra tutte le sue debolezze (sceneggiatura debole, recitazione approssimativa, fotografia sonnecchiante…), ma soprattutto perché tra le immagini e la storia avviene una sorta di scollamento: quella relazione amorosa tra i personaggi, che dovrebbe apparire solo come una relazione tossica, malata, è portata involontariamente in scena in veste romantica. E in ciò non è manifesto l’intento artistico di rappresentare il male attraverso il male, non è cioè una scelta intenzionale quella di mostrare un rapporto insano a rappresentazione di tutti i rapporti dello stesso tipo presenti nella realtà; questo lo si deduce dal fatto che i due protagonisti non hanno una fine tragica, anzi si ricercano continuamente nonostante, di film in film (la saga conta ormai quattro lungometraggi), apprendano che per il loro benessere emotivo sarebbe sano troncare. Vengono in questo cioè giustificati, a rappresentare l’istanza di un amore superiore che valica tutte le difficoltà, ma che sembra essere tale solo negli ultimi due minuti di film. La storia, i personaggi e i loro dialoghi sfociano nelle immagini in qualcosa di contraddittorio, di completamente altro. E dunque, è forse un brutto film in particolare perché manca della coscienza linguistica del mezzo che sta usando. Scritto male, ma tradotto in immagini peggio.

    In questo senso, dunque, il brutto cinematografico è forse sempre un brutto formale, e ciò non solo nel senso di una mancata conoscenza della grammatica cinematografica (uso improprio della macchina da presa, montaggio zoppicante, sceneggiatura banale),  – del resto anche lo scavalcamento di campo in Full metal jacket, acquisendo un senso proprio, dimostra che l’infrazione alla regola non comporta necessariamente errori esiziali alla comprensione del testo filmico – ma di una più ampia consapevolezza linguistica: nel suo sviluppo temporale il film si limita, si sistematizza, crea dei sistemi d’aspettative nel pubblico, che non deve necessariamente rispettare, può anche tradire se ciò serve al suo scopo; la domanda da porsi è quindi: come lo fa?

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  • RECENSIONE GLI STATI UNITI CONTRO BILLIE HOLIDAY – IL PEGGIO DEI BIOPIC

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    Gli Stati Uniti contro Billie Holiday sembrava il film perfetto per un regista come Lee Daniels: il regista di Precious(2009) e The Butler (2013) ha fatto sua una storia di razzismo e scontro con le autorità come la travagliata esistenza di Billie Holiday.

    E senz’altro Lee Daniels ha fatto sua la causa civile che la figura di Billie Holiday porta inevitabilmente con sé: peccato che, nel farlo, si sia perso per strada il film.

    LA STORIA (CONFUSA E SUPERCIFIALE) DI LADY DAY

    Con il pretesto di un’intervista del 1957 (un superfluo espediente narrativo di cui la narrazione si dimentica ben presto), il lungometraggio percorre alcuni anni salienti della carriera e della vita di Lady Day, segnati dalla persecuzione da parte del governo degli Stati Uniti, preoccupato per la carica rivoluzionaria di Strange fruit – canzone di protesta contro i linciaggi perpetrati nei confronti della popolazione afroamericana –, cui segue un arresto e una vita tenuta sotto stretta osservazione da parte dell’FBI.

    Qui si può già riscontrare uno dei problemi più grandi del film: la sua scansione temporale. La scelta di coprire un ampio arco di tempo è un azzardo nel genere biopic, perché il rischio di trattare in modo superficiale i singoli momenti a favore del quadro generale – togliendo così spessore a entrambi – è sempre dietro l’angolo. Il film purtroppo non sfugge a questa trattazione superficiale: nonostante il tentativo di collegare tra loro le varie e numerose sottotrame – la dipendenza dalla droga e dai mariti violenti, la persecuzione da parte dell’FBI, il rapporto con il tormentato agente Jimmy Fletcher –nessuna lascia veramente il segno, perché tutte sono trattate come se fossero la trama principale mentre nessuna lo è veramente. Soprattutto c’è poca consequenzialità nel comportamento dei personaggi secondari, che cambiano motivazioni e rapporti da una scena all’altra senza una reale ragione – o meglio, le ragioni vengono spesso trascurate o espresse in forma di spiegoni.

    STRANGE FRUIT

    Ma non è tutta colpa della sceneggiatura di Suzan-Lori Parks; la regia di Lee Daniels appare – con poche eccezioni –sbilanciata tra intensa partecipazione emotiva e tentativo di restare distaccata: il risultato è la mancanza di una direzione precisa, di un punto di vista univoco. Questo è evidente anche nelle scene musicali, dirette e montate senza guizzi e per la maggior parte insignificanti ai fini del senso della storia. L’idea di una musica capace di smuovere le coscienze rimane questo: un’idea, spesso vagheggiata ma raramente messa in pratica in modo convinto all’interno della storia. Alla complessiva mediocrità della messa in scena la regia prova malamente a compensare con scelte artistiche bizzarre o fuori luogo – improvvise accelerazioni della velocità, ingiustificate inquadrature in bianco e nero.

    Per tutto il film restano costantemente di buon livello la fotografia di Andrew Dunn e i costumi di Paolo Nieddu, ma soprattutto l’ottima prova di Andra Day (nonostante il monocorde doppiaggio italiano di Alessia Amendola), imprigionata in un ruolo con poco spessore ma meritatamente candidata all’Oscar come migliore attrice protagonista nel 2021 – nonché autrice, insieme a Raphael Saadiq, della canzone originale Tigress & Tweed presente nella soundtrack del film. Tutto il resto del film, dalla regia alle interpretazioni secondarie – compreso uno spaesato Trevante Rhodes e un monotono Garrett Hedlund – è molto al di sotto delle capacità di tutte le persone coinvolte, non tanto per mancanza di passione nei confronti del soggetto quanto per una perenne indecisione e confusione nella trattazione dello stesso; non a caso, i momenti migliori del film sono quelli in cui si libera dalle trappole delle convenzioni dei biopic e punta tutto sulla rabbia nei confronti della situazione sociale descritta. Spicca in particolare la lunga sequenza onirica che ripercorre l’infanzia di Billie Holiday e prosegue con il ritrovamento casuale di una famiglia afroamericana distrutta dai suprematisti bianchi: la visione allucinata di un’America da incubo, dell’orrore del suprematismo bianco sempre dietro l’angolo e della disperazione di un’anima tormentata fin dall’infanzia. Una sequenza che lascia a bocca aperta, diretta e interpretata benissimo, di tale efficacia, rabbia e potenza espressiva da far notare ancora di più queste clamorose assenze per tutto il resto del film.

    UN BIOPIC DELUDENTE

    Ed è quindi un vero peccato dover constatare che Gli Stati Uniti contro Billie Holiday sia probabilmente uno dei peggiori biopic di recente memoria: un guscio esteticamente interessante ma vuoto e noioso a causa del suo ritmo discontinuo; un film incapace di rendere giustizia non solo alla persona di cui, nel tentativo di offrirne un ritratto imparziale, vengono mostrati soprattutto i vizi e ben poco di ciò che la rendeva così speciale, ma anche e soprattutto all’indignazione civile che muove il film nei confronti del razzismo sistemico di ieri e di oggi.

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  • LIBRI SUL CINEMA: I 10 SCRITTI DAI REGISTI

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    Non ho risposte semplici. il genio del cinema si racconta.
    di Stanley Kubrick

    Stanley Kubrick è sicuramente tra i registi più amati e studiati della storia dell’arte cinematografica. I nostri consigli, dunque, non potevano che iniziare da questo libro -edito da Minimum Fax- che raccoglie numerose interviste fatte al compianto cineasta statunitense. 335 pagine per entrare nel fantastico mondo di Kubrick, tra retroscena, aneddoti personali e analisi dei suoi capolavori. Un libro che racconta un uomo schivo e riservato, e per questo ancora più interessante.

    Lo potete trovare qui. 

    C’era una volta il cinema. I miei film, la mia vita.
    di Sergio Leone

    Altro libro di interviste, stavolta a uno dei più grandi (il più grande forse?) registi del nostro paese: Sergio Leone. Edito da Il Saggiatore, nelle sue 225 pagine scoprirete molti retroscena non solo dei film del Maestro, ma anche di tutto il mondo del cinema italiano degli anni d’oro: anche qui si sprecano gli aneddoti e le curiosità, raccontati con l’amara ironia e sincerità schietta che contraddistingueva il regista romano. Da accompagnare alla visione dei suoi film.

    Lo potete trovare qui.

    Io vedo me stesso. La mia arte, il cinema, la vita.
    di David Lynch

    Terzo libro, terza raccolta di interviste. Stavolta al centro dell’opera c’è David Lynch, “il regista più importante di quest’epoca” secondo il The Guardian. Anche questo edito da Il Saggiatore, con le sue 450 pagine si presenta come un’imponente saggio sul cinema. Il regista del Montana ci racconta le sue opere, le sue ossessioni e la sua visione del mondo, commentando non solo il suo lavoro da filmmaker, ma anche la sua opera di pittore. Un viaggio in tutta la sua carriera, tra successi e insuccessi, sempre con lo stile che lo caratterizza e lo ha reso noto al pubblico.

    Lo potete trovare qui.

    Fare un film.
    di Federico Fellini

    Fellini è, insieme a Sergio Leone, il regista italiano più apprezzato di sempre, anche a livello internazionale. In questo libro, edito da Einaudi, l’autore riminese racconta se stesso, la sua arte e la sua peculiare creatività, riempiendo le pagine di aneddoti e curiosità, tra cui anche l’incontro con la sua compagna di vita: Giulietta Masina. Un’opera che non può mancare nelle librerie di chi ama e apprezza il cinema nostrano.

    Lo potete trovare qui.

    A proposito di niente.
    di Woody Allen

    Il libro più “giovane” di questa lista porta la firma dell’autore comico più importante degli ultimi decenni: Woody Allen. Nelle 400 pagine di questo volume – edito da La nave di Teseo – il regista Newyorkese racconta la sua vita, i suoi amori, la sua arte; il tutto condito con la sua solita comicità e pungente ironia. Un viaggio nella vita di un autore sagace e pungente. Da non perdere!

    Lo potete trovare qui.

    La mia autobiografia.
    di Charlie Chaplin

    Chi non conosce Chaplin? Il genio della commedia muta, un autore unico nel suo genere che ha portato sul grande schermo tematiche ironiche, ma allo stesso tempo di critica sociale impersonando il famoso vagabondo Charlot. Visti oggi, i suoi capolavori non hanno perso un briciolo della loro incredibile ironia e leggerezza. In questo libro Chaplin si racconta a 360 gradi, fornendo inoltre moltissimi spunti su un’epoca fondamentale per la settima arte: il passaggio dal muto al sonoro e tutto quello che ne conseguì. La vita di uno dei più grandi artisti della storia in poco più di 500 pagine. Cosa volere di più?

    Lo potete trovare qui.

    Il nome sopra il titolo.
    di Frank Capra

    La storia di un uomo che, partendo dal nulla, realizza i suoi sogni e mette in schermo storie che ancora oggi fanno scuola. Uno dei registi più importanti di sempre, purtroppo poco conosciuto, che racconta la sua vita e l’ambiente che gli sta intorno. Un viaggio alla scoperta di un grande artista.

    Lo potete trovare qui.

    Lanterna magica.
    di Ingmar Bergman

    Autobiografia di uno dei più importanti registi europei, autore di capolavori quali Persona e Il settimo sigillo. Quello che Bergman scrive è un ritratto onesto della sua vita e della sua carriera; un’opera molto personale che non nasconde sincere autocritiche e che ci accompagno in un viaggio autentico nella sua filmografia, nelle sue passioni e nelle sue debolezze. 250 pagine, edito da Garzanti. Una lettura imperdibile e appassionante.

    Lo potete trovare qui.

    Scolpire il tempo. Riflessioni sul cinema.
    di Andrej Tarkovskij

    Un altro genio del cinema europeo racconta la sua e la nostra passione per il cinema, con un saggio imprescindibile. Una vera lezione di cinema e di arte, con un focus dettagliato sui suoi lavori da regista. Da recuperare per scoprire il regista sovietico e arricchire le proprie conoscenze in materia.

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    Tutto a posto e niente in ordine. Vita di una regista di buonumore.
    di Lina Wertmüeller

    Lina Wertmüeller è stata una delle più importanti registe della storia del cinema. Le sue opere sono sincere e ironiche. La sua autobiografia non poteva essere altrimenti, una lettura leggera ma ricca di spunti interessanti sulla sua vita e su come questa sia stata influenzata dal cinema. Una storia mai banale, come i film della compianta regista romana.

    Lo potete trovare qui.

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  • IL NATALE AL CINEMA

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    Ogni anno nel periodo natalizio si incrociano film cult ormai diventati un appuntamento fisso e nuovi film che raccontano in maniera sempre inedita questo magico periodo dell’anno, ma qual è stato il primo film natalizio di sempre?

    I PRIMI FILM NATALIZI DELLA STORIA

    Il primo film dedicato al Natale fu Santa Claus e risale al 1898. Fu opera di George Albert Smith e dell’omonima casa di produzione, che ha realizzato un cortometraggio di un minuto e diciassette in cui i bambini (interpretati dai figli del regista Dorothy e Harold), una volta messi a letto dalla governante (interpretata dalla moglie, Laura Beyley), ricevono la visita di Babbo Natale che scende per il camino e lascia dei regali ai piccoli.  Oltre ad essere il primo film dedicato al cinema, detiene un altro primato: è il primo cortometraggio in cui due azioni si svolgono in una sola inquadratura in contemporanea.

    Nel 1908, una pellicola muta di 15 minuti propone il primo adattamento cinematografico di A Christmas Carol (1843), il celebre romanzo di Dickens. Purtroppo ad oggi la pellicola è andata perduta e il nome del regista non è stato riportato. Ad ogni modo, numerosissimi adattamenti si sono succeduti. Tra questi, il film del 1971 di Richard Williams vinse persino il Premio Oscar come Miglior cortometraggio d’animazione nel 1972. Il più recente è la biopic su Dickens L’uomo che inventò il Natale (Bharat Nalluri, 2019), che racconta come l’autore, dopo il fallimento dei suoi ultimi tre libri, rilancia la sua carriera grazie all’opera A Christmas Carol. L’adattamento ad oggi più celebre è senza dubbio il film diretto da Robert Zemeckis (2009) con Jim Carrey nei panni dello scorbutico Ebezener Scrooge e Colin Firth nei panni del nipote Fred Scrooge.

    Nella seconda metà del ‘900 la produzione di film a tema natalizio conosce un incremento nella cinematografia sia statunitense sia italiana. La vita è meravigliosa (1946) è un capolavoro della storia del cinema e un’intramontabile pellicola natalizia firmata Frank Capra. Si tratta di uno dei film di Natale più visto in America e nel mondo. Inoltre, nel 1998 una giuria di accreditati esperti lo ha inserito all’undicesimo posto della classifica dei migliori cento film statunitensi di tutti i tempi. Il protagonista George Bailey, un uomo estremamente generoso che tira avanti servendo gli altri e trascurando se stesso, la vigilia di Natale decide di togliersi la vita quel giorno a causa del susseguirsi di eventi funesti. Grazie a Clarence, un angelo di Natale mandato dalla Provvidenza Divina per dissuaderlo dall’insano gesto, gli mostra come sarebbe stata la vita dei suoi cari se lui non fosse mai nato. Acquisisce così la preziosa consapevolezza che la vita di ognuno confina con la vita di tanti altri e se non ci fosse creerebbe un vuoto terribile.

    «Strano, vero? La vita di un uomo è legata a tante altre vite. E quando quest’uomo non esiste, lascia un vuoto.»  (La vita è meravigliosa)

    PANORAMA ITALIANO

    Anche il cinema italiano non ha affatto trascurato il tema, anzi si registra una produzione piuttosto prolifica sin dagli anni ’30, quando Eduardo De Filippo fu tra i primi a cogliere le emozioni che queste feste sono in grado di suscitare nel cuore della gente. Nasce così Natale in casa Cupiello (1931), un’opera teatrale tragicomica che verrà riproposta nel 1962 in una trasposizione della Rai. 

    L’anno successivo, Pietro Francisci propone una rappresentazione del Natale italiano in Natale al campo 119 (1947). La storia viene ambientata nel 1945, quando gli italiani erano ancora internati nei campi statunitensi e in racconti intrisi di nostalgia evocano i momenti trascorsi con i propri cari. Successivamente l’attenzione si sposta verso il lato vacanziero e consumistico e nel 1958 arriva l’antenato dei “cinepanettoni” dei nostri giorni: Vacanze d’Inverno (Camillo Mastrocinque). Con Alberto Sordi e Vittorio De Sica, il film racconta le avventure di personaggi bizzarri nella località sciistica di Cortina d’Ampezzo. 

    DAGLI ANNI ’40 AD OGGI

    Con il passare degli anni l’attenzione si rivolge sempre di più ai bambini, che d’altronde sono i veri protagonisti del Natale e i film vogliono portare loro gioia durante le feste (e perché no, anche un po’ di spensieratezza agli adulti).

    Miracolo nella 34ª strada (Les Mayfield, 1994), remake dell’omonimo film del 1947 di George Seaton, è considerato il film di Natale per eccellenza. Racconta la storia di un maturo signore che viene ingaggiato per impersonare Babbo Natale, con la particolarità che si immedesima talmente tanto da convincersi di esserlo davvero. La prima versione del 1947 esce dopo poco tempo dalla fine della Seconda guerra mondiale e la sua forza risiede nell’aver saputo mettere in scena una vita fuori dallo spettro della guerra, l’american way of life tanto desiderato dalla gente. A ciò, Seaton aggiunge la speranza che Babbo Natale davvero esista.

    Nel 1966 arriva il primo adattamento televisivo animato de Il Grinch (1957) del Dr. Seuss: Il Grinch e la favola del Natale!. Un burbero personaggio con un cuore “di due taglie più piccolo” che, stufo di questa festa, decide di travestirsi da Babbo Natale e rubare il Natale. Nonostante avesse rubato dalle case le decorazioni, i regali e il cibo, non sente grida di disperazione come si sarebbe aspettato; è allora che capisce che il vero senso della festa prescinde dai beni materiali. Ad oggi la versione più celebre è il film diretto da Ron Howard (2000) e con Jim Carrey nel ruolo del Grinch. Dietro Mamma, ho perso l’aereo (1990), il secondo film natalizio con il maggiore incasso di tutti i tempi, finché entrambi non sono stati superati nel 2018 dal terzo adattamento cinematografico de Il Grinch (Yarrow Cheney e Scott Mosier).

    Dagli anni Settanta in poi, la proliferazione di film a tema natalizio è piuttosto abbondante. Un titolo che riproposto immancabilmente è Una poltrona per due (John Landis, 1983), una commedia in cui il regista critica un capitalismo privo di scrupoli. Laura Casarotto (direttrice di Italia 1) spiega che il film è riuscito a diventare un appuntamento fisso e rassicurante perché ai bambini si parla di Babbo Natale e, allo stesso tempo, gli adulti hanno la loro storia comica (ma con delle celate riflessioni sociali). 

    Non è Natale senza Mamma, ho perso l’aereo (1990): uno dei film natalizi più amato dagli italiani. Il piccolo Kevin viene accidentalmente lasciato a casa mentre il resto della famiglia pare per Parigi; da solo Kevin dovrà proteggere la casa dall’attacco dei malviventi Harry Lime e Marv Merchants. 

    Al 1994 risale l’ultimo film della coppia Bud Spencer e Terence Hill: Botte di Natale (Terence Hill). Si tratta di un revival del fortunato filone del Western all’Italiana. Purtroppo il film fu un fiasco e il progetto di un possibile ritorno della coppia venne accantonato. Il che era prevedibile, poiché l’era dei grandi incassi cinematografici della coppia erano terminati da diversi anni.

    Nel corso degli anni non sono mancati anche film natalizi sui generis e meno tradizionalisti. È il caso di Gremlins (Joe Dante, 1984), una commedia fantastica con delle venature horror in cui Rand Peltzer, mentre è alla ricerca di un regalo di Natale per il figlio, si imbatte in una strana creatura, un animaletto capace di pronunciare alcune parole. Quando però le istruzioni non vengono rispettate e questo viene infastidito, dal suo corpo nascono altri piccoli animaletti pericolosi ed aggressivi che daranno filo da torcere a tutta la città. Sul versante opposto troviamo anche la versione più ammiccante nel Tv movie Santa Baby (Ron Underwood, 2006), in cui la figlia di Babbo Natale sostituisce il papà che si ammala in prossimità delle feste.

    CONCLUSIONI

    Si conclude qui il nostro percorso alla scoperta dell’evoluzione del tema natalizio nel cinema. Tra flop e grandi successi, la produzione negli anni è diventata sempre più abbondante e variegata. Molti film sono di diritto diventati dei cult che, anno dopo anno, non ci stancheremo mai di riguardare.

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  • COME DECIDERE CHE FILM GUARDARE

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    Anche se i siti di streaming come Netflix o Disney+ sono pieni di film, documentari o serie tv a volte decidere cosa guardare può essere estenuante. Può capitare che dopo aver scrollato decine, se non centinaia, di opzioni si finisca con il constatare che non ci sia niente da vedere, oppure che una tranquilla serata in compagnia si trasformi in un vero dramma sul mettersi d’accordo nello scegliere il film giusto per tutti. Per fortuna il web propone diverse soluzioni che ci vengono in aiuto in questi momenti di sconforto nei labirinti dei cataloghi infiniti dei servizi di streaming. Qui ve ne presentiamo due.

    Movie Matcher

    Movie Matcher è un’idea tanto allegra quanto geniale: basta discussioni su cosa vedere! Ritroviamo un po’ di sintonia sul divano decidendo un film insieme. È molto semplice, si accede al sito web e una volta inserito il proprio nome ci vengono proposte due scelte: “Match with a Mate” o “Match with a Movie Star”.

    Match with a Mate ci offre un link da condividere con l’altra persona, la quale, una volta effettuato l’accesso, potrà esprimere attraverso delle semplici domande le proprie preferenze in termine di mood, genere e decade di uscita. Una volta completato il questionario, vi verranno mostrate le risposte di entrambi e un titolo che rientra nelle preferenze di entrambi. Se lo avete già visto o non vi convince, potete cliccare su “seen it” e ottenere un altro suggerimento. 

    Match a Movie Star vi permette di ottenere un suggerimento condividendo la scelta con star del calibro di Harry Potter, Bruce Lee e il mio preferito: Shrek. Sia voi che la “Star” esprimerete le preferenze sui generi che vi vanno oppure che non volete vedere e su quanto indietro negli anni volete andare.

    Esistono tantissimi altri siti che catalogano e aiutano a scegliere in tanti modi diversi quali film o serie tv guardare, questi due per me rappresentano alcune delle migliori. E voi, come scegliete cosa vedere? Fatecelo sapere nei commenti!

    TasteDive

    TasteDive è un sito che offre tantissima scelta su film o programmi televisivi da vedere, ma non solo! Offre anche tantissimi consigli utili su musica, libri e podcast. Il sito web si presenta in prima pagina con le copertine dei film più visti e piaciuti agli utenti, le recensioni più recenti e delle “liste” create per racchiudere più film che rientrano in un determinato genere oppure che sono più adatti a come ci sentiamo in quel momento. Registrandosi sul sito è possibile esprimere i propri pareri e le proprie preferenze e creare delle “playlist” di film e programmi secondo i propri gusti personali. Ed ecco che in un attimo utilizzando la barra di ricerca in cima possiamo trovare film per i cuori infranti, fantascienza anni ‘70, B movie CinoJamaicani e quant’altro la nostra fantasia possa esprimere. È un ottimo sito per ridurre l’incertezza del momento ma anche per scoprire nuovi titoli che potrebbero sfuggirci, e perché no condividere playlist di film, musica e libri che per noi stanno bene insieme perché hanno qualcosa di speciale in comune.

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  • MULHOLLAND DRIVE: UNA STORIA D’AMORE

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    Il capolavoro di David Lynch torna al cinema restaurato in 4K dal 15 al 17 novembre 2021. Qui trovate l’elenco di tutte le sale in cui verrà proiettato.

    Intervistatore: “Ci ha parlato più volte dell’idea da cui nascono i suoi film. Qual è l’idea che sta alla base di Mulholland Drive?”

    David Lynch: “Una delle cose più belle del genere umano è che possediamo l’intuito. È una facoltà in cui il cinema non crede più. Spendiamo molto tempo a spiegare le cose, ma non ce n’è bisogno: Mulholland Drive è lì sullo schermo e può essere compreso facilmente da te, anche se potrebbe essere diverso da quello che ho capito io. Faccio sempre un esempio per spiegare questa cosa: pensiamo ai registi o agli scrittori morti; non possiamo più resuscitarli e chiedere loro cosa volessero dire. Ci resta solo il loro lavoro. E il loro lavoro è perfetto così com’è perché gli autori lo hanno creato così. Non ha bisogno che vi si sottragga o aggiunga nient’altro.”

    (da David Lynch in conversazione con Mario Sesti)

    Mulholland Drive (2001) di David Lynch, possiamo affermarlo senza alcun indugio, è una delle opere cinematografiche più importanti degli anni Duemila: nel 2016 un sondaggio della BBC, compiuto consultando centosettantasette critici cinematografici da trentasei paesi, lo ha addirittura posto in cima alla classifica dei migliori film del 21° secolo. Infiniti articoli, recensioni e saggi sono stati scritti a proposito di questa leggendaria pellicola, nel tentativo di analizzarla e dissezionarla, di individuarne il cuore pulsante. Eppure il suo autore rifiuta (non vuole? non sa?) di esprimersi a questo proposito: è consapevole che se la “verità” venisse rivelata il sogno che  Mulholland Drive rappresenta verrebbe meno. Si è limitato a rilasciare le celebri “dieci domande” (è possibile leggerle su Wikipedia), le cui risposte consentirebbero di comprendere la pellicola, e un’enigmatica sinossi del film: “Parte prima: lei si ritrova dentro un mistero perfetto. Parte seconda: una triste illusione. Parte terza: amore.” La trama, spiegata in maniera meno ermetica, è pressoché questa: a Los Angeles, sulla Mulholland Drive, si verifica un violento incidente d’auto, in cui sopravvive solo la bruna Rita (Laura Harring), che si rifugia nella casa della bionda Betty (Naomi Watts), una giovane aspirante attrice appena giunta nella metropoli californiana. La prima non ricorda nulla, la seconda tenta di aiutarla a ritrovare la propria identità. Le due donne diventano amiche, poi amanti, infine nemiche. Intorno a loro il regista Adam Kesher (Justin Theroux) è alle prese con la realizzazione di un film, per il quale i produttori vogliono imporre come protagonista la sconosciuta Camilla Rhodes. Intanto un killer imbranato effettua un omicidio, e una scatoletta blu e un assurdo club notturno chiamato Silencio divengono la chiave di volta dell’intero universo narrativo. 

    Ma dunque, partiamo dal principio. Mulholland Drive non nacque come un film. Doveva essere l’episodio pilota di una serie televisiva per la ABC, mai realizzata. L’emittente infatti abbandonò il progetto, intimorita da una trama davvero troppo fumosa e complessa. Circa un anno dopo, il produttore francese Pierre Edelman di StudioCanal visionò il girato e si dichiarò disposto a produrre un lungometraggio. Lynch, a quel punto, si trovò obbligato a trasformare il copione del pilota in quello di un film vero e proprio. Opera già di per sé molto ardua, resa ancor più complessa dal fatto che, come afferma Lynch, “mi stavo rendendo conto che non avevo proprio nessuna idea su come concludere il film”. Infatti “un episodio pilota è una creatura particolare. Non è un lungometraggio. Anzi, va contro le regole del lungometraggio, perché fa iniziare delle cose ma non le porta a termine.” Lynch si rese conto che per Mulholland Drive egli aveva diversi filoni narrativi aperti e non autosufficienti. Serviva un’idea che potesse legarli, un trucco. Anche se a questo proposito le dichiarazioni del regista si interrompono qui, è possibile rintracciare quest’ultimo nel famoso Nastro di Möbius. 

    Esso è, in matematica, una superficie non orientabile, e potrebbe costituire una sorta di formulazione visiva della struttura narrativa di Mulholland Drive. Il film, infatti, per i primi due terzi appare tutto sommato lineare, mentre nell’ultima parte, con il passaggio all’interno della “scatola blu”, tutto quanto viene invertito; esattamente come, ipotizzando di poter percorrere a piedi il Nastro, si finirebbe per tornare al punto di partenza, ma girati al contrario. Così facendo, non solo Lynch riesce a trovare la tanto sospirata chiusa per il suo film, ma porta a compimento la sperimentazione narrativa già iniziata con Strade perdute, dando vita ad uno dei più mirabolanti e irrisolti enigmi cinematografici. 

    Ma Mulholland Drive non è solo questo: è un caleidoscopio in cui l’ambientazione iperrealista, la satira grottesca (una Hollywood così bizzarra, ridicola e deforme non si era mai vista) e l’inquietudine diffusa in ogni singolo fotogramma si fondono alla perfezione. Raramente, forse mai, il mondo è apparso così terrificante nella sua quotidianità. La telecamera di Lynch e del direttore della fotografia Peter Deming fluttua, in un perenne ondeggiamento, percorrendo corridoi, vialetti, o addirittura grandi boulevard losangelini, in un’estremizzazione dei moduli stilistici ed espressivi del cinema, portati alle massime conseguenze. Ogni movimento di macchina riesce a trasmettere un terrore indecifrabile. È cinema nella sua essenza, che comunica utilizzando solo ciò che gli è proprio: l’immagine e il sonoro (la colonna sonora di Angelo Badalamenti, ancora una volta, è da annali). Los Angeles è dipinta come la città del mistero, dell’opportunità e del fallimento, è guardata con profonda fascinazione e paura, osservata con il timore e l’affetto di chi ci vive. 

    Ancora: Lynch dimostra la sua tipica abilità nel creare tensione attraverso il dialogo incongruente ed ermetico. Come nel Teatro dell’Assurdo, le domande che vengono poste non corrispondono, a livello logico, alle risposte che vengono fornite. Esemplare in questo senso è l’indimenticabile scena dell’incontro notturno con il Cowboy, in cui il regista-sceneggiatore riesce, annullando la colonna sonora e raffreddando le immagini, a comunicare angoscia solo attraverso un dialogo formalmente innocuo. 

    Anche la musica e il canto, come in tanti film di Lynch, sono protagonisti in Mulholland Drive, e ancora una volta suscitano nei personaggi una reazione fortissima: le lacrime. Nella sequenza ambientata nel Club Silencio, che non a caso rimescola le carte della narrazione, le due protagoniste del film – all’udire la canzone Llorando, versione spagnola del brano Crying di Roy Orbison – scoppiano a piangere, come Jeffrey e Frank in Velluto blu e come Laura Palmer in Fuoco cammina con me, e forse intuiscono qualcosa, sentono che sta succedendo qualcosa, che tutto sta per cambiare. Il canto nel cinema di Lynch pare essere il segno dell’ingresso in un universo altro (non a caso i cantanti nei film del regista sono sempre posti di fronte a tende rosse, che in Twin Peaks conducono alla Loggia Nera e che in genere paiono aprire a dimensioni soprannaturali) e le lacrime rappresentano il crollo delle certezze, la definitiva assunzione di consapevolezza che il proprio mondo non è ciò che sembra.

    Il canto suscita il pianto in Velluto blu (1986), Fuoco cammina con me (1992) e Mulholland Drive (2001)

    Al di là di tutto ciò, però, Mulholland Drive è il racconto di una bellissima storia d’amore tra due donne opposte: una mora, l’altra bionda, una imponente, l’altra mingherlina. Per questo motivo non pare insensato affermare che il punto focale della pellicola sia una scena d’amore saffico, tra le più belle mai viste al cinema, in cui le due protagoniste si innamorano o forse semplicemente ricordano (o sognano?) quanto sia stato bello innamorarsi. Non sapremo mai infatti se questa storia d’amore sia al suo inizio o alla sua fine, ma d’altra parte, come dice Lynch: “Penso che [gli spettatori, ndr] sappiano già da soli di cosa si parla. Penso che l’intuizione – il detective che è dentro ogni essere umano – ricomponga gli elementi in modo che abbiano senso per noi. Dicono che l’intuizione renda possibile la conoscenza interiore, ma una particolarità della conoscenza interiore è che è davvero difficile da comunicare verbalmente agli altri. Non appena ci provi, ti rendi conto che ti mancano le parole, che non saresti in grado di spiegarla ad un amico. Eppure è dentro di te. […] Penso che gli spettatori sappiano che cosa significa Mulholland Drive per loro, ma non si fidano del proprio giudizio. Vogliono che glielo dica qualcun altro. A me fa piacere che lo analizzino, ma non hanno bisogno del mio aiuto. È questo il bello: trovare un senso come farebbe un investigatore. Dirglielo significherebbe privarli del piacere di pensare e di «sentire», e di giungere a una conclusione.”

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  • Libri sul Cinema – I 10 fondamentali

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    Manuale del film. Linguaggio, racconto, analisi
    di Gianni Rondolino e Dario Tomasi

    Questi consigli non potevano che iniziare con il libro che forse più di tutti riesce a raccontare la settima arte, convogliando al suo interno tantissimi argomenti legati a questo mondo. 427 pagine di puro cinema, in cui vengono trattati tutti gli aspetti di un film: dalla pre-produzione fino all’uscita in sala, descrivendo anche minuziosamente le tantissime professioni cinematografiche (noi abbiamo una rubrica apposita per questo argomento -inserire link-). Il libro di Rondolino, scomparso nel 2016, e Tomasi, attualmente docente all’Università di Torino, è da più di 50 anni un punto di riferimento per ogni appassionato e studioso (viene studiato, infatti, in molte università). Nonostante possà sembrare all’apparenza ostico e molto tecnico, in breve tempo vi permetterà di entrare dentro il mondo del cinema e vi riscoprirete più ricchi. Se amate il cinema, e se vi piace in particolare analizzare ogni opera, non potete farne a meno.

    Lo potete acquistare qui. 

    Manuale di storia del cinema
    di Gianni Rondolino e Dario Tomasi

    La coppia di autori Rondolino/Tomasi ci ha regalato negli anni anche quest’altra opera fondamentale. Conoscere la storia del cinema risulta necessario quando si vuole capire qualcosa di più sulla settima arte senza fermarsi alla semplice visione di un film, arrivando a capire come un film prodotto oggi sia inevitabilmente influenzato da 100 anni e più di storia. Il libro può risultare ostico, in quanto molto lungo (704 pagine!), ma la qualità è assicurata: anche questo manuale viene infatti utilizzato in molte facoltà universitarie italiane. Nonostante la sua importante mole, il testo è scorrevole e soprattutto conciso, insomma non si perde in chiacchiere. Sarete sommersi da nomi di registi, film e tanti altri addetti ai lavori. Un manuale meraviglioso.

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    Guida alla storia del cinema italiano (1905 – 2003)
    di Gian Piero Brunetta

    Passiamo al libro di Brunetta sulla storia del cinema nostrano. Si parla, ancora una volta, di un autore importante, uno studioso fondamentale della settima arte per il nostro paese. Per chi ama il nostro cinema e, soprattutto, per chi vuole (ri)scoprirlo, questo libro è perfetto. Gian Piero Brunetta ci racconta per filo e per segno le varie epoche e le grandi opere del nostro cinema, contestualizzando anche i periodi storici in cui esse venivano prodotte. Unica pecca è che ci si ferma al 2003, ma non esiste in commercio un libro più esaustivo di questo per i 100 anni precedenti del nostro cinema. Conta 560 pagine.

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    Che cos’è il cinema? Il film come opera d’arte e come mito nella riflessione di un maestro della critica
    di André Bazin

    Chi era André Bazin? Per farla breve, Bazin è stato semplicemente uno dei più grandi critici e studiosi del cinema della storia, tra i fondatori dei celeberrimi Cahiers du Cinéma. In questo libro, più breve rispetto ai precedenti (290 pagine), vengono raccolti diversi saggi del critico francese. Complesso ma molto appassionante.

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    L’occhio del regista. 25 lezioni dei maestri del cinema contemporaneo
    a cura di Laurent Tirard

    Questo volume di 307 pagine contiene numerose interviste ad alcuni tra i più importanti registi della storia: Woody Allen, Pedro Almodóvar, Bernardo Bertolucci, Tim Burton, Joel ed Ethan Coen, David Cronenberg, Miloš Forman, Jean-Luc Godard, Alejandro Iñárritu, Jim Jarmusch, Wong Kar-wai, Mathieu Kassovitz, Takeshi Kitano, Emir Kusturica, David Lynch, Michael Mann, Arthur Penn, Roman Polanski, Sydney Pollack, Martin Scorsese, Steven Soderbergh, Oliver Stone, Lars von Trier, Wim Wenders, John Woo. Risulta molto scorrevole e ben costruito, in quanto le varie interviste ci forniscono spesso punti di vista diversi su tematiche comuni.  La casa editrice Minimum Fax ha ripreso in mano la propria collana cinema e sta facendo a riguardo un ottimo lavoro. Non potete non acquistare quello che è il loro libro di punta.

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    I maestri della luce. Conversazioni con i più grandi direttori della fotografia
    a cura di Dennis Schaefer e Larry Salvato

    Altro volume della Minimum Fax che fa il paio con quello precedente. Stavolta non parliamo, però, di regia ma di un ruolo considerato da molti il secondo più importante all’interno di un set cinematografico: il direttore della fotografia. Questo libro di 596 pagine si concentra sul periodo antecedente alla diffusione delle cineprese digitali, un periodo in cui, dunque, veniva ancora utilizzata la pellicola. Nonostante questo possa farlo apparire un po’ datato, non è assolutamente così. Anzi, tramite le parole e gli insegnamenti di alcuni tra i principali DoP della storia del cinema (Vittorio Storaro, Gordon Willis, Conrad Hall, Laszlo Kovacs…) entriamo in contatto con un mondo spesso misterioso e sconosciuto ai non addetti ai lavori, che però ci fa capire come nasce la vera narrazione per immagini, come nascono quelle sequenze così favolose da sembrare opere d’arte. Consigliato dunque a tutti.

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    Il cinema secondo Hitchcock
    di Francois Truffaut

    Probabilmente il libro più conosciuto e letto dai cinefili di tutto il mondo. Il libro nacque in seguito ad una conversazione durata diversi anni tra i due famosissimi registi, Hitchcock e Truffaut appunto, figli di un’altra epoca e ideatori entrambi di due tipi di cinema che, nonostante le immancabili diversità, comunicavano così come l’arte contemporanea comunica con le grandi opere classiche. Scorrevole, interessante, fondamentale.

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    Il cinema secondo Orson Welles
    di Peter Bogdanovich

    Il titolo non lascia spazio all’immaginazione. Anche qui ci troviamo di fronte ad un libro in cui due amanti del cinema dialogano tra loro. In particolare, qui, Welles si racconta dagli esordi ai successi, fino alle difficoltà con il mondo della produzione cinematografica. Peter Bogdanovich, autore e amico del regista, riesce a mettere a proprio agio una figura fondamentale del cinema mondiale, riuscendo a tirare fuori un libro introspettivo, ben strutturato e soprattutto fondamentale per chi vuole approfondire non solo la vita del grande regista statunitense ma tutto il sistema-cinema della seconda metà del ‘900. Anche questo libro, lungo oltre 600 pagine, contiene molti aneddoti così come quello consigliato precedentemente.

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    Analizzare i film
    di Augusto Sainati

    Penultimo consiglio. Ritorniamo al tema dell’analisi del film, già trattato all’inizio di questo articolo con il manuale di Rondolino e Tomasi. Il libro di Sainati, che vi consigliamo qui, non è un manuale che racconta il film (e dunque il cinema) a 360°, ma si sofferma, come è d’altronde intuibile, sul lavoro analitico che può essere operato sul testo cinematografico. In sole 207 pagine potete trovare tantissimi spunti interessanti che vi apriranno gli occhi su tutti i principali aspetti che compongono un’opera filmica. Se vi piace destrutturare ogni opera che guardate, se vi piace leggere recensioni e vorreste iniziare a scriverne, questo è il libro che fa per voi.

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    Economia del film. Industria, politiche, mercati
    di Marco Cucco

    Chiudiamo questi nostri consigli con un libro che tratta una delle tematiche forse meno conosciute e più sottovalutate dal pubblico generalista, ovvero tutta la macchina che ruota attorno al cinema. Questo libro ci parla dell’industria cinematografica a 360°, senza tralasciare niente, e lo fa usando un linguaggio ad un tempo tecnico ma semplice, adatto sia a chi vuole approcciarsi a questo mondo sia a chi vuole approfondirlo. Molto consigliato.

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  • CINEMA E GREEN PASS: COME FUNZIONA?

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    Green Pass è un termine entrato da poco tempo a far parte della nostra quotidianità ed è il nome con cui generalmente ci si riferisce alla Certificazione verde COVID-19 entrata in vigore il 6 agosto 2021 per far fronte alle nuove ondate di contagi e rendere più sicuri i servizi e le attività al chiuso. Essa permette di viaggiare, partecipare a eventi, accedere a strutture e altri luoghi pubblici.

    Per la fortuna di tutti queste misure garantiscono la possibilità di tornare al cinema con più sicurezza e meno preoccupazioni, permettendo a tutti di godere di nuovo l’esperienza della sala e la migliore qualità visiva e sonora. Tornare in sala è anche un modo per supportare realtà locali minori dopo le chiusure forzate e un settore, quello delle sale cinematografiche, già in crisi prima della pandemia.

    Come si ottiene il Green Pass?

    Fonte: https://www.dgc.gov.it/web/

    La Certificazione viene rilasciata a chi è stato vaccinato contro il Covid-19, o ha ottenuto un risultato negativo al test molecolare/antigenico, o è guarita da Covid-19. Può essere presentata in formato cartaceo o digitale.

    Qui trovate tutte le risposte alle domande più frequenti sul Green Pass: https://www.dgc.gov.it/web/faq.html

    Cinema e Green Pass

    Per accedere a Cinema e Teatri per gli spettacoli al chiuso e, in luoghi all’aperto in spazi delimitati e con precisi varchi d’ingresso, è necessario possedere il Green Pass. Per le regioni in Zona Bianca è previsto un limite a 5.000 spettatori per gli spettacoli all’aperto e 2.500 per quelli al chiuso. In Zona Gialla il limite per gli spettacoli all’aperto è di 2.500 persone e 1.000 per quelli al chiuso.

    Vige sempre l’obbligo di indossare una mascherina e di rispettare il distanziamento, sia al chiuso che all’aperto.

    “ L’obbligo di possedere una certificazione verde COVID-19 per accedere agli spettacoli aperti al pubblico, stabilito dall’articolo 5 del decreto-legge n. 52 del 2021, a seguito della modifica introdotta dall’art. 3 del decreto-legge n. 105 del 2021, si riferisce a luoghi che consentono, per la loro conformazione, di limitare l’ingresso da parte degli spettatori (sale teatrali, sale da concerto, sale cinematografiche, locali di intrattenimento e musica dal vivo e altri locali o spazi anche all’aperto).”

    Non è necessario possedere il Green Pass nel caso di spettacoli eseguiti in luoghi pubblici, senza spazi delimitati e senza precisi varchi d’ingresso, come piazze, vie o parchi pubblici. Anche qui vige sempre l’obbligo di indossare una mascherina e di rispettare il distanziamento evitando assembramenti.

    “L’obbligo di possedere una certificazione verde COVID-19 non si applica, invece, nel caso in cui gli eventi si svolgano in luoghi all’aperto privi di specifici e univoci varchi di accesso, come ad esempio in piazze, vie o parchi pubblici, a cui possono accedere anche soggetti per fini diversi da quello di assistere all’evento che non è quindi destinato ad un pubblico predefinito e contenuto in spazi dedicati in modo esclusivo all’evento stesso.”

    Fonte: https://www.governo.it/it/articolo/domande-frequenti-sulle-misure-adottate-dal-governo/15638#zone

    Buon rientro in sala a tutti quanti! Torniamo al cinema e aiutiamo gli esercenti.

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