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Tag: julianne moore

  • Recensione La stanza accanto – La sottile linea tra la vita e la morte

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    Leggendo la trama de La stanza accanto siamo indotti a pensare a un film faticoso, dai toni angosciosi e cupi. Recandoci poi in sala ci accorgiamo, nonostante l’argomento spinoso, di trovarci di fronte a una storia che non parla di morte nel modo in cui siamo abituati a percepirla, ma si muove tra le pieghe della vita cercando di celebrarla.

    Il primo lungometraggio in lingua inglese di Pedro Almódovar (premiato con il Leone d’oro alla 81ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia) non ricorre mai all’inquietudine o al tormento, anzi sottolinea la rilevanza degli impercettibili gesti del quotidiano quando si è consapevoli di una incombente fine.

    Ingrid (Julianne Moore), un’affermata scrittrice che ha appena pubblicato un libro, incontra la vecchia amica Martha (Tilda Swinton), corrispondente di guerra gravemente malata. Legate da un rapporto ormai sfumato con gli anni, si troveranno a trascorrere insieme gli ultimi momenti della giornalista in una casa immersa nei boschi.

    Il regista spagnolo scrive una sceneggiatura (tratta dal romanzo Attraverso la vita di Sigrid Nunez) affidata completamente alle due attrici, che dimostrano una grande prova di recitazione. I dialoghi risultano fondamentali e le protagoniste, in una messa in scena quasi teatrale, si lasciano andare a parole e racconti che si susseguono, come scatole contenute una dentro l’altra.

    I ricordi si rincorrono senza organicità e passano in angoli di tempo differenti mentre una musica extradiegetica ci conduce nella dimensione del melodramma, tanto caro al cineasta.

    Il racconto si divide in due macro-momenti: nella prima parte riecheggia il passato di Martha e nella seconda diventa necessario allontanarsi dalla memoria e trasferirsi in un luogo nuovo, estraneo, nel quale poter salutare il mondo senza rimpianti.

    Almódovar affronta il tema dell’eutanasia mantenendo sempre attiva un’intima riflessione sull’esistenza. I due personaggi principali camminano con discrezione su questo suolo delicato, una terrorizzata dalla caducità dell’essere umano, l’altra pronta ad accettarla consapevolmente.

    Fotografia e scenografia contribuiscono a dare un senso di pace alla vicenda: le stanze sono sempre illuminate dalla luce del sole e piene di oggetti familiari, di dettagli dalle tonalità vivide. Swinton è vestita di colori sgargianti che le accendono il volto chiarissimo ed etereo.

    L’intera narrazione è al servizio di una imminente morte, che lo spettatore attende provando ad adeguarsi alle sfumature di serenità che gli vengono continuamente suggerite.

    L’aria mortifera si fa largo anche attraverso le citazioni cinematografiche: le due guardano Lettera da una sconosciuta di Max Ophülus e Gente di Dublino di John Huston (il cui titolo originale non a caso è The dead).

    Martha ricorda il finale della raccolta di Joyce, nella quale la neve indistintamente si posa sui vivi e sui morti. I fiocchi si muovono in maniera sommessa, placida, proprio la stessa con la quale lei desidererebbe andarsene.

    La stanza accanto in realtà racconta la meraviglia dell’universo, dei rapporti, delle occasioni e ci indica dove ci troviamo, lasciandoci osservare gli alberi all’orizzonte, tra una porta chiusa e una ancora aperta.

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  • Cartoline dal Lido – Giorno 7

    La settima giornata al Lido prosegue tra un’opera emergente estremamente derivativa, uno scivolone di uno dei più grandi maestri in concorso e una follia d’autore

    The Harvest, di Athina Rachel Tsangari (Venezia 81 – Concorso)

    In un luogo e un’epoca indefiniti un villaggio di agricoltori vive una settimana in cui si susseguono una serie di eventi assurdi e drammatici. 
    Film che quasi flirta col western senza essere ambientato esplicitamente negli Stati Uniti e col folk horror nonostante non presenti di veramente orrorifico, prendendo un po' da The Wicker Man e un po' da Dogville e un po' da Lanthimos, presentandoci un Caleb Landry Jones finalmente in un film più dignitoso del Dogman dello scorso anno e un Harry Melling incredibile nel suo ruolo di padrone senza la minima spina dorsale. Superstizione e religione, sia nelle forme più pure e caritatevoli sia in quelle più ottuse e malvagie, vengono spazzate via dalla modernità, dal pragmatismo e dal capitale. E allora spettatore viene da chiedersi se forse, per una volta, non sia davvero meglio essersi lasciati un certo tipo di vita alle spalle.

    The Room Next Door, di Pedro Almodòvar (Venezia 81 – Concorso)

    Una famosa scrittrice riprende il contatto con una vecchia amica alle prese con un male incurabile e con il desiderio di morire secondo la sua volontà.
    Prima produzione statunitense per il maestro spagnolo che forse risente del cambio di lingua nella potenza e nella teatralità dei dialoghi che soprattutto nella prima parte risultano piuttosto frivoli e a tratti idioti. Se Tilda Swinton risulta comunque magnifica nel suo personaggio, Julianne Moore (tecnicamente lei protagonista motrice del film) ne esce veramente depotenziata. Interessantissimo il rapporto con gli scenari circostanti e la ricerca della vita attraverso l'arte e la bellezza, ridicole le scene flashback e alcune massime declamate a voce squillante. Finora la delusione più grande del Concorso.

    Baby Invasion, di Harmony Korine (Venezia 81 – Fuori Concorso)

    Seconda follia presentata sul Lido da Harmony Korine fuori concorso, dopo il frenetico Aggro Dr1ft dello scorso anno.
    Se il precedente risultava più che altro un giocattolone psichedelico, una quest di GTA con i demoni ad infrarossi, qui nella sua inspiegabile follia percepiamo comunque una sorta di critica alla visione multimediale, alla distinzione sempre più debole tra realtà e schermo, tra la violenza insensata e una certa innocenza sporcata o mai esistita (troviamo ovunque bambini e coniglietti).
    Irricevibile al di fuori del contesto, e agli occhi di moltissime persone apparirà senza valore. Piacerà solo a chi vuole piacere.
    Nicolò Cretaro,
    Redattore.

  • Recensione May December – Maschere e identità

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    La protagonista di May December, Elizabeth, si pone sempre una domanda prima di leggere una sceneggiatura: i personaggi del film “sono nati o sono stati creati”? È un interrogativo chiave, il centro gravitazionale dell’ultimo film di Todd Haynes liberamente ispirato alle controverse vicende dell’insegnante statunitense Mary Kay Letourneau, dichiaratasi colpevole di stupro ai danni di un suo alunno dodicenne poi diventato suo marito (e da cui il titolo del film: modo di dire americano per intendere una relazione con enorme differenza di età fra la coppia). May December segna il ritorno di Haynes al cinema di finzione quattro anni dopo il bellissimo Cattive Acque, e dopo essere stato presentato in anteprima al Festival di Cannes 2023 è rimasto a secco agli Oscar 2024, dove concorreva per la migliore sceneggiatura originale. Il caso giudiziario di Letourneau è l’espediente per narrare la storia di Elizabeth (Natalie Portman), attrice che deve prepararsi ad interpretare il ruolo di Gracie Atherton-Yu (Julianne Moore), finita sulle prime pagine dei giornali vent’anni prima per aver sposato Joe (Charles Melton), ventitre anni più giovane di lei. Per una performance cinematografica più realistica, Elizabeth decide di approfondire il passato e l’intimità di Gracie venendo ospitata dai due in una piccola comunità sulle coste del Maine, ma la sua presenza metterà tutti sotto pressione.

    La sceneggiatura di Samy Burch gioca  col tema del doppio e con il legame arte-rappresentazione-immedesimazione ma, tuttavia, il flirt con il thriller-erotico ottantino anzichè potenziare la narrazione crea un’impalcatura mistery destinata a dividere in due il pubblico. Una buona fetta di spettatori ha già sollevato il dubbio che Haynes ci abbia voluto prendere in giro costruendo, come scrive lucidamente Sergio Sozzo su Sentieri Selvaggi, “l’attesa per una rivelazione che non c’è, un giallo senza soluzione perché senza delitto, un meccanismo che promette un’epifania che rimane costantemente rimandata, appesa, verosimilmente inibita”.

    Gracie eviterà sempre di parlare del suo passato, ma l’insistenza di Elizabeth creerà scompiglio nella sua vita privata

    Erotic-thriller

    Parlando di May December è opportuno scindere due livelli, quello più in superficie – ma non meno importante – della sua natura di genere, e quello più profondo del sottotesto dei doppi, delle maschere, del legame realtà-finzione-rappresentazione. Infatti i rimandi alla tradizione del thriller-erotico, oltre che dalla trama, sono evidenti già dalle musiche di Marcelo Zarvos le cui forti note al pianoforte e i suoi densi archi suggeriscono una costante tensione emotiva, come volessero tenerci sempre sotto scacco. La fotografia appositamente sovraesposta e ultra-patinata, unita ai chiaroscuri della storia di Gracie e alle musiche cariche di suspense e sensualità, non possono che farci venire in mente il cinema degli 80s fatto di misteriose storie famigliari, doppie verità, segreti conturbanti, soprattutto i film targati Brian De Palma, su tutti Vestito per uccidere. Todd Haynes sembra incartarsi però in un cortocircuito, non sapremo mai quanto volontario, perché il film scopre le carte sin dal minuto dodici, quando Elizabeth legge sulle prime pagine di tutti i giornali “Sex scandal: Gracie’s shocking story revealed by insiders” mentre sfogliando trova “The judge ordered no contact with the middle schooler during the trial”, e altri dettagli riguardo allo scandalo sessuale della coppia. C’è davvero poco o niente in più da sapere riguardo alla vena thriller-erotica del film (quest’ultimo aggettivo nascerà, ovviamente, dai risvolti abbastanza prevedibili legati al triangolo Elizabeth-Gracie-Joe) eppure, al pari delle musiche, l’intero film sembra perennemente stringerci in una morsa, come fossimo avvolti da una tensione palpabile che però resta latente, non riuscendo mai a liberarsi o manifestarsi apertamente. Se la trama resta sempre alla luce del giorno allora i significati delle inquadrature criptiche e delle musiche avvolgenti sono da cercare altrove, vale a dire nel gioco del doppio che si instaura fra Elizabeth-interprete e Gracie-interpretata. Ma se in superficie nasce una contraddizione irrisolvibile, teoricamente propedeutica al secondo livello, è possibile ‘scendere’ automaticamente allo strato più profondo?

    La relazione fra Gracie e Joe iniziò quando lei aveva 36 anni mentre lui soltanto 12

    “Pulito, fresco, tu!”

    Se la tensione degli intrighi e del passato di Gracie perde mordente molto in fretta, più interessante è il discorso intavolato da Haynes sui doppi, sulle maschere e sul rapporto sempre duale soggetto-interprete. I doppi sono in ogni frame, partendo da Elizabeth e Gracie spesso inquadrate in primo piano l’una affianco all’altra, passando per i ricorrenti giochi di specchi che duplicano i corpi, arrivando alle due maschere dei personaggi, quella d’attrice di Elizabeth e quella indossata da Gracie quotidianamente per evitare di fare i conti col passato. È qui che torna la domanda d’apertura: Elizabeth detesta interpretare personaggi creati (e quindi fittizi) ma vuole che siano nati e quindi umani, reali, autentici. Ma come poter assumere i panni di chi lascia intravedere solo la patina? In quest’ottica l’estetica quasi camp è calzante: i visi delle protagoniste sono talmente belli da risplendere ma sono patinati, appunto, artefatti, come piace a Gracie, ostinata a lasciar trasparire esclusivamente il suo lato esteriore e descritta soltanto come “bella” da ogni suo conoscente; l’estetica appassiona anche Elizabeth, che non a caso è testimonial per una linea di prodotti cosmetici (con il claim “Pulito, fresco, tu!”) e che in una scena si farà truccare proprio da Gracie. Nascita-creazione, maschera-realtà, vita-storia, sono termini molto simili ma che corrono su binari paralleli, le cui sfumature aprono a universi completamente diversi: per questo Joe va su tutte le furie quando Elizabeth definisce il rapporto tra lui e Gracie come una storia d’amore (“Questa è la mia vita!”, replica Joe), perché a differenza della moglie vuole che sia una storia autentica. Nonostante ciò, Elizabeth individua gli interstizi di congiunzione fra questi due mondi e capisce presto che l’unico modo per smascherare Gracie è l’emulazione: l’attrice arriva nella comunità del Maine come un foglio bianco e durante il film prende spesso appunti, come stesse progettando una nuova maschera. È per questo che nel finale, finalmente sul set cinematografico, reiterando la finzione Elizabeth comincia ad entrare nel personaggio (“Possiamo farla di nuovo? […] Sta diventando più reale”), costruendone uno suo, speculare alla maschera di Gracie eppure reale: attraverso l’emulazione in carne e ossa, Elizabeth ha fatto emergere ciò che prima era nascosto, ma in un nuovo personaggio, in una nuova maschera.

    L’immagine duplicata allo specchio ricorre spesso nel film

    Senza scomodare Persona et similia, May December ragiona sul rapporto duale tra identità e finzione strizzando più volte l’occhio alla cinefilia più zelante, fra citazioni e rimandi a lavori del passato. L’impressione è però che il puro gesto d’autore di Haynes riuscirà ad appagare soltanto la piccola fetta di pubblico legata maggiormente al lavoro concettuale del rapporto identitario, lasciando a bocca asciutta chi si aspettava una narrativa più avvincente. La contraddizione in termini di pathos, con l’epifania “costantemente rimandata” sopracitata, è un cortocircuito che richiede grande sforzo per apprezzare il discorso teorico costruito però su storie inconfessabili ma senza segreti, su di un mistery senza enigma. Si può comunque decidere di stare alle regole di Haynes… ma il gioco vale la candela?

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    Alberto Faggiotto,
    Caporedattore.

  • IL FUTURO È OGGI – NEL CUORE DELLA FANTASCIENZA: I FIGLI DEGLI UOMINI

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    La distopia, nel cinema fantascientifico, è un sottogenere che nel corso dei decenni ha contribuito a definire la storia della Settima Arte con pellicole di altissimo valore, regalando ai cinefili di ogni epoca alcuni tra i più grandi capolavori dell’intera produzione cinematografica mondiale. Da Metropolis di Fritz Lang (1927) fino al troppo sottovalutato Minority Report di Spielberg, datato 2002, la rappresentazione di un futuro politicamente e socialmente oppressivo si rivela essere uno dei mezzi più efficaci per trattare (e molto spesso criticare) elementi della realtà contemporanea. 

    Una delle pellicole che meglio riesce in questo intento è, sicuramente, I Figli degli Uomini di A. Cuaron (2006): Film che, come solo pochi altri, riesce a coniugare un reparto tecnico praticamente perfetto (su tutti, straordinaria la fotografia di Lubezki) con una profondità tematica sicuramente ben al di sopra della norma.

    In brevissimo, la narrazione ha luogo nel 2027 a Londra e dipinge un mondo in cui, da ormai 18 anni, l’umanità è diventata misteriosamente sterile. In una società prossima all’estinzione, Cuaron racconta la storia di Theo, ex attivista politico che vive una vita ormai priva di significato e di scopo, ma che ritroverà un barlume di speranza in Kee, giovane ragazza rimasta inspiegabilmente incinta. Il tentativo del protagonista di salvare questa gravidanza miracolosa lo porterà ad attraversare un mondo fatto di atrocità disumane, violenza e autodistruzione, per cercare una nuova luce, una rinascita per l’intera umanità. 

    N.B. Questo articolo contiene spoiler sul film. 

    NEL MEZZO DELL’APOCALISSE: TRA NICHILISMO E REDENZIONE

    Le premesse de I Figli degli Uomini sono chiarissime fin dalla primissima sequenza e si basano su una domanda molto semplice, ma che porta con sé implicazioni filosofico-morali estremamente profonde: se la razza umana è destinata a estinguersi nel giro di 70 anni, come è possibile continuare a vivere? E soprattutto, continuare a vivere ha ancora un senso?  

    Il film mette in scena un’ambientazione Post-apocalittica, ma mostrando, in realtà, quella che è più un’apocalisse in medias res, fatta di disperazione, fanatismo e rassegnazione. Emblematico, infatti, è l’incipit della pellicola, che si apre con la morte di Baby Diego, ovvero la persona più giovane sulla Terra, l’ultimo figlio nato prima dell’inspiegabile piaga che ha colpito il mondo. La scomparsa del ragazzo è, di fatto, la distruzione dell’ultima possibilità del genere umano, che si aggrappava in maniera cieca e disperata a Diego, come fosse una sorta di divinità.

    Non è un caso, dunque, che il film si apra con questo evento metaforico: Cuaron presenta allo spettatore fin dal principio una situazione in cui, ormai, non c’è più speranza, nulla più ha un senso e tutto è destinato a scomparire. Theo, il protagonista interpretato da Clive Owen (qui, forse, nel ruolo della vita), è la perfetta rappresentazione dello Zeitgeist del mondo de I Figli degli Uomini: un ex attivista politico ormai disilluso, che conduce una vita vuota e priva di significato, un uomo che si sta spegnendo lentamente, così come la società che lo circonda. 

    Nonostante la realtà dipinta da Cuaron sia estrema, non è difficile cogliere riferimenti e critiche al mondo contemporaneo. Nella Londra rappresentata nella pellicola si assiste quotidianamente ad attacchi terroristici, a immigrati rinchiusi in gabbia come bestie, al governo che pubblicizza kit per il suicidio e a militari che sgomberano con carri armati interi palazzi, il tutto nella più profonda indifferenza da parte della popolazione. Se ne I Figli degli Uomini la noncuranza verso tutta questa crudeltà è in qualche modo giustificata dal fatto che l’estinzione sia ormai prossima, nella realtà contemporanea siamo testimoni ogni giorno di atrocità simili, ma si continua comunque a restare indifferenti, a guardare dall’altra parte, a ignorare tutto ciò che è più comodo ignorare: dai disastri ambientali, come lo spreco insensato di risorse naturali e l’inquinamento smisurato che avvelena il pianeta, fino a drammi sociali come la violenza a sfondo razziale/di genere.

    Con questo film, dunque, così pregno di nichilismo e rassegnazione, Cuaron invita il suo pubblico a ribellarsi contro questo modo di vivere, a ricercare ancora il contatto umano con il prossimo, in quanto, anche in una società che ci spinge sempre di più ad allontanarci, salvaguardare la nostra umanità resta l’unico modo per rendere migliore questo mondo forse-già-apocalittico e per non cadere in quel buco nero chiamato indifferenza, che è, alla fine dei conti, la vera apocalisse esistenziale dell’uomo. 

    IL FALLIMENTO DELLA POLITICA: TRA XENOFOBIA E NAZIONALISMO 

    I Figli degli Uomini, oltre ad avere un profondo sottotesto filosofico, presenta come detto un’importantissima denuncia politica-sociale nei confronti della realtà contemporanea. La critica più palese ed evidente all’interno della pellicola è quella rivolta verso la xenofobia intrinseca della società moderna e, di conseguenza, anche verso le politiche anti-migratorie più o meno brutali adottate, ormai, in tutto il mondo. 

    In questo senso lo stile quasi documentaristico della regia riesce a calare immediatamente lo spettatore in quella che è una realtà estremamente verosimile, nonostante la sua crudeltà. Nel film di Cuaron, infatti, le sequenze strazianti in cui vengono mostrati esseri umani imprigionati come bestie in gabbie sui marciapiedi di Londra, mentre la gente passeggia tranquillamente per strada, sono purtroppo attualissime e quanto di più lontano esista dalla fantascienza distopica.  

    E’ sufficiente pensare alle storie che arrivano dal confine Messico – Stati Uniti, da quello Turco-Greco, o anche solo da quella striscia di mare che separa Italia e Tunisia, per accorgersi che la violenza e il disprezzo verso il diverso  siano elementi profondamente radicati anche nella cultura occidentale, che si vende come paladina della libertà e dei diritti umani, ma che cerca solamente di salvare una fragile apparenza, nascondendo la polvere sotto il tappeto (o meglio, al di là del confine). 

    La propaganda governativa contro i clandestini nella Londra de I Figli degli Uomini, infatti, ricorda tristemente la comunicazione pubblica di figure di spicco del panorama politico globale, fatta di demonizzazione dello straniero, dipinto come terribile e gravissima minaccia nei confronti della sicurezza collettiva, e dall’esaltazione del sentimento nazionalista e suprematista, in una glorificazione insensata di una società che, in realtà, sta soffocando sotto il suo stesso peso. 

    Nel film del regista messicano, quindi, lo spettatore si trova di fronte al disfacimento totale della politica in quanto istituzione e in quanto specchio della società che dirige: Il Governo ha fallito, autodistruggendosi nella sua stessa violenza e disumanizzazione; i Pesci, ovvero il gruppo terroristico che dovrebbe combattere per i diritti dei profughi, hanno fallito allo stesso modo, cercando di rovesciare un sistema dittatoriale e finendo per diventare esattamente come ciò che intendevano distruggere. In questo senso la disillusione di Theo, ex attivista, è la disillusione di Cuaron stesso di fronte al fallimento del sistema politico contemporaneo, che condanna i molti a vivere una vita di sofferenze a Brexhill, mentre i pochi collezionano arte mentre il mondo si muove verso l’Apocalisse. 

    La conclusione della critica sociale della pellicola coincide perfettamente con la conclusione della pellicola stessa: Kee e sua figlia Dylan, simbolo della speranza, della purezza di una nuova vita in un mondo morente, riescono a raggiungere la Tomorrow, ovvero l’imbarcazione su cui una nuova comunità di persone cercherà di far ripartire il mondo dopo l’estinzione. Il fatto che la nuova umanità si trovi su una nave è estremamente simbolico e rappresenta un’importante chiave di lettura interpretativa, in quanto essa è priva di radici territoriali. Il mare annulla qualsiasi confine nazionale, libera metaforicamente la società da ogni differenza razziale e si torna ad essere tutti semplicemente persone, si torna nuovamente al contatto umano più autentico, vero e proprio fondamento del nuovo mondo del Domani, un mondo in cui i figli degli uomini potranno essere finalmente liberi.

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