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Tag: Michelle Yeoh

Recensione Assassinio a Venezia – Nel bel mezzo di un gelido autunno

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La storia si apre nell’oscura Venezia, alla vigilia di Ognissanti del 1947, quando il famoso Hercule Poirot, ormai pensionato, viene richiamato all’azione da una vecchia amica. Kenneth Branagh indossa nuovamente gli ingombranti baffi prostetici e dirige il terzo giallo della sua personale saga mystery, Assassinio a Venezia, finora il più intrigante e sorprendente dei tre.

Séance: una seduta spiritica a Venezia

Ritiratosi dalla celebrità e senza più lo stimolo a risolvere casi, l’ex detective non desidera altro che coltivare zucche. Ma la scrittrice di gialli Ariadne Oliver (Tina Fey), alter ego letterario di Agatha Christie stessa, insiste affinché Poirot torni in scena. A mezzanotte avrà luogo una seduta spiritica in un antico palazzo che si dice infestato, e le due brillanti menti dovranno smascherare la medium Joyce Reynolds (Michelle Yeoh fresca di Oscar per Everything Everywhere All At Once).

Gli invitati al rito sono in qualche maniera tutti collegati all’anima che vi si vuole richiamare: un anno addietro è morta per presunto suicidio Alicia, figlia della cantante lirica Rowena Drake (Kelly Reilly), padrona di casa che ha indetto la seduta. Partecipano la governante, presente nella fatale notte, l’ex fidanzato della ragazza, il medico di famiglia con l’enigmatico e precoce figlioletto (rispettivamente Jamie Dornan e Jude Hill, riuniti come padre e figlio dopo Belfast, sempre diretto da Kenneth Branagh) e un ex poliziotto (Riccardo Scamarcio). Un omicidio consumato entro le mura di questa tenebrosa casa nella notte di tempesta forza l’investigatore riluttante a rimettersi in gioco.

Ci sono tutti gli ingredienti del giallo classico, che la sceneggiatura di Michael Greene trasferisce a Venezia ma prelevandola da un romanzo originale meno noto di Agatha Christie, intitolato Hallowe’en Party (Poirot e la strage degli innocenti in italiano) pubblicato nel 1969. Branagh regista opta però per un’atmosfera piuttosto diversa da quella a cui ci avevano abituati le due precedenti indagini esotiche, impostando l’adattamento come un ibrido tra whodunnit e thriller paranormale.

Fra apparizioni, nenie infantili, rumori sospetti e rintocchi, il palazzo stesso si anima come un personaggio vero e proprio, inducendo al dubbio persino la fredda e schietta razionalità di Poirot. Inserti horror come boati, cigolii e il crepitare della pioggia interrompono di continuo lo svolgimento, frangono e insieme legano le sequenze, confluiscono in un’orchestra tetra e ritmica che alimenta l’indagine in maniera meno convenzionale rispetto ai due precedenti episodi.

Camera chiusa: teatro e Poirot

La messa in scena di Branagh è particolarmente riconoscibile nella forma teatrale dell’azione: rinchiude tutti i personaggi nello stesso spazio, angusto e sempre più claustrofobico, li obbliga al confronto e a rivelare istinti e pregiudizi. Il cast, come d’abitudine per questi film all-star del regista irlandese, si manifesta nella sua coralità più che nelle singolarità. Spiccano, comunque, il giovane Jude Hill, e le buone prove della brillante Tina Fey e della misteriosa Michelle Yeoh.

La scrittrice e la medium, simbolicamente, incarnano le due istanze avversarie nella mente di Poirot che sono veicolate concettualmente dalla pellicola: raziocinio e superstizione. Sir Ken, infatti, approfondisce qui particolarmente la creatura di Agatha Christie, imprimendo nel volto del protagonista i fantasmi di amori e amici perduti e guerre combattute. Inesorabile mattatore, ci spinge col suo punto di vista dominante a temere veramente che qualcosa di sinistro ed inspiegabile alberghi nella casa.

La sceneggiatura approssima qualche dettaglio di contestualizzazione storica, mescolando il sontuoso Carnevale veneziano con il neo-importato Halloween americano, e mostra il fianco rivelando precocemente elementi che rendono prevedibile il finale. Tuttavia, lo script sviluppa globalmente piuttosto bene un plot che deve prima di tutto intrattenere, e poi, se possibile, scendere in profondità, rivelando le cantine inesplorate di questa serie di adattamenti preposti a condurre una materia classica al grande pubblico contemporaneo.

La regia cattura l’attenzione con grandangoli che deformano le prospettive e concorrono a provocare un’impressione allucinata della realtà. Particolarmente incisiva la colonna sonora di Hildur Guðnadóttir e, nella mano del regista, l’uso consistente di piani olandesi. Insieme agli enigmatici dettagli della scenografia, enfatizzati di continuo come se celassero qualcosa di più di quel che sembra, i virtuosismi tecnici contribuiscono alla costruzione di un’atmosfera sempre più inquietante e di un mistero inafferrabile.

Traumi: quando si riaccenderanno le luci

Nel romanzo originale una tredicenne viene uccisa poco dopo aver rivelato di conoscere la verità sulla morte misteriosa di un’amica avvenuta l’anno precedente. La seduta spiritica è un’aggiunta originale del film, la cui particolarità rispetto ai precedenti casi di Poirot è proprio lo scontro con qualcosa di occulto, in una sorta di duello concettuale tra spiritismo e positivismo – quando venivano impiegate le prime rudimentali macchine di proiezione delle ombre che si vedono nella prima parte del film – in cui ciascuno è chiamato a schierarsi, dalla parte della superstizione oppure della razionalità.

Sono in qualche maniera entrambe forme di reazione ad un trauma, quello che ogni personaggio del film ha vissuto singolarmente, nella morte di Alicia e negli orrori della guerra. In un orizzonte più ampio, è una metafora di come rispondere ad un evento catastrofico e imprevedibile come lo è stata la pandemia recentemente. Assassinio sul Nilo era stato rinviato più e più volte durante l’emergenza, ma Assassinio a Venezia è senza dubbio il primo Poirot dell’era post-Covid, che reagisce come può, forse ancora incapace di dare spiegazioni razionali ad ogni cosa.

Eppure, all’opposto dell’Orient Express e del Nilo, Assassinio a Venezia è il primo caso di Kenneth Branagh a cominciare male e finire bene, come se Poirot fosse riuscito a trovare un compromesso nella sua esistenza tra luci e ombre. Dalla notte di tempesta, che lasciava una Venezia crepuscolare e decadente fuori dalla finestra, si riaccendono le luci (When the Lights Go on Again di Vera Lynn è la canzone del 1943 con cui si apre e si chiude il film) su una città che offre nuovi casi e nuove occasioni al detective.

Così Branagh trova un equilibrio nella messa in scena di queste storie: senza più vincoli a introdurre il suo Poirot o la pressione di farlo funzionare, lo inserisce in un contesto inedito, dove ha maggior possibilità di manovra e si rivela più ispirato. Il mistero di per sé è meno ostico e la soluzione meno plateale, ma un’opera mai vista sul grande schermo si presta meglio a qualsiasi lettura senza rischiare imbarazzanti paragoni. Se Branagh l’ha capito, Poirot risolverà ancora molti altri casi.

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Edoardo Borghesio,
Redattore.

September 19, 2023
EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE – TRA MADRE E FIGLIA

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Può il complesso concetto di multiverso e tutto ciò che ne deriva diventare una gigantesca metafora del burrascoso rapporto tra una madre e la propria figlia? I Daniels (Daniel Kwan e Daniel Scheinert) ci hanno risposto con uno dei film più sorprendenti, emozionanti e premiati dell’anno, il “cinecomic atipico” Everything Everywhere All At Once. Uscito in Italia ormai a ottobre dello scorso anno, il film è tornato in alcune sale negli scorsi giorni proprio per via dei numerosi riconoscimenti avuti ai Golden Globe 2023 e grazie alle numerosissime nominations agli Oscar. Ammirarne la bellezza in sala è sicuramente la scelta migliore viste le spettacolari scene d’azione di cui il film è pieno, arricchite da ambientazioni fantastiche e costumi affascinanti già premiati in diverse occasioni. Si è parlato di come il film possa essere una valida “alternativa” ai cinecomic made in Marvel, e va detto che molti fan della casa supereroistica hanno apprezzato l’opera dei Daniels, soprattutto perché hanno potuto ridere a delle battute effettivamente divertenti (scusami tanto, Thor!). In questa sede non è necessario dilungarsi a parlare di come Everything Everywhere All At Once riesca a divertire, intrattenere con delle storie incredibili e toccare profondamente il cuore del suo pubblico; per questo esiste già la nostra recensione.

Ciò su cui è interessante concentrarsi è il difficile rapporto madre-figlia che i Daniels ci mettono davanti agli occhi, le sue implicazioni psicologiche e i rimandi a quel frammento di vita che molte figlie hanno vissuto in relazione alle proprie madri.

EVELYN E JOY TRA MULTIVERSI E PSICOLOGIA

Protagonista di Everything Everywhere All At Once è Evelyn (Michelle Yeoh), immigrata cinese che gestisce una lavanderia negli Stati Uniti insieme al marito Waymond (Ke Huy Quan). La vita di Evelyn e la sua situazione familiare non stanno procedendo bene: la lavanderia è sotto un severissimo controllo da parte del fisco, Waymond vorrebbe un divorzio, sua figlia Joy (Stephanie Hsu) le ha appena presentato la propria ragazza e vorrebbe che la madre accettasse il suo essere lesbica. Durante un colloquio presso l’ufficio tributi statunitense, Evelyn entra in contatto con una versione alternativa del marito che le spiega come l’intero multiverso sia sotto la minaccia di Jobu Tupaki, una versione alternativa di Joy divenuta malvagia e potente, in grado di manipolare la materia e distruggere qualsiasi cosa. Jobu Tupaki altro non è che la personificazione del rapporto conflittuale che c’è tra Evelyn e Joy, soprattutto durante un periodo così complesso come l’adolescenza. L’atteggiamento “ribelle” della figlia viene reso palese da come la madre reagisce in sua presenza, da come cerca costantemente di ricordarle che il nonno è un tradizionalista, che non accetterebbe mai una nipote così diversa dal “normale”. Ogni discorso è un modo per camuffare il fatto che la prima a non comprendere la figlia è proprio la madre stessa, colei che l’ha messa al mondo e le ha donato la tenacia, la curiosità, il coraggio, ma anche la testardaggine.

In psicologia, il conflitto generazionale madre-figlia viene spiegato e analizzato grazie alla psicoanalisi freudiana, per la quale tutto si riconduce alla primordiale castrazione (o paura di essa) di cui soffre ogni essere umano. La bambina scopre la propria castrazione e indica come assoluta colpevole la madre, responsabile di averle portato via qualcosa, di averla “castrata”; dal lato opposto, la madre vede nella figlia uno sbocciare di femminilità fresca, innocente, talmente meravigliosa da generare un’invidia inconscia. Nella maggior parte dei casi, questo comportamento finisce per riflettere ciò che la madre ha subito durante la propria crescita dalla propria genitrice, creando un circolo vizioso, un costante ricambio che può andare avanti all’infinito (non a caso per indicare lo spezzare di un comportamento tossico generazionale si utilizza l’espressione “rompere il cerchio”).

Ed ecco che la lotta tra Evelyn e Jobu Tupaki assume tutto un significato nascosto che va al di là della salvezza del multiverso: quello che deve essere salvato è il loro rapporto, l’amore che le due provano l’una per l’altro che tuttavia fatica mostrarsi. È compito di Joy rompere quel cerchio, ma non è in grado di farlo senza che Evelyn capisca e accolga un cambiamento importante come questo.

DUE SASSI ROTOLANO GIÙ DA UNO STRAPIOMBO

Dopo incredibili avventure attraverso i più svariati mondi in cui Evelyn è sia una campionessa di kung fu sia una cuoca provetta sia un sasso sul bordo di un precipizio, madre e figlia si incontrano e discutono animatamente di multiversi, dell’esistenza umana e di come tutto non abbia un vero senso di fronte all’infinità di mondi esistenti. Evelyn finisce quasi per seguire Jobu nel suo piano di distruzione (e autodistruzione), ma le basta poco per comprendere che quella giovane donna altri non è che una povera figlia privata della propria madre, alla disperata ricerca di qualcuno che possa comprenderla e starle accanto. Evelyn convince Jobu a non farla finita e nello stesso tempo riesce a riconciliarsi con Joy e Waymond, incollando a poco a poco i pezzetti della sua vita che si stavano lentamente staccando. Madre e figlia riescono a superare insieme la conflittualità, il cerchio oscuro (o forse il bagel?) che aveva condizionato le loro vite fino a poco fa si è spezzato e le due possono abbracciarsi senza quell’enorme muro che fino a poco prima le divideva. Evelyn ha accettato Joy, la sua testardaggine, il suo atteggiamento un po’ ribelle, e Joy ha accettato che Evelyn non è una madre perfetta, ma farebbe di tutto per non lasciarla mai sola.

Il sasso più piccolo si è gettato dallo strapiombo e sta rotolando, forse non si fermerà mai; ma non è solo, perché è seguito da vicino da un sasso un poco più grande, con qualche ammaccatura qui e là, deciso a non perdere mai il fianco dell’altro.

E poi c’è il pubblico, seduto nella poltroncina del cinema, che finisce per commuoversi davanti ai due sassi che rotolano nelle polvere.

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February 16, 2023
RECENSIONE EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE – ESISTENZIALISMO E HOT-DOG

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Concepire un film come Everything everywhere all at once dev’essere stato un gioco da ragazzi per Daniel Kwan e Daniel Scheinert, duo registico noto come i Daniels: la loro opera prima, Swiss army man (2016), è una fiaba sentimentale che ha come co-protagonista e deus ex machina un cadavere interpretato da Daniel Radcliffe che usa le sue flatulenze come propulsore. Per un film la cui scala comprende tutto quanto l’esistente sarà bastato semplicemente espandere la loro eccentrica sensibilità, ignorando completamente le convenzioni e il senso del ridicolo per raccontare una storia ancora più insolita e personale. E nessun balzo nel multiverso avrebbe potuto avere un risultato più felice di questo qui.

TUTTE LE STORIE POSSIBILI

Non c’è angolo del Multiverso narrativo lasciato inesplorato dalla folle creatività dei Daniels, che mettono sul tavolo gli immaginari cinematografici più disparati. Accanto a familiari ambientazioni post-apocalittiche e paesaggi urbani usciti da un film di Kong War-Kai trovano posto scene animate, universi dai percorsi evolutivi singolari in cui gli esseri umani hanno le dita a hot-dog, parodie di noti lungometraggi animati Pixar e brevi incursioni nel wuxia. Moltissimi di questi universi alternativi immaginati occupano uno spazio relativamente breve ma ognuno di questi è un piccolo capolavoro di immaginazione e concisione – capacità di sintesi maturata dai Daniels come registi di videoclip musicali -, in un pastiche impazzito e allegramente fuori controllo in cui questo stesso film è un film all’interno del film.

Quello di Everything everywhere all at once è un multiverso fondato sulla rielaborazione cinefila e narrativa, che fa propri tutti i passaggi obbligati da viaggio dell’Eroe (in questo caso, dell’Eroina) e ci gioca con bonarietà, non tanto per stravolgerli o rivoluzionarli quanto per aggiungere un nuovo senso al processo di narrativizzazione del reale che fonda ogni storia esistente.

DI MADRI E FIGLIE, IDENTITA’ CULTURALE, NICHILISMO E PROCIONI

Ma tutto questo, in realtà, è solo il pretesto per l’umanissimo racconto di identità e smarrimento esistenziale alla base: la storia di una madre immigrata dalla Cina, Evelyn Quan Wang (Michelle Yeoh), del marito (Ke Hui Quan), della figlia adolescente e dei problemi di una famiglia cinese trapiantata negli Stati Uniti.

Gli enigmi sul Multiverso non sono nulla in confronto all’enigma che è l’universo in cui esistiamo, il contesto culturale e sociale in cui siamo cresciuti, il peso delle tradizioni e tutto ciò che tramandiamo da una generazione a quella successiva.

In quest’ottica, il maggior pericolo non è la cattiva entità distruttrice che minaccia l’intera esistenza ma ciò che la muove, ovvero il profondo malessere esistenziale che ci assale di fronte alla consapevolezza del vuoto. D’altronde se esiste un infinito multiverso la nostra esistenza non è che un sassolino nella vastità di un cosmo indifferente e, proprio per questo, le nostre esperienze sono ancora più importanti e uniche, nel bene e nel male.

DEGLI ALTRI UNIVERSI SAPPIAMO MOLTO POCO (MA IN FONDO NON IMPORTA)

Lo spettacolo imbastito dai Daniels propone un’idea di spettacolo all’insegna dell’eccesso (visivo, stilistico, concettuale) ma sempre attento all’estetica e al cuore della propria storia.

Per entrare nella tana del bianconiglio è più che mai necessario lasciare alla porta inezie come la logica e la pretesa di una coerenza narrativa ferrea. D’altronde entrambe sono dei costrutti della mente e nessuna delle due fa davvero parte dell’esistenza umana, e quindi non c’è ragione che facciano parte anche di questo film: ciò che è importante è quella parte di noi che ci lega gli uni agli altri e che permette di godere senza pregiudizi di un film mirato al cuore e ai sensi e che soddisfa più che a sufficienza entrambi.

Cos’è dunque che ammanta Everything everywhere all at once di quell’aura che potrebbe renderlo un capolavoro moderno? Forse la sua capacità di intercettare nevrosi e sensibilità contemporanee e plasmarle in un racconto allo stesso tempo personale e universale che ci ricorda l’immenso potere dell’immaginazione e delle storie per cercare di capirci qualcosa, se non su ciò che riguarda tutti gli universi possibili, almeno su ciò che noi potremmo essere in questo.

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September 27, 2022
RECENSIONE GUNPOWDER MILKSHAKE

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Cosa succede se si mettono insieme Karen Gillan, Lena Headey, Carla Cugino, Angela Basset e Michelle Yeoh, le si rende dei killer (quasi) infallibili e le si inserisce in un universo chiaramente ispirato ai recenti John Wick, ma con più violenza? Si ottiene un bel mix,a volte anche un po’ confuso, di nome Gunpowder Milkshake. Chiaramente l’idea alla base del progetto, scritto e diretto da Navot Pupushado (conosciuto dai più per Big Bad Wolves da lui stesso diretto e per cui vinse numerosi premi) era quella di creare una pellicola sulla falsa riga dell’enorme successo che fu di John Wick ed relativi sequel, creando una one army (questa volta) woman, una killer che uccide all’interno di un mondo gestito da diverse società segrete seguendo delle regole ben precise (non si può uccidere chi si vuole, ci sono alcuni luoghi dove le armi sono vietate e così via).

La differenza chiaramente risulta nella tinta prettamente femminile che la pellicola presenta con un cast di antieroine (perdonate il francesismo) cazzutissime, ma che presentano allo stesso tempo forti ideali e sentimenti ben evidenti.

JOHN WICK AL FEMMINILE, MA NON TROPPO

La protagonista della pellicola è Sam, killer esperta che lavora per una società segreta composta da alcuni degli uomini più potenti del mondo chiamata The Firm e che, durante uno dei suoi lavori, finisce per uccidere le persone sbagliate, ritrovandosi una infinità di killer alle spalle ed una ragazzina di 8 anni (e tre quarti) a cui badare. Da qui la pellicola alterna scene tranquille e dialogate in cui presentare ed approfondire il mondo nel quale vivono i personaggi e le sue regole, a scene di combattimento decisamente sopra le righe e piene zeppe di sangue, discostandosi da quella corrente che si sta sviluppando negli ultimi anni e che punta a presentare combattimenti adrenalinici ma ai limiti del realismo (per non citare sempre il nostro assassino interpretato da Keanu Reeves si possono prendere come esempi Atomica Bionda (Devid Leitch, 2017) o Tyler Rake (Sam Hargrave, 2020), che presentano combattimenti basati sulle capacità reali degli attori e quindi con un uso limitato di stuntman). Questa gestione dei combattimenti risulta al tempo stesso un punto di forza, poiché le scene risultano particolarmente divertenti riuscendo a divertire ed intrattenere lo spettatore, ma anche un punto a sfavore, poiché alla lunga rischiano di diventare eccessive.

A livello di scrittura, i personaggi secondari risultano purtroppo solamente accennati, sia per quel che riguarda il loro carattere sia per i rapporti con il resto dei personaggi e del mondo che sta loro intorno, rendendoli forse un eccessivamente stereotipati, soprattutto nel caso delle tre bibliotecarie decisamente troppo simili e poco diversificate tra di loro. Per quanto riguarda invece la protagonista e la madre, la scrittura risulta più curata, riuscendo ad approfondire il loro carattere e mettendo in scena un ottimo scontro “sentimentale” tra le due.

I villain d’altro canto risultano anche loro abbastanza anonimi, finendo per essere i classici cattivi grossi e rozzi che vogliono uccidere per sete di vendetta. Peccato soprattutto per Ralph Ineson, che si ritrova ad interpretare un ruolo per il quale è completamente sprecato.

SANGUE AL NEON

Il lato tecnico del film è la parte più riuscita del prodotto. La regia riesce in diversi punti a creare delle sequenze stupende, soprattutto per quanto riguarda le scene di combattimento, che risultano chiare e divertenti. In questo aiuta moltissimo la fotografia, che riempie le scene di luci artificiali ed al neon, riuscendo a spettacolarizzare in questo modo diverse sequenze di combattimento. Ottima e perfettamente inserita nel contesto è la colonna sonora, cha accompagna nella giusta maniera i vari momenti del film.

La recitazione risulta particolarmente buona. Certo, non siamo di fronte alle migliori interpretazioni del cast, ma soprattutto dal lato dei “buoni” risulta palese come le attrici si siano divertite parecchio nell’interpretare questi personaggi. Una menzione d’onore va a tre attori in particolare: la prima è Chloe Coleman, che interpreta la bambina Emily alla perfezione nonostante la giovane età; la seconda va a Paul Giamatti, che nonostante abbia uno screen time minore rispetto ad altri colleghi riesce a mettere in scena un’interpretazione memorabile; l’ultima va alla protagonista Karen Gillan, che è riuscita a dare vita ad un personaggio “strano” ma allo stesso tempo equilibrato per il ruolo che interpreta, soprattutto grazie alle sue espressioni ed alla mimica facciale.

CONCLUSIONE

Nonostante l’ottimo cast che ci regala delle interpretazioni degne di nota, la seconda pellicola di Navot Pupushado si inserisce in quell’elenco di film d’azione “nella media”, che non cerca di innovare ma di divertire il pubblico, senza porsi limiti. Lo fa traendo ispirazione dai successi più recenti del genere, creando però una sceneggiatura abbastanza scialba e dei personaggi secondari e dei villain anonimi. Alza l’asticella il reparto tecnico, soprattutto grazie ad una buona regia ed una fotografia “al neon” accattivante. Si poteva certo fare di più, ma risulta comunque un film adatto per passare una serata in cui spegnere il cervello divertendosi.

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August 3, 2021