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Tag: ombre da oriente

  • Ombre da Oriente – Il castello nel cielo di Hayao Miyazaki

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    Replicando una meritoria iniziativa già sperimentata nel 2022, Lucky Red anche quest’anno riporta al cinema durante la stagione estiva alcuni classici del maestro dell’animazione nipponica Hayao Miyazaki, forse anche per preparare il terreno per la (auspicata) prossima uscita italiana del suo nuovo film The Boy and the Heron (anche conosciuto come How Do You Live?), che ha fatto il suo esordio sugli schermi giapponesi il 14 luglio, tra l’acclamazione della critica. Dal 27 luglio al 2 agosto 2023, in particolare, torna al cinema Il castello nel cielo (天空の城ラピュタ, Tenkū no shiro Rapyuta). Risalente al 1986, ma distribuito in Italia in home video solo nel 2004 e in sala nel 2012, è il terzo lungometraggio diretto da Miyazaki, dopo Lupin III – Il castello di Cagliostro (1979) e Nausicaä della Valle del vento (1984), ma il primo prodotto dal neonato Studio Ghibli, fondato nel 1985 dal regista stesso insieme a Isao Takahata e ai produttori Toshio Suzuki e Yasuyoshi Tokuma.

    Il castello nel cielo è ispirato, almeno nell’ambientazione, a un episodio de I viaggi di Gulliver di Jonathan Swift, in cui il protagonista Gulliver, dopo aver incontrato i lillipuziani e i giganti, giunge nella misteriosa Laputa, un’isola volante popolata da scienziati pazzi, nelle intenzioni dell’autore una pungente parodia letteraria della Royal Society britannica. Miyazaki recupera l’isola immaginaria e ne fa il cuore di una storia universale di amicizia e coraggio, che pone al centro molti dei topos a lui cari. Il film, ambientato in un universo fantascientifico, inizia su una nave militare volante, su cui l’esercito e misteriosi uomini dagli occhiali scuri tengono prigioniera la giovane Sheeta, detentrice della gravipietra, un gioiello dai grandi poteri. Quando un gruppo di pirati dell’aria vanno all’arrembaggio della nave per impadronirsi proprio della misteriosa pietra, Sheeta riesce a fuggire ed è salvata dal minatore orfano Pazu, ossessionato dal volo e dal mito dell’isola fluttuante di Laputa. Quando l’esercito e i pirati si rimettono sulle tracce della giovane, Pazu e Sheeta scappano insieme e si imbarcano in un’avventura che li condurrà a scoprire la misteriosa isola da cui proviene la gravipietra e di cui la ragazza è la regina predestinata. 

    Laputa: un paradiso perduto

    Tra i topos fondamentali dell’opera di Miyazaki – già centrale nel precedente Nausicaä della Valle del vento – vi è il complesso rapporto tra l’uomo e la natura. Ecologista convinto, Miyazaki ha sempre posto al centro la fragilità della natura e la necessità della sua preservazione. Ne Il castello del cielo tutto ciò si sostanzia nel confronto tra il mondo degli uomini e l’isola fluttuante di Laputa. Nelle sequenze iniziali, Miyazaki mette in scena un mondo umano grigio e industrializzato, dove le sagome delle ciminiere si stagliano cupe verso il cielo (Figura 1). 

    Figura 1

    Al contrario, Laputa è una sorta di paradiso terrestre verdeggiante, popolato solamente da un robot giardiniere, testimonianza di una civiltà passata distrutta dalle proprie ambizioni militariste, chiaramente dimostrate dalla sequenza in cui Muska, tra gli antagonisti più monotonamente negativi della filmografia di Miyazaki, sfrutta i poteri dell’isola per generare una sorta di esplosione atomica sulla terra. Laputa è un’isola in cui la natura ha riconquistato il proprio spazio, ma in cui ha ancora sede una forza violenta e devastatrice. L’eroismo di Sheeta e Pazu sta proprio nel modo in cui essi riescono a liberare l’isola distruggendo il suo sistema di armamenti e rendendola un luogo di puro splendore naturale, che si leva sempre più in alto verso il cielo, abbandonando il nostro mondo e allontanandosi da quegli uomini che vorrebbero possederla. L’iconografia di Laputa è tra i più alti esiti dell’opera di Miyazaki e ha influenzato fortemente pellicole come Atlantis – L’impero perduto (2001) e persino Avatar (2009; si pensi all’albero casa dei Na’vi e alle sue colossali radici, che ricordano da vicino l’albero che cresce alla sommità di Laputa). 

    Il “cinema del lavoro” di Miyazaki

    Un altro aspetto centrale de Il castello nel cielo e dell’intera opera di Miyazaki è l’ossessione per il lavoro. I personaggi dell’animatore giapponese sono spesso lavoratori o, in ogni caso, persone estremamente devote al proprio dovere professionale: limitandosi solamente ad alcuni protagonisti, si pensi alla serietà con cui Kiki affronta il suo incarico di strega-corriera in Kiki – Consegne a domicilio (1989), all’impegno di Chihiro per il buon funzionamento del centro termale ne La città incantata (2001), alla passione fremente per il proprio mestiere dell’aviatore Jirō Horikoshi in Si alza il vento (2013). Anche ne Il castello del cielo il lavoro è la pratica che regola molte relazioni tra i personaggi. Nonostante la sua passione sia il volo, all’inizio del film vediamo Pazu lavorare di buona lena in miniera, svolgendo i propri incarichi con precisione e passione. In seguito, nella sequenza della fuga in treno di Sheeta e Pazu, il macchinista accetta di aiutare i due giovani a scappare dai pirati chiedendo in cambio al giovane di lavorare come fuochista. Pazu, a quel punto, accetta entusiasticamente (Figura 2) e si dimostra un aiutante abile e zelante. Ancora, quando Sheeta e Pazu vengono ingaggiati nella ciurma della piratessa dal cuore d’oro Dola, Miyazaki rappresenta l’aeronave pirata essenzialmente come un luogo di lavoro, in cui ognuno ha il suo ruolo: Sheeta è incaricata della gestione della cucina, a Pazu è assegnata la supervisione dei motori, e così via. Ciò che colpisce è come Miyazaki riesca sempre a rappresentare nel suo cinema la gioia del lavoro, qualunque esso sia: i personaggi dei suoi film sentono il proprio lavoro e le varie attività in cui si impegnano. Lavorare bene, con dedizione ed etica, è gioia di vita. Questo è una tra i più significativi aspetti dell’esaltazione epica dell’ordinario che è al centro dell’opera di Miyazaki. Lavorare – come mangiare, ridere, innamorarsi… – è parte del complesso miracolo della vita quotidiana, di fronte al quale il maestro giapponese pare sorprendersi a ogni film. 

    Figura 2: Pazu lavora di buona lena come fuochista per garantire la fuga a Sheeta e a se stesso.

    Un mondo in volo

    Il volo è un altro topos ricorrente nell’opera di Miyazaki. Figlio di un ingegnere aeronautico, il regista ha sempre dichiarato di essere entrato in contatto con le “macchine volanti” fin dalla propria infanzia e che la sua concezione del volo sia legata a un senso di libertà e alla dimensione del sogno: si pensi a Si alza il vento, pellicola che riflette esplicitamente sul miracolo del volo e sulla corruzione dell’utopia di un mondo aereo di pace. Ne Il castello nel cielo il volo è il sistema di movimento prediletto da tutti i personaggi e appare come la loro ideale condizione esistenziale. Quello del film è un mondo in volo: pirati su aeronavi, dirigibili militari, navicelle che paiono coleotteri, personaggi che fluttuano, battaglie aeree… Il design dei mezzi volanti è impressionante per dettaglio e fantasia e il personaggio di Pazu, con la sua fascinazione per il volo, non può non apparire come un alter ego di Miyazaki stesso e dei suoi sogni. Il volo, ne Il castello del cielo, appare come la metafora di un desiderio, che accomuna i protagonisti, di levarsi dalla gravità terrestre, lasciandosi alle spalle le proprie vite precedenti, per accedere a una dimensione avventurosa e di elevazione spirituale, che possa donare un nuovo, fluttuante equilibrio al mondo e alle loro vite. 

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    Jacopo Barbero,
    Direttore editoriale.

  • Ombre da Oriente – Kiki: Consegne a domicilio (1989) di Hayao Miyazaki

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    Torna al cinema in Italia Kiki – Consegne a domicilio (Majo no takkyūbin). È uscito nel 1989 ed è il terzo film di animazione della casa di produzione Studio Ghibli, nonché quello che ne ha avviato il successo, essendo stato il campione di incassi giapponese di quell’anno. Il regista e produttore Hayao Miyazaki è anche autore della sceneggiatura, mentre il soggetto è tratto dall’omonimo romanzo per ragazzi di Eiko Kadono del 1985.

    Kiki è una giovane strega di tredici anni, che vediamo ascoltare con trepidazione le previsioni meteo per decidere se sia il momento buono per partire. Ha infatti l’età per il noviziato, l’anno in cui ogni strega si allontana dalla famiglia per imparare a vivere in modo indipendente. Nonostante le preoccupazioni dei genitori sceglie di partire quella sera stessa, a cavallo di una scopa e accompagnata solo da Jiji, il suo gatto nero. Si ferma in una grande città portuale, dove si trova inizialmente molto spaesata, e incontra Osono, che ha una panetteria e le offre una stanza in cambio del suo aiuto. Dato che il volo è l’unico potere magico che possiede, Kiki decide che la sua attività sarà un servizio di consegne a domicilio. Adattarsi alla sua nuova vita richiederà un grande sforzo per la ragazza, inizialmente ingenua e dal carattere burrascoso, che scoprirà non solo di avere molto da imparare ma anche che può succedere addirittura di perdere – apparentemente – i poteri che ha già. 

    A differenza della maggior parte dei film di Miyazaki, che raccontano molto della cultura giapponese (fra i più celebri ricordiamo Principessa Mononoke del 1997), l’ambientazione in questo caso è occidentale. Koriko è una città immaginaria, disegnata mescolando le caratteristiche delle diverse città europee che Miyazaki in persona ha visitato durante la lavorazione. Le insegne dei negozi assomigliano a quello che potevano essere il Belgio o la Germania del secondo dopoguerra, la torre dell’orologio richiama quella di Stoccolma, ma si vedono anche dei tram e alcune vie dall’aspetto più mediterraneo.

    Nonostante la protagonista sia una strega a tutti gli effetti, gli elementi fantasy sono pochi e integrati nella società moderna. Il fatto che Kiki sia vestita di nero, possa volare solo sulla scopa e sia accompagnata da un gatto nero non ha alcuna connotazione negativa: si percepisce, soprattutto nei dialoghi con gli abitanti della città, che l’esistenza delle streghe è percepita come un fenomeno raro ma tutto sommato normale. La trama è estremamente semplice, a tratti aneddotica, non c’è un vero antagonista né grandi colpi di scena; tuttavia non si ha mai l’impressione di un film noioso grazie alle atmosfere, sempre leggere e accoglienti, e alla caratterizzazione dei personaggi. Nei suoi svariati tentativi di rendersi indipendente, Kiki non incontra mai un mondo ostile, e viene spesso aiutata da altre donne, in particolare Osono, che assume un ruolo materno nei suoi confronti, e Ursula, una strega più grande che ha già compiuto il percorso del noviziato. Quest’ultima, mentre fa amicizia con la protagonista e le racconta la propria storia, appare quasi come una versione di Kiki dal futuro: ha vissuto le stesse difficoltà, ha anche lei un gatto nero che però non parla da umano (così come Jiji da un certo punto non parla più). Inoltre Kiki fa amicizia con un suo coetaneo, Tombo, dando vita ad alcune delle scene più simpatiche e realistiche. 

    Ciò che rende la storia apprezzabile e non banale è il fatto che pur essendo di fatto una fiaba, non ha un finale perfetto: alla fine delle mille peripezie Kiki vola ancora sbattendo contro gli edifici, la consapevolezza che ha acquistato non è un incantesimo che la fa diventare automaticamente adulta. Coerentemente con il realismo di tutto il film, e anche con il tipo di ottimismo concreto e mai illusorio di Miyazaki, Kiki – Consegne a domicilio non promette nulla di fuori dagli schemi ma esalta la bellezza “piccola” delle avventure quotidiane. Vale la pena rivederlo sul grande schermo per godere appieno dei colori e dei disegni, che costituiscono buona parte dell’indiscutibile valore di questa pellicola.

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    Federica Rossi,
    Redattrice.

  • Ombre da Oriente – Empresses in the Palace

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    L’harem drama par excellence 

    Nella produzione televisiva cinese un ruolo di particolare rilievo è occupato dai cosiddetti harem drama, popolari racconti a metà tra Storia e finzione che drammatizzano la vita di corte della Cina imperiale, dedicando particolare attenzione al racconto di intrighi e amori tra le mura della Città Proibita di Pechino. Non fa eccezione Empresses in the Palace (in originale: Zhen Huan Zhuan, La Leggenda di Zhen Huan), che di questo sottogenere rappresenta probabilmente il culmine. Sontuosa produzione del 2011 realizzata da Beijing TV Art Center e inizialmente mandata in onda sul canale regionale Shaoxing News, per poi essere riproposta a livello nazionale, Empresses in the Palace rappresenta un’autentica serie di culto in Cina, dove è tra i prodotti di massa più popolari, anche su piattaforme social come Weibo e Xiaohongshu, dove meme e gif ispirate dalla serie abbondano e rappresentano un terreno culturale comune per milioni di cinesi. La serie, che consta di settantasei episodi da quarantacinque minuti, ha avuto un tale successo che Netflix ne ha acquistato i diritti e l’ha distribuita su scala planetaria in una versione rimontata e ridotta (sei episodi da un’ora e mezza l’uno). Ora, tuttavia, la versione integrale originale è disponibile legalmente su YouTube con una pregevole sottotitolazione poetica in inglese a cura del gruppo di traduttori The Magpie Bridge Brigade.

    Intrighi, potere e amori nella Città Proibita

    Cina, 1722. Il Principe Yinzhen della dinastia Qing ascende al trono imperiale con il nome di Yongzheng, grazie all’appoggio politico di numerosi dignitari e autorità militari. Di lì a pochi mesi, l’Imperatrice Madre organizza una nuova selezione di concubine per rimpinguare l’harem della Città Proibita: all’importante evento partecipano decine di figlie di prestigiose famiglie della nobiltà cinese. Nonostante segretamente speri di non essere selezionata e di poter vivere una vita pacifica al di fuori della corte imperiale, la giovane Zhen Huan è scelta dall’Imperatore in persona per via della sua somiglianza con la defunta Imperatrice Chunyuan, grande amore del sovrano e sorella dell’attuale Imperatrice Yixiu. Insieme a Zhen Huan, vengono selezionate numerose altre giovani, tra cui Shen Meizhuang, amica d’infanzia della protagonista, e An Lingrong, figlia di un dignitario minore. A poco a poco, Zhen Huan comprende come l’harem non sia solamente un’istituzione votata a soddisfare l’imperatore e a provvedere eredi al trono, bensì un’autentica arena di lotta politica e di potere, nonché terreno di violente gelosie per accaparrarsi il favore del sovrano. Nel corso della serie, Zhen Huan dovrà confrontarsi con infinite difficoltà per abbattere le sue rivali e accrescere la propria sfera d’influenza nella corte imperiale. 

    La sfarzosa ricostruzione di un microcosmo femminile

    Interamente diretta da Zheng Xiaolong, regista televisivo di chiara fama in Cina, Empresses in the Palace fa dello sfarzo un proprio tratto distintivo. Ogni fotogramma della serie, che si ispira non poco alla magnificenza visiva di capolavori cinematografici della Quinta Generazione quali Lanterne rosse (Zhang Yimou, 1991) e Addio mia concubina (Chen Kaige, 1993), è un tripudio di colori abbacinanti. I ricchi costumi sono tra i più belli mai prodotti per la televisione, con alcuni pezzi considerati di assoluto valore anche al di fuori dello schermo, come la tiara a forma di fenice indossata più volte da Consorte Hua, grande rivale di Zhen Huan: un autentico capolavoro di artigianato televisivo. Anche il lavoro scenografico impressiona, sfruttando al meglio i giardini di alcune residenze storiche cinesi e ricostruendo in studio con grande perizia numerosi ambienti della Città Proibita. 

     Consorte Hua (la prima a destra) con indosso la preziosa tiara a forma di fenice

    Ma lo splendore formale (a cui bisogna perdonare appena un paio di sequenze con una CGI invasiva e di basso livello) non è che il contorno per la vicenda principale, ossia il fiammeggiante racconto di un universo di donne che inevitabilmente ruota attorno al potere di un sovrano maschio. Colpisce, nella narrazione, come le concubine, le consorti e l’Imperatrice appaiano amministrare un immenso potere, ma come esso debba sempre essere ricondotto a un’unica, millenaria e insopprimibile autorità fallocratica: persino i pochi uomini che popolano la Città Proibita sono prevalentemente eunuchi, così da non competere con l’assoluta potestà del re. Intrighi, omicidi, aborti indotti, finte gravidanze… le donne di corte sono pronte a ogni azione pur di ottenere promozioni (la serie, in questo senso, tratteggia con un certo dettaglio la rigida gerarchia della corte imperiale, fatta di attendenti, dame, nobili signore, concubine e consorti), sgominare le proprie rivali e, in ultimo, trascorrere una notte con il sovrano. Il terreno principale di sfida è proprio quello degli eredi: la gravidanza è nell’harem al tempo stesso la massima aspirazione e il momento di massimo terrore, tanta è la violenza con cui le concubine sono pronte ad abbattere la prole altrui per mantenere il proprio status.

    Tutto questo e molto altro è narrato, come spesso accade nelle produzioni cinesi, con una grande ricchezza di dialoghi, da ascoltare rigorosamente in lingua originale, anche per l’abbondanza di citazioni poetiche e per l’eleganza dell’espressione verbale e dei rituali di corte che la serie rimette in scena con grande cura, esaltandone ripetitività e rigidità. Ciò dà vita a una narrazione fortemente basata sulla scrittura dei personaggi, assai sfaccettata, benché i dialoghi non siano sempre all’altezza: tutte le figure principali nella serie hanno archi narrativi complessi, che ne fanno emergere dimensione pubblica e privata – è su questo contrasto, infatti, che si impernia buona parte della vicenda. Anche il cast è di alto livello. Sun Li – ottima attrice di televisione e cinema, vista anche nel bel Shadow (2018) di Zhang Yimou – è straordinaria nell’infondere al personaggio di Zhen Huan una dolcezza che, a poco a poco, si irrigidisce e si trasforma in una tragica maschera del potere. Chen Jianbin dona all’Imperatore Yongzheng il proprio sorriso sornione, che volge a poco a poco nel feroce ghigno di un sovrano spietato, in preda a deliri di onnipotenza. Memorabili sono poi Ada Choi e Jiang Xin nei panni, rispettivamente, dell’Imperatrice Yixiu e della Consorte Hua – due incarnazioni eccessive e debordanti, ma anche profondamente melanconiche, di un potere giunto al tramonto e di un folle sentimento di amore, raramente ricambiato, per l’Imperatore. Ma sarebbero molte le figure di contorno da ricordare, dal fedele eunuco imperiale Su Peisheng alla dolce dama di compagnia Jinxi, dal passionale Principe Guo all’autorevole Imperatrice Madre.

    Nel complesso, vedere Empresses in the Palace nella sua versione integrale è un’occasione per immergersi in un tipo di narrazione televisiva molto lontana dai canoni occidentali a cui siamo abituati e per scoprire un’appassionante soap opera in salsa storica, in cui le dinamiche culturali del contesto cinese emergono con forza – dalle rivalità tra gruppi etnici alla centralità del cibo, dall’esaltazione della figura materna all’importanza della ritualità e delle gerarchie. Ma è anche e soprattutto un’occasione per godere di un dramma a tinte forti, in cui i contrasti e le feroci faide di potere – la serie, in questo senso, non si ferma di fronte ad alcuna efferatezza – permettono di immergersi in un’affascinante e fantasiosa ricostruzione della Cina imperiale.

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    Jacopo Barbero,
    Direttore editoriale

  • La tecnologia nel cinema horror orientale – Cinque consigli (più uno)

    Yokai non è solo la parola giapponese per indicare un demone, ma indica anche un momento, una sensazione di terrore e confusione, o di stupore di fronte ad un evento straordinario e inafferrabile, spiegabile solo con l’intervento di un’entità soprannaturale.

    Una pratica comune di diverse civiltà e culture è quella di creare storie e miti capaci di trovare una spiegazione ad avvenimenti apparentemente inspiegabili: a partire dal sorgere e tramontare del sole, passando per l’esistenza di montagne e mari, fino a domande ben più complesse come il perché dell’esistenza stessa dell’uomo. In questo le civiltà orientali non fanno assolutamente eccezione, ma anzi mantengono ancora oggi alcune pratiche che noi occidentali definiremmo come scaramantiche o superstiziose (un ovvio esempio è il famoso maneki neko, la statuetta a forma di gatto intenta a “chiamare” con la zampa sinistra, con l’obiettivo di attirare i clienti e ancora oggi spesso presente nei negozi, o con la destra, per portare salute e fortuna e dunque spesso acquistata e posizionata nelle abitazioni private). Nella cultura cinese si manifestano così figure come gli E Gui, spiriti insaziabili di persone avide in vita, i Diao Si Gui, gli spiriti degli impiccati e dei suicidi, o le Nu Gui, spiriti femminili vittime di violenza o ingiustizie caratterizzate da un lungo vestito bianco e lunghi capelli neri sugli occhi, tanto simili alle Yuki-Onna giapponesi, che condividono con esse un aspetto praticamente identico, ed affiancate nella cultura giapponese da Oni, giganteschi ogre. Ricordiamo anche i Kappa, piccoli esseri antropomorfi dalle mani e piedi palmati ghiotti di cetrioli, e i Tengu, uccelli antropomorfi con la faccia rossa ed un lungo becco.

    Uno dei concetti più affascinanti di queste culture sono gli Tsukumogami, ovvero oggetti che divenuti datati finiscono per sviluppare un proprio spirito ed una propria identità. Nella cultura giapponese, per esempio, ne esistono moltissimi con nomi diversi: dal Bakezōri, generato in un tradizionale sandalo da spiaggia, al Chōchinobake, nato da una lanterna, fino al Kosode-no-te, che si sviluppa da un kimono. Con il grande sviluppo tecnologico avvenuto negli anni recenti, la produzione cinematografica dell’orrore ha fin da subito manifestato un forte interesse nel prendere il concetto sopracitato e di riflettere sui possibili legami tra le nuove invenzioni e la cultura storica e le credenze popolari. Andiamo quindi alla riscoperta di cinque (+1) pellicole orientali che hanno saputo riflettere sulle nuove tecnologie attraverso il cinema dell’orrore.

    L’articolo contiene alcuni spoiler minori riguardo ai film analizza

    Ringu e le V/H/S

    Con l’approdo in sala nel 2002 di The Ring di Gore Verbinski si aprì una fortunatissima parentesi di remake cinematografici in terra statunitense di alcuni tra i più famosi ed apprezzati horror orientali ed in particolare giapponesi. La forza di Verbinski – che dimostra un’abilità singolare ed unica che non verrà riproposta dagli altri cineasti che si imbarcheranno nelle altre operazioni di remake – fu quella di adattare, modificando non poco, l’apprezzatissimo Ringu, uscito in terra nipponica quattro anni prima e diretto da Hideo Nakata. 

    Per quanto si dimostri funzionale anche nella versione americana, la maledizione perpetuata da Sadako – il cui design pesca a piene mani da quello delle Yuki-Onna sopracitate – attraverso le videocassette ricorda molto da vicino il concetto di Tsukumogami, con la sostituzione della vecchiaia dell’oggetto con l’elemento sovrannaturale dei poteri psichici di cui dispone la giovane ragazza fin dalla nascita, anch’esso altro elemento comune a molte storie orientali e molto meno radicato invece nelle varie culture occidentali (ad esclusione della figura del medium, che comunque mostra numerose differenze). La storia messa in scena da Nakata non si ferma però al semplice sfruttamento delle videocassette – in quel momento talmente diffuse da far nascere facilmente in qualunque spettatore la paura di avere una copia della cassetta maledetta in uno dei propri scaffali – ma imbastisce un racconto pieno di tristezza ed angoscia, in cui l’amore per i propri famigliari e l’odio per il diverso tipici del cinema di Nakata donano alla pellicola una forte personalità e profondità.

    Kairo e l’ascesa del web

    Ad oggi anche i bambini più giovani sono capaci di utilizzare gli smartphone più avanzati ed i pc di nuova generazione. Basta però andare indietro di soli trent’anni per approdare in un mondo in cui navigare su internet era un’impresa di cui pochi erano capaci e dove il web stesso si presentava come un fattore fortemente misterioso. Non sorprende quindi che nel 2001 un regista come Kiyoshi Kurosawa abbia “colto la palla al balzo” per portare sul grande schermo Kairo (conosciuto anche come Pulse sul territorio occidentale), dalla cui sceneggiatura lo stesso Kurosawa avrebbe poi tratto un romanzo omonimo. Il film si basa sulla rappresentazione del web come ponte tra il nostro mondo e quello degli spiriti. 

    Tra suoni intermittenti di pc che si connettono lentamente ad internet, porte sigillate da nastro adesivo rosso, macchie sui muri dalla forma antropomorfa e strani glitch grafici sui vari schermi, scorre una prima parte fortemente incentrata sulla paura – tanto da presentare quello che da molti viene ritenuto l’incontro con un fantasma più spaventoso del cinema senza l’uso di jumpscare o forti rumori – dopo la quale la pellicola presenta una virata molto marcata, mettendo in scena una profonda riflessione sulla natura isolazionista dell’uomo e di come l’avvento dei computer e del web lo possa influenzare negativamente, andando però a perdere gradualmente il senso di terrore presente all’inizio. Se quindi nel panorama dei j-horror non si presenta come un titolo senza difetti, l’effetto instant cult si è comunque immediatamente manifestato – tanto da generare a sua volta una serie di remake americana che vanta all’attivo tre pellicole – grazie ad alcune scene divenute iconiche, ma soprattutto alla lungimiranza dello sguardo del regista, più attuale che mai soprattutto dopo il periodo di isolamento dovuto alla pandemia.

    One Missed Call e il fenomeno dei cellulari

    Oggi il cellulare è divenuto qualcosa che molti definiscono come un’appendice del nostro corpo, qualcosa con cui una persona non esce mai senza e che utilizza per gli scopi più svariati, da messaggiare con una persona dall’altro capo del mondo a guardare intere stagioni di una serie tv in streaming su una piattaforma. Nei primi anni 2000, invece, il cellulare era uno strumento già fortemente diffuso, soprattutto tra i giovani adulti, ma era solamente utilizzato per mandare un messaggio o chiamare (tra l’altro con caratteri o minuti limitati) o al massimo giocare a Snake. Proprio su queste limitazioni Takashi Miike costruisce il suo One Missed Call – tratto dal romanzo Chakushin Ari di Yasushi Akimoto – uscito nel 2003 (arrivato da noi con l’insipida traduzione The Call – Non rispondere) basato su una struttura molto semplice: a turno alcuni ragazzi ricevono una chiamata senza risposta sul cellulare, con messaggio in segreteria allegato che risulta però datato due giorni nel futuro ed in cui si sente la propria voce terminare una frase urlando. Superfluo dire come, dopo due giorni dall’arrivo del messaggio, la persona in questione muoia pronunciando proprio la frase sentita nel messaggio, continuando la maledizione attraverso una chiamata a un numero sulla propria rubrica.

    Dove l’anno prima Kurosawa aveva puntato alla sperimentazione, Miike decide invece di imbastire un film fortemente tradizionale nel panorama dei j-horror con un elemento di riflessione meno marcato – ma comunque presente – e puntando molto sulla costruzione di momenti horror e disturbanti che risultano fortemente riusciti. Successo più di pubblico che di critica, la pellicola negli anni ha comunque ottenuto due sequel in terra nipponica ed un remake americano che non sono però riusciti a mantenere l’asticella così elevata.

    Shutter e gli ultimi giorni della pellicola fotografica

    Quando nel 2004 esce in Thailandia Shutter diretto dall’esordiente Banjong Pisanthanakun, nessuno poteva immaginare il successo a cui sarebbe andato incontro con quasi sette milioni di dollari di incasso, un’uscita internazionale che comprende moltissimi paesi anche occidentali ed un seguito di remake sia in oriente sia in occidente come mai successo fino a quel momento. L’attesa ed il mistero portato dalla necessità di sviluppare, con un periodo di attesa abbastanza lungo, le fotografie sul rullino aveva infatti portato il regista thailandese ad applicare l’attesa non nella riuscita della fotografia in sé ma nella scoperta di aver fotografato qualcosa di macabro e sovrannaturale.

    Il film di Pisanthanakun si sviluppa quindi come un vero e proprio manuale di cinematografia horror, capace di pescare a piene mani elementi da diversi titoli più o meno famosi – le fotografie “anomale” erano in parte già presenti in Ringu ed una sequenza della trama ricorda molto da vicino quanto visto in So cos’hai fatto – integrandoli sapientemente in un racconto capace comunque di reggersi sulle proprie gambe, con due protagonisti ben scritti, riempiendo la narrazione di twist che tengono incollato lo spettatore allo schermo – il frame di chiusura rimarrà sicuramente impresso dopo la prima visione – e riuscendo anche a raccontare la cultura e le usanze della Thailandia. Se a questo aggiungiamo la rinuncia quasi totale agli effetti digitali, donando così un effetto più ruvido e realistico ai momenti sovrannaturali, e l’ispirazione ad una vera leggenda urbana del luogo, ci si rende conto di quanto questa pellicola sia estremamente geniale.

    Noroi: The Curse ed il mockumentary

    Dopo il successo planetario di The Blair Witch Project, era soltanto questione di tempo prima che anche dalle terre nipponiche arrivasse un tentativo di sfruttare il fenomeno del mockumentary (sottogenere per cui vi rimandiamo al nostro approfondimento). La pellicola più riuscita – da molti considerata una delle migliori del sottogenere tutto – è senza dubbio Noroi: The Curse di Kōji Shiraishi uscita nel 2005, la quale presenta allo spettatore l’ultimo documentario sul sovrannaturale di Masafumi Kobayashi, un ricercatore sul paranormale scomparso misteriosamente dopo l’incendio che ha investito la sua casa due giorni dopo la fine delle riprese.

    Costruita come un vero e proprio documentario montato da Kobayashi prima della sua scomparsa, la pellicola presenta quindi un montaggio ad hoc per la visione con musiche d’accompagnamento, scritte in sovrimpressione, fermi immagini, ralenti per mostrare allo spettatore qualcosa che può essersi perso in precedenza, numerose interviste ed anche spezzoni di programmi televisivi capaci di ricostruire il quadro complessivo della maledizione su cui il protagonista sta indagando. Ciò che eleva questa pellicola sopra alla media dei mockumentary è però la scelta di non sfruttare jumpscare o rumori forti per generare lo spavento momentaneo e nemmeno di inserire le classiche “inquadrature mosse in corsa” tipiche di queste produzioni, bensì costruisce una tensione continua grazie alla sensazione continua di angoscia e disturbo che cresce sequenza dopo sequenza, con una regia sempre chiara che mantiene costantemente l’obiettivo fisso su ciò che davvero spaventa: l’orrore è reale.

    Non possiamo però concludere senza una pellicola bonus, obbligatoria da inserire in quest’ultima categoria proprio per la sua abilità di dialogare direttamente con lo spettatore, generando una fortissima ansia per tutta la visione. Stiamo parlando della pellicola taiwanese Incantation, diretta da Kevin Ko nel 2022 e disponibile su Netflix.

    MATTIA BIANCONI

  • Ombre da Oriente – The Housemaid di Kim Ki-young (1960)

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    The Housemaid e il misterioso cinema della Corea del Sud

    La storia della settima arte in Corea del Sud, ora patria di una delle più vivaci cinematografie del mondo, è assai più misteriosa di quelle del Giappone o della Cina, conosciute e amate dai cinefili anche in Occidente. Il cinema coreano nasce tardi (si ritiene che la prima pellicola sia stata Fight for Justice di Kim To-san, realizzata solo nel 1919) e per decenni, complici vicissitudini storiche quali l’occupazione giapponese e la Guerra di Corea, i film erano principalmente strumenti di lotta politica contro gli invasori. Buona parte di queste pellicole è oggi perduta – incluso il leggendario film Arirang di Na Un-gyu. Nel 1960, però, a seguito della rivoluzione popolare di aprile, vi fu per alcuni mesi un significativo allentamento dell’allora rigido regime di censura, che diede il via a una tanto breve quanto florida stagione del cinema sudcoreano. Tra i prodotti di questa fioritura artistica il più significativo è probabilmente The Housemaid (Hanyeo, 1960) di Kim Ki-young, annoverato tra i massimi capolavori del cinema dell’estremo oriente e prima pellicola di una trilogia proseguita dallo stesso Kim con Woman of Fire (1971) e Woman of Fire ‘82 (1982).

    Una sconcertante parabola di classe

    The Housemaid è un’opera di libertà artistica sconcertante, in cui sensualità, inquietudine e violenza sono poste al servizio di un feroce ritratto della società coreana. La vicenda ruota attorno a una famiglia borghese che assume una giovane governante che, a poco a poco, comincia a comportarsi in modo sempre più bizzarro e seducente nei confronti del padrone di casa, per poi precipitare in una follia violenta e vendicativa. 

    La pellicola lascia a bocca aperta per una messinscena di straordinaria audacia stilistica, fatta di rotture della quarta parete, sapiente uso della profondità di campo, luci espressionistiche e grande eleganza compositiva: tutti sintomi di una rara libertà creativa. La scrittura, inoltre, è di grande maturità: non vengono mai fornite risposte facili riguardo alle motivazioni dei personaggi, laddove Kim propende sempre per l’ambiguità, che è l’affascinante cifra stilistica del film. Il ritratto della società coreana che tratteggia il regista-sceneggiatore, che si ispirò a un reale fatto di cronaca, è impietoso, fatto di alienazione e sopraffazione in ogni ambito della vita. 

    The Housemaid è soprattutto un film che mette in scena i rapporti di genere in una società strutturalmente patriarcale, in cui le donne sono formalmente sottomesse, ma in realtà pienamente padrone della situazione, dal momento che gli uomini – come spesso accade nel cinema sudcoreano: si pensi alle pellicole di autori contemporanei come Park Chan-wook e Bong Joon-ho – appaiono come deboli, fiacchi, probabilmente impotenti. Non a caso il protagonista maschile della pellicola è in realtà figura di contorno, un fantoccio che assiste quasi da spettatore allo scontro tra la sua avida moglie e la governante. È un uomo che detiene tutto il potere sociale, ma non appare in grado di esercitarlo. La moglie lo comanda; la domestica quasi lo violenta, possedendolo sessualmente e impadronendosi a poco a poco dell’abitazione borghese, in un aberrante tentativo di riscatto di classe: è impossibile, in questo senso, non pensare alle somiglianze con il conturbante Il servo (1963) di Joseph Losey, più ancora che con Parasite (2019) del già citato Bong.

    Il personaggio della governante, interpretato dalla straordinaria Lee Eun-shim, è un concentrato di inquietudine, sensualità e violenza esplicite ma anche dolcezza e candore giovanile: una delle femme fatale più terribili e spietate che si siano mai viste sul grande schermo (indimenticabile il suo mostruoso sguardo dietro i vetri della finestra), vittima e carnefice di un conflitto di classe portato alle massime conseguenze, anche nei simbolismi: non a caso buona parte del film si svolge su una scala, in una sorta di enfasi architettonica della parabola di classe al centro del racconto. Kim fonde sapientemente molti generi (dramma famigliare, orrore, persino commedia) e il risultato è una pietra miliare del cinema sudcoreano, già ricchissima di stilemi che ancora oggi fanno grande quella cinematografia, nonché una pellicola che, a oltre sessant’anni anni di distanza, non ha perso nulla della propria forza stilistica.

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    Jacopo Barbero,
    Direttore editoriale.

  • OMBRE DA ORIENTE – RECENSIONE DECISION TO LEAVE

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    “A me piace il mare”, afferma in cinese la bella Seo-rae all’inizio di Decision to Leave (Heeojil gyeolsim, 헤어질 결심). Come già accaduto nei finali di Thirst (2009) e Mademoiselle (2016), sarà proprio il mare a essere protagonista nel culmine emozionale del film, l’undicesimo del veterano Park Chan-wook, tra i più tragici e disperati della sua carriera, nonostante sia senz’altro il più sommesso nella messa in scena tra quelli da lui girati. Premiato con il riconoscimento alla regia al settantacinquesimo Festival di Cannes, Decision to Leave è l’opera di un autore pienamente maturo, che sfida il proprio pubblico affezionato con un melodramma raffreddato apparentemente lontanissimo, almeno nei toni, dalle sue focose opere precedenti. Ma partiamo dalla trama, di cui ci limitiamo a rivelare l’incipit.

    Il detective Hae-jun (Park Hae-il) lavora nel distretto di polizia di Busan, soffre di insonnia e vede la propria moglie solo nel fine settimana, dal momento che ella risiede per lavoro nella cittadina di Ipo. Un giorno il poliziotto viene incaricato delle indagini sulla misteriosa morte del signor Ki, impiegato in pensione dell’ufficio immigrazione, il cui corpo sfracellato viene ritrovato ai piedi di una montagna che era solito scalare di tanto in tanto. Hae-jun si ritrova ben presto a interrogare Seo-rae (Tang Wei), la giovane moglie del defunto. Cinese immigrata in Corea, dove lavora come badante per anziani, la donna non appare affatto scossa rispetto al destino funesto del consorte e, visti anche i numerosi lividi e ferite che ricoprono il suo corpo, finisce immediatamente per essere sospettata di omicidio dal detective. Hae-jun, tuttavia, rimane presto affascinato dalla bella giovane e, a poco a poco, tra un appostamento e l’altro sotto casa di lei, tra i due si sviluppa un rapporto tenero e ambiguo, che cela sentimenti profondi… 

    Park, anche sceneggiatore con la fida Jeong Seo-kyeong, realizza una pellicola di straordinaria complessità narrativa che, oltre a intrecciare una moltitudine di trame e sottotrame, rivela il proprio senso soprattutto attraverso i piccoli dettagli. Il rapporto tra Hae-jun e Seo-rae, infatti, rivela la propria natura attraverso un linguaggio tutto implicito, costituito da non detti, incomprensioni e sfumature linguistiche (inevitabilmente appiattite nella versione doppiata), rime e sottili richiami tra i dialoghi… È un film inevitabilmente da leggersi tra le righe, così come lo è la comunicazione tra i due protagonisti, incapaci di capirsi e confessarsi esplicitamente i propri sentimenti perché ingabbiati in un gioco comunicativo a somma zero. 

    Hae-jun, interpretato da un Park Hae-il inebetito al punto giusto, si lascia sedurre da Seo-rae e dai dettagli che nel suo aspetto e comportamento sottendono una sensibilità che la sua apparenza fredda vorrebbe nascondere. Dal canto suo, Hae-jun la seduce con il cibo, con lo studio notturno della lingua cinese, con le confidenze sul proprio mestiere, con registrazioni audio che suggeriscono la sua ossessione per lei… La sua passione per Seo-rae è un coito costantemente interrotto, in cui l’esito è sempre inferiore alla somma delle parti.

    Come in numerose altre pellicole di Park, tuttavia, nulla è veramente come sembra e a metà film una svolta narrativa fondamentale rimescola le carte del racconto, ribalta i destini dei due protagonisti e il rispettivo modo di amarsi e trasforma il personaggio di Tang Wei, attrice straordinaria per le sfumature che riesce a infondere in ogni inquadratura, in una femme fatale così fatale da decretare per se stessa un destino tragico.

    Se infatti fino a quel momento la comunicazione tra Hae-jun e Seo-rae avveniva a un livello implicito, nella seconda parte del film cominciano a venire a galla le infinite incomprensioni, i significati sottesi, l’inespresso comunicativo. E Decision to Leave si trasforma nella tragedia di due personaggi che paiono costantemente intenti a cercare di dirsi qualcosa, ma non riescono mai a dirsi tutto, a essere pienamente trasparenti, a non essere mediati (da tecnologie, imbarazzi, secondi fini, intenti manipolatori…) e, in definitiva, a capirsi. Vivono in un costante ritardo comunicativo.

    In tal senso, il film di Park diviene anche una riflessione sul rapporto tra tecnologia e i sentimenti: le difficoltà a comprendersi nel presente e le pratiche comunicative stesse e ciò che esse (non) esprimono, infatti, si sedimentano nel tempo grazie ai device. Decision to Leave mette in scena non solo la difficoltà di comunicare il sentimento e la complessità di prendere reale coscienza di ciò che si prova (quando comprendiamo di essere innamorati?), ma anche la persecuzione della tecnologia che, impietosa, registra ogni atto o parola con spaventosa oggettività, ricorda ai protagonisti i propri errori e li sottopone a un costante ritorno al passato, a ciò che (non) hanno fatto e detto, risvegliando così sentimenti inappagati e dolori insanabili. 

    Park mette in scena questa tragedia altamente contemporanea con una regia di impareggiabile precisione e lucidità: ogni inquadratura pare in costante dialogo con la precedente e la successiva, per composizione, tecnica di montaggio e movimenti di macchina. Pare in questo senso un film pensato integralmente fino nei minimi dettagli e poi messo in scena concretamente con straordinaria dedizione. Si pensi solo alla sequenza del primo appostamento di Hae-jun fuori dalla casa di un’anziana accudita da Seo-rae: un piccolo capolavoro di montaggio dell’ossessione. 

    Decision to Leave è una pellicola che ripone straordinaria fiducia nei propri spettatori. È infatti un film a cui non è possibile accostarsi con superficialità o approssimazione: è un’opera da dissezionare, la cui grandezza risiede nei mille dettagli e finezze che colmano ogni inquadratura. Non è un film-colpo-di-fulmine: è una pellicola da frequentare a lungo, da vedere e rivedere, che cattura col passare del tempo. Se si ha la pazienza di affrontare questo percorso di “seduzione filmica”, tuttavia, Decision to Leave può diventare uno dei massimi piaceri cinematografici di questo 2023.

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  • OMBRE DA ORIENTE – MILLENNIUM MAMBO (2001) DI HOU HSIAO-HSIEN

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    Il cinema di Hou Hsiao-hsien

    Presentato in concorso al Festival di Cannes 2001, Millennium Mambo (Qianxi Manbo) è probabilmente il film più celebre di Hou Hsiao-hsien (1947-), protagonista indiscusso della Nouvelle Vague taiwanese insieme al compianto Edward Yang. Nel corso della sua lunga carriera, Hou è stato tra i più lucidi cantori della storia di Taiwan, che ha spesso posto sullo sfondo di racconti dal tono autobiografico (A Time to Live, A Time to Die, 1985) e grandi saghe famigliari (Città dolente, 1989, Leone d’Oro a Venezia). Millennium Mambo, differentemente da molti film precedenti di Hou, si ambienta nel presente, ma non rinuncia a riflettere sulle condizioni di Taiwan e dell’intera Asia orientale all’alba del nuovo millennio, pur facendolo in maniera completamente implicita: se in passato i riferimenti alla storia nei film di Hou erano espliciti, qui sono piuttosto le emozioni e i sentimenti a evocare paralleli storici. I personaggi e le loro relazioni paiono divenire correlativi oggettivi dello spirito del tempo e di ciò che esso porta con sé.

    Un mambo di inizio millennio

    Millennium Mambo narra la vicenda di Vicky (interpretata da Shu Qi, alla sua prima collaborazione con il regista: avrebbero poi lavorato insieme anche in Three Times, 2005, e The Assassin, 2015), la cui voce narrante ci racconta dal 2011 della sua giovinezza burrascosa a Taiwan nel 2001. Tra serate in discoteca, alcol, droghe e sigarette, la ragazza conosce Hao-Hao, un ragazzo con ben poca voglia di lavorare, con cui intraprende una relazione passionale, che sfocia spesso in gelosie, scontri e litigi. Vicky inizia poi a lavorare come accompagnatrice in un locale notturno e lì conosce Jack, un uomo maturo proprietario di un café, da cui finisce per rifugiarsi dopo le crisi con Hao-Hao. In definitiva però nessuno dei due uomini riuscirà a riempire di vita le giornate di Vicky, afflitte dal tedio e dall’incertezza circa il proprio destino. 

    Hou si affida per la sceneggiatura alla fida Chu Tien-wen, tra le maggiori scrittrici taiwanesi, e realizza un film rarefatto, in cui il dialogo è quasi assente e ci si muove di scena in scena cullati dalle luci al neon (splendida la fotografia di Mark Lee Ping-bing) e dalle musiche techno pressoché incessanti: Millennium Mambo è un film-flusso-di-coscienza che ha il ritmo di una danza moderna, a cui la giovane protagonista pare abbandonarsi, lasciandosi trasportare dal proprio spleen in un momento di forte incertezza per il proprio destino e per la direzione da intraprendere nella propria vita. Quello di Vicky è un corpo mosso dalle onde del tempo e dagli stimoli del sentimento, che pare aver definitivamente abbandonato qualsiasi appiglio con la razionalità. Hou coglie così “il disorientamento e la paradossale bellezza del presente” (P. Mereghetti), in cui la sinuosità e avvenenza dei giovani corpi – esaltate dai fluidi piani sequenza realizzati dal regista, quasi alienanti per imprevedibilità e lentezza – si scontrano con il senso di smarrimento che pare incombere su ogni personaggio.

    Ansie e malinconia di fine millennio

    L’incertezza e il disorientamento di Vicky non possono che riflettere il senso di angoscia che regnava nel mondo e in Asia orientale in particolare alla fine del millennio. I film che riflettono sull’angoscia di fine millennio sono tanti (si pensi a Strange Days di Kathryn Bigelow, 1995), come se la profezia medievale “mille e non più mille” avesse trovato una concretizzazione cinematografica, ma in Oriente le angosce di fine Novecento erano più politiche che apocalittiche e finirono per trovare rappresentazione in molti dei migliori film asiatici dell’epoca, in particolare a Hong Kong, nazione dalla lunga tradizione cinematografica, che nel 1997 venne ceduta dal Regno Unito, di cui era stata una colonia per lungo tempo, alla Repubblica Popolare Cinese (lo stesso destino toccò, nel 1999, alla colonia portoghese Macao). Negli studi sulla storia di Hong Kong si parla esplicitamente di handover anxiety, l’ansia per l’imminente riconsegna alla Cina (e per le conseguenze che, si temeva, ne sarebbero seguite, in termini di libertà e qualità della vita) che si diffuse nel paese fin dagli anni Ottanta. L’handover anxiety è rappresentata alla perfezione in numerosi film di grandi registi di Hong Kong, come Wong Kar-wai e John Woo. Hou Hsiao-hsien, dalla prospettiva taiwanese, pare riflettere nel personaggio di Vicky l’ansia di un tempo in cui, probabilmente, si temeva che anche Taiwan (stato indipendente de facto, ma sostanzialmente non riconosciuto nel mondo e da sempre reclamato dalle autorità di Pechino come una propria provincia) avrebbe potuto seguire un destino simile, proprio in anni in cui invece nel paese si stava consolidando una tradizione democratica. Dopo affreschi storici e film espressamente politici, Hou adotta dunque un taglio completamente intimista, ma non rinuncia a caricare il proprio giovane personaggio principale del peso del suo tempo. Eppure la voce narrante al passato della protagonista, pur con tono distaccato, rivela una forte malinconia per quel 2001 di mestizia e smarrimento, in cui però la giovinezza apriva alla speranza, al desiderio e al piacere. Del 2011 da cui Vicky racconta, in terza persona, la storia sua, di Hao-Hao e di Jack lo spettatore non vede nulla. Forse solo la prima splendida e misteriosa sequenza del film, in cui Vicky, fuori dal tempo e dallo spazio, attraversa un ponte pervaso da luci al neon e ci rivela, chissà, di trovarsi in un luogo di passaggio e di stare ancora camminando, in cerca della propria via per il futuro.

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  • OMBRE DA ORIENTE – TERRA GIALLA DI CHEN KAIGE (1984)

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    Il nuovo cinema cinese e la “quinta generazione”

    Gli anni Ottanta rappresentarono un momento chiave per l’evoluzione del cinema cinese. Sia a Hong Kong (che all’epoca era ancora una colonia britannica) sia a Taiwan sia nella Repubblica Popolare Cinese, infatti, si svilupparono in quel periodo le cosiddette new wave, che cambiarono per sempre queste cinematografie, come era accaduto due decenni prima in Europa con la Nouvelle Vague francese. I registi di questi “nuovi cinema” erano anzitutto cinefili: avevano formato il proprio sguardo sui film del passato ed erano pronti a rielaborare tali sensibilità in nuove narrazioni di dirompente originalità. A Hong Kong si imposero cineasti come Ann Hui, Patrick Tam, Allen Fong e Tsui Hark, ai quali poi fece eco una seconda new wave composta dal celebre Wong Kar-wai, da Stanley Kwan e Fruit Chan; a Taiwan, invece, si affermarono autori fondamentali come Hou Hsiao-hsien (A Time to Live, a Time to Die, 1985; Città dolente, 1989) e Edward Yang (Taipei Story, 1984; A Brighter Summer Day, 1991), che aprirono la strada alle opere di Tsai Ming-liang. La Repubblica Popolare Cinese, dal canto suo, fece il suo ingresso negli anni Ottanta con una situazione politica piuttosto complessa: nel 1976 terminò la drammatica fase della Rivoluzione culturale (una terribile guerra civile, nata dal fallimento delle politiche economiche maoiste) e nello stesso anno morì Mao Zedong; in seguito, nel 1978, Deng Xiaoping assunse la leadership cinese e iniziò un percorso di riforme che avrebbero aperto il paese al mondo e posto le basi per la vertiginosa crescita economica del colosso asiatico. 

    Fu in questo clima di fermento che il cinema cinese visse una fase di cambiamento profondo: l’Accademia del Cinema di Pechino, chiusa per anni durante la Rivoluzione Culturale, riaprì i battenti e nel 1982 si diplomarono presso di essa diverse personalità che avrebbero dato vita alla cosiddetta “quinta generazione” di cineasti cinesi e avrebbero contribuito al rinnovamento del cinema nazionale. Tra queste figure, le più rappresentative sono senz’altro Chen Kaige e Zhang Yimou, i quali nel 1984 girarono un’autentica pietra miliare, Terra gialla (Huang tudi, anche conosciuto col titolo internazionale Yellow Earth), che nel 2005, durante la ventiquattresima edizione degli Hong Kong Film Awards, venne eletta quarto miglior film cinese di sempre, dopo Spring in a Small Town (1948) di Mu Fei, A Better Tomorrow (1986) di John Woo e Days of Being Wild (1990) di Wong Kar-wai.

    I giovani Chen Kaige (primo a sinistra) e Zhang Yimou (al centro) sul set di Terra gialla

    Terra gialla: scontro tra tradizione e ideologia

    Diretto da Chen e magistralmente fotografato da Zhang, Terra gialla è l’adattamento di un romanzo di Ke Lan e venne prodotto da Guangxi Film Studio, una casa di produzione (controllata dallo stato, come tutte a quel tempo in Cina) che aveva da poco avviato le proprie attività e che era quindi propensa a promuovere un rinnovamento nel cinema post-Rivoluzione culturale. 

    Il film è ambientato nel 1939, durante la Guerra Sino-Giapponese, nelle campagne del nord dello Shaanxi vicino alle rive del Fiume Giallo. Racconta la storia del soldato Gu Qing, membro dell’Ottava Armata della Strada (un’unità dell’esercito del Partito Comunista Cinese, che all’epoca lottava contro i nazionalisti del Kuomintang per il governo del paese: la Repubblica Popolare sarebbe nata solo nel 1949), inviato nelle aree rurali alla ricerca di allegri canti popolari da adattare allo spirito comunista e utilizzare per incoraggiare i soldati rivoluzionari. Giunto nelle campagne, Gu soggiorna presso una famiglia di contadini – composta dall’anziano padre vedovo, dalla decenne Cuiqiao e dal fratello minore Hanhan – e, grazie a loro, conosce la vita dell’ambiente contadino e scopre che le canzoni felici che cerca non esistono: gli unici canti che ascolta parlano di travaglio e sofferenza quotidiani. 

    Come molti tra i primi film della “quinta generazione” (ad esempio, Horse Thief di Tian Zhuangzhuang, 1986; e Sorgo rosso di Zhang Yimou, 1987), Terra gialla si ambienta nella Cina rurale e ne esalta la dimensione paesaggistica e le culture locali. Non c’è alcuna epicità propagandistica (che era invece onnipresente nel cinema dell’era maoista) e i personaggi non rappresentano più monolitiche incarnazioni di credi politici in perenne scontro: i protagonisti sono esseri umani comuni, alle prese con le incertezze quotidiane e le pene dell’esistenza, lontanissimi da qualsiasi sicurezza eroica. È un cinema collocabile “in quel «neo-tradizionalismo» che si era diffuso in diversi ambiti artistici nella Cina della prima metà degli anni Ottanta, segno di un genuino tentativo di scoprire le autentiche tradizioni del paese al di fuori della retorica di regime” (D. Tomasi). La campagna cinese, che in molti avevano tragicamente conosciuto durante le rieducazioni nei campi di lavoro nel periodo della Rivoluzione culturale, appare come un universo fuori dal tempo e dallo spazio, lontanissimo dai grandi centri urbani e dai prorompenti ideali rivoluzionari.

    In questa profonda rottura con i canoni dello spesso monocorde cinema maoista, Chen mette in luce con grande finezza le illusioni del soldato Gu, sostenitore indottrinato degli ideali dell’imminente rivoluzione comunista, che giunge nella Cina profonda con la convinzione di riscoprirvi le radici di una cultura millenaria da adeguare alle dottrine di progresso proposte da Mao. Ciò che impara a conoscere, in realtà, è un mondo in cui poco contano gli ideali e tutto si fonda sulla sussistenza, sul riuscire a sopravvivere traendo il possibile dalla natura. Memorabile, in questo senso, è il confronto tra il soldato e l’anziano patriarca della famiglia che lo ospita: l’uomo racconta di aver dato in sposa una propria figlia maggiore e di come la felicità o infelicità di quest’ultima dipendano esclusivamente dalla disponibilità di cibo nella sua nuova famiglia. Non c’è spazio per i sentimenti: “Hai degli amici se hai carne e vino. L’amore coniugale dipende dalla disponibilità di cereali. Niente cibo, niente amore.”, proclama il padre, sotto lo sguardo attonito di Gu che, a poco a poco, comprende la difficoltà di instillare le parole d’ordine di Mao, che parlano di libertà e cultura per tutti (donne incluse), in un luogo legatissimo alle tradizioni del passato e alle immediate necessità.  

    Di lì a poco, peraltro, anche la giovanissima Cuiqiao apprenderà di stare per essere data in sposa a un uomo che non conosce: una scena che Chen gira dedicando un lungo e insistito primo piano al volto della ragazzina, interpretata con straordinaria dignità da un’intensa Xue Bai, che ascolta il padre comunicarle, con la voce rotta dal dolore, la necessità di maritarla, nella speranza che possa trovare la felicità con un consorte in grado di mantenerla. D’altronde il genitore stesso, poco prima, aveva certificato che “per un uomo sposarsi è felicità, per una donna è tristezza”. È allora che in Cuiqiao, affascinata dai racconti di Gu, che parlano di emancipazione femminile per le arruolate nell’armata maoista, germoglia il desiderio di lasciare la sua terra per unirsi ai rivoluzionari. Pertanto si fa promettere dal soldato, ormai in procinto di ripartire alla volta del proprio campo base a Yan’an, di tornare entro poche settimane per salvarla dal matrimonio combinato e portarla con sé per unirsi all’esercito comunista. La scena del commiato tra i due personaggi, di grande lirismo anche per l’impiego del canto tradizionale, mostra un addio pieno di ansie e speranze: lui si lascia alle spalle il paesaggio ancestrale di cui a poco a poco si è innamorato, sempre più consapevole della non facile applicabilità degli ideali che ispirano la sua esistenza; lei, invece, si riimmerge tra le sue montagne giallastre, teatro delle tradizioni e delle arretratezze che la opprimono, desiderosa di partire e incontrare finalmente quelle idee di progresso che tanto la allettano. 

    Nella sequenza successiva, tuttavia, le speranze di Cuiqiao vengono abbattute: una rossa portantina (la stessa della celebre sequenza d’apertura di Sorgo rosso) e un corteo di suonatori si presentano alla sua porta. Il matrimonio e lo sposo non sono mostrati: Chen inquadra solo una mano che rimuove un velo rosso dal volto della giovane e ne sottolinea l’oppressione tramite il respiro affannoso e un leggero arretramento del personaggio, letteralmente messo al muro, verso la parete sullo sfondo. La ragazza, poco dopo, annuncerà al fratellino minore Hanhan di aver deciso di andarsene, senza nemmeno attendere l’annunciato ritorno del soldato Gu, per unirsi all’armata comunista e trovare la sua emancipazione. “Hanhan, sto soffrendo. Non posso più aspettare. […] Di a fratello Gu che Cuiqiao diventerà un soldato.”, dice la giovane, prima di attraversare da sola il Fiume Giallo, in una sequenza notturna che ha del miracoloso per l’uso del colore, che fa apparire i personaggi come ombre nere stagliate contro il blu scuro del fiume. Gu, in realtà, farà ritorno nello Shaanxi per cercare Cuiqiao, ma arriverà solo in tempo per assistere a un rito agreste per supplicare la pioggia: una sequenza impressionante, particolarmente creativa per l’efficace uso del ralenti, in cui un popolo e una terra assetati, sottoposti all’ennesimo travaglio, invocano la salvezza dal cielo mentre il piccolo Hanhan, avvistato Gu su una collina poco lontana, corre verso di lui gridando: “Salva il nostro popolo!”. È il disperato appello delle campagne alla promessa comunista, di cui Gu è portatore. Ma Chen non chiude il film celebrando la potenza salvifica del pensiero del “Grande Timoniere”, come probabilmente sarebbe accaduto in epoca maoista, bensì sospende la narrazione e, come ultimo soggetto, inquadra un panorama vuoto e arido, in cui riecheggia un canto tradizionale rivoluzionario (“Il galletto è volato oltre il muro, sono i comunisti a salvare il popolo”) che, dopo gli orrori dell’Era di Mao e della Rivoluzione culturale, suggerisce la fallacia dell’ideologia che di lì a pochi anni avrebbe avuto la meglio in Cina. Il film, non a caso, suscitò non poche controversie alla sua uscita poiché, secondo molti, metteva in discussione la capacità del Partito Comunista di aiutare le popolazioni rurali durante gli anni della guerra civile che portò alla nascita della Repubblica Popolare. La sospensione del finale e l’incerto destino a cui Chen Kaige consegna Cuiqiao, in effetti, sono lontanissimi dalle rassicuranti certezze di tanto cinema di propaganda dei decenni precedenti, in cui il comunismo era rappresentato come un appiglio sicuro per il popolo.

    Un grande racconto per suoni e immagini

    Secondo Richard James Havis, autore nel 2003 di una celebre intervista a Chen Kaige, Terra gialla fu il primo film cinese, almeno dai tempi della rivoluzione comunista del 1949, a raccontare una storia attraverso le immagini, più che attraverso i dialoghi. All’estetica talvolta monotona del cinema propagandistico degli anni Cinquanta e Sessanta, infatti, la pellicola di Chen oppone una straordinaria identità visiva e sonora, che sfrutta tutte le potenzialità del mezzo cinematografico. Il regista rende il paesaggio protagonista e sono molte le inquadrature, spesso campi lunghi e lunghissimi, in cui non vi è presenza umana o in cui i protagonisti appaiono piccolissimi, sovrastati dalle aride distese e catene montuose del nord dello Shaanxi, caratterizzate dal terreno giallastro che dà il titolo al film. È come se Chen, tramite la composizione dei fotogrammi, volesse talvolta mettere da parte i suoi personaggi e sottolineare come quei luoghi sterminati rappresentino la vera culla dello stile di vita che tanto influisce sul loro destino. Tanta attenzione è dedicata proprio all’esaltazione delle tradizioni locali: vengono mostrati rituali (il corteo nuziale e il matrimonio all’inizio), danze e soprattutto molte sequenze di canto. La musica e le nenie popolari, infatti, sono assai presenti nel film e si alternano al soffiare del vento, per costruire un’atmosfera rarefatta e atemporale, caratteristica di un luogo in cui la Storia fatica ad arrivare e a sortire i suoi effetti. Il carattere pittorico della pellicola, infine, è esaltato dalla dimensione del colore, del cui utilizzo i registi della “quinta generazione” (e Chen Kaige e Zhang Yimou in particolare!) erano (e restano) maestri: i gialli predominanti, ma anche i rossi e i blu si fondono nel fotogramma, come a voler tradurre l’incontro-scontro tra tradizioni, mentalità, culture e ideologie in un amalgama coloristico di grande bellezza.

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