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Recensione 28 anni dopo: il tempio delle ossa

Un seguito perfettamente funzionale

Dopo il riuscito capitolo precedente, che vedeva non solo il ritorno in sala della saga a distanza di più di vent’anni ma soprattutto quella di Danny Boyle in cabina di regia, la saga riprende a distanza di sei mesi esattamente da dove si era interrotta: da un lato il Dottor Kelson continua la sua relazione con l’alpha Sansone presentando così un la possibilità di cambiare, forse una volta per tutte, le sorti degli infetti; dall’altro il giovane Spike, dopo l’incontro con Jimmy Crystal ed il suo esercito, si ritrova in un incubo che sembra senza via di scampo.

La regia passa dalla mano di Boyle a quella di Nia DaCosta, che punta tutto su gore, violenza estremamente marcata e una forte dose di cringe humor. Rimane invece Garland alla sceneggiatura che, portando avanti la struttura già vista nel capitolo precedente, porta avanti due binari paralleli legati a doppio filo ai protagonisti di questa seconda parte ma anche, e soprattutto, alla nostra contemporaneità.

Il dottor Kelson (Ralph Finnes) si trova coinvolto in una relazione sconvolgente con l’infetto di tipo alpha da lui ribattezzato Sansone (Chi Lewis-Parry), con conseguenze capaci di cambiare il destino del mondo, mentre l’incontro di Spike (Alfie Williams) con Jimmy Crystal (Jack O’Connell) si trasforma in un incubo senza via di scampo. In questo scenario, gli infetti non rappresentano più la principale minaccia alla sopravvivenza: è la disumanità dei sopravvissuti a rivelarsi l’aspetto più inquietante e terrificante.

In continuità con il capitolo precedente – del resto i due film sono stati girati insieme – Il tempio delle ossa si apre ancora una volta sotto il segno di Jimmy Crystal, qui ormai cresciuto e affiancato da un vero e proprio esercito di “Jimmy”: mercenari che recluta e che vedono in lui il figlio del diavolo, tanto da essere ribattezzati tutti con il suo stesso nome. La prima immagine che ci viene mostrata è un cartello con la scritta “no children allowed”, in contrapposizione con l’incipit del precedente che si apriva con dei bambini (fra cui lo stesso Jimmy) davanti alla televisione prima di un attacco degli infetti. La macchina da presa lo oltrepassa, per poi inquadrare Spike, accerchiato dai Jimmy e costretto a lottare per la propria vita.

Già da questo incipit, il film di Nia DaCosta – regista capace di muoversi con disinvoltura tra arthouse e grande blockbuster – dichiara apertamente le proprie intenzioni, che si discostano in modo netto dal tono comune alle altre opere della serie. La scelta di una tendenza al gore particolarmente marcata, inusuale persino per un film sugli zombie così mainstream, diventa la cifra attraverso cui la regista osserva la realtà post-apocalittica dell’Inghilterra devastata: un mondo raccontato non solo attraverso un’esibizione insistita di sangue e mutilazioni, ma anche mediante l’enfatizzazione della deriva del culto della personalità cui sono soggiogati i Jimmy.

Le sequenze più estreme colpiscono per l’impatto visivo e per la crudezza con cui vengono messe in scena, risultando anche le più divertenti e quelle che spingono ulteriormente in avanti l’asticella della violenza rispetto ai capitoli precedenti. Tuttavia, una volta esaurito l’effetto adrenalinico – quando lo shock dello scuoiare dei contadini si attenua – emerge con chiarezza il limite di queste scelte: il loro valore finisce per ridursi alla reiterazione di un concetto già esplicitato fin dalle prime immagini del film, ovvero quel gioco di specchi con la nostra realtà contemporanea di cui i Jimmy appaiono come una caricatura neppure troppo distante dal plausibile.

In sceneggiatura è infatti sempre presente Alex Garland che decide di impostare il racconto su due direttrici narrative principali, entrambe profondamente radicate nel nostro mondo contemporaneo. Da una parte troviamo una personalità, Jimmy, che costruisce attorno a sé un vero e proprio culto dell’ego, dando vita a una narrazione fascistoide fondata sulla prepotenza nei confronti dell’altro. Questa violenza, però, viene sempre giustificata, secondo la sua visione distorta, da un volere superiore o da circostanze sociali presentate come immutabili e critiche, tali da rendere, a suo dire, inevitabile e persino necessario l’uso di una violenza indiscriminata. Dall’altra parte c’è una popolazione — gli infetti, rappresentati da Sansone — che, in numero sempre crescente, viene colpita da una sorta di virus psicotico. Questa condizione li porta a percepire chiunque, persino i propri simili, come un nemico da eliminare. Tra i due poli si colloca il dottor Kelson, uno scienziato sopravvissuto grazie alla sua fiducia nella ragione e a una compassione profondamente radicata. È proprio questa umanità che lo spinge a instaurare un rapporto con Sansone: attraverso le iniezioni di morfina somministrate al gigante, Kelson riesce a comprenderne la sofferenza e, poco a poco, a intuire quale potrebbe essere una possibile cura per la follia omicida scatenata dal virus. 

Accanto a queste riflessioni che si affidano al genere per dispiegarsi in maniera compiuta, però, Garland ripropone una forma simile a quella del precedente, che non è priva di criticità. La struttura narrativa usa uno schema già visto, in cui c’è una tensione drammatica costante, sempre sullo stesso livello, che non cresce davvero e non trova mai un vero rilascio. Questa scelta, accanto a quella di abbozzare solamente tutti i personaggi tranne Kelson e Jimmy Crystal, impedisce quella immedesimazione e accesso emotivo alla storia che era stata una delle costanti del franchise.

DaCosta tenta di imprimere alla serie un segno autoriale riconoscibile, scegliendo l’eccesso come cifra stilistica: litri di sangue, una violenza ostentata e una marcata dose di cringe humor. È una strada che ambisce a porsi allo stesso tempo in continuità con il lavoro di Boyle/Garland e a rappresentare una rottura. Tuttavia, il risultato è solo parzialmente riuscito: la messa in scena non sempre è all’altezza del peso drammatico delle sequenze chiave e il ritmo frammentato finisce per indebolire la tensione, facendo rimpiangere la ferocia e l’impatto degli infetti dei capitoli precedenti.

Gianluca Meotti

January 17, 2026

Le nomination agli Oscar 2025

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Dopo alcuni rinvii dovuti agli incendi che hanno devastato Los Angeles, si è finalmente tenuta alle 14.30 italiane (5.30 di mattina a Hollywood) di giovedì 23 gennaio la breve cerimonia di annuncio delle nomination agli Oscar 2025, condotta dagli attori Bowen Yang e Rachel Sennott.

A dominare l’anno per numero di nomination è senza dubbio Emilia Pérez con 13 candidature, seguito da The Brutalist e Wicked con 10 e A Complete Unknown e Conclave con 8. Volendo fare un discorso più produttivo, guida la classifica delle compagnie candidate Netflix con 16 nomination, subito tallonata dalle 14 di A24, che si riconferma una delle più solide realtà degli ultimi anni. Emerge una sostanziale preferenza per i film usciti da Cannes (Emilia Pérez, Anora, The Substance) rispetto a quelli presentati a Venezia: The Brutalist è l’unico candidato, mentre mancano all’appello film come La stanza accanto, Babygirl, Queer e Joker: Folie à Deux, che ha invece sbancato ai Razzie Awards con 7 nomination.

Gli attori nominati lasciano come sempre un po’ di amaro rispetto ai Golden Globe, che risultano di manica più larga con un maggior numero di categorie. Colpisce forse l’assenza di alcuni nomi, come Zendaya per Challengers, Daniel Craig per Queer e Nicole Kidman per Babygirl (Coppa Volpi a Venezia), inducendo Variety a ipotizzare che l’Academy abbia paura del sesso. Sono invece presenti i grandi favoriti, come Demi Moore per The Substance, Zoe Saldana per Emilia Pérez, Kieran Culkin per A Real Pain e Timothée Chalamet per A Complete Unknown. Quest’ultimo, oltre ad essere il più giovane attore candidato due volte all’Oscar dai tempi di James Dean, è anche il nuovo favorito come miglior attore dopo che si è scoperto l’utilizzo dell’AI per migliorare l’accento ungherese di Adrien Brody in The Brutalist (già vincitore al Golden Globe). Se vincesse Chalamet, sarebbe il più giovane mai premiato, battendo per ironia della sorte proprio Brody, che nel 2003 vinse a 29 anni per Il pianista.

Sono sicuramente delle nomination trattenute, che a pochi giorni dall’insediamento del nuovo presidente degli Stati Uniti Donald Trump evitano di buttare benzina sul fuoco con film come Civil War, (ma candidano comunque Sebastian Stan e Jeremy Strong per The Apprentice), ma allo stesso tempo non si fanno problemi a stra-candidare un titolo controverso come Emilia Pérez, già accusato per la rappresentazione stereotipata (pensa un po’) del Messico e delle persone transgender. Al netto di questo limite, il film di Jacques Audiard batte due record, come titolo internazionale più candidato di sempre e con la nomination alla protagonista Karla Sofía Gascón, prima attrice trans candidata nella storia degli Oscar.

Quest’anno più che i candidati sono gli snobbati a stupire: Denzel Washington non ottiene la nomination per Il Gladiatore II, idem Angelina Jolie per Maria, così come tanti altri tra cui Selena Gomez e Margaret Qualley che restano a bocca asciutta nonostante altre nomination ai loro film. L’Academy riconferma poi di snobbare completamente Luca Guadagnino, che quest’anno correva con Challengers e Queer che hanno ottenuto complessivamente 0 nomination (non è stata presa in considerazione nemmeno la colonna sonora del primo, già premiata ai Golden Globe). Nonostante la candidatura a miglior film, Dune – Parte 2 esce azzoppato dalle nomination, portandone a casa solo 5 dopo che il primo capitolo aveva vinto 6 statuette: tra di esse non c’è né la regia di Denis Villeneuve né la colonna sonora originale di Hans Zimmer (che non è stato nominato perché la composizione era molto simile al primo capitolo, ma stranamente tra i candidati compare comunque Wicked che deriva dal musical). Nosferatu manca la nomination al film come aveva previsto qualcuno, ma ottiene comunque 4 candidature tecniche.

L’immancabile commento sull’Italia agli Oscar fa notare l’assenza di Vermiglio di Maura Delpero tra i candidati come miglior film internazionale, categoria in cui la concorrenza è agguerrita con ben due titoli nominati anche come Best Picture: il già citato Emilia Pérez per la Francia e I’m Still Here dal Brasile, che conquista anche la nomination alla miglior attrice a Fernanda Torres. Gioia per Isabella Rossellini, candidata come miglior attrice non protagonista in Conclave, che su Instagram ha voluto ricordare i genitori Roberto Rossellini e Ingrid Bergman e l’amico, ex compagno e mentore David Lynch recentemente scomparso.

La 97esima Notte degli Oscar si terrà domenica 2 marzo 2025 presso la storica location del Dolby Theatre di Los Angeles. A condurre la cerimonia quest’anno sarà per la prima volta il comico e host Conan O’Brien. Il prossimo appuntamento importate dell’Awards Season sono i BAFTA domenica 16 febbraio, oltre ai numerosi premi dei sindacati.

Ecco la lista completa delle Nomination agli Oscar 2025:

MIGLIOR FILM

Anora

The Brutalist

A Complete Unknown

Conclave

Dune – Parte 2

Emilia Pérez

I’m Still Here

Nickel Boys

The Substance

Wicked

MIGLIOR REGIA

Sean Baker, Anora

Brady Corbet, The Brutalist

James Mangold, A Complete Unknown

Jacques Audiard, Emilia Pérez

Coralie Fargeat, The Substance

MIGLIOR ATTRICE PROTAGONISTA

Cynthia Erivo, Wicked

Karla Sofia Gascon, Emilia Pérez

Mikey Madison, Anora

Demi Moore, The Substance

Fernanda Torres, Io sono ancora qui

MIGLIOR ATTORE PROTAGONISTA

Adrien Brody, The Brutalist

Timothée Chalamet, A Complete Unknown

Colman Domingo, Sing Sing

Ralph Fiennes, Conclave

Sebastian Stan, The Apprentice

MIGLIOR FILM INTERNAZIONALE

Io sono ancora qui

The girl with the needle

Emilia Pérez

Il Seme del Fico Sacro

Flow

MIGLIOR ATTRICE NON PROTAGONISTA

Monica Barbaro, A Complete Unknown

Ariana Grande, Wicked

Felicity Jones, The Brutalist

Isabella Rossellini, Conclave

Zoe Saldana, Emilia Pérez

MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA

Yura Borisov, Anora

Kieran Culkin, A Real Pain

Edward Norton, A Complete Unknown

Guy Pierce, The Brutalist

Jeremy Strong, The Apprentice

MIGLIOR SCENEGGIATURA ORIGINALE

Anora

The Brutalist

A Real Pain

September 5

The Substance

MIGLIOR SCENEGGIATURA NON ORIGINALE

A Complete Unknown

Conclave

Emilia Pérez

Nickel Boys

Sing Sing

MIGLIOR FOTOGRAFIA

The Brutalist

Dune – Parte 2

Emilia Pérez

Maria

Nosferatu

MIGLIOR MONTAGGIO

Anora

The Brutalist

Conclave

Emilia Pérez

Wicked

MIGLIOR SUONO

A Complete Unknown

Dune – Parte 2

Emilia Pérez

Wicked

Il Robot Selvaggio

MIGLIOR SCENOGRAFIA

The Brutalist

Conclave

Dune – Parte 2

Nosferatu

Wicked

MIGLIORI COSTUMI

A Complete Unknown

Conclave

Il Gladiatore II

Nosferatu

Wicked

MIGLIOR TRUCCO E ACCONCIATURA

A Different Man

Emilia Pérez

Nosferatu

The Substance

Wicked

MIGLIOR CANZONE ORIGINALE

“El Mal”, Emilia Pérez

“The Journey”, The Six Triple Eight

“Like a bird”, Sing Sing

“Mi camino”, Emilia Pérez

“Never Too Late”, Elton John: Never Too Late

MIGLIOR COLONNA SONORA

The Brutalist

Conclave

Emilia Pérez

Wicked

Il Robot Selvaggio

MIGLIORI EFFETTI VISIVI

Alien: Romulus

Better Man

Dune – Parte 2

Il Regno del pianeta delle scimmie

Wicked

MIGLIOR FILM D’ANIMAZIONE

Flow

Inside Out 2

Memoir of a snail

Wallace & Gromit: Le piume della vendetta

Il Robot Selvaggio

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO D’ANIMAZIONE

Beautiful men

In the shadows of the cypress

Magic candies

Wander to wonder

Yuck!

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO

A lien

Anuja

I’m not a robot

The last ranger

The man who could not remain silent

MIGLIOR DOCUMENTARIO

Black box diaries

No other land

Porcelain war

Soundtrack to a coup d’etat

Sugarcane

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO DOCUMENTARIO

Dead by numbers

I am ready, Warden

Incident

Instruments of a beating heart

The Only Girl in The Orchestra

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Enrico Borghesio,
Redattore.

January 24, 2025

Un anno di cinema: le nostre scelte imperdibili del 2024

Il 2024 è giunto al termine e noi della redazione di Frames Cinema abbiamo deciso di proporvi un articolo collettivo con i film che più ci hanno emozionato, colpito o fatto discutere durante l’anno. È una lista personale, che include le pellicole uscite in Italia nei mesi scorsi o presentate negli eventi cinematografici italiani e che, per un motivo o per l’altro, rimarranno con noi ancora a lungo. E voi, quanti di questi titoli avete già visto?

Baby invasion (Harmony Korine)

Dopo aver giocato al videogame sperimentale Baby Invasion, basato sull’utilizzo della realtà aumentata, un gruppetto di persone decide di replicarlo nella vita reale, non distinguendo più l’analogico dal virtuale: seguirà un’ora e venti in cui i nostri entreranno nelle case dei ricchi per rapinarli e ucciderli, indossando in volto maschere di bambini. Sarebbe ingenuo cercare una trama o qualche piglio moralistico in Baby Invasion, un film (?) che non ha alcun riguardo per i concetti di plot e di noia: il sogno lucido di Korine conglomera invece tutto l'immaginario digitale contemporaneo in un videogioco open world fps dove noi spettatori siamo i giocatori/osservatori in God mode e balliamo sulle note dell’artista musicale Burial. Dentro all'eterno passato/presente/futuro di Internet, Korine fonde il cinema al camuffamento della realtà (operato dalla realtà aumentata) e all'ubiquità virtuale concessa dalle piattaforme di live streaming, ribadendo quanto il cinema di oggi si faccia sempre di più sull'immagine.

Baby Invasion è stato presentato Fuori concorso alla scorsa Mostra del cinema di Venezia e verrà rilasciato prossimamente sul sito della casa di produzione di Korine, EDGLRD.

A cura di Alberto Faggiotto.

Estranei (Andrew Haigh)

Tante storie inconfessabili, tante parole impossibili da confinare nei confini di una pagina bianca, si manifestano tra le stanze di un palazzo londinese troppo grande per le anime che vi si aggirano. Due di queste, Adam (Andrew Scott) e Harry (Paul Mescal) si avvicinano, si attirano in un gioco di presente e memoria, che coinvolge anche il ricordo dei genitori di Adam, morti anni prima. Andrew Haigh fa suo il romanzo Estranei di Taichi Yamada adattandolo con successo in un diverso contesto temporale e culturale, facendone poesia personale che esplora con delicatezza l’amore, la perdita e lo spazio vuoto che la solitudine frappone tra noi e gli altri. Puro sentimento reso vivo e pulsante dalla forza delle immagini e delle interpretazioni.

A cura di Valentino Feltrin.

Challengers (Luca Guadagnino)

Tra i film che abbiamo atteso di più nel 2024,  questo conquista un posto d’onore tra i migliori titoli dell’anno. Con il suo ultimo film Guadagnino ha messo in scena il racconto della carriera tennistica di due promettenti atleti, Patrick e Art, e le relazioni tra i due, lo sport e Tashi Duncan, bellissima giocatrice che diviene oggetto del desiderio di entrambi. Ambizioni, desideri, tentazioni e frustrazioni si intrecciano nella vita dei protagonisti che ci viene narrata dall’adolescenza fino all’età adulta, andando ad esplorare la molteplicità del linguaggio cinematografico in parallelo con il tennis e le sue regole. La musica di Trent Reznor, energica e concitata, è ulteriore protagonista degli eventi, e contribuisce a sottolineare le tensioni che nascono e si sviluppano man mano che il rapporto tra i personaggi evolve. Movimento e cambiamento sono le parole chiave, concetti che si applicano tanto alle partite giocate di volta in volta quanto ai punti di vista narrativi proposti, tramite composizioni visive e giochi con le inquadrature che insieme ad ogni altro aspetto concorrono alla costruzione del senso del racconto.

A cura di Gaia Fanelli.

Una spiegazione per tutto (Gábor Reisz)

Terzo lungometraggio di Gábor Reisz, si muove tra il racconto di formazione e quello politico, non tralasciando l’aspetto ironico. Il liceale Ábel viene bocciato all’esame di maturità, ma lascia intendere a suo padre conservatore che il motivo di questo insuccesso sia da imputare alla spilla con la bandiera ungherese che aveva appuntata in petto. Un piccolo dramma scolastico si trasforma così in un affare di Stato e va a delineare la frattura tra nazionalisti e liberali in Ungheria, mettendo in luce la difficoltà di comunicazione e la banalità del passaparola. Una grande città diventa un paesino in cui le informazioni trapelano da un abitante all’altro e ognuno ha la sua spiegazione, diversa e mai totalmente veritiera. Una storia adolescenziale fa da sfondo all’attualità europea e al governo Orbán, mostrandoci la società su tre livelli: famiglia, istruzione e media. Diviso in capitoli, il film oscilla tra la poesia della giovinezza e le divergenze di una nazione.

A cura di Maria Cagnazzo.

Il gusto delle cose (Trần Anh Hùng)

Premiato per la regia a Cannes 2023, Il gusto delle cose è uscito in Italia il 9 maggio 2024, segnando il ritorno al cinema di Trần Anh Hùng, regista franco-vietnamita già vincitore del Leone d'Oro nel 1995 per il troppo dimenticato Cyclo. Raccontando la storia d'amore tra il gastronomo Dodin Bouffant e la sua cuoca personale Eugénie (rispettivamente interpretati da Benoît Magimel e Juliette Binoche, immensi), Trần Anh Hùng si inserisce sulla scia del miglior gastro-cinema, esaltando le qualità sensoriali del filone. Lo stile del regista - da sempre sinestesia di impressioni tattili e violenti cromatismi - si sublima nella forma di un melodramma d'ispirazione pittorica che infonde ogni pietanza e atto culinario di una sensualità sommessa, costantemente in bilico tra ghiotte azioni terrene (tagliare, bollire, infornare...) e affetto trascendente. È la forma più alta del cinema d'azione, in cui sono gli atti a guidare i personaggi e il dispiegarsi delle loro relazioni emotive.

A cura di Jacopo Barbero.

The Bikeriders (Jeff Nichols)

Uscito in sordina a giugno, The Bikeriders di Jeff Nichols rielabora il western con uomini fragili in motocicletta al posto di intrepidi cowboy in sella a stalloni. La trama riprende liberamente l’indagine del fotografo Danny Lyon (Mike Faist) sugli Outlaws, club di motociclisti fondato in Illinois negli anni ’60 emulando Il Selvaggio con Marlon Brando, ma la narrazione di Kathy (Jodie Comer) si concentra sull’amicizia tra il fondatore del gruppo (Tom Hardy) e il suo ideale ma recalcitrante successore (Austin Butler). Pur non essendo esente da difetti, The Bikeriders sa raccontare con disincantata lucidità l’eterno mito di un’America che non c’è più, opponendo allo stereotipo del motociclista una una mascolinità fragile, inaspettata e perfettamente presente.

A cura di Enrico Borghesio.

Hit Man – Killer per caso (Richard Linklater)

Se in Slacker e in Dazed and Confused la narrazione di Richard Linklater ruotava intorno a molteplici personaggi, in Hit Man si concentra su un unico protagonista dalle molteplici personalità. Gary Johnson è un professore di filosofia che si trasforma in un improbabile agente sotto copertura. Tra i diversi volti che Gary è chiamato a indossare spicca quello di Ron, un killer affascinante e spietato, diametralmente opposto alla sua abituale identità. Hit Man è, soprattutto, un viaggio tra identità e maschere, e la gerarchia che le definisce. Se nel noir il protagonista si ritrova intrappolato in una situazione più grande di lui, qui Gary si confronta direttamente con il suo essere più profondo, fino a scoprire una parte di sé che non credeva esistesse. Questo tema si inserisce perfettamente nella filmografia del regista texano, popolata da personaggi che aspirano a superare i limiti imposti dalla società. Al tempo stesso, Hit Man è anche un omaggio all’arte dell’attore e alla sua capacità di trasformazione: un bravissimo Glen Powell (anche co-sceneggiatore) incarna con grande versatilità un personaggio capace di attraversare ruoli e generi sempre diversi.

A cura di Simone Pagano.

L’innocenza (Hirokazu Kore’eda)

Una madre vedova, un insegnante della scuola elementare e due bambini sono protagonisti dell’ultimo film del regista giapponese Hirokazu Kore'eda. È L’innocenza (in originale Kaibutsu, “mostro”), un dramma che si dipana come un mistero. Lo spettatore si sposta attraverso i punti di vista dei diversi personaggi, ripercorrendo la stessa vicenda: il piccolo Minato comincia a manifestare alcuni atteggiamenti che spingono la madre ad investigare all’interno della scuola. Piano piano, il film arriva a raccontarci un rapporto tenerissimo “macchiato” dalle ingerenze del mondo esterno che vorrebbe vedere nell’innocenza dei bambini e dei loro sentimenti qualcosa di mostruoso. Con una sceneggiatura delicata e interpretazioni intense, L’Innocenza è impreziosito dalle ultime composizioni musicali del maestro Ryūichi Sakamoto, morto nel 2023.

A cura di Silvia Strambi.

The Substance (Coralie Fargeat)

Hai mai immaginato una versione migliore di te stesso? Più bella, più giovane, più perfetta? È la domanda che devasta Elizabeth Sparkle, attrice di successo cinquantenne, appena scaricata dal suo capo proprio a causa dell'età “troppo avanzata” per lo spettacolo. D'altronde, Hollywood richiede una certa immagine, vero? Ma ecco arrivare qualcosa di inaspettato: un fluido sperimentale che se iniettato aiuterebbe a scoprire una versione migliore di se stessi. Dalla schiena di Elizabeth “nasce” un nuovo corpo, sodo e giovane, con le curve nei punti giusti, perfetto per la tv. Elizabeth dovrà scambiare la propria coscienza tra i due corpi ogni settimana, ma qualcosa le impedirà di sottostare alle regole.

The Substance è un racconto delirante, un body-horror dall'estetica surrealista e dalla regia opprimente, che insiste su immagini di corpi lucenti in modo morboso e fa riflettere su un mondo dello spettacolo che mastica e rigurgita senza pietà chiunque provi ad entrarvi. Definito da Guillermo Del Toro “una fiaba ferocemente bella”, The Substance riuscirà a trasportarvi nel suo delirio e a lasciarvi senza parole.

A cura di Renata Capanna.

Anora (Sean Baker)

Anora è una ragazza che si esibisce come stripper in un locale di New York, Vanja è un giovanissimo figlio di un oligarca russo con troppi più soldi che buon senso. Lui propone a lei prima di diventare la sua ragazza fissa e poi di sposarlo, lei accetta sia perché attratta dai soldi e sia perché con il ragazzo lei sta davvero bene. Peccato che la famiglia di Vanja sia a dir poco scontenta della situazione.

Anora è una fiaba in cui l’amore svanisce prima di esistere davvero, in cui la nostra eroina dopo una vita passata a cavarsela da sola si illude di poter essere forte e in grado di gestire i propri eventi senza spezzarsi, una storia di responsabilità fuggite, non rispettate, nemmeno lontanamente considerate. In questo film, Palma d’Oro a Cannes 2024, chi si fida perde, chi ha compassione soffre e alla fine i prepotenti hanno la meglio. Ma anche i vessati nel loro dolore, possono ridere dei loro aguzzini.

A cura di Nicolò Cretaro.

Conclave (di Edward Berger)

Come può la morte del papa trasformarsi in un thriller? Il Decano Lawrence, un eccezionale Ralph Fiennes, affronta la guerra del conclave, un rito per stabilire chi sarà la guida dell’umanità in un’era d’incertezza. La regia accuratissima del premio Oscar Edward Berger rende Conclave una delle sorprese più intriganti dell’anno cinematografico, a partire da un soggetto apparentemente fuori tempo. Ma il potere di Dio non è mai messo in questione, quanto lo è invece il dominio della Chiesa. È una storia di uomini e donne intorno ad uno dei ruoli più antichi del mondo, ed è tanto umano attraverso i dettagli e i colpi di scena con cui il racconto viene sbrogliato. In fondo un film religioso che non indottrina nessuno ma parla a tutti, provocatorio forse, ecumenico senz’altro.

A cura di Edoardo Borghesio.

Dostoevskij (fratelli D’Innocenzo)

Una lettera scritta a mano lasciata sul tavolo. Un uomo sdraiato sul pavimento della sua casa in attesa che il mix di pillole lo porti alla tanto agognata morte. Una chiamata improvvisa: una famiglia è stata uccisa e l’assassino ha lasciato una lettera. Un inizio tutt’altro che semplice o banale quello di Dostoevskij, ultima opera dei Fratelli Damiano e Fabio D’Innocenzo arrivata quest’estate in sala divisa in due parti e a novembre sulle reti Sky sotto forma di miniserie da sei episodi.

L’uso del 16mm ed una fotografia dai toni freddi e scuri dona profondità e sporcizia ad una storia cupa, senza via di fuga proprio come i luoghi in cui si ambienta: sporchi, malsani, in rovina fuori e pieni di cianfrusaglie dentro, esattamente come i personaggi che le abitano. L’indagine diventa allora solo un pretesto, perché quello che davvero conta è comprendere noi stessi. Ma siamo davvero sicuri che, a conti fatti, ciò che troveremo sarà ciò che ci aspettavamo?

A cura di Mattia Bianconi.

December 31, 2024

Recensione Conclave — Sia fatta la sua volontà

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Le elezioni attirano sempre l’attenzione, e fra tutte le elezioni, il conclave è una delle più intriganti. Quindi un film sull’elezione del papa, a prescindere dalla caratura della produzione, sarà un thriller tesissimo e con un finale a sorpresa comunque vada. Non solo, il film in questione, cioè Conclave di Edward Berger, è anche una produzione internazionale di assoluta qualità e con attori di livello, dove ogni cosa sembra al posto giusto.

Cosa ci si aspetta dunque da un film del 2024 che tratta la designazione più alta di tutte? L’ascesa al soglio pontificio, l’unica elezione ‘per sempre’ del mondo contemporaneo, con tutte le altre condivide l’atmosfera di tensione e le ambizioni dei candidati. Conclave, presentato in anteprima europea alla Festa del Cinema di Roma, è apparentemente un dramma religioso, ma è anche un giallo, e in fondo un esame delle pulsioni politiche opposte nella società globale contemporanea.

Morto un papa se ne fa un altro

Il pontefice in carica è deceduto, e il decano Lawrence (Ralph Fiennes) viene richiamato a organizzare il conclave che insedierà un nuovo papa tra tutti i cardinali del mondo. I contendenti più quotati sono il liberale americano Bellini (Stanley Tucci), il politicante Tremblay (John Lightow), l’ambizioso cardinale africano Adeyemi, e il reazionario estremo Tedesco (Sergio Castellitto). Lawrence, che già da tempo vive un dissidio interiore sulla propria vocazione a far parte dell’organismo religioso, accetta con riluttanza non solo di guidare il conclave, ma anche l’ingrato compito di mediare tra le posizioni e di dissipare i fumi neri delle manovre politiche in seno al Vaticano.

Nella cornice perpetua dei sontuosi interni soffocanti, un susseguirsi di ritualità, primi piani sui dettagli, spalle pensose e solitudini gravi generano il clima di una camera chiusa nella quale si consuma il delitto. Alla fine è un giallo, pur se non ci sono omicidi, quello di cui Lawrence si trova protagonista, a indagare scandali e misfatti. A un certo punto non c’è nemmeno più distinzione tra i “buoni” e i “cattivi” identificati a principio, perché tutti in qualche maniera hanno peccato: «serviamo ideali, ma noi non siamo ideali». E allora chi sarà l’eletto? Che neghino pure, ma ciascuno ha già deciso il nome che porterà se toccherà a lui.

Così tutti quanti, sotto l’abito anacronisticamente sgargiante, sono in verità semplici umani. Il regista Edward Berger si dice soddisfatto di aver girato veramente a Roma, dove passeggiano nelle loro quotidianità preti con la valigetta e suore con il caffè. In fondo, anche il tempio di San Pietro è popolato di uomini e donne qualunque. E le pulsioni che li animano sono le medesime di chiunque, che la sceneggiatura evidenzia benissimo contraddistinguendo ciascun personaggio con tratti caratteristici di ambizione, angoscia, diffidenza, nazionalismo, eros, senso di colpa, e soprattutto dubbio.

Nuntio Vobis

Il tocco europeo di Edward Berger si percepisce anche in una produzione all’americana, come già nel suo precedente All Quiet on the Western Front, che era sostanzialmente un blockbuster hollywodiano ma fatto in Germania (non a caso, targato Netflix; non da meno, ha vinto un bel po’ di Oscar). Oggettivamente Conclave è un’americanata, non solo per la quantità di grandi attori internazionali che vi partecipano, ma anche per la sua visione globale tendenzialmente liberale, molto più fluida rispetto a un’ipotetica produzione alternativa realizzata nella vecchia Europa e vicino ai paesi cattolici. Berger si destreggia bene con una regia molto precisa e composta ma a ritmo di thriller.

È interessante in partenza la sceneggiatura di Peter Straughan, basata su un romanzo di Robert Harris, autore più e più volte saccheggiato dal cinema. Attraverso le vicende singolari dei personaggi, e di Lawrence in particolare, lo script mette in evidenza tante questioni sul significato e sullo spazio che possiede oggi non tanto la religione quanto l’organismo ecumenico della chiesa cattolica. Tra l’altro, benché sia un film che tratta di dottrine e liturgie, riesce ad essere anche divertente in sprazzi d’ironia. E insieme mantiene benissimo la tensione, in particolare nella prima e nell’ultima mezz’ora (dove c’è, a onor del vero, un certo colpo di scena). Soprattutto, Conclave è un film laico, che racconta gli avvenimenti spiegandoli senza retorica e senza pretendere niente dallo spettatore, nemmeno un’imposizione moraleggiante naturalmente in agguato nel soggetto: questo è il bello della produzione all’americana, che tuttalpiù insegna la posizione del dubbio.

Ralph Fiennes è magnetico, detective suo malgrado, fragile e pensoso, offrendo una delle migliori interpretazioni della sua carriera e portandosi sulle spalle la quasi interezza del film. È curioso che alla Festa del Cinema di Roma 2024 Fiennes sia stato presente due volte, sia con Conclave che con The Return, reimmaginazione pseudo-shakespeariana del finale dell’Odissea, che altrettanto gli ha dato occasione di interpretare un personaggio ferito dal tempo e dall’esperienza. Tornando a Conclave, che sarebbe ideale vedere in versione originale per apprezzare il multilinguismo degli interpreti, sono assolutamente bravissimi tutti i comprimari. In particolare diverte Sergio Castellitto interpretando un personaggio che sembra cucito su misura per lui, eccentrico e caciarone, ma pure severo e vagamente inquietante.

Tutta la storia si ambienta dentro le mura del Vaticano: sono rare le immagini a campo lungo e sopratutto gli esterni, e quasi del tutto assenti le banali inquadrature di Piazza San Pietro o di Roma nel suo generale, pur coinvolgendone gli spazi nella vicenda. Questa claustrofobia rende ancora più intrigante il mistero, insieme ad una serie di rumori fuori campo e a tagli di montaggio un poco più lunghi del necessario, o qualche inquadratura brevemente fuori fuoco. Tutto insieme genera una sensazione di angoscia, di isolamento, di un mondo che si muove al di fuori delle mura di questa istituzione millenaria e mai tanto sotto pressione come nel momento corrente. La composizione visiva è straordinaria, tra geometrie e illuminazioni naturali e di candela. Come ogni minimo aspetto del conclave viene dominato e corretto dal decano Lawrence con l’aiuto della madre superiora Agnes (Isabella Rossellini), così ogni dettaglio del film nel suo insieme è curato maniacalmente.

Quel che succede in Vaticano resta in Vaticano

Sotto l’abito dei più austeri pastori del mondo si nascondono umani e peccatori, dietro l’atmosfera irrigidita e fuori tempo delle inflessibili ritualità che scandiscono le giornate di raduno apostolico ci sono i ritmi immutabili di un mondo acceleratissimo. Ben vengano le “tartarughe”, ossia le opinioni divergenti; si comincino ad accettare possibilità prima inimmaginabili. Solo rispondendo alle sfide del mondo questa cultura millenaria potrà sopravvivere.

Con una veduta più ampia, attraverso la ‘guerra’ interna della chiesa, Conclave racconta i conflitti della globalizzazione del mondo intero. Dietro il film religioso, si nascondono le questioni politiche di oggi: le posizioni radicali contro quelle moderate, il conservatorismo contro il progressismo, l’accentramento contro la multiculturalità, l’inesorabile aumento di rilevanza della guerra nel qui ed ora, la capacità di perdonare e il coraggio di avanzare, l’equilibrio, il dubbio come forza motrice. Perché che cos’è il dubbio, in fondo, se non l’essenza stessa della fede?

Fare un film è come fare un conclave: una sequela di passaggi obbligati, riti, dettagli, divergenze e compromessi, sotto la guida di un regista, che alla fine, volente o nolente, ci lascerà un insegnamento. Il personaggio di Ralph Fiennes è il regista di Conclave, sospinto dal dubbio e quindi dalla fede. «Sia fatta la sua volontà»: che cosa significa eseguire la sua volontà a questo punto? Quale e quali volontà vanno perseguite in un luogo tanto affollato, che vale per il refettorio dei cardinali come del mondo intero?

La forza di Conclave è di raccontare cose complesse ma in modo chiaro per tutti, e comunque non scontato. Parla del presente, è sorprendente e insieme rassicurante perché perpetra la narrazione di qualcosa di condiviso. Probabilmente sarà un film su cui ci sarà da discutere anche dopo che sarà uscito e non solo prima (come purtroppo accade con molti altri prodotti odierni). Fosse anche solo per la drastica possibilità concessa dal suo finale, ciò che lascia in fondo è l’insegnamento ad aprire nuove porte, passare attraverso il dubbio, pure accettare qualcosa che non si può capire, e dunque interiorizzare veramente la fede. Sia fatta la sua volontà.

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Edoardo Borghesio,
Redattore news.

November 11, 2024
RECENSIONE THE MENU – UN (FIACCO) DIVERTISSEMENT

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Spostandosi (o ritornando) dalla televisione al cinema, il regista Mark Mylod firma il suo quarto film in vent’anni e non abbandona i toni comico-satirici che lo caratterizzano sin dall’esordio nel 2002 con Ali G (protagonista Sacha Baron Cohen). Mylod ha abbandonato il grande schermo ormai undici anni fa con (S)ex List – commedia all’insegna della coppia Chris Evans e Anna Faris – e nel mentre ha diretto per il piccolo schermo alcuni episodi de Il Trono di Spade, Shameless e soprattutto di Succession, serie satirica iniziata nel 2018 e diretta e prodotta anche da Adam McKay, nome che ritorna fra i produttori di The Menu.

Con il film uscito nelle sale cinematografiche questo 17 novembre 2022 si mescolano commedia nera e horror, apparecchiandoli nelle tavole imbandite di un ristorante di lusso e avvalendosi dell’attrice di punta del momento: Anya Taylor Joy.

Immagine 1: Lo chef Slowik (Ralph Fiennes) e Margot (Anya Taylor-Joy)

LA TRAMA

Un gruppo di celebrità, famosi imprenditori e noti nomi internazionali approdano in una remota isola privata per assaporare l’alta cucina dell’eccentrico chef Julian Slowik (Ralph Fiennes). Fra coloro che sono in trepidante attesa per scoprire quali ricercati piatti gourmet abbia preparato il cuoco, troviamo il giovane Tyler (Nicholas Hoult) assieme alla fidanzata più dubbiosa Margot (Anya Taylor-Joy), la coppia aristocratica di anziani clienti abituali Anne e Richard (Judith Light e Reed Birney), il critico gastronomico Lillian Bloom (Janet McTeer) con il caporedattore Ted (Paul Adelstein), la star del cinema Liebrandt accompagnata dal suo assistente Felicity (John Leguizamo e Aimee Carrero), e infine anche i tre giovani imprenditori informatici Soren (Arturo Castro), Dave (Mark St. Cyr) e Bryce (Rob Yang). A presiedere l’elegantissimo personale di sala c’è Elsa (Hong Chau), che dopo aver accolto e servito la schiera di alto borghesi comincia a manifestare atteggiamenti burberi e scontrosi, in un climax di tensione palpabile. Le portate della sontuosa cena serbano delle sorprese: gli invitati non sanno che fra gli ingredienti delle pietanze potrebbero comparire proprio i loro nomi…

SIGNORI, IL DELITTO E’ SERVITO

Se il Matt Dillon de La Casa di Jack cercava l’arte nell’omicidio, lo chef di Ralph Fiennes tenta di trovarla in qualcosa di davvero insolito: il cibo. Ma forse non così insolito se pensiamo all’ondata culinaria che sta invadendo i piccoli schermi di tutto il mondo, fra contest di cucina stellata passando per sfide di sopravvivenza in fornelli infernali arrivando sino alla composizione del piatto perfetto e meglio orchestrato. The Menu si imbarca alla ricerca della ricetta cinematografica migliore all’interno della “food culture” televisiva che rifugge il cibo “fast” per educare all’apprezzamento di piatti più prelibati; gli ingredienti per cucinare il film perfetto c’erano tutti: il paradosso comico generato dalla giustapposizione dell’eleganza dell’alta cucina all’efferatezza di una setta di chef psicopatici era una solida base di partenza per imbandire una tavola che potesse offrire dei piatti intrattenenti e divertenti, oltre che virulenti. Nonostante si aggiungano anche i talenti di due attori del calibro di Taylor-Joy e Fiennes, qualche portata di The Menu non è al suo posto e il film non riesce a convincere.

Immagine 2: Il gruppo di benestanti approda sull’isola

Dall’amuse-bouche (ancor prima dell’entrée) fino all’ultimo piatto estremo, tutto attorno ai fastosi tavoli di una delle cucine apparentemente più apprezzate al mondo: il film utilizza addirittura le grafiche in sovrimpressione da show culinario – la principale ossessione del personaggio di Tyler – per richiamare ancor di più il contesto mediale e socio culturale in cui vuole inserirsi. Qualcosa però va storto nella cena di gala di questi ricchi aristocratici che, assuefatti dalla figura di Slowik, passano la serata a parlare di frivolezze e a immolarsi in sperticati panegirici nei confronti delle pietanze servite dallo chef e dal suo entourage. Arriva l’ora del secondo ma le salse non sono accompagnate dal pane perché “è l’alimento dei poveri” (“Gesù prese il pane e rese grazie”) e sarebbe indecoroso servirlo a clienti del loro status sociale, mentre registri di fatture false e foto di tradimenti appaiono nel retro delle tortillas servite come secondo. Pian piano attraverso le portate cominciano a scoprirsi tutti gli altarini dei singoli invitati e il malumore inizia a serpeggiare fra le forchette e i coltelli. A nutrire sospetti sin dall’inizio era soltanto Margot – colei che non era nemmeno “compresa nel menù” avendo sostituito all’ultimo l’ex fidanzata del compagno Tyler -, l’unico ospite incapace di apprezzare (o comprendere, dal loro punto di vista) la qualità della cucina offerta da Slowik, per lei inutilmente sofisticata.

L’ARTE NON E’ PER ARISTOCRATICI

Sta proprio qui il nucleo di The Menu, nella contrapposizione tra la concezione di arte di Margot – ragazza più umile che potrebbe sfamarsi anche con un semplice hamburger – e quella dei nobili commensali, che pur di restare stupiti di fronte alle elaboratissime ricette accettano di credere che le sanguinolente e plateali uccisioni siano parte dello show dello chef: un’ottusità non dissimile da quella della borghesia “ferreriana” de La Grande Abbuffata che si riuniva nell’altrettanto remota villa parigina per ingozzarsi fino alla morte. Se nel capolavoro del grottesco di Ferreri i personaggi di Mastroianni, Tognazzi, Noiret e Piccoli si tramutavano in dei Trimalchioni fuoriusciti direttamente dal Satyricon e agghindavano il suicidio con beceri discorsi intellettualoidi (“Al di fuori del cibo, tutto è epifenomeno!”), The Menu traccia un sentiero concettualmente simile mantenendo i piedi ben saldi nella tradizione satirica ma ricollegando i fantasmi e il substrato del perbenismo alto borghese alla concezione di arte vuota e – anche qui – fintamente intellettuale di quella classe sociale, tanto da far diventare loro stessi gli ingredienti dell’ultima portata.

“Lei vuole morire con chi dà o con chi toglie?”, chiederà Slowik a Margot. Quasi un film di lotta di classe, si potrebbe affermare: per Mylod la vera arte non è per quegli aristocratici che riescono a interpretarla perlopiù solo in termini vacui e narcisisti.

Immagine 3: La veduta all’interno della sala

PIU’ UN (FIACCO) DIVERTISSEMENT, CHE UNA SATIRA

La cucina è da sempre reinterpretata in chiave grottesco-satirica nel cinema, si pensi a un altro cuoco famoso, quello che accompagnava il ladro, sua moglie e l’amante nel titolo del film di Greenaway dell’89, altra opera dove l’ambiente culinario era accostato al frangersi del perbenismo quotidiano (e in particolar modo allo sfogo della natura repressa dell’uomo).

Tuttavia se The Menu ha un pregio è quello di non prendersi mai troppo sul serio, ponendosi più come un divertissement satirico-orrorifico e volendo lasciare il messaggio sociale in secondo piano rispetto al puro intrattenimento. Il problema più grande, ad ogni modo, è costituito proprio dalla scrittura del film, che nelle sue modulazioni narrative lascia interdetto e confuso lo spettatore senza mai spingere l’acceleratore né sul divertimento né sulla satira, e affidandosi a una scrittura tanto prevedibile quanto didascalica e poco intrigante (il finale ne è il sintomo più evidente: oltretutto ci sono diverse linee narrative lasciate aperte e appena accennate). Il climax di tensione non tiene mai sulle spine, le risate – seppur fini e non di lana grossa – arrivano di rado e il discorso precedentemente citato sulla contrapposizione fra le due concezioni di arte è trasposto con semplicità e riduzionismo disarmanti. Non sarebbe un vero problema, se solo ci fosse del buon intrattenimento come contraltare.

La regia di Mylod è al mero servizio della narrazione e non saranno soddisfatti nemmeno coloro che trepidanti aspettavano buone dosi di gore e di bodycount sanguinolenti: il divertissement arriva fiacco e scontato, così come il (tentato) trattato sull’arte che lascia l’opera su di una superfice di totale anonimato cinematografico, loffio e poco divertente. Nemmeno le due punte di diamante del cast, Fiennes e Taylor-Joy, risollevano le sorti di un film spento e che non riesce nemmeno a intrattenere, seppur condito da intenti lodevoli e apprezzabili.

A The Menu manca più di un ingrediente per cucinare la ricetta perfetta, ed è un vero peccato.

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November 23, 2022
IL FUTURO È OGGI – NEL CUORE DELLA FANTASCIENZA: STRANGE DAYS

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Nella storia del cinema fantascientifico esistono pellicole che, mettendo in scena dinamiche e scenari futuribili, si rivelano essere in realtà rappresentazioni tristemente profetiche, anticipando aspetti spesso critici e disfunzionali della realtà contemporanea, anche con decenni di anticipo.

E’ sufficiente pensare a film come Videodrome (1983) e eXistenZ (1999) di Cronenberg, che hanno in qualche modo preannunciato rapporti malati tra umano e tecnologico, per capire come il genere Sci-Fi sia in grado di riflettere non solo sulla società futuro prossimo e non, ma anche su quella del presente.

Appartiene a questa cerchia di grandi opere anche il film oggetto dell’analisi qui proposta, ovvero Strange Days della grande Kathryn Bigelow, datato 1995, il quale si inserisce nel solco di pellicole capostipiti – perlomeno a livello di atmosfere cyberpunk – come Blade Runner (1982) o 1997: Fuga da New York (1981) per raccontare gli ultimi due giorni del 1999, in un mondo violento e allo sbando, che teme l’Apocalisse profetizzata con l’arrivo del nuovo millennio.

Sceneggiato da James Cameron e Jay Cocks, il film segue la storia di Leonard “Lenny” Nero (un Ralph Fiennes in stato di grazia), che è il più importante spacciatore della droga più diffusa e consumata a Los Angeles, ovvero dei piccoli floppy-disk che permettono di vivere – virtualmente– esperienze reali registrate in POV da altre persone, da una semplice corsa sulla spiaggia, fino ad una rapina al cardiopalma in un quartiere malfamato.

Il ritrovamento di una di queste clip, contenente un misterioso e terribile omicidio, spingerà Lenny ad addentrarsi e ad indagare nel più profondo mondo criminale, sullo sfondo di una città segnata da violentissime rivolte sociali, mentre l’Apocalisse – forse – è alle porte.

N.B. L’analisi del film in questione conterrà spoiler, invitiamo chi non lo avesse visto a recuperarlo per non perdersi uno dei capolavori degli anni ’90, se non forse anche qualcosa di più.

VIRTUALITA’ E REALTA’: UNA SOVRAPPOSIZIONE CONTEMPORANEA

Nonostante sia uscito ormai quasi trent’anni fa, Strange Days resta ad oggi un film estremamente attuale, in qualche modo addirittura profetico, nella sovrapposizione tra vita reale e vita virtuale che mette in scena: non è un caso, infatti, che il personaggio di Fiennes venda il suo prodotto utilizzando la frase “This IS life”, evidenziando come – nel mondo descritto dalla Bigelow – la dimensione digitale abbia ormai la stessa importanza e la stessa concretezza della realtà.

E’ impossibile non vedere all’interno di questa pellicola una strabiliante anticipazione del mondo social contemporaneo, che vive del bisogno quasi cyber-voyeuristico di immergersi nelle esperienze altrui e – in qualche modo – di entrarci nel modo più diretto possibile, di vivere la realtà altrui letteralmente in soggettiva. Storie Instagram, Vlog Youtube, video su Tik Tok, foto su Facebook: nella società di oggi l’esistenza virtuale accompagna di pari passo quella reale, al punto che per molti – anche magari a causa di un meccanismo ormai automatico e istintivo – un evento non ha significato fino a che non è condiviso e “traslato” nel mondo digitale, così che possa essere fruito e quindi, per definizione contemporanea, vissuto anche da altre persone attraverso la dimensione virtuale.

Non sbaglia la Bigelow a descrivere questa tecnologia come una vera e propria droga, che spinge i propri consumatori a ricercare clip sempre più estreme e a trascorrere sempre più tempo all’interno dello SQUID (questo il nome dell’apparecchio neurale che permette il collegamento) fino al punto in cui la realtà concreta diventa invivibile e l’unica soluzione rimane il rifugiarsi costantemente nella finzione, che appare migliore, più desiderabile e più semplice dell’esistenza analogica.

Allo stesso modo, nel mondo contemporaneo la fruizione della dimensione social ha ormai acquisito le caratteristiche distintive di una dipendenza: accompagna quotidianamente la giornata di tutti e occupa un dato quantitativo di tempo che varia da persona a persona, ma che molto difficilmente è nullo, senza contare che per molti trascorrere un intero giorno senza poter accedere ai propri profili social sarebbe sicuramente non auspicabile, se non addirittura impossibile.

Così come in Strange Days, dunque, il costruirsi un’esistenza virtuale parallela, fatta di esperienze altrui e di immagini costruite, è l’unico modo per evadere da una realtà scadente e deludente, allo stesso modo oggi il crearsi e il mostrare alla comunità una vita apparentemente perfetta su Instagram è per molti una via efficace per convincersi – in maniera auto ingannatoria – di vivere effettivamente un’esistenza perfetta, fino a che la dimensione virtuale diventa concretamente più importante di quella reale, relegata al ruolo di un dietro le quinte fatiscente, alle spalle di uno stupendo palco dorato.

Un film, quindi, che parlava del contemporaneo con almeno venticinque anni di anticipo, dipingendo un’immagine, purtroppo, estremamente preoccupante della natura umana rapportata alla tecnologia, ma che, nonostante ciò, offre una visione lucida e illuminante della società attuale, oltre che innumerevoli spunti di riflessione per comprendere meglio questi tempi ormai irrimediabilmente dipendenti dal virtuale.

L’APOCALISSE E’ OGGI: UNA SOCIETA’ MORENTE

Il mondo descritto dalla Bigelow in Strange Days è chiaramente un mondo pre-apocalittico, fatto di ferocissime rivolte sociali, esercito e carri armati nelle strade, polizia corrotta e fascista, violenza e anarchia che dilagano ovunque, il tutto causato – e in qualche modo giustificato – dalla fine del mondo imminente. Ciò che il film, però, vuole forse raccontare è un mondo in realtà già apocalittico, nel quale non importa se la distruzione totale avverrà a mezzanotte dell’ultimo giorno del millennio, perché di fatto sta avvenendo comunque per mano dell’uomo e non per mano divina. E’ geniale, in questo senso, la battuta pronunciata nel film da uno speaker radiofonico: “Ma a mezzanotte di quale città? Mezzanotte di Los Angeles? Quale è il fuso orario di Dio?”.

La regista, dedicando così tanto minutaggio al contesto e allo sfondo sociale in cui si svolge la narrazione principale, vuole – almeno secondo l’interpretazione di chi scrive – denunciare e criticare aspramente alcuni aspetti disfunzionali e purtroppo caratteristici della società americana, su tutti probabilmente la questione razziale e la violenza delle forze dell’ordine, che continuano ad essere un problema irrisolto ancora oggi. E’ difficile, infatti, non accostare le rivolte rabbiose che seguono l’esecuzione di Jeriko One, leader e punto di riferimento della comunità afroamericana nel film, con i tumulti causati nel 2020 dal terribile omicidio di George Floyd, laddove entrambi vengono brutalmente uccisi dalla polizia e diventano immediatamente simboli della lotta contro la repressione violenta della minoranza (con la differenza fondamentale che il primo è un personaggio di finzione, mentre il secondo, purtroppo, era un uomo in carne ed ossa).

La Bigelow, attraverso questa trama secondaria, riesce a costruire un’efficacissima denuncia nei confronti dello stato americano, qui rappresentato dal corpo di polizia, il quale viene palesemente descritto come fascista, violento, xenofobo e al limite del totalitario, un sistema politico in cui l’oppressore ha sempre la meglio sull’oppresso attraverso la forza.

In questo senso non deve ingannare il finale solo apparentemente lieto che, essendo la perfetta conclusione del percorso di Lenny Nero, si limita ad essere speranzoso per quanto riguardo il livello individuale del protagonista: la non-avvenuta Apocalisse di fine millennio non ha nulla di positivo o di ottimistico, in quanto la società dipinta dalla regista è destinata ad autodistruggersi in ogni caso, con o senza la fatidica mezzanotte dell’ultimo giorno del 1999, anche al netto di un breve e momentaneo attimo di giustizia e speranza.

Il pessimismo di questo film, quindi, riguarda la natura della società americana e delle sue contraddizioni culturali, messe in scena tramite scontri e conflitti che esistono – ed esistevano già nel 1995 – nella realtà contemporanea, nonostante non ci sia nessuna Apocalisse biblica alle porte.

Nonostante siano passati quasi 30 anni, dunque, quest’opera magnifica continua a parlare del presente in maniera sorprendente, forse perché – proprio come quelli di Lenny Nero – anche quelli di oggi sono veramente, ma veramente, Strange Days.

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March 11, 2022
RECENSIONE THE KING’S MAN – LE ORIGINI – UN PREQUEL COERENTE E INTELLIGENTE

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Nel 2014, il cinetico mix d’azione e commedia – tratto dalla miniserie a fumetti The Secret Service (2012-2013) -, dallo humour british e con personaggi volutamente cartooneschi e caricaturali, aveva fatto ottenere a Matthew Vaughn e il suo Kingsman – the secret service un sorprendente exploit d’incassi (412,4 milioni di dollari a fronte di un budget di “soli” 94).

La critica aveva apprezzato molto il progetto, premiando soprattutto la rielaborazione quasi fumettistica dei film di spionaggio (James Bond su tutti), la sua forma e la sua ironia fortemente e orgogliosamente di stampo britannico, oltre che alla regia dinamica, capace di dar vita a un action-comedy dal ritmo forsennato e dai toni dissacranti.

Senza l’effetto novità, seppur godibile, il seguito Kingsman – Il cerchio d’oro (2017) appariva più come una copia carbone del primo capitolo, portando il lato comico all’estremo, addirittura con un ruolo di non poca importanza assegnato a Elton John. La critica non aveva reagito unanimemente entusiasta come per il film del 2014.

Ad ogni modo, Vaughn non è di certo uno sprovveduto: come rinnovare e dare nuova linfa vitale alla saga, senza un terzo capitolo che apparisse pedissequamente e pedantemente simile ai primi due? La risposta potete comodamente trovarla nel prequel The King’s Man – Le origini!

Orlando Oxford (Ralph Fiennes) assiste all’attentato di Sarajevo, nella stessa carrozza dell’arciduca austro-ungarico Francesco Ferdinando e la moglie Sofia.

Non ci troviamo più nell’elegante e raffinata Inghilterra di ventunesimo secolo, ma siamo ora catapultati durante la Prima Guerra Mondiale per conoscere il vero fondatore (e primo “Arthur”) del progetto Kingsman – Orlando Oxford (Ralph Fiennes) – ex agente convinto sostenitore degli ideali pacifisti e rimasto vedovo dopo l’ultima guerra boera. Oxford, ora nobile gentiluomo, cresce il figlio Conrad (Harris Dickinson) con i medesimi principi, tanto da convincerlo ad arruolarsi con la Croce Rossa al fronte contro l’esercito tedesco. Tuttavia, dopo aver assistito in prima persona all’attentato di Sarajevo, Orlando scopre il coinvolgimento di Gavrilo Princip in un complotto internazionale atto a far scontrare i tre imperi: russo, tedesco e britannico. Un certo “Pastore” guida il gruppo, aiutato da vari agenti tra cui il mistico consigliere dello zar Nicola di Russia, Grigórij Raspútin (Rhys Ifans). Oxford, grazie ai suoi due fidati collaboratori, Shola e Polly, mette in piedi una fitta rete di spionaggio col fine di aiutare Re Giorgio V nel conflitto, trovandosi costretto a infrangere i suoi ideali di non belligeranza.

Non più un sequel, non uno spin-off, ma un prequel: il regista inventa le origini dell’organizzazione di spionaggio – nata dalle sapienti mani di Dave Gibbons e Mark Millar – affidandosi a un’ucronia: a chiunque torna in mente il capolavoro Bastardi senza gloria (dotato di molti più guizzi e originalità immaginifica, che Vaughn neanche pretende di raggiungere), perché proprio come operato da Tarantino ormai tredici anni fa, The King’s Man riscrive la Storia, o meglio, pensa come si sarebbe potuta sviluppare se determinati avvenimenti avessero preso pieghe differenti.

Il Raspútin di un irriconoscibile Rhys Ifans, rielabora i suoi miti della taumaturgia e della sua sorprendente resistenza alla morte.

DULCE ET DECORUM EST PRO PATRIA MORI

La rielaborazione storica non perde un briciolo della vena comica e della forma prettamente british dei primi capitoli; fattore evidenziato anche dalla scelta del cast, nuovamente composto da attori prevalentemente britannici (o europei: Ralph Fiennes, Harris Dickinson, Aaron Taylor-Johnson, Daniel Brühl).

Coerenza e intelligenza sono alla base del progetto di Matthew Vaughn: il film ci proietta non solo alle radici della Kingsman, ma anche a quelle dei gentleman che la caratterizzano. Indirettamente, la pellicola ragiona anche sulla figura societaria emblema del Regno Unito e della sua filmografia (sono passati solo due anni da The Gentlemen di Guy Ritchie): cosa significava essere gentiluomini nell’Inghilterra di inizio ‘900? E’ il personaggio di Fiennes a dirci che “Gentleman” era sinonimo di “morte certa” , una morte per la patria dolce e onorevole, seguendo il detto oraziano persino citato esplicitamente. Interessante notare come la tipica ironia inglese stia già nella citazione appena evidenziata, l’opposto del messaggio guerrafondaio che potrebbe suggerire, essendo ridiventata celebre nel 1920 quando ripresa e declinata in senso opposto – come dichiarazione anti bellica – dal poeta inglese Wilfred Owen. Il regista è affezionato ai suoi personaggi, ma in un rapporto di odi et amo al contempo li deride e ironizza sulla loro condizione: la guerra – che non teme di mostrare in tutta la sua brutalità – porta soltanto ad altra guerra ed è sinonimo di morte, ovvero di gentleman.

Il giovane Conrad (Harris Dickinson) affronta le conseguenze dell’arruolamento nella Grande Guerra.

Il messaggio pacifista è suggerito da Matthew Vaughn, anche co-sceneggiatore assieme a Karl Gajdusek, da una sceneggiatura che affida un ruolo enormemente importante ai dialoghi (cambio di rotta necessario, visto il subentro di intrighi internazionali), dando meno spazio all’azione che, quando presente, non dimentica mai il montaggio serrato e la violenza esagerata (anch’essa cartoonesca e quasi tarantiniana) dei primi due capitoli.

Resta salda ed evidente la sensazione di trovarsi di fronte a una graphic novel trasposta su pellicola: fra i personaggi spicca il Raspútin carismatico e istrionico di Rhys Ifans, i colpi di scena sono totalmente inaspettati (addirittura si potrebbe considerare un macguffin il personaggio di Conrad) e il filone-Kingsman mantiene il carattere di James Bond in salsa di cinefumetto, tornando a decostruire e portare alle estreme conseguenze il genere dello spionaggio. Non scappate dalla sala: vi attende una scena post-credit che suggerisce la possibilità di nuovi sequel (o prequel, per meglio dire) che, viste le ottime premesse di questo Kingsman in costume, attendiamo trepidamente!

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January 8, 2022

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