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Diaspora degli artisti in guerra: evento al Centro Sperimentale di Cinematografia

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«Per la prima volta nella sua storia, il Centro Sperimentale di Cinematografia esce dalla consueta clausura e apre le porte a tutti» con queste parole il presidente Sergio Castellitto inaugura la rassegna culturale e cinematografica intitolata «Diaspora degli artisti in guerra» che si è svolta a Roma dal 19 al 21 giugno. Alla tre giorni hanno partecipato oltre 500 persone tra studenti e personalità legate al cinema, con ospiti decine di scrittori e registi provenienti da tutto il mondo, fra cui Aleksandr Sokurov, David Grossman e Hagai Levi.

Ognuna delle tre giornate prevedeva diverse proiezioni, introdotte da Castellitto e dislocate nelle sale principali del CSC, una sorta di tempio del film a due passi da Cinecittà; ogni proiezione accompagnata dagli incontri con gli autori, entusiasti di raccontare la propria prospettiva a platee di studenti e cultori di cinema. In questo momento, al mondo, ci sono oltre 50 conflitti, «noi offriamo un microfono a chiunque abbia voglia raccontarci il suo punto di vista» annuncia Castellitto.

Quindi i testimoni partecipanti provengono dall’Ucraina e da Israele e Palestina, ma anche dall’Africa, dal Medio Oriente e dai Balcani, e dibattono su ampi orizzonti: conflitti, nazionalismi, guerre civili, dittature, genocidi, religione, memoria. La ricerca che accomunava tutti i coinvolti sta nella domanda posta all’inizio della prima giornata dal regista libanese Khalil Joreige: «che cosa può fare il cinema per la guerra?». E più ampiamente: qual è il ruolo dell’arte nel conflitto?

19 giugno – La diaspora dei cineasti

Si comincia la prima giornata con Klondike, della regista ucraina naturalizzata turca Maryna Er Gorbach, giovane e dallo sguardo malinconico, che per questo film ha vinto il premio internazionale alla regia al Festival di Sundance 2022. Il Klondike, la terra dell’oro canadese, nel film diventa il Donbass nel 2014, all’indomani dell’abbattimento dell’aereo civile MH14 da parte delle forze separatiste. E racconta la storia di una famiglia confinata nello spazio e nelle scelte dalla minaccia incombente.

Nella forma di scontro locale che contraddistingueva quella fase precoce del conflitto Russia-Ucraina, si materializza una storia di dolore universale intorno ai difficili legami tra i protagonisti: una volitiva moglie incinta, un marito antipatico ma spaventato e impotente, e il fratello di lei che ha ideologie opposte. E lo sguardo della regista adopera come veicolo la tenerezza, insistendo sulle relazioni e sulle emozioni che vuole trasferire al pubblico, attraverso “blocchi” di ripresa in piano sequenza che ci avvicinano e allontanano dalle angosce dei protagonisti.

Inizia la proiezione di Daratt, Gran Premio della Giuria al Festival di Venezia 2006, un film sulle conseguenze della guerra, e più specificamente la storia di un giovane del Ciad che cerca l’assassino del padre per vendicarsi. Ma la guerra civile ha portato via qualcosa a tutti, e nascerà una nuova inaspettata relazione tra reo ed esecutore, tra vittima e carnefice. Daratt è molto ispirato sul piano visivo, con immagini mozzafiato che l’autore riconduce ad una concezione dell’immagine cinematografica come affine all’arte pittorica. Anche sul piano dei contenuti e della messinscena ha significati profondi, basati soprattutto sul silenzio e sullo spazio vuoto. Il punto finale è domandarsi se uccidere una persona possa essere giusto.

Il regista Mahamat-Saleh Haroun è una figura di riferimento per il cinema africano, eppure è parso clamorosamente inconsapevole dei significati anzitutto del proprio film, che anzi riduce e demistifica (e certamente non per modestia). Riferimenti visivi attraenti e temi lirici sembrano, dalle sue parole, basati esclusivamente su fatti che ha visto in strada. Chissà, forse è un genio ingenuo, troppo avanti persino per se stesso: meno male che esiste la critica (che, tra parentesi, come ricorda la moderatrice, fu criticata aspramente dal regista in occasioni passate).

Verso fine giornata il cardinale Gianfranco Ravasi (referente culturale del Vaticano) tiene una lectio magistralis intitolata L’arte oltre la bufera del male e basata sul film Andrej Rublev di Tarkovskij, ma che spazia tra infiniti spunti culturali, da Dostoevskij a Steve Jobs, dalla Genesi alla Congiura di Catilina di Sallustio.

L’ultimo incontro del primo giorno è un dialogo tra due intellettuali: Margaret Mazzantini, attrice e autrice, intervista lo scrittore israeliano David Grossman, che parla apertamente del conflitto israeliano palestinese. Pone due inviti alla platea: ai giovani consiglia di non essere cinici perché il cinismo avvelena se stessi; a tutti dice che è indispensabile «descrivere il conflitto con parole nuove» perché se cambia il mondo non può restare bloccato l’artista.

20 giugno – Lo sguardo del cinema italiano sulle guerre

Sergio Castellitto apre la seconda giornata lodando i cineasti italiani che si sono recati in quei luoghi tormentati da conflitti e crisi umanitarie. La prima pellicola della giornata è il documentario Guerra e pace, dedicato agli archivi cinematografici di guerra. Il tema promesso, apparentemente astratto e complesso, si realizza in un documentario effettivamente lungo e stratificato, ma ben articolato e coeso nell’impianto di svolgimento (forse un po’ meno nella selezione dei contenuti). In quattro parti, si dispiega la storia dell’archiviazione cinematografica adottando come materia principale il found footage film.

Il racconto dei registi Massimo D’Anolfi e Martina Parenti mette in luce come e dove sia stato reperito e articolato il materiale, ma soprattutto espone una personale concezione del cinema come registrazione attiva della realtà, in questo caso anche un racconto della storia della diplomazia e dell’uso dei media. E i due autori rivelano anche un modo di “vivere” la produzione cinematografica in totale autonomia da produttori e collaboratori, con i lati positivi e negativi che ne conseguono.

Il documentario Isis Tomorrow – The Lost Souls of Mosul inscena il disperato dopoguerra vissuto dai bambini, ormai già adolescenti, che sono rimasti orfani dei miliziani dell’Isis. È facile giudicare il terrorista, ma chi sta nel mezzo? La regista Francesca Mannocchi narra alcuni aneddoti sullo svolgimento delle riprese e insiste sulla sensibilità indispensabile per entrare in relazione con quelli che sono sia testimoni sia protagonisti della storia.

«Durante la guerra tutti vogliono raccontare — spiega Mannocchi — ma immediatamente dopo nessuno vuole più parlarne» e ci sono voluti due anni e molti viaggi in Iraq per radunare tutte le testimonianze. «Tutto quel che vediamo ci scuote ma non ci appartiene»: infatti, se non fosse intervenuto l’Occidente, la storia sarebbe proceduta diversamente. I bambini e le famiglie dei miliziani dell’Isis vivono ancora segregati e allontanati, pagando per colpe non commesse.

L’ultimo incontro della giornata è con gli attivisti Rami Elhman e Bassam Aramin, ebreo uno e palestinese l’altro. Entrambi hanno perso una figlia negli attentati dell’altra parte, eppure si presentano insieme e come amici in tutto il mondo per sostenere la pace. È inutile prendere parti perché «non ci sono vie diverse dalla pace, la pace è l’unica via».

21 giugno – Nei paesi in guerra

L’ultima giornata prende il via con una conferenza di Hagai Levi, sceneggiatore israeliano ideatore di importanti produzioni televisive come BeTipul (adattata in varie parti del mondo, inclusa l’Italia con In Treatment che ha Sergio Castellitto per protagonista) e Scene da un matrimonio (con Jessica Chastain e Oscar Isaac). Levi ripercorre la propria vita: le origini italiane, la giovinezza in un Kibbutz che mescola religione ebraica e ideologia socialista, la responsabilità di selezionare e proiettare i film per la comunità, la carriera in televisione e la collaborazione con HBO.

A settembre inizierà le riprese di un nuovo progetto, un period drama politico ambientato ad Amsterdam nel 1941 e basato sul diario di una giovane donna ebrea. Sarà girata prendendo decisioni radicali, con un setting contemporaneo che potrebbe confondere ma parlerà più direttamente al pubblico. Levi commenta anche la situazione del suo paese: «non si può fuggire per un privilegio, ma bisogna essere solidali con la comunità», eppure, in questo momento per la prima volta, sta valutando di trasferirsi con la famiglia in Italia, perché sembra inutile nutrire speranze in una soluzione rapida e favorevole.

Una delle pellicole più attese della kermesse è stata Kafka a Teheran, già presentato a Cannes 2023, cui è seguito un lungo e intenso dibattito con l’affabile regista iraniano Ali Asgari. Il film è una raccolta di nove cortometraggi in piano sequenza e a camera fissa che presentano nove episodi di vita comune nei quali altrettanti protagonisti si trovano a scontrarsi con istituzioni opprimenti e ottuse. Mentre il titolo originale (Terrestrial Verses) rinvia alla poesia iraniana, che è una direttrice sottostante a tutti gli episodi, l’italiano Kafka a Teheran evidenzia la condizione di repressione da parte di un agente superiore arcano ed incomprensibile.

L’autore contestualizza la difficoltà della produzione cinematografica in Iran («esiste solo il cinema commerciale, i film indipendenti sono film clandestini») e della conseguente decisione di girare in pochi giorni e senza autorizzazione. L’aspect ratio in 4:3 veicola il senso di oppressione causato da una burocrazia ingombrante al servizio del potere. La limitazione crea l’arte, e il regista invita tutti quanti a fare un passo avanti, scrivendo e realizzando qualsiasi cosa che possa creare un mondo migliore.

Segue la proiezione di Quo vadis, Aida?, candidato all’Oscar al Miglior film internazionale nel 2021 per Bosnia ed Erzegovina. La vicenda riguarda il genocidio perpetrato dalle milizie serbe nel 1995 nella città di Srebrenica; il punto di vista è quello di Aida, una traduttrice delle Nazioni Unite, moglie e madre, che cerca di salvare la sua famiglia e il suo popolo da un destino inesorabile. Aida è un’Antigone che lotta tra regole e volontà, e il suo nome viene dalla parola araba per il ritorno, che era il cuore del film.

La regista Jasmila Žbanić viene accolta dall’applauso commosso del pubblico per un’opera sontuosa e profondamente drammatica. «Avevo 17 anni quando ho vissuto l’assedio di Sarajevo e ho subito capito che dietro ai conflitti ci sono sempre logiche di profitto» a vantaggio delle élite. Eppure è stato importante trovare il modo di rendere questa storia comprensibile a tutti, anche a chi non conosce i fatti (che il governo serbo tutt’oggi nega). L’autrice rimarca il suo sguardo femminile scegliendo di mostrare non la violenza ma le sue conseguenze, eliminando del tutto l’eroismo che viene, secondo lei, dalla prospettiva di registi uomini: «per me sono stronzate».

Il gran finale della manifestazione prevede una proiezione di Fairytale di Aleksandr Sokurov e un dialogo con il visionario maestro russo, che introduce la visione spiegando che sono stati creati nuovi software per generare le immagini del film, secondo uno studio dei mezzi del linguaggio cinematografico da sempre caratteristico del cinema russo. Stalin, Hitler, Mussolini e Churchill si aggirano spaesati davanti ai cancelli del cielo. Si confrontano, si scherniscono, ripercorrono relazioni personali e diplomatiche, proclamano ideali e ricordano le folle inebrianti. L’ambiente è un universo estetico bianco e nero ispirato ad architetture rinascimentali e alla Divina Commedia nel quale i grandi uomini di potere si riducono a semplici figure umane ridicole e ansiose per il giudizio universale.

«La storia si conosce attraverso i caratteri», che si comprendono grazie ai mezzi dell’arte. È fondamentale, per Sokurov, interrogarsi sul passato senza rifiutarlo acriticamente:«sarebbe stato bello se il nazismo fosse venuto da un altro pianeta, ma è una malattia della natura umana, con aspetto e azioni di un uomo: e infatti ha avuto impatto perché faceva appello a qualità umane». Fairytale, ci tiene a sottolineare il regista, permette di vedere che «il contenuto è più importante della forma»; siccome coi mezzi contemporanei tutto è possibile e la forma non è più un problema, l’invito ai cineasti del futuro è di perseguire il cosa più che il come, perché «il contenuto è la base del mestiere».

La manifestazione si chiude quindi con parole di incoraggiamento e di ispirazione per il cinema che verrà. Le guerre proseguono ma il cinema resta un punto di riferimento, un luogo di pensiero e azione che fissa momenti e li rielabora, consegnando alla storia istantanee che possono indicare come percepire il mondo nel presente, nel passato e nel futuro. Che cosa può fare, dunque, il cinema per la guerra? Come ha suggerito qualcuno in questi giorni citando Henry Miller: «L’arte non insegna nulla, eccetto il significato della vita».

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Edoardo Borghesio,
Redattore news.

June 25, 2024
RECENSIONE DANTE – UNA PUNTATA DI SUPERQUARK

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DURANTE DI ALIGHIERO DEGLI ALIGHIERI, PER GLI AMICI “DANTE”

Ci sono pochi punti di riferimento, nella storia culturale italiana, che abbiano retto il test del tempo quanto Dante Alighieri. A 700 (e uno) anni dalla sua morte il Sommo Poeta è ancora studiato nel dettaglio nelle nostre scuole, “croce e delizia” di centinaia di giovani che si apprestano, come i loro genitori e i loro nonni prima di loro, a compiere il tortuoso viaggio che farà loro attraversare Inferno, Purgatorio e Paradiso.

Eppure, pur essendo dotato di una tale iconicità e di una storia personale decisamente adatta alla trasposizione su schermo (un amore proibito, mai consumato ed eternato in poesia, un difficile passato politico, l’esilio, la consacrazione a sommo poeta con un’opera dalla genesi travagliata, la morte lontana dalla patria…) e pur essendo stati tratti diversi film dalla sua opera magna, nessuno, finora, aveva tentato di portare sul grande schermo la sua vita.

Il tabù attorno a questa figura è stato infranto quest’anno dal regista Pupi Avati, col suo Dante. Ma, una volta finita la visione, la domanda sorge spontanea: il coraggio nel trattare una simile figura è stato ripagato o, al contrario, Avati ha superato un limite che, come le colonne d’Ercole dell’Ulisse dantiano, sarebbe stato meglio restasse non valicato?

DANTE AL CINEMA

Lo spunto da cui Avati parte per raccontare la vita dell’Alighieri tira in causa un altro grande della nostra letteratura: Giovanni Boccaccio (qui interpretato da Sergio Castellitto) viene incaricato di consegnare, da parte del comune di Firenze, dieci fiorini d’oro come compenso per l’esilio alla figlia del poeta. Boccaccio, grande estimatore di Dante, approfitta del viaggio per effettuare una sorta di tour che lo conduca nei luoghi più importanti della sua vita e gli permetta di parlare con chi l’ha conosciuto.

Accompagnando il poeta certaldese nel suo peregrinare, anche il pubblico viene reso partecipe di questo viaggio che tocca diverse zone d’Italia e diventa il collante per il racconto della vicenda umana del Vate (Alessandro Sperduti da giovane, Giulio Pizzirani da anziano).

Lungo la pellicola incontriamo diversi personaggi interpretati da attori noti, spesso collaboratori storici di Avati, che appaiono in brevi cameo: Alessandro Haber, Leopoldo Mastelloni, Gianni Cavina, Milena Vukotic, Valeria D’Obici… Completano il quadro, poi, due figure cardine della formazione, poetica e amorosa, del giovane Alighieri: l’amico Guido Cavalcanti (Romano Reggiani) e, ovviamente, l’adorata Beatrice (Carlotta Gamba).

ALCUNI PRO E MOLTI CONTRO

Non manca il rigore filologico al film di Avati, che ricrea la storia dantesca inserendo anche aneddoti particolari, riportando con precisione certosina il contesto storico e i suoi avvenimenti. Peraltro, lo stesso regista ha ammesso che la prima stesura del copione risale al 2003. Il prodotto finito riverbera di questa ricerca nei confronti non solo dell’Alighieri ma anche del periodo in cui è vissuto. Set (molti dei quali esterni, veri luoghi della vita di Dante) e costumi, da questo punto di vista, sono certamente gli elementi più belli a vedersi dell’intera messa in scena, che qui e là fornisce singole inquadrature che costituiscono quadretti interessanti e gradevoli.

Buone anche la maggior parte delle interpretazioni principali. Castellitto è un Boccaccio certamente lontano (e più noioso) rispetto all’immaginario creatosi attorno all’autore dello scollacciato Decameron, ma funzionale al suo ruolo. Sperduti è un Dante poeticamente ispirato ma anche carnale, più umano rispetto all’immagine restituitaci dall’educazione classica. Anche Gamba, pur apparendo poco e non parlando molto, risulta una scelta adatta per il ruolo dell’angelica Beatrice, simbolo più che personaggio a tutto tondo già a partire dagli scritti danteschi.

Peccato che, a servizio di questi elementi, manchino una sceneggiatura e un montaggio forti. Sin dalla prima scena la storia si appoggia totalmente alla narrazione fuori campo di Stefano De Sando. Questa rappresenta un’evidente infrazione della regola cinematografica “show don’t tell” (mostrare, non dire), oltre che un flusso continuo e incessante di informazioni che faranno la gioia di filologi e dantisti ma che aggiungono poco alla narrazione. Quando poi la voce narrante lascia spazio ai dialoghi, spesso anche questi vengono infarciti di dettagli utili alla comprensione del contesto socio-politico in cui l’Alighieri si muove. Ma questi vengono esposti in maniera tale da risultare poco credibili in bocca a contemporanei dei fatti narrati. Non resta così spazio sufficiente per approfondire la psiche dei personaggi, i loro rapporti, così come i temi presentati.

A questa superficialità contribuisce anche il montaggio: le scene vengono troncate improvvisamente per passare bruscamente a quelle successive, spesso durante un dialogo ancora in corso o subito dopo un’azione di cui non vediamo le conseguenze. Inoltre, nonostante la breve durata del film (appena 94 minuti) che dovrebbe presupporre un racconto asciutto ed essenziale, diverse volte queste scene si fanno portatrici di informazioni supplementari non utili all’evoluzione di storia o personaggi.

Ultimo difetto del montaggio è riscontrabile nelle singole inquadrature: c’è un sovrabbondare di slow motion, che pur risultando una soluzione appropriata (anche se antiquata) nelle scene dedicate a Beatrice, in altri casi sembra venire usato solamente per allungare determinate inquadrature ed evitare che terminino prima della fine del monologo corrente. Questo ultimo difetto va a braccetto con l’uso (o meglio, abuso) dell’ADR (Automated Dialogue Replacement), cioè i dialoghi registrati in studio, una tecnica utile quando ben dosata e ben realizzata, ma che può facilmente risultare evidente e pertanto distrarre, come in questo caso.

L’impressione, di fronte a questa narrazione-fiume frammentata, resa unitaria da una voce esterna e da dialoghi spesso posticci, è quella di un super cut, di una compilation, di una riduzione all’osso di una serie di scene originariamente più lunghe o, al contrario, della messa insieme di un materiale non sufficiente all’idea iniziale.

Il paragone più immediato, nel definire Dante, è quello a una lunga puntata di Ulisse o Superquark: una successione di scene unite con poca (o senza) continuità, con una voce narrante come filo conduttore che ci spieghi ciò che stiamo vedendo, personaggi che non riescono a staccarsi dallo sfondo, una ricerca preliminare e una ricostruzione accurate. Ma non basta una buona base filologica a fare un buon film, come non bastano buone interpretazioni per trasformare dei canovacci in personaggi a tutto tondo.

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October 4, 2022
RECENSIONE IL CATTIVO POETA – IL TRAMONTO DI UN DIVO

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Il cattivo poeta, film scritto e diretto da Gianluca Jodice, è uno sguardo sulla figura complessa e contraddittoria di Gabriele D’Annunzio, in particolare sugli ultimi anni di vita del Vate.

La storia segue Giovanni Comini (Francesco Patanè): giovane federale di Brescia che viene incaricato dal segretario del partito fascista Achille Starace (Fausto Russo Alesi) di sorvegliare il Vate, Gabriele d’Annunzio, oppositore dell’alleanza tra Mussolini e Hitler e, per questo, sempre più inviso a Mussolini in persona. Nel corso di questo incarico Comini, inizialmente entusiasta del Partito, comincia ad aprire gli occhi sulla sua vera natura.

Quindi, più che a D’Annunzio, l’intreccio ruota principalmente attorno a Giovanni Comini e alla sua progressiva presa di coscienza della natura violenta e oppressiva del PNF. Il Vate, d’altra parte, gioca un ruolo non marginale, ma nemmeno così centrale come ci si potrebbe aspettare. Chi era in attesa di un vero e proprio biopic su di lui potrebbe, dunque, restare deluso: la maggior parte delle volte, Gabriele D’Annunzio sembra ricoprire un ruolo di catalizzatore del cambiamento di Giovanni Comini e non di protagonista effettivo.

Il film copre per “capitoli” gli ultimi anni di vita del “cattivo poeta”, dall’incarico assegnato a Giovanni Comini nel 1936 alla morte di D’Annunzio nel 1938. Questa scansione cronologica va però a svantaggio del film stesso, almeno all’inizio: a fatica tiene il passo con lo sviluppo dei personaggi, che procede “a singhiozzo” e non in modo spontaneo e naturale. Questo, assieme ai dialoghi perlopiù ingessati, contribuisce a rendere piatti e non così interessanti i personaggi, in particolare l’evoluzione di Giovanni Comini è piuttosto prevedibile fin dall’inizio.

Anche per questo motivo, quando appare, Gabriele D’Annunzio ruba facilmente la scena a tutti gli altri presenti. Merito soprattutto della performance ammirevole di Sergio Castellitto: la sua interpretazione riesce quasi da sola a rendere D’Annunzio un personaggio davvero complesso e sfaccettato. Il D’Annunzio di Castellitto è un vecchio dall’eloquenza raffinata che a volte si muove come una marionetta, fisicamente prostrato dagli anni e dall’abuso di cocaina, e a volte rivela una vitalità inaspettata, quasi animalesca. Una continua tensione a superare i propri limiti fisici, quindi, che rivelano uno scavo psicologico da parte di Castellitto che almeno in parte supplisce alla sceneggiatura, poco interessata ad analizzare gli aspetti più “scomodi” e oscuri di D’Annunzio.

Più che il D’Annunzio personaggio letterario o uomo a tutto tondo, quindi, il film è interessato a esplorare il lato di divo italiano e icona (decaduta). Questo studio sul personaggio unico del Vate riverbera una più ampia riflessione del film sul potere dei media e sulla costruzione di un mito, politico, letterario e mediatico. A questo contribuiscono l’essenziale ma efficace ricostruzione degli anni ‘30, fatta di canzoni d’epoca, interni ricostruiti a puntino ed esterni portati in vita grazie anche a effetti digitali di discreto livello, e la fotografia di Daniele Ciprì, che contrappone gli imponenti palazzi del potere fascista, la cui luce abbacinante ma gelida appiattisce i personaggi rendendoli figurine in divisa, agli intimi interni del Vittoriale, che ritagliano i personaggi in una luce calda e intensa. La contrapposizione, quindi, è tra il mito di D’Annunzio, fallace e decadente ma in qualche modo onesto, e il mito di Mussolini, artificiale e fatto di motivi propagandistici: tanto che, quando Benito Mussolini entra in scena nel terzo capitolo, all’arrivo alla stazione di Verona non pronuncia nemmeno una battuta. Oltre ai motivi propagandistici, oltre alle pervasive rappresentazioni del Duce che tappezzano le strade, le case e i luoghi di potere, non c’è niente. Quando si affaccia dal balcone della stazione di Verona e viene acclamato dalla folla, nel suo non parlare Mussolini viene messo a nudo come una tronfia caricatura, vuota di significato. Poco più che un “vigile urbano”, come viene definito con spregio, assurto al successo solo grazie a propaganda e opportunismo. Al contrario, quando D’Annunzio si affaccia dal balcone del Vittoriale per salutare i suoi legionari dell’impresa di Fiume, è un uomo curvo e a malapena capace di reggersi in piedi, ma il suo è un discorso sincero, appassionato e commosso. Luisa Baccara (Elena Bucci) dice che tutti hanno bisogno di un balcone su cui recitare la parte dei protagonisti, ma anche che ci sono buone rappresentazioni e cattive rappresentazioni: nel caso de Il cattivo poeta, l’omaggio di D’Annunzio ai suoi legionari nel Vittoriale si colloca tra le prime, la pomposa e vacua farsa di Mussolini tra le seconde. E, da sempre, gli italiani sembrano essere pericolosamente affascinati dalle cattive rappresentazioni…

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May 23, 2021