Si è conclusa dopo dieci anni la serie Stranger Things creata dai Duffer Brothers. Con l’uscita della quinta stagione scaglionata in tre volumi (usciti rispettivamente il 26 novembre 2025, il giorno di Natale 2025 e il primo giorno di gennaio 2026), Netflix ha dato l’addio ai ragazzini di Hawkins e alle loro avventure soprannaturali nel Sottosopra. Per la verità l’addio non è definitivo, in quanto sono già previsti ulteriori spin-off, ma questi ultimi otto episodi portano sicuramente a conclusione la saga di Eleven e dei suoi amici Mike, Will, Dustin, Lucas e tutti gli altri.
Running Up That Hill
La sfida finaledella gang di Hawkins al perfido Vecnaè il centro della quinta stagione, ma ovviamente le sottotrame si moltiplicanosia per riempire otto episodi e gestire una miriade infinita di personaggi, sia per chiudere le narrazioni (non proprio tutte) a fine serie. Non che la trama fosse importante per vendere un prodotto ormai attesissimo dai fan della prima e dell’ultima ora, forse anche esasperati dal grande lasso di tempo trascorso dall’ultima stagione. Nonostante l’intera storia si svolga nell’arco di sei anni, stavolta la crescita dei ragazzini protagonisti è molto evidente: Millie Bobby Brown, la protagonista dodicenne nella prima stagione, l’anno scorso è addirittura diventata moglie e madre. Volenti o nolenti, era giunta l’ora di chiudere, e di tanto in tanto pure gli attori sembrano impazienti di svincolarsi dai loro contratti.
Come quasi tutti i finali di serie, pure la quinta stagione di Stranger Thingsnon è sempre all’altezza delle aspettative, o almeno non lo è per i primi sette episodi. Ci sono tanti buchi di trama e troppi spiegoni: capita in continuazione che un personaggio afferri un qualsiasi oggetto della scenografia e lo usi per consegnare l’ennesima spiegazione di cosa si dovrà fare nel prossimo episodio. Ottimo sul manuale di sceneggiatura, eccessivamente farraginoso nella realizzazione.
Inoltre, nonostante il climax finale imponesse una scala sempre maggiore, si recepisce nell’ultima stagione un problema di posta in gioco sempre troppo bassa, dovuta a varie ragioni. In primis alla frequente mancanza di coraggio nelle scelte che mandano avanti la trama, ma anche al fatto che ogni ostacolo venga puntualmente liquidato in maniera sbrigativa con sorprendenti colpi di fortuna, compresa anche l’attesa battaglia finale. Non da ultimo, viene meno in questi ultimi otto episodi la coesistenza tra dimensioni fantastica e scolastica dei ragazzini che aveva caratterizzato le stagioni precedenti, e sembra inevitabilmente che manchi qualcosa.
We can be heroes / Just for one day
Negli anni Settanta George Lucas creò Star Wars centrifugando insieme tutti i tropi e gli schemi tipici di fantascienza, avventura e fantasy, dalle dodici tappe del Viaggio dell’eroe ai diversi archetipi narrativi. Creò un modello di successo planetario, in grado di influenzare generazioni di sognatori a venire. I fratelli Duffer (e tutte le persone che insieme a loro hanno lavorato alla serie) hanno cercato di fare con Stranger Things la stessa cosa negli anni 2010-20, solo che non si sono basati tanto sul manuale di sceneggiatura (anche, ma non solo) quanto più sui modelli narrativi preesistenti, tra cui Star Wars. Il pro è che la serie è un (bellissimo) omaggio ai miti degli anni Ottanta, dal racconto di formazione alla Stephen King alla meraviglia di Spielberg, dall’horror di Wes Craven alla fantascienza di John Carpenter, senza dimenticare il gioco Dungeon and Dragons la cui popolarità è stata rinverdita dalla serie. In generale, Stranger Things ha il merito di aver lanciato un’incredibile ondata di retromania che ha travalicato i confini della serie.
La quinta stagione contiene tanti grandi omaggi: da Jurassic Park con un rimando molto esplicito alla scena delle cucine con i raptor e i nipoti di John Hammond, a Indiana Jones 3 che nel finale viene citato esplicitamente, da Star Wars ad Alien fino a Terminator (dovunque ci siano dei soldati statunitensi c’è anche James Cameron, e infatti l’ufficiale in comando è Linda Hamilton aka Sarah Connor), e addirittura l’ispirazione si spinge in avanti fino a cult relativamente più recenti come Matrix e Inception. La playlist musicale poi contribuisce a rievocare la magia di un’epoca che oggi ci appare d’oro, con brani leggendari (forse un poco scontati) quali Upside Down di Diana Ross, Purple Rain di Prince, Mr. Sandman delle Chordette, Heroes di David Bowie e la fortunata Running Up That Hill di Kate Bush, già protagonista della quarta stagione e qui usata con l’interruttore.
Il guaio di Stranger Things è che esistendo in un ecosistema postmoderno già saturo di citazionismo e in cui qualsiasi prodotto precedente è facilmente accessibile, la serie dei Duffer Brothers finisce per non possedere mai la carica dirompente di Star Wars che diventava modello tra i modelli. Un aspetto che il commiato della stagione lascia trasparire è quanto a volte queste icone siano idealizzate e forse deludenti, non sempre all’altezza del valore di cui emotivamente le infestiamo, ma il cuore sta tutto lì, anche nella loro imperfezione.
It’s such a shame our friendship had to end / Purple rain, purple rain
A parte lo straordinario piano sequenzache chiude il quarto episodio, i primi sette capitoli della quinta stagione sono di qualità altalenante, alternando dialoghi e interazioni brillanti (tutte le dinamiche che riguardano Stevesono imperdibili, ma anche l’inaspettato rapporto di confronto fra Robin e Will) a momenti meno efficaci (Nancy e Jonathanfunzionano poco, Maxperde troppo tempo con un nuovo personaggio, e la relazione tra Vecna e il Mind Flayernon viene spiegata fino in fondo). Finché non arriva l’episodio numero otto.
L’ultimo capitolo, qualitativamente migliore dei precedenti sette, dura il doppio degli altri perché di fatto contiene due storie: lo scontro finale(forse troppo sbrigativo) e l’epilogo nostalgico(forse troppo lungo) ma ha le sue buone ragioni di gestirsi il tempo come crede. Avviandosi verso la conclusione della storia, comprendiamo che stiamo per dare l’addio a personaggi che ci hanno accompagnato per molto tempo, che in gran parte sono cresciuti insieme a noi, e del cui club di D&D un po’ abbiamo finito per fare parte.
Ecco perché (SEMI-SPOILER) la chiusura è speculare all’inizio, con una partita di D&D che rievoca in miniatura la storia dei protagonisti e passa il testimone a qualcun altro. Tanto è stato seminato negli episodi venuti fin qui, tanto viene raccolto in chiusura. Il finale ci accompagna in maniera dolce amara in un addio che si rivela efficace: parla di nostalgia per dei tempi andati, di un trauma condivisoche solo chi ha vissuto può capire (e provarne nostalgia), e parla di scelte grandi o piccoleche la vita obbliga a fare, anche se non sempre sono la strada più sicura. Crescere e staccarsi dalle cose è necessario, e i Duffer Brothers ce lo ricordano, ma ci invitano comunque a sognare i nostri finali alternativi e a non sentirci in colpa per la nostalgia che proviamo. Forse non erano tempi migliori, ma eravamo comunque felici.
Upside Down & Conformity Gate
Dalla quarta stagione in poi, quasi tutte le messe in onda di nuovi episodi di Stranger Thingshanno provocato temporanei crashdi Netflix a causa della grande quantità di utenti connessi. L’ultimo è quello del 7-8 gennaio 2026, una settimana dopo l’uscita dell’ultimo episodio. Secondo una teoria nata online e chiamata Comformity Gate, infatti, in tale data sarebbe dovuto uscire il vero finale di serie, mentre l’ottava puntata sarebbe stata un inganno di Vecna ai danni degli spettatori. Gli indizi sarebbero stati sparsi lungo il corso della quinta stagione e fomentati dalla piattaforma stessa, ma alla fine non è uscito alcun episodio extra. Questo piccolo grande evento ha dimostrato, come se non fosse già chiaro, la portata culturale di Stranger Thing se il fascino che ha portato il pubblico a crearsi da solo dei nuovi finali. Che fatica accettare la fine di qualcosa.
«Dopo tutto questo tempo, ho scoperto che non serviva la musica per tenermi in vita. Mi bastava sentire la tua mano che stringeva la mia»
Forse non era la musica degli anni Ottanta a tenerci incollati alla serie, ma qualcuno che ci tenesse per mano.
“Seguitemi. Anche voi mi amerete. Anche voi diventerete… Fascisti”
Poteva essere il racconto intimista dei moderni rapporti sentimentali nel norvegese Kjærlighet (Love, Dag Johan Haugerud), o ancora la lotta al suprematismo bianco in The Order (Justin Kurzel), poteva essere il resoconto (estremamente di parte) dei fatti del 7 ottobre 2023 dell’israeliano Of dogs and men. Invece, è stato M. Il figlio del secolo a guadagnarsi, tristemente, il titolo di visione più attuale nell’ultima Mostra del Cinema di Venezia per la sottoscritta.
Racconto in 8 puntate diretto da Joe Wright (Orgoglio e pregiudizio, Espiazione) liberamente tratto dall’omonimo romanzo vincitore del premio Strega di Antonio Scurati, la miniserie italo-francese racconta l’ascesa al potere del dittatore italiano Benito Mussolini (interpretato da un superlativo Luca Marinelli), coprendo il periodo che va dalla fondazione del partito Fasci di combattimento fino al famigerato delitto Matteotti.
Anatomia di un dittatore
La particolarità del racconto di Wright si esemplifica già dall’inizio della serie: a raccontarci la sua vicenda è Mussolini stesso. Il dittatore si rivolge direttamente al pubblico in degli a parte di shakespeariana (o, per restare nell’ambito seriale, fleabagiana) memoria. Rivolgendosi alla macchina da presa, Mussolini\Marinelli ci racconta e si racconta, precisando il contesto storico in cui opera e svelando i suoi pensieri più nascosti.
L’obiettivo di un racconto tanto personale e, pertanto, rischioso? Presto detto: autori e attore hanno dichiarato di voler indagare il fenomeno costruitosi attorno a Mussolini, come il dittatore sia riuscito a mantenere vivo il culto della propria personalità e l’amore del popolo italiano. Perché d’amore si parla in M, lo stesso Mussolini ce lo dice nel suo primo intervento rivolto agli spettatori: “per vent’anni mi avete amato”, commenta mentre sullo schermo passano i filmati storici del suo dominio prima e della morte e successiva deturpazione del cadavere poi. Un amore che, come Mussolini nota, ancora persiste: “Guardatevi attorno… siamo ancora tra voi”.
Il Mussolini interpretato da Marineli traccia una linea diretta tra passato e presente, non solo attraverso citazioni esplicite (la più spudorata nella quarta puntata) ma anche con i suoi modi, reminiscenti di diversi attuali politici di estrema destra: le tecniche oratorie, colme di una retorica in ultima istanza vuota (“il fascismo è tutto e il contrario di tutto”), toni e gesti teatrali, studiati per suscitare una reazione, e una mentalità che conta di fare leva sulla disperazione e la rabbia degli ultimi per raggiungere il consenso.
Ma anche un uomo politico pronto a negare ogni proprio valore per salire sempre più in alto: la “fede” socialista e il supporto al proletariato barattati per soldi, il rifiuto della Chiesa tradito coi Patti Lateranensi, le elezioni prima duramente opposte e poi accettate… “Ho tradito tutti, anche me stesso” confessa con leggerezza una volta arrivato al Parlamento, primo passo di un oscuro cursus honorum che lo spinge a negarsi sempre di più.
E ancora, un uomo privato rozzo e affatto acculturato, dipendente dall’intelligenza del collaboratore Cesare Rossi (Francesco Russo) e soprattutto dell’amante Margherita Sarfatti (Barbara Chichiarelli), bisognoso di continue conferme riguardo alla sua virilità e ad un amor di popolo che prende la forma di parate, statue, gesti rituali, autodichiarato ‘ardito’, in verità vigliacco. Insomma, un uomo incoerente e ridicolo che come ridicolo viene trattato in più occasioni. Ma un uomo ridicolo alla guida di un intero paese. E per questo, pericoloso.
Anatomia di una dittatura
Sin dal primo episodio la serie non lesina nel mostrarci in tutta la sua crudeltà la violenza dei fascisti della prima ora, con un montaggio frenetico, quasi epilettico, che non risparmia i dettagli più cruenti. Queste esplosioni di brutalità culminano col famigerato delitto Matteotti, alle cui conseguenze (o meglio, non conseguenze) sono dedicate le ultime puntate della serie. Episodio dopo episodio, l’orrore dell’affermazione fascista si va a sedimentare sempre di più, raggiungendo il suo acme durante la famosa ammissione di colpa del dittatore avvenuta il 2 gennaio 1925. Dopo momenti di estrema tensione, dopo aver osservato nei suoi dettagli più macabri la nascita di un governo fondato sul sangue e sul culto della personalità di un megalomane, la serie ci lascia con un’ultima, devastante stoccata: nell’indifferenza totale, assistiamo alla totale morte della democrazia.
Conclusioni
Scegliendo un soggetto spinoso come l’ascesa politica di Mussolini, M-Il figlio del secolo da storia del personaggio non può che diventare anche storia d’Italia: quella di ieri e, in fin dei conti, quella di oggi. Ricordandoci le premesse storiche nelle quali una figura così carismatica e assetata di potere come Mussolini ha potuto trovare terreno fertile per attecchire e far crescere i propri frutti, la serie ci chiede di guardarci intorno sin dai suoi primi minuti.
Il passato e il suo studio, d’altronde, dovrebbero fungere da strumento di comprensione del presente e monito per un ideale futuro migliore. Peccato che, ancora prima che M uscisse, molti di noi sembrano aver dimenticato il suo messaggio, preferendogli un sempreverde ‘ha fatto anche cose buone’.
A ottobre 2023 Disney+ ha rilasciato una chicca che in alcuni paesi è diventata già un cult, ma in Italia non ha ricevuto il successo che avrebbe meritato. Parliamo di Nada di Mariano Cohn e Gastón Duprat, un comedy drama composto da cinque episodi di mezz’ora che vede protagonisti Luis Brandoni e Robert De Niro.
Manuel Tamayo Prats è un critico gastronomico di Buenos Aires che non si tira certo indietro quando si tratta di stroncare un locale o uno chef. D’altronde è convinto che le recensioni negative, oltre ad essere più piacevoli per lui da scrivere, siano anche più interessanti per i lettori. È anche uno scrittore a contratto ma ormai da tre anni non trova l’ispirazione per scrivere.
La storia scorre sotto le parole di Vincent Parisi, che si presenta come uno dei migliori amici di Manuel, con cui però parla una o due volte l’anno. E a volte neanche quella.
È proprio Vincent a presentarci il protagonista:
In passato è stato un hippy, un rugbista, un alcolista, un esiliato, un viaggiatore, un artista e altro. Ma è soprattutto un vero e proprio dandy.
Un uomo estremamente abitudinario e testardo, sofisticato e provocatorio, che per decenni ha vissuto con Celsa, una governante che si è sempre occupata di tutto, dalle pulizie di casa ai conti economici. Per uno scherzo del destino da un giorno all’altro si ritrova solo e non gli resta che prendere atto della sua più totale mancanza di senso pratico, consapevole che da quel momento dovrà imparare a sbrigarsela. La sua vita subisce un’ulteriore svolta quando Antonia, una dolce ragazza paraguayana, bussa alla sua porta in cerca di lavoro. Deciderà di lasciarla entrare e introdurla alle sue manie o cercherà di vivere per conto suo?
Robert De Niro in una serie tv argentina?
Per Robert De Niro si tratta del primo progetto per la tv in sessant’anni di carriera. Colpisce ancora di più la sua decisione di prendere parte alla serie considerando che l’attore non parla né castellano né argentino. Quindi perché avrà accettato questo ruolo?
Innanzitutto, per il suo amore per Buenos Aires ma certamente anche per la qualità dello script. I produttori Leonardo Aranguibel e Mariana Pérez nell’intervista a The Hollywood Reporter hanno raccontato di avergli mandato lo script sicuri che la risposta sarebbe stata un no; invece, l’attore ha risposto subito entusiasta della proposta. Così si è catapultato a Buenos Aires.
Vale la pena ricordare anche l’amicizia che lo lega a Luis Brandoni: si sono conosciuti alla fine degli anni Ottanta a Buenos Aires grazie al regista teatrale Lito Cruz, e da allora il legame tra di loro non si è mai spezzato. Sorprenderà sapere che tra di loro parlano in italiano e in caso di difficoltà “gesticolare” torna sempre utile. Il ruolo di De Niro nella serie non è assolutamente marginale, anzi in quanto narratore è fondamentale per raccontare una figura complessa e sfaccettata come Manuel. Tuttavia, la presenza di De Niro è discreta e non catalizza tutte le attenzioni, lasciando spazio alla storia e al protagonista.
Un’ode a Buenos Aires
La serie si rivolge per lo più al mercato spagnolo e sudamericano, anche se la presenza di un attore del calibro di De Niro avrebbe dovuto amplificare l’attenzione mediatica.
Nada è disponibile solo in lingua originale, per il mercato internazionale il titolo è stato tradotto in Nothing, pensando probabilmente che così potesse risultare più attraente per il pubblico anglofono. Tuttavia, qualsiasi dopppiaggio non renderebbe allo stesso modo: solo vendendola in lingua originale è possibile apprezzare i diversi accenti del Sud America che danno un valore aggiunto ai personaggi e ai modi di dire argentini che aprono ogni episodio. È inoltre curioso vedere come Manuel e Vincent superino la barriera linguistica che li separa, usando un mix di italiano, inglese e spagnolo.
Oltre a Manuel e Vincent, possiamo individuare una terza protagonista: Buenos Aires. La serie è un omaggio alla città, in quanto in ogni episodio grazie ai modi di dire e racconti di vita vera che ci fanno conoscere con la sua cultura e le sue tradizioni. Nonostante ciò, buona parte della serie si svolge nella imponente ma allo stesso tempo accogliente casa di Manuel che è un rifugio per il protagonista, quel luogo in cui può trovare pace. È interessante notare come gli spazi assecondano l’evoluzione del protagonista: inizialmente dominano gli spazi gialli che riprendono il colore dei suoi occhiali da vista, rappresentando così la sua incapacità di cambiare prospettiva. La presenza del giallo diminuisce sensibilmente nel corso della serie, indicando così la sua capacità di guardare alla vita con occhi nuovi.
Infine, la cucina svolge un ruolo fondamentale. Non a caso Nada è stata presentata in anteprima al San Sebastian International Film Festival, nella sezione Culinary Zinema, nella quale vengono selezionate opere in cui la cucina è protagonista. La serie ci permette di conoscere piatti tipici che nel nostro Paese conosciamo con troppa superficialità. Per assicurarsi precisione nella preparazione e presentazione dei piatti, gli autori si sono affidati alla chef Narda Lepes, allo chef Francis Mallmann e al giornalista Federico Oldenburg. Proprio come il protagonista, anche i piatti preparati evolvono sensibilmente: si passa dai piatti elaborati e sofisticati di Celsa ai sapori semplici di Antonia.
Conclusioni
La serie è un viaggio alla scoperta di Manuel: un personaggio unico, detestabile e pignolo ma a cui alla fine inevitabilmente ci si affeziona. La conoscenza di Antonia provoca uno scontro generazionale e culturale non indifferente che però dà vita a situazioni divertenti, incomprensioni e momenti di tenerezza. Questo nuovo legame diventa motore dell’evoluzione personale e professionale di Manuel: gli insegnerà a guardare la vita con occhi nuovi, permettendogli di uscire dalla situazione di stasi in cui era bloccato ormai da anni e riprendere in mano la sua vita.
Ne risulta una serie leggera ma non superficiale, caratterizzata da una comicità elegante, in cui il protagonista diventa testimone di quanto a volte ciò di cui si ha bisogno è solo un po’ di semplicità.
Tra le saghe videoludiche più longeve, Yakuza– il cui titolo mutò poi negli anni in Like A Dragon– gioca senz’altro un ruolo di spicco: partita nel 2005 con il primo capitolo su PlayStation 2, prosegue poi fino ad oggi contando all’attivo diciannove titoli tra principali e spin-off di vario tipo, raccontando una storia in continua espansione popolata da personaggi che una vasta porzione di pubblico – principalmente asiatico – ha imparato negli anni ad amare. Non è infatti difficile legarsi a personaggi come Kazuma, Goro, Ichi, Takayuki data la forte impronta narrativa che i giochi portano avanti: da un lato infatti i combattimenti giocano un ruolo fondamentale assieme all’esplorazione di porzioni di mappe sempre più ampie, ma al tempo stesso una grande quantità di tempo viene speso nel dialogare con una immensa pletora di personaggi (più o meno) secondari e nel vedere cutscene curatissime che evolvono continuamente la narrazione.
All’annuncio di un adattamento, le aspettative si fanno quindi abbastanza alte: Takashi Miike già aveva tentato un’operazione di questo tipo con il suo Yakuza: Like A Dragonnel 2007, pellicola ben accolta dai fan per le numerose citazioni ma poco comprensibile per i neofiti, decretandone così il relativo insuccesso – tanto che ad oggi il film è praticamente introvabile; che potesse quindi essere questa l’occasione giusta per dare ulteriore lustro e ulteriore fama alla saga, soprattutto al di fuori del Sol Levante?
Kazuma Kiryu (Ryoma Takeuchi) e Akira Nishikiyama (Kento Kaku) camminano per le strade di Kamurocho
Il dragone e la carpa
Saltando dal letto del fiume, cercarono di raggiungere la cima della cascata senza riuscirci. I loro sforzi attirarono l’attenzione di un demone locale, che derise i loro sforzi e intensificò la forza della cascata a causa della sua malignità. Dopo aver saltato per cent’anni, una carpa raggiunse la cima della cascata. Gli Dei riconobbero la sua perseveranza e la sua determinazione e la trasformarono in un dragone dorato, un’immagine di potere e forza.
Un’antica leggenda cinese
La serie si divide tra due archi narrativi: nel 1995 seguiamo le vicende del quartetto formato da Kazuma, Yumi, Nishiki e la sorella Miho nel loro tentativo di fuggire dall’orfanotrofio e rifarsi una vita portando a termine un colpo, finendo però inevitabilmente nel mirino dei Dojima, una potente famiglia della Yakuza; parallelamente nel 2005 vediamo Kazuma uscire di galera, con addosso il titolo di “Ammazza-boss” e costretto a destreggiarsi tra il desiderio di abbandonare la vita criminale e l’aiutare i vecchi amici.
Questa struttura di salto tra presente e passato l’abbiamo di certo già vista in numerose produzioni – Lost su tutte in questo ha fatto inevitabilmente storia – ma in questo caso le modalità in cui il prodotto decide di mettere in scena l’alternanza non seguono uno schema ben preciso: si passa infatti da episodi come Ambition/Desire in cui le vicende del 2005 riguardano un minutaggio decisamente esiguo rispetto alla centralità di quelle del ’95 ed altri in cui si verifica l’esatto opposto. Se da un lato ciò permetterebbe idealmente di concentrarsi su quanto in quel momento necessita più attenzione, bisogna ammettere come ciò finisca per creare un ritmo discontinuo in cui – complice anche la decisione di spezzare l’uscita degli episodi in due tronconi distinti da tre episodi l’uno – lo spettatore fatica a raccapezzarsi sulle vicende. La serie infatti mette in scena numerosi personaggi, ognuno con il proprio nome, ruolo e titolo più o meno centrali alle vicende, ma che necessitano comunque un forte sforzo mnemonico per essere ricordati, azione complicata ulteriormente dai continui salti temporali.
Blocco note alla mano per scriversi nomi e titoli ed ovviare quindi a questo problema, la serie presenta in realtà una struttura abbastanza semplice: il ’95 funge infatti da spiegazione su come i personaggi abbiano costruito i propri legami con la Yakuza e come si arrivi alla conseguente morte del boss, mentre il 2005 segue l’indagine personale di Kazuma su una serie di omicidi nell’ambiente criminale e sul furto del fondo delle famiglie della Yakuza. Proprio relativamente alla quantità di tempo dedicata ai rispettivi archi narrativi, le vicende della “formazione” dei protagonisti sembrano occupare molto più del tempo necessario, soffermandosi su numerosi momenti di certo interessanti ma che sarebbero potuti al tempo stesso essere ridotti, così da dare più spazio alle ben più interessanti vicende del 2005. Questo perché, soffermandosi proprio su quest’ultime, la sceneggiatura spara le sue cartucce migliori, con un susseguirsi di vicende interessanti, ricche di sfumature ed intrighi capaci di mantenere alta la tensione e permettere allo spettatore di avanzare con interesse nella visione.
Majima Goro (Munetaka Aoki) in una delle poche – purtroppo – sequenze che lo vede protagonista
The game was rigged from the start
Elemento inevitabile in fase di analisi è la relazione con il materiale originale. Da una parte abbiamo infatti nomi, outfit, location, addirittura mosse di combattimento identici a quanto visto nel gioco, dall’altra però abbiamo la volontà di adattare la storia con grande libertà, ritrovandosi di fronte ad un adattamento più vicino a quanto visto in Halo piuttosto che ad una blasonata prima stagione di The Last Of Us. Se l’omicidio del boss ed il successivo furto del fondo della Yakuza sono difatti il medesimo punto di partenza, il gioco riduce le vicende del 1995 al mero incipit proiettandosi poi interamente nel 2005 dove, nell’arco delle circa 15 ore di durata, viene messo in scena un crime drama in cui si alternano momenti ricchi di azione e tensione ad altri più emotivi. Il giocatore riesci così a legarsi in primis a Kazuma, ma anche ai tutti gli altri personaggi di cui conosce così carattere e motivazioni costruendo una fitta trama di relazioni che si intreccia, ovviamente, con la linea narrativa principale.
Proprio qui sta il più grande problema della serie: il grottesco e l’assurdo che caratterizzano l’intero gioco sono qui stati completamente eliminati, non comprendendo che fossero proprio ciò che portava lustro e memorabilità a quanto messo in scena. I continui tentativi di Goro di irritare Kazuma per spingerlo a combattere aiutano a delineare un personaggio consumato dalla brama del combattimento, così come il correre per la città alla ricerca del giusto cibo per cani o l’accompagnare un turista americano per locali dimostrava, nella sua assurdità, come Kazuma fosse un qualcosa di più di un semplice criminale, a cui poi si aggiungevano gli assurdi combattimenti contro decine di nemici che permettevano di sviluppare un’idolatria verso un personaggio tutt’altro che dimenticabile. Tutto questo nella serie viene invece asciugato e ridotto – forse per necessità di tempo o forse per voler dare un senso di cupezza maggiore alle vicende – finendo però per creare una narrazionecomposta da tanti momenti posti frettolosamente in successione con personaggi che entrano ed escono di scena con una velocità disarmante.
A poco servono quindi le buone prove attoriali, il curato aspetto tecnico – soprattutto nella fotografia di alcune sequenze – oppure le ottime coreografie a fronte di una storia che, al di là dei vari cambiamenti più o meno funzionali, si prende eccessivamente sul serio e che finisce così per portare sullo schermo diversi momenti del videogioco senza quella magia che li ha sempre contraddistinti e rendendoli, perciò, dimenticabili.
Conclusioni
Già arrivato in sordina, Like A Dragon: Yakuza sembra essere uno di quei prodotti destinati in partenza all’oblio: la decisione infatti di adattare con molta libertà le vicende del videogioco eliminando completamente ogni elemento grottesco o sopra le righi porta la narrazione a procedere come con il pilota automatico, non inciampando in grossolani errori fastidiosi ma non riuscendo mai a creare momenti degni di nota. Purtroppo nemmeno un buon cast, un ottimo aspetto tecnico e delle ottime coreografie riusciranno a salvare questa serie, incapace di scorgere la giusta strada da percorrere, quasi come il drago senza occhi sulla schiena del protagonista.
Seguendo l’ormai collaudata formula dei tre episodi iniziali e della successiva uscita settimanale, è indubbio che l’ultimo mese sia stato completamente all’insegna di The Boys. L’attesa della quarta stagione, fin dall’apertissimo finale della terza passando per l’eccezionale spin-off Gen V, è stata poi costellata da approfondimenti dalla formidabile genialità direttamente dalle pagine ufficiali – non smetteremo mai di tessere le lodi dei vari account Instagram diegetici presenti nel mondo reale, con news sui principali eventi del mondo di The Boys e costanti aggiornamenti sul fittizio Vought Cinematic Universe – associate ai numerosissimi meme legati ai personaggi a cui si aggiungono, come ciliegina sulla torta, gli ormai classici, ma sempreverdi, disclaimer ad inizio episodio con cui, sul finale, non solo si avverte delle tematiche sensibili ma si prendono le distanze da quanto avvenuto pochi giorni prima riguardo all’attentato a Trump (associato addirittura dalla sostituzione del titolo originale “Assassination Run” con un ben più insipido “Finale della quarta stagione”).
Ma è, di fatto, riuscita questa quarta stagione a vivere oltre le aspettative ed a conquistare anche gli spettatori più critici? Vale la pena parlarne un attimo.
“E’ così facile diventare un mostro qui”
Ashley (4×07)
Nelle puntate precedenti (attenzione: spoiler)
Innanzitutto è fondamentale sottolineare come, a questo punto del racconto, risulta non solo indispensabile aver visto le precedenti stagioni, ma essere anche in pari con i prodotti laterali: se The Boys: Diabolical presentava infatti delle puntate autoconclusive che cercavano un legame soprattutto con il materiale cartaceo piuttosto che con quello televisivo, visti gli sviluppi di trama estremamente intrecciati e la comparsa/ritorno di numerosi personaggi tutt’altro che marginali diventa fondamentale aver recuperato Gen V.
Riassumere in poche righe quanto si presenta nell’incipit della stagione risulta perciò un’operazione tutt’altro che semplice: successivamente all’accordo politico stipulato tra Victoria Neuman e il candidato alla presidenza Singer, i Boys si ritrovano impegnati in una missione di assassinio orchestrata dalla CIA ai danni proprio della Neuman, ritenuta troppo potente e pericolosa per rimanere in una posizione di comando (visti anche i poteri di cui è dotata). Inutile dire come, nel classico stile della serie, niente va come pianificato e si aprono quindi le porte a quanto farà da sfondo per il resto della stagione: sul versante politico ed ideologico, continua il processo nei confronti di Homelander, accusato di omicidio, sul quale si sfrontano davanti alla corte gli schieramenti pubblici degli Starlighters e degli Homelanders, inevitabilmente destinati allo scontro violento; i Boys si dimostrano più divisi che mai, con un Butcher sull’orlo del precipizio a causa del tumore procurato dall’utilizzo sconsiderato di Temp V portato a dividersi tra le visioni di una pacifica Becca e la comparsa del vecchio compagno militare e dichiaratamente anti-super Kessler, MM che fatica a mantenere le redini del gruppo, Kimiko e Frenchie costretti a fare di nuovo i conti con il proprio passato e Hughie attanagliato dalla possibile perdita di una persona cara; in una condizione tutt’altro che migliore si trovano comunque anche i Sette, con un Homelander ossessionato dal proprio invecchiamento, un Deep sempre più stralunato e fuori dal mondo che sviluppa un legame quasi fraterno con il nuovo sostituto di Black Noir ma soprattutto con l’arrivo di due nuovi membri, la persona più intelligente del mondo Sister Sage e la negazionista e complottista – oltre che militante di movimenti di estrema destra – Firecracker.
Quanto presentato quindi nel corso degli otto episodi segue una struttura decisamente classica e comune a numerose serie: la trama orizzontale è sempre presente, in alcuni casi con sequenze di discreta lunghezza ma molto più spesso attraverso piccoli aggiornamenti costanti che sembrano quasi a fungere quasi da intermezzo tra le sequenze che rappresentano davvero il cuore della serie, ovvero i singoli approfondimento relativi ai personaggi.
Le serie ai tempi dello streaming… O forse no
Quanto è stato appena presentato si dimostra ormai come fattore comune alla maggioranza della serialità televisiva presente sulla maggior parte delle piattaforme: basti pensare, tanto per fare un esempio, a come la quarta stagione di Stranger Things avesse interi episodi dedicati all’esposizione di vicende utili soprattutto allo sviluppo dei singoli personaggi. Se ad una prima occhiata ciò sembra essere una nuovissima tendenza, le radici affondano direttamente alle origini della serialità come la intendiamo oggi partendo da Twin Peaks fino all’esempio perfetto: Lost. Dove però la serie culto creata da J.J. Abrams creava una situazione di contorno utile ad approfondire i personaggi, ciò che The Boys propone non risulta essere proprio lo stesso: questo perché il modo di raccontare della serie, più che al mondo della televisione, sembra fare molto più l’occhiolino agli albi a fumetti, non tanto nello specifico al materiale originale sviluppato da Garth Ennis ma alla gestione generale di una qualsiasi run a fumetti: ogni episodio (come ogni albo) presenta uno spunto di partenza da cui si parte per raccontare le vicende dei personaggi, arrivando a fine puntata in una situazione di risoluzione delle singole problematiche tornando quindi a discutere della grande trama generale solo negli ultimi minuti (o negli episodi successivi).
Quanto appena enunciato porta alla luce un rischio, soprattutto sul lungo termine, di una certa stagnazione o per lo meno di una sensazione di stanchezza da parte degli spettatori meno svezzati, che aspettano una intera settimana per vedere la loro serie avanzare di pochissimo verso l’effettiva meta finale a favore di una lunga e corposa deviazione. Bisogna però anche sottolineare in cosa The Boys ha sempre mostrato grande lucidità, tanto da rendere ciò il suo vero cuore: la distruzione delle icone supereroistiche e la satira politica e sociale. Sul primo fattore questa quarta stagione si è forse dimostrata leggermente più debole delle precedenti, manifestando comunque discreti picchi (la gestione di Tek Night e Webweaver come rispettive “riscritture in chiave The Boys” funzionano alla perfezione con non poche chicche per i più smaliziati, a cui si aggiungono gli spettacolari spezzoni sul Vought-Conattraverso il quale si mira, con una nemmeno troppo velata ironia, a prendere di mira gli infiniti ma costantemente soggetti al cambiamento piani per gli universi condivisi), sulla satira politica la quarta stagione decide senza dubbio di premere sull’acceleratore, in particolare tramite le fantastiche new entry Firecracker e Sage con le numerosissime sequenze a loro dedicate (tra battute sugli effetti dei vaccini, sfruttamento della propaganda cristiana anti-aborto e discussioni sul razzismo) ma soprattutto con l’episodio finale incentrato, nella grande totalità, sul tentativo di assassinio del presidente, dimostrando quanto la serie si leghi a doppio filo con una realtà ogni giorno più grottesca.
Piccolo plauso per il “fattore shock” sempre presente ma in maniera più dosata rispetto alla terza stagione: non abbiamo forse un “Herogasm”, ma il sangue scorre comunque a fiumi riuscendo però a risultare ben più impattante, assieme anche alla gestione di numerose battute completamente assurde che elevano la serie nell’olimpo della serialità più geniale dell’ultimo periodo.
Conclusioni
Quanto fatto con la quarta stagione di The Boys può, di fatto, non piacere a tutti: moltissimi elementi centrali della serie rimangono – dal sangue alla satira politica più pungente, passando ovviamente per la riscrittura tutt’altro che bonaria dei supereroi classici – ma si decide di puntare ad una narrazione fortemente verticale, in cui è l’approfondimento del personaggio che avviene in ogni singola puntata a manifestare un ruolo più centrale rispetto alla trama orizzontale, probabilmente con lo scopo di preparare adeguatamente il campo per la quinta stagione finale.
Dopo aver assistito ad un’involontaria predizione del reale ed esser rimasti scioccati tra peni giganti, centipedi umani a sfondo sessuale e fiumi di sangue, non resta quindi che attendere l’ultima stagione nella speranza che tutti gli elementi introdotti finora ottengano una degna conclusione. Ma gioiamo, perché se dovremo aspettare il vero finale per almeno due anni, molto meno è invece il tempo d’attesa per la seconda stagione di Gen V e, se si dimostrerà gradevole almeno la metà della precedente, saremo ancora davanti ad uno dei prodotti televisivi degli ultimi anni. God bless America, but Erick Kripke too.
“Perché qui, oggi, comincia una nuova era per i supereroi”
A oltre un mese dalla sua uscita non si è ancora smesso di parlare di Fallout, serie tv di fantascienza prodotta da Amazon Prime ispirata all’omonima serie di videogiochi. Negli ultimi anni, il successo di alcuni fortunati adattamenti videoludici (primo tra tutti The Last of Us di HBO) ha aperto le possibilità alla sperimentazione, e data la fama di Fallout ci si doveva aspettare qualche prodotto tratto dalla saga, prima o poi.
Basta guardare i principali aggregatori di recensioni online per rendersi conto dell’accoglienza entusiasta che ha ricevuto Fallout, una serie scritta per essere perfettamente comprensibile sia per chi conosce i videogiochi sia per chi non vi si è mai avvicinato. Oggi vogliamo farvi conoscere alcuni dettagli nascosti all’interno della serie, prova di quanta cura sia stata messa nel progetto, con la speranza che una seconda stagione venga confermata il prima possibile!
La serie in poche parole
È il 2296, oltre 200 anni dopo l’apocalisse nucleare che ha completamente sconvolto la vita sulla Terra. I più fortunati hanno avuto la possibilità di trovare rifugio in bunker sotterranei, i Vault, in cui vivere con tutte le comodità isolati dall’esterno. Gli altri, tuttavia, hanno dovuto convivere con un mondo contaminato e devastato dalle radiazioni, un mondo in cui non esiste più nulla del passato e in cui la violenza esplode brutale e sanguinaria. Tre sono i nostri protagonisti: Lucy, abitante del Vault che decide di uscire all’esterno per ritrovare il padre rapito, Maximus, un vero e proprio soldato alla ricerca della gloria, e un Ghoul, un uomo devastato dalle radiazioni che vive come cacciatore di taglie. I destini dei tre protagonisti si intrecciano e si rapportano tra di loro, mentre piano piano vengono rivelati sinistri segreti sui veri responsabili della guerra nucleare.
I punti di contatto con la saga videoludica
Fallout è ricchissima di dettagli che hanno fatto impazzire i fan dei videogiochi, a cominciare dalla splendida colonna sonora anni ‘40 e ‘50 che accompagna costantemente il giocatore nella sua avventura. Ma gli omaggi al prodotto originale sono molteplici: il minigioco che compare sui terminali quando i personaggi tentano di hackerare il sistema è solo uno di questi.
All’inizio della serie, poi, la protagonista Lucy elenca le proprie qualità per poter aderire al programma di matrimonio, e nel suo discorso vengono menzionati gli attributi che è possibile dare al proprio player nei videogiochi. Molti hanno poi teorizzato che la storia di Max sopravvissuto ai bombardamenti all’interno di un frigorifero, possa essere una citazione a un personaggio marginale di Fallout 4, un ragazzino ritrovato anche lui dentro un frigorifero.
Uno dei dettagli, inoltre, che ha più fatto parlare di sé riguarda il cane, che troviamo nella serie come compagno di viaggio del Ghoul: il rimando è al film post-apocalittico del 1975, A Boy and His Dog, uno dei prodotti che ha ispirato l’intera serie videoludica di Fallout.
Verso la fine dell’ultima puntata, compare un importante codice nella serie, 101097: non è un numero casuale, ma una data, il 10 ottobre 1997 è infatti il giorno in cui è stato rilasciato il primo videogioco di Fallout.
Ma forse ciò che ha più emozionato i cinefili di tutto il mondo sono le scene della riunione in Vault-tech riguardo la costruzione dei rifugi antiatomici: a un occhio attento, la messa in scena rimanda immediatamente al film di Stanley Kubrick Il Dottor Stranamore (1964), con il tavolo al centro di un gigantesco salone, una mappa degli Stati Uniti sullo sfondo, e le iconiche luci di forma circolare che illuminano i personaggi. I riferimenti cinematografici sono tantissimi e sarebbe una bella sfida riuscire a identificarli uno per uno. Ma questo sarà compito vostro, magari nel bel mezzo di un rewatch in attesa della seconda stagione!
Fino ad una decina di anni fa, l’annuncio di un adattamento cinematografico di un videogioco era accompagnato dal terrore più puro con i fan ben consci che la loro ip preferita sarebbe stata di lì a poco distrutta completamente per creare, nella migliore delle ipotesi, un prodotto mediocre. Da diversi anni questo trend sembra essersi fermato, portando alla realizzazione prima di pellicole certamente non perfette ma capaci spesso di incontrare soprattutto il favore degli amanti del videogioco – esempi possono essere Tomb Raider (Roar Uthaug, 2018), Mortal Kombat(Simon McQuoid, 2021), Pokèmon:Detective Pikachu (Rob Letterman, 2019) o Resident Evil: Welcome to Raccoon City(Johannes Roberts, 2021) – poi prodotti capaci di incontrare anche il gusto di chi ricerca qualcosa di ben fatto anche dal punto di vista filmico. Gli esempi perfetti sono giunti attraverso il piccolo schermo: Haloe The Last Of Us, due serie tv capaci – con approcci opposti – di farsi apprezzare anche dalla critica.
È però grazie ad Amazon, che già era riuscita a ritagliarsi un posto nell’olimpo degli adattamenti di storie a fumetti grazie a The Boyse Invincible, che ci si ritrova ad oggi davanti al miglior prodotto tratto da un videogioco. Un’impresa inoltre tutt’altro che semplice quella di prendere un brand come Fallout, caratterizzato soprattutto dalla sua gigantesca ambientazione post-apocalittica che lascia grande libertà di esplorazione ed approccio al giocatore, e creare una storia capace di convincere sia i fan, conoscitori dei più minuziosi dettagli della lore, sia soprattutto chi il videogioco nemmeno lo conosce o ne ha soltanto sentito parlare. Eppure Amazon MGM Studios e la Kilter Films di Jonathan Nolan e Lisa Joy assieme al team di Bethesda Game Studios (capitanato da Todd Howard in veste di produttore esecutivo) hanno centrato in pieno il bersaglio.
Narrazione semplice, ma con stile
Dopo un delizioso incipit in cui la serie ci mostra lo stile di vita di un’America retro-futuristica che strizza l’occhio agli anni ‘50 e l’inizio del bombardamento nucleare, si viene catapultati nel 2296 per seguire le storie di quattro personaggi: Lucy MacLean (Ella Purnell), una giovane ragazza che vive nel Vault 33 – un rifugio antiatomico sotterraneo – che si vede presto costretta ad uscire dal nido sicuro per addentrarsi nelle terre contaminate al salvataggio di una persona che ama, ed il fratello Norm (Moisés Arias), che invece rimane all’interno del Vault e di cui scoprirà numerosi ed inquietanti segreti; Maximus (Aaron Moten), cadetto della scuola militare della Confraternita d’acciaio con il sogno di diventare un Cavaliere e liberare la terra dai mutanti; ed infine il Ghoul (Walton Goggins), ex-attore di Hollywood mutato dalle radiazioni divenuto un pistolero e cacciatore di taglie.
Ella Purnell nei panni di Lucy MacLean attraversa la zona contaminata
Attraversando il Commonwealth i vari personaggi finiscono per incrociarsi nel proprio cammino a volte aiutandosi l’un l’altro ed altre scontrandosi, permettendo in questo modo alla serie di costruire un intreccio narrativo che tiene incollato allo schermo lo spettatore e che, puntata dopo puntata, si lega sempre di più ai protagonisti che lo accompagnano alla scoperta continua di dettagli sempre più intricati riguardanti il mondo in cui essi vivono, combattono e muoiono.
Mentre The Last Of Us puntava a proporre un gioco recente e dall’impianto già di per sé fortemente cinematografico, dall’uscita del primo Fallout videoludico sono passati quasi trent’anni ed in tutto questo tempo il materiale di base non ha fatto che ampliarsi a dismisura. Proprio per questo non possiamo che complimentarci con gli showrunner Graham Wagner e Geneva Robertson-Dworet per essere riusciti a portare sullo schermo un mondo con numerose regole precise, diviso in fazioni ognuna con la propria ideologia, popolato da mostri di ogni tipo ma che riesce ad essere sempre chiaro ed esplicito, permettendo a chi non ha familiarità con la serie di entrare pezzo dopo pezzo all’interno dei vari contesti presentati e ai fan di trovare invece moltissimo di ciò che già conoscono, presentato qui senza essere stato stravolto o rovinato.
Lo scoglio più grande di questo prodotto viene proprio dal medium di riferimento: Fallout è prima di tutto un videogioco, in cui il protagonista subisce lesioni normalmente fatali e che cura con una semplice iniezione di un medicinale, in cui numerosi combattimenti si svolgono con un effetto rallenty per permettere una gestione più tattica delle risorse e dei movimenti, in cui alcuni colpi si rivelano “critici” e portano un arto ad esplodere in mille pezzi e soprattutto in cui tutti i vari personaggi che si incontrano sono creati apposta per permettere al giocatore di vivere un certo tipo di avventura e di storia. In questo la serie si dimostra pienamente in linea proponendo tutti questi elementi, dalla protagonista che perde un dito e gli viene riattaccato poco dopo, alle diverse (meravigliose) sparatorie in cui il Ghoul si dimostra una macchina da guerra capace di far esplodere in mille pezzi ogni nemico, fino ai personaggi che si lasciano andare a numerose battute dall’umorismo assurdo e spiccatamente nero. Se lo spettatore si dimostrerà disposto ad adattarsi a questo tipo di narrazione, Fallout riuscirà senza dubbio a conquistarlo come un ghoul in una pozza di acqua radioattiva.
Il Ghoul di Walton Goggins mentre attende la propria taglia
“La guerra, la guerra non cambia mai”
“Sei un codardo lo sai?
Tutti lo siamo, Norm. Per questo viviamo in un Vault.”
A fare da contraltare ai numerosi momenti tragicamente comici ed alla “stupidità” di certi personaggi o di certi loro comportamenti e atteggiamenti si manifesta al tempo stesso tutto ciò che si può ascrivere attorno a tematiche “alte”: attraverso i flashback pre-bellici si parla di un’America dal consumismo sfrenato, in cui multinazionali come la Vault Tec o la Nuka Cola manifestano molto più potere del governo stesso e dove la guerra e la politica vengono usate come strumenti di profitto, costruendo un’ideologia attorno ad esse che si sparge a macchia d’olio su tutti gli altri ambiti della società; attraversando invece le terre contaminate si finisce per parlare di diritti umani, di sperimentazione sulle specie, di apologia del nucleare, di sfruttamento, di razzismo. Tantissime sono le tematiche trattate – alcune più approfonditamente, altre rimanendo più in superfice – dalle otto puntate, capaci quindi di prendere quanto di buono fatto nel materiale di partenza e riuscendo ad approfondirlo a dovere.
L’aspetto tecnico non è di certo l’anello debole. Pescando a piene mani dai diversi videogiochi, la serie costruisce un’ambientazione ricca di dettagli ed easter eggs capace di generare un meraviglioso colpo d’occhio, spaziando da deserti sabbiosi e cittadine tipicamente western, a piccole oasi popolate dai mostri, passando per città distrutte ricostruite con gli scarti metallici di automobili e macchinari e per gli sterili Vault illuminati dalle luci al neon. Ad aggiungersi sono i fantastici reparti dei costumi e del trucco, capaci di ricreare in maniera pressoché identica quanto visto nei videogiochi e su cui spicca la fantastica realizzazione dell’armatura da cavaliere T-60 ed il volto del Ghoul interpretato da Walton Goggins che riesce ad essere molto vicino agli originali ma senza minare l’espressività dell’attore. In tutto questo l’utilizzo – inevitabile – di cgi risulta una gradita aggiunta, ben dosata e mai fastidiosa.
La messa in scena si attesta su un buonissimo livello, con diversi registi ad alternarsi in cabina di regia – tra cui anche Jonathan Nolan, anche produttore esecutivo assieme a Lisa Joy e che riportano qui diversi elementi direttamente dal loro precedente lavoro su Westworld – capaci di esaltare sia i momenti più tesi negli ambienti ristretti che la devastata maestosità del Commonwealth, aiutati da un accompagnamento musicale che alternabrani originali prodotti dall’ormai sinonimo di qualità Ramin Djawadi e celebri brani direttamente dal repertorio degli anni ’50 e ’60, di cui molti ripresi direttamente dalla colonna sonora originale videoludica.
A chiudere il cerchio si manifesta un cast di ottimo livello, con una Ella Purnell perfetta nei panni di un personaggio inizialmente ingenuo che si indurisce episodio dopo episodio ed un Walton Goggins che, nonostante il pesante trucco prostetico, riesce a dare vita ad un personaggio complesso e sfaccettato. A sbilanciare il risultato si manifesta un Aaron Moten imbrigliato in una recitazione a tratti eccessivamente macchiettistica e caricaturale che in più di un’occasione finisce per generare sentimenti contrastanti all’intento di numerose sequenze. A loro si aggiungono poi diversi volti noti, da Kyle MacLachlan a Michael Christofer passando per Matt Berry, Michael Emerson e Dale Dickey, sfruttati dalla serie per piccoli cameo o ruoli secondari.
Conclusioni
Ciò che è approdato in questi giorni su Amazon Prime non è soltanto un’ottima serie tv, ma è un vero e proprio spartiacque. Sul piano della narrazione, Fallout costruisce una storia inedita che si inserisce perfettamente nel canone di riferimento riempiendo il prodotto di rimandi più o meno velati ai capitoli videoludici attraverso una storia che adatta i suoi elementi fondamentali al piccolo schermo senza perdere smalto o sfigurare, prendendo le tematiche centrali del racconto ed approfondendole ulteriormente; ad aiutare ci sono poi un’ottima messa in scena con paesaggi e scenografie mozzafiato ricche di dettagli, una cgi mai eccessivamente invadente che si mescola ad effetti pratici e trucco prostetico di ottima realizzazione, un ottimo cast tra cui figurano anche grandi nomi, costumi che rimandano ai videogiochi senza mai creare effetti sgradevoli, un’ottima regia sia nei momenti più tranquilli che in quelli movimentati e la fantastica colonna sonora tra musiche degli anni ’50 e brani originali.
Da oggi si può considerare definitivamente conclusa l’era dell’ “impossibilità di adattare i videogiochi”, stabilendo di fatto un pre ed un post Fallout.
Sin dal suo debutto il 12 gennaio 2014 sul canale via cavo HBO (3 ottobre su Sky Atlantic in Italia) True Detective è diventato un prodotto di culto, con un grande successo sia di critica che soprattutto di pubblico, grazie soprattutto ai suoi protagonisti Rust Cohle e Marty Hart di Matthew McConaughey e Woody Harrelson, che sono divenuti tra i poliziotti più iconici della televisione contemporanea. Dopo il clamoroso risultato della prima stagione, il creatore e sceneggiatore Nic Pizzolatto torna nuovamente decidendo di donare al prodotto una natura antologica, proponendo per la seconda stagione un cast di personaggi completamente diverso e un’ambientazione inedita, con un approccio al racconto sperimentale che – nonostante un cast di tutto rispetto, che contava tra i protagonisti nomi come Colin Farrell, Rachel McAdams e Kelly Reilly – fin da subito non convinse appieno gli spettatori, che tuttora ritengono questa stagione un prodotto decisamente sottotono e dimenticabile.
L’insuccesso non porta certo la produzione a chiudere i battenti e nel 2019 Pizzolatto tenta con la terza stagione un “ritorno alle origini”, affidando le redini a Mahershala Ali – allora ancora fresco di Oscar da Moonlight e Green Book – e Stephen Dorff nei panni di due detective impegnati in un caso di rapimento che si dipana nell’arco di trent’anni di indagini. Tornano quindi gli skip temporali, la bravura degli attori nel gestire a livello visivo il passare degli anni sulle spalle dei loro personaggi, e un mistero fitto nel cuore di una cittadina più piccola rispetto alla Louisiana della prima stagione. Un piccolo capolavoro – per certi diversi forse migliore al primo ciclo di episodi – capace di dimostrare come la serie, dotata della giusta direzione, fosse ancora capace di dire qualcosa.
Nonostante Pizzolatto avesse dimostrato di non essere sempre automaticamente sinonimo di qualità, quando arrivò l’annuncio che la quarta stagione sarebbe stata affidata ad un differente showrunner i dubbi e le paure cominciano subito a farsi prepotentemente largo tra i fan, dubbi che dopo la messa in onda dei primi due episodi il 14 gennaio si sono concretizzati in una domanda: cos’è davvero True Detective?
Percorso diverso, stessa meta
In maniera simile alla Vinci della seconda stagione, questa stagione è ambientata ad Ennis, fittizia cittadina dell’Alaska nella quale vivono il capo della polizia locale Liz Danvers (Jodie Foster) e l’agente della statale Angeline Navarro (Kali Reis), vecchie colleghe dal passato turbolento costrette a collaborare nuovamente per indagare sulla misteriosa scomparsa di otto ricercatori stazionati alla Tsalal, una stazione di ricerca. Se il cambiamento di protagonisti ormai non desta alcuna sorpresa, ben diversa è stata la presenza di Issa López come nuova sceneggiatrice e regista: si abbandonano i luoghi caldi e paludosi delle stagioni precedenti per recarsi nelle fredde distese dell’Alaska durante la notte polare, periodo in cui la notte prende il sopravvento per sei mesi ininterrottamente, le fonti d’ispirazione abbandonano il western ed il noir vertendo maggiormente verso un racconto tra il thriller e l’horror ed una durata ridotta a soli sei episodi definiscono in maniera abbastanza netta l’intenzione della regista messicana di distaccarsi dal materiale d’origine.
Al di là delle differenze, la serie pone fin da subito davanti agli occhi dello spettatore numerosi (forse troppi) elementi che rimandano in realtà a quanto visto in precedenza – la presenza della spirale, la citazione a Hildred Castaigne, la presenza di Travis Cohle, personaggi che parlano del tempo come di un “cerchio piatto” – creando un effetto bizzarro, poiché se in un primo momento ci si eccita cogliendo i vari richiami, presto subentra il dubbio che tutto ciò sia stato inserito come mero fanservice piuttosto che come elemento imprescindibile e necessario per il giusto proseguimento della trama, nonostante tutto ottenga sempre una spiegazione più o meno plausibile.
Pertanto Night Country – prima volta inoltre che la serie utilizza un sottotitolo – ad uno sguardo poco attento potrebbe sembrare un’operazione sbagliata e poco riuscita, ma si sbaglierebbe. L’intento della López, condivisibile o meno che sia, è infatti semplicemente quello di creare una facciata diversa per una storia che si inserisce pienamente negli stilemi che la serie ci ha insegnato ad amare: le protagoniste sono infatti due persone le cui vite sono costellate di problemi, che faticano a riappacificarsi con gli altri e con sé stesse, che vivono il caso in maniera sempre più ossessiva. In questo le interpretazioni di Jodie Foster e Kali Reis mostrano decisamente i muscoli, riuscendo a dare vita a due personaggi capaci di fare subito breccia nel cuore dello spettatore senza aver nulla da invidiare ai precedenti protagonisti sia nei momenti investigativi, dove dimostrano un grande acume, coraggio e spirito d’iniziativa, sia nei momenti più intimi in cui le due ne escono spesso ferite, proprio come succede a tutti nella vita reale.
Se anche per la coppia di poliziotti padre-figlio Hank e Peter Prior come anche per Leah Denvers, la figliastra di Liz, la sceneggiatura svolge un buon lavoro nel caratterizzarli adeguatamente e gli interpreti riescono a metterli in scena ottimamente, lo stesso non si può dire per Christopher Eccleston e Fiona Shaw, limitati eccessivamente all’interno di due ruoli poco approfonditi e che, se dotati di maggiore spazio, avrebbero potuto senz’altro essere più incisivi.
Modificare il paradigma
Come anticipato poco sopra, l’horror si dimostra fin dalle prime sequenze come uno degli elementi centrali in questa nuova stagione. Una novità per una serie come questa, soprattutto se ciò che viene messo in scena pesca a piene mani da quell’horror di stampo sovrannaturale fatto di fantasmi e mostri spaventosi di pellicole come La cosa, Shining o Alien prese come ispirazione dalla López sia in fase di scrittura che di messa in scena, tanto che diversi momenti sembrano usciti direttamente dai film appena citati. Sicuramente per alcuni questo rappresenta un aspetto più che positivo, soprattutto visto l’ottimo occhio della regista per la messa in scena di questi elementi supportato da un ottimo comparto di make-up e di effettistica nella realizzazione di diverse scene – di cui fa parte anche Guillermo Del Toro –, mentre per molti altri si è fin da subito posto come uno scoglio, un elemento esterno che niente ha a che vedere con il prodotto creato da Pizzolatto anni prima. Difficile definire chi abbia ragione e chi torto, soprattutto a fronte di una storia che, al di là di questi elementi centrali soprattutto sul fronte scenico, si srotola nel corso degli episodi e soprattutto sul finale in maniera decisamente concreta, dando le risposte a molte domande senza mai lasciare quella sensazione di pezzi mancanti.
Ad arricchire la narrazione legata al caso si inserisce intelligentemente la cultura del luogo, lontana dalle croci e dai sermoni cattolici e ben radicata nelle usanze degli Iñupiat, nativi dell’Alaska che manifestano un rapporto unico con il luogo che abitano e soprattutto nel rapporto con i morti, riflettendo anche sul loro adattamento agli usi e costumi della società moderna ed alla cultura dello sfruttamento industriale.
Piccolo plauso va poi a tutto il reparto della messa in scena, dalla fotografia ai costumi fino alla decisione di filmare numerose riprese sul territorio riuscendo così a far percepire da ogni frame il freddo ed il buio percepito dalle protagoniste e l’aria che si respira in quelle zone. Altro cambio non da poco è sul fronte delle musiche, non più curate dal veterano della serie T Bone Burnett ma da Vince Pope che rimescola alcune tracce dal sapore squisitamente country tipiche della serie con altre più pop e contemporanee – su tutte i titoli di testa, che passano dal Far from Any Road della prima stagione a Bury a friend di Billie Eilish, la quale contiene al suo interno ben più di un legame con ciò che si vedrà poi a schermo durante le puntate.
Conclusioni
Con True Detective: Night Country ci si trova davanti ad una stagione fortemente diversa, non solo per la sostituzione di Nic Pizzolatto con Issa López quanto più per la scelta di quest’ultima di creare “la sua serie” ambientando la storia in zone cromaticamente opposte alle procedenti ed inserendo numerosi elementi horror. Ciò non significa però che il tutto sia stato stravolto in maniera irresponsabile: le fondamenta di True Detective ci sono e si vedono soprattutto nella caratterizzazione delle due protagoniste, interpretate magistralmente dalla coppia Foster-Reis, e nel loro approccio alla risoluzione di un mistero tutt’altro che banale. Night Country è quindi, semplicemente, una stagione diversa che lascia allo spettatore la decisione di accettare il cambiamento e lasciarsi trasportare in una storia inquietante e travolgente oppure se tornare con il proprio telecomando sulle stagioni precedenti e tuffarsi nel rewatch di stagioni passate che rimarranno comunque lì, inscalfite dalla nuova rotta.
Anno nuovo, vita nuova. Così sembrava essere anche per i Marvel Studios, intenzionati, dopo i numerosi insuccessi che hanno costellato la gran parte della Fase 4 e della ancora neonata Fase 5, a ristrutturare i propri piani per ricalibrare il tiro e tornare in carreggiata. Concentrarsi su un minor numero di progetti, portando all’uscita annuale di una manciata di pellicole e da una quantità ridotta di produzioni originali per Disney+, su cui però convertire tutti gli sforzi in un tempo più dilatato, senza forzare le mansioni degli addetti ai lavori sia nell’ambito della pre-produzione che del lavoro in post. La completa rielaborazione di Blade con la sostituzione del regista e lo scarto del girato di Daredevil: Born Again, con il cambio di sceneggiatori e la ripartenza da zero dell’intero progetto alla ricerca di un tono più maturo, sembravano porsi come segnali positivi, come anche la decisione di rendere canon le produzioni Netflix degli anni passati con protagonisti i Defenders e di creare subito un collegamento con Echo, nuova serie tv apripista dell’etichetta “Marvel Spotlight” con la quale proporre “storie più realistiche ed incentrate sui personaggi” e per le quali, secondo le parole di Brad Winderbaum “il nostro pubblico non avrà bisogno di aver visto altre serie Marvel per capire cosa succede”. I cinque episodi che compongono Echo sono finalmente arrivati sulla piattaforma di casa Disney proprio in questi giorni ma, rispetto a questa premessa, diverse cose sembrano essere andate per il verso sbagliato.
Street-level hero
Da sempre all’interno dei fumetti Marvel è presente – anche se parzialmente implicita – la divisione in categorie dei vari eroi: personaggi come i Guardiani della Galassia, Captain Marvel, Thor dispongono di poteri ed abilità che li portano a viaggiare nello spazio e ad affrontare nemici dotati di capacità e resistenze spesso sovrumane, pensati per essere avversari degni per gli eroi protagonisti di quelle avventure; se gli stessi nemici dovessero però scontrarsi con avversari come Daredevil, Spider-Man o Captain America, questi ultimi non avrebbero speranze e verrebbero sconfitti immediatamente. Post Avengers – Endgame risultava lapalissiano come questa divisione si sarebbe presto inserita anche nell’universo cinematografico: alcuni eroi sarebbero rimasti sulla Terra per affrontare spacciatori, assassini o scienziati pazzi, mentre altri avrebbero affrontato viaggiatori del tempo o divoratori di mondi.
Maya Lopez appartiene inevitabilmente alla prima categoria ed il primo episodio sembrava metterlo subito in chiaro. Riassumendo quanto visto in Hawkeye, gli sceneggiatori decidono di mostrare qualche stralcio del suo passato, narrando di come Maya sia entrata in contatto con Kingpin e su come sia finita per essere uno dei suoi bracci armati. Con una stupenda sequenza di combattimento girata in one-shot ci viene inoltre mostrato in azione il Daredevil già visto nella sua serie personale, che qui ritorna in tutta la sua gloria con il costume rosso e nero (ben più serio e meno chiacchierone di quanto visto in She-Hulk a dimostrare ulteriormente la vicinanza con il passato), illudendoci che la violenza che contraddistingueva quei prodotti sembrasse essere nuovamente al centro di questo nuovo corso. A sottolinearlo ci sono poi diverse sequenze con protagonista Kingpin ed alcune esecuzioni ben più sanguinolente di quanto ci si aspetterebbe da un prodotto facente parte del MCU.
Dopo essersi rimessa in pari, la storia ci mostra Maya fuggire da New York per rifugiarsi nella sua città natale in Oklahoma e pianificare la sua scalata al potere. L’elemento di certo più convincente della produzione è l’approfondimento della nazione Choctaw, sia nel mostrare la loro vita moderna sia nella rappresentazione di alcune scene del loro passato degne di un documentario storico. Fino al terzo episodio, la serie cerca di mantenere i toni seri e cupi dell’introduzione, ponendo il crime come genere fondante di gran parte delle scene, ma senza dimenticare di inserire una giusta dose di azione realistica per a velocizzare il ritmo e a smuovere la situazione.
Un bizzarro giro di boa
Se non tutto funzionava alla perfezione, i primi episodi riescono comunque a mantenersi solidi e a mettere in scena un ottimo prodotto di intrattenimento. Con il quarto episodio qualcosa sembra però incrinarsi: forse per mancanza di idee, forse per eccedenza di quest’ultime, la narrazione subisce una brusca fermata per lasciare ai personaggi il tempo di introdurre e spiegare alcuni poteri di cui la protagonista sembra essere dotata grazie all’eco delle generazioni passate. Da qui si procede con un quinto episodio finale che finisce per riconvertire completamente tutto ciò che di buono si era presentato fino a quel momento trasformando il tutto in un episodio che non avrebbe sfigurato in una produzione per bambini su Disney Channel, con poteri magici che sconfiggono il villain senza nemmeno bisogno di combattere. Ad aggravare la situazione – o a migliorarla, almeno per quelli che salteranno a piè pari questa serie – contribuisce il fatto che a conclusione raggiunta non sia cambiato assolutamente nulla della situazione iniziale e che l’unica informazione degna di nota per il futuro dei personaggi avvenga in una banale post-credit.
Il personaggio di Maya, che non beneficia enormemente dell’interpretazione di Alaqua Cox tutto sommato sufficiente ma mai brillante, non subisce quasi nessuna evoluzione ad eccezione della riconciliazione con alcuni familiari, che con grande probabilità non rivedremo mai più, e manifesta quindi come unico elemento di interesse quello di essere un’eroina sordomuta. Ad alzare l’asticella ci pensa il Kingpin di Vincent D’Onofrio, sempre convincente e dalla giusta presenza scenica anche se penalizzato enormemente da una sceneggiatura non all’altezza.
Conclusioni
Partita incredibilmente bene, Echo frena bruscamente poco prima del finale per introdurre elementi fantastici che distruggono completamente l’elemento di realismo e di crime story costruiti fino a quel momento e che accelerano l’arrivo ad un finale decisamente povero e svogliato che incastra la serie tra quelle produzioni “inutili” nel grande quadro del MCU. La grande apertura di Spotlight non sembra quindi essere andata per il verso giusto e le speranze di una rimonta dei Marvel Studios sono sempre meno, tra fan che ormai hanno deciso di abbandonare completamente il loro supporto ed altri, ormai decisamente pochi, che continuano a mandare giù il boccone amaro e a voltarsi verso i progetti futuri.
Per chi si ritrova indeciso sul recupero di questa serie possiamo soltanto dire che, nel gigantesco mare di produzioni televisive che tutti i giorni arrivano sulle varie piattaforme, spendere il proprio tempo, anche se solo per cinque episodi, sembra essere ancora una volta un gioco che non vale la candela.
In un mondo di The Flash (Andy Muschietti, 2023)e di Ant-Man And The Wasp: Quantumania (Peyton Reed, 2023), la produzione originale Amazon The Boys è di certo stata come un fulmine a ciel sereno. Una serie tv capace di prendere il materiale d’origine a fumetti e di traslarlo sul piccolo schermo con una visione ben chiara in testa: ironizzare e criticare il grande mondo dei supereroi andando a mettere in scena una satira piena di sangue e volgarità. Non sorprende quindi che sia finita fin da subito tra le serie più apprezzate e chiacchierate da un pubblico cresciuto a pane e Game Of Thrones. Dopo uno spin-off animato con episodi antologici a fare da piccolo contentino tra la seconda e la terza stagione, l’annuncio di un’altra serie ambientata nell’universo di The Boys divise il pubblico a metà: chi la attendeva voracemente con un hype alle stelle e chi invece si chiedeva se questa operazione non avrebbe fatto cadere la produzione nella grande trappola che tanto avevano fino a quel momento criticato. Fortunatamente, ancora una volta, gli sceneggiatori ed i produttori sapevano dove mettere le mani ed hanno sfornato qualcosa di davvero straordinario.
Benvenuti a scuola
Nel mondo dei supereroi, le scuole non sono certo un ambiente sconosciuto. Su tutte capeggia senza dubbio lo Xavier Institute, la famosa scuola per mutanti del mondo degli X-Men. Proprio da quel mondo Garth Ennis crea nei suoi fumetti la parodicaGodolkin Mansion in cui vivono i G-Men, palesemente ispirati ai mutanti di casa Marvel ma capaci di gesta davvero raccapriccianti. Per il loro spin-off gli sceneggiatori hanno deciso di pescare a piene mani dall’arco narrativo che li riguarda e riscrivere diversi elementi per adattarli allo stile televisivo ed alla storia che avevano intenzione di raccontare. I fan del fumetto trovano quindi in Gen V ben più di una citazione al materiale di origine ma con una storia completamente diversa, con l’obiettivo di mettere in scena un “teen drama alla The Boys”.
Questo intento è chiaro già dalla caratterizzazione dei protagonisti: un gruppo di giovani ragazzi che frequentano la Godolkin University – o God U come verrà con non poco sarcasmo chiamata in più di un’occasione – con classi da frequentare ed una vita all’interno di un vero e proprio college in stile americano, in cui però i corsi spaziano da “branding del proprio eroe” a corsi di recitazione per reality o serie tv fino all’ambito “combattimento del crimine”.
Ognuno di loro è ovviamente dotato di superpoteri, tutti più o meno ispirati a personaggi già esistenti nell’immaginario collettivo – Marie con i suoi poteri del sangue ricorda non poco Skarlet di Mortal Kombat, Emma fa il vero ad Ant-Man come Andre a Magneto e Cate a Jean Grey – tutti spesso legati ad importanti tematiche del mondo dei giovani – esempi ne sono l’autolesionismo per Marie, la bulimia con Emma costretta a vomitare per rimpicciolire o il cambiare sesso di Jordan con annessi poteri differenti legati al genere e che porta alla ribalta potenti riflessioni sulle identità di genere – ed alle quali la serie relega un ruolo tutt’altro che secondario. Forti sono anche i vari rimandi alla cultura pop e alla Gen Z, riempiendo la serie di battute legate al mondo dei social e costruendo una campagna marketing davvero solidissima e di grande impatto – non dimentichiamo il sito che permetteva di esplorare le aree della God U come se il campus esistesse davvero. Tutto questo mentre la serie porta avanti una narrazione piena di colpi di scena, di dialoghi ben scritti e di sequenze d’azione veramente spettacolari, tanto da far brillare questo spin-off più di quanto non faccia la serie originale.
Ai giovani protagonisti si associano anche personaggi storici della serie che tornano in ruoli tutt’altro che secondari, come Victoria Newman o Ashley Barrett, ed altri grandi nomi del fumetto che fanno qui la loro prima comparsa – su tutti il grande Tek Knight, qui riscritto e reso ancora più spettacolare ed irriverente che nel fumetto -, creando veramente l’idea di un universo interconnesso in cui le azioni della serie principale si riversano in questo spin-off e viceversa, con un finale di stagione che chiaramente lascia intendere un prosieguo delle vicende direttamente nella quarta stagione di The Boys – oltre che nella già annunciata seconda stagione di Gen V.
Conclusioni
Sbaragliando tutte le aspettative, Gen V dimostra come il team dietro al mondo di The Boys abbia le idee ben chiare su cosa vogliono mettere in scena e come. Nel passaggio dalla serie principale a questa infatti non si è perso un minimo di quello spirito che aveva fatto innamorare i fan, arrivando anzi in alcuni momenti a mostrare una costruzione più solida e chiara di quanto fatto con la terza stagione della serie principale. Tanto sangue ma anche tante tematiche importanti relegano quindi facilmente Gen V nell’Olimpo delle serie tv supereroistiche del momento, dimostrando ancora una volta ai vari competitor come si costruisce una vera serie tv sui supereroi.
