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Tag: mostra del cinema di venezia

  • Recensione Priscilla – Un desiderio inesploso #Venezia80

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    Sofia Coppola approda alla 80. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia presentando in Concorso Priscilla, film in cui racconta la relazione fra Priscilla Beaulie (Cailee Spaeny) ed Elvis Presley (Jacob Elordi, il Nate Jacobs di Euphoria) basandosi sul romanzo Elvis and Me scritto dalla stessa Beaulie che per l’occasione figura anche come produttrice esecutiva.

    Nella Germania Ovest del 1959 vive Priscilla, figlia adottiva di un ufficiale della U.S. Air Force superiore di Elvis Presley durante il periodo del suo servizio militare presso le truppe d’occupazione locali. La ragazza appena diciassettenne è attratta dall’aura divistica di The Pelvis e trova un modo per conoscerlo: il film seguirà la loro relazione dopo il trasferimento a Graceland, la storica dimora di Elvis, fino alla rottura definitiva nel 1972.

    Stringere i denti

    Appena un anno da Elvis di Baz Luhrmann e dall’esplosione della carica erotica e del fascino magnetico del king del rock come icona immortale, Sofia Coppola per contrappasso non fa un film su Elvis ma sceglie di sfruttare la travagliata relazione tra l’uomo comune dietro ai grandi palchi e la compagna Priscilla, per ricordarci che anche le donne hanno desideri e che questi non possono essere appagati dalla semplice vicinanza alle luci dei riflettori. Come Maria Antoinette che nell’omonimo film cresceva sola e incompresa nell’opulenta corte di Versailles, Priscilla si allontana dalla famiglia appena diciassettenne per andare a Graceland, dove crescerà sola e ignorata nel mondo sfarzoso ma farsesco del cantante, senza mai nemmeno un tentativo di comprensione da parte del compagno. Non è difficile per Priscilla avvicinarsi a Elvis, punto interessante che permette sin da subito di percepire il cantante come suo pari, privato dell’immortalità della sua icona o, per meglio dire, dell’icona stessa: ha paura di essere dimenticato, gli manca terribilmente l’America e deve ancora metabolizzare la morte della madre avvenuta l’anno precedente. Persona comune anche d’aspetto, che Coppola sceglie curiosamente – tuttavia sfidando anche la sospensione d’incredulità dello spettatore – di mantenere molto simile a quello del suo interprete Jacob Elordi durante tutta la prima parte del film, per renderlo pian piano sempre più simile al cantante con l’emergere del del suo lato sempre più narcisista e quindi del suo vero aspetto. La giovane ragazza però non sa che i due lati di Elvis saranno sempre in dura competizione e assisterà all’emersione di un bipolarismo tossico e preoccupante: Priscilla lo conosce spinta anche dal desiderio di allontanarsi dalla famiglia rigida e coercitiva. Di gabbia in gabbia: la ragazza scoprirà di essere passata da quella familiare a quella dell’oblio emotivo di Graceland, dove ricoperta di gioielli e notti brave a Las Vegas cercherà stoicamente di trovare qualcosa di buono nel narcisismo assoluto del compagno, fino a quando il filo non si spezzerà e deciderà di andarsene.

    Elvis proietta in Priscilla la vita che vorrebbe avere ma che è perfettamente cosciente di non essere in grado di reggere, subissato dalla sua egomania e dalla sete di fama. Lei vorrebbe anche fare l’amore con lui ma il cantante con la scusa dell’ampia differenza d’età rifiuta ogni volta, ovviamente solo per dissimulare l’appagamento già ricevuto dalle attrici con cui si frequenta. Priscilla stringe i denti e va avanti. Al sesso preferisce fingersi intellettuale leggendole un libro ad alta voce, salvo poi chiederle di sposarsi; è nella prima notte di nozze che capiamo come il fuoco di burning in love, semmai, brucia solo per i finti amori passeggeri con cui riempie le giornate: guardandola soddisfatto non è capace di dire “ti amo” ma solo un flebile “mia moglie“, come se avesse appena ottenuto un bottino, come se lei fosse un oggetto.  Priscilla stringe i denti e va avanti. Sognando il matrimonio perfetto le chiede anche un figlio. Lei non è d’accordo ma si lascia convincere iniziando una gravidanza durante la quale, improvvisamente, Elvis le chiede di prendersi una pausa.  Priscilla accetta a denti stretti, quasi cinica, e va avanti. Le è chiaro ormai che The Pelvis sta venendo pian piano divorato dalle anfetamine e vorrebbe aiutarlo, se non fosse che l’emotività non trova spazio nemmeno le poche volte che riescono ad andare a letto assieme (ora ti faccio vedere come un uomo scopa la sua donna, esclama l’uomo a letto), come nei discorsi che Elvis inizia sempre con vena autoreferenziale senza dare mai voce in capitolo alla moglie o chiederle un suo parere; ma forse meglio così, se ogni volta che viene interpellata deve essere privata anche del suo nome e venir chiamata “Satnin”, soprannome dall’origine ancora incerta, fra chi sostiene che Elvis lo usasse come pet name per tutte le sue donne e chi invece gli affibbia un’origine più  “nobile”, collegata a ricordi d’infanzia del cantante.  Priscilla stringe i denti e va avanti. Fino alla separazione.

    Il rischio dell’indifferenza

    Priscilla è mera figurazione mentale della vita che Elvis avrebbe voluto avere, di quei desideri che soddisfava in maniera dissoluta in ogni altro istante; gli stessi desideri che però ora è Priscilla a non sentire appagati, restando per anni nella condizione di entità fantasmatica di sé stessa, nonché di quella seconda vita bramata da Elvis. Al contempo quindi la regista ci sbatte in faccia la realtà di una ragazza qualunque che a metà ‘900, da un momento all’altro, si ritrova ad essere la compagna del king of rock indiscusso. Come reagire? Il canovaccio è classico, semplice, lineare, forse fin troppo. La sceneggiatura si ripete in maniera inesorabilmente lineare e prevedibile lungo tutti i 113 minuti, seppure all’interno di una confezione ottima: una bomboniera di colori pastello e flash di polaroid che talvolta sfiora il manierismo. Coppola usa Priscilla e il lato meno raccontato di Elvis per parlare di una condizione universale in cui si ritrovano molte donne e di certo ancora più frequente a metà del secolo scorso. Potremmo sarcasticamente accostare il film al genere survival per la forza d’animo e lo stoicismo messi in campo da Priscilla, ma forse a fine corsa c’è il serio rischio d’indifferenza: più che una corsa il film è una passeggiata rilassata nella vita della coppia, che pur presentando caratteristiche peculiari del cinema della regista non tralascia mai esplodere per davvero le bramosie e i desideri inappagati di Priscilla. Sebbene tratteggiata sicuramente come personaggio forte e capace di reggere psicologicamente la vicinanza a quello che per lei era un gigante della musica, non capiamo mai bene la motivazione del suo stringere i denti e andare avanti. Certo, si gioca tutto sul rapporto tra il fascino del king e l’attrazione che esercita su di una diciassettenne spaesata che si dimostrerà molto più leale e matura, però se non si mettono davvero in scena l’eros, i desideri e di conseguenza le emozioni, ci si espone a banalizzazioni del tema e al racconto di una storia già vista altrove tante volte. In mano resta un involucro estetico degno di nota e le recitazioni convincenti dei due protagonisti, ma la sceneggiatura pur trattando un tema interessante ed attuale tiene tutto fin troppo sottotraccia, rischiando di confondersi nel mare magnum dei racconti di rapporti coniugali problematici e lasciando il pubblico indifferente e disinteressato.

    Pur non essendoci ancora una data ufficiale, Priscilla sarà distribuito negli Stati Uniti da A24, in Italia da Vision Distribution mentre in altri Paesi arriverà grazie a Mubi.

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    Alberto Faggiotto,
    Caporedattore.

  • RECENSIONE ALL THE BEAUTY AND THE BLOODSHED – L’ODISSEA DI NAN GOLDIN

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    All the beauty and the bloodshed arriva nelle sale dopo aver conquistato il Leone D’Oro alla scorsa edizione della Mostra del Cinema di Venezia, diventando il secondo documentario a ricevere questo riconoscimento. Laura Poitras (Citizenfour, Risk) ritrae questa volta Nan Goldin, fotografa e attivista tra le più influenti in circolazione, dando voce a un racconto che intreccia la dimensione privata dell’artista e il suo ruolo da attivista politica e militante, nella sua più recente battaglia contro la famiglia Sackler, principale responsabile della crisi degli oppioidi negli Stati Uniti. 

    Nonostante al centro del documentario ci voglia essere lo spargimento di sangue causato dalla dipendenza da ossicodone, l’esistenza vorticosa di Nan Goldin, segnata da avvenimenti drammatici che poco si differenziano dalle tragedie epiche, si impone subito come l’aspetto più coinvolgente. L’arte diventa quindi lo strumento fondamentale attraverso il quale emanciparsi dal baratro e la fotografia di conseguenza l’unico strumento per interpretare e attraversare la paura.

    In un continuo slideshow che alterna le fotografie provenienti da alcune delle sue raccolte più conosciute e rivoluzionarie – come The Ballad of Sexual Dependency, The Other Side e Soeurs, Saintes et Sibylles-  lo spettatore entra in contatto con il potente legame che unisce la fotografia al ricordo, materia inafferrabile e mutevole in grado di risalire in superficie generando ogni volta reazioni inaspettate. Il risultato è un flusso continuo, interrotto dalle incursioni nel presente,  che grazie all’intimità dei dialoghi assume a tratti le caratteristiche di una confessione.

    In sei capitoli si attraversa quindi la genesi artistica e personale di Nan Goldin, le cui radici risiedono nella volontà di cogliere l’eredità profondamente ribelle della sorella maggiore, il cui suicidio rappresenta la prima vera grande tragedia della sua vita. A partire da questo momento ricordiamo con lei l’amicizia salvifica con il fotografo David Armstrong, il rapporto con le pionieristiche comunità drag degli anni settanta, l’incontro con John Waters e con l’it-girl underground Cookie Mueller, l’esplorazione della sessualità e delle droghe tra i muri della Bowery, lo stigma della prostituzione, la dipendenza affettiva e la violenza domestica ed infine la prima grande battaglia politica e artistica intrapresa allo scoppio dell’AIDS.

    L’opera di Laura Poitras ha il grande pregio di raccontare un soggetto enormemente ricco, la cui vita si è a sua volta intrecciata con sottoculture altrettanto prolifiche dal punto di vista artistico, però risiede proprio in questo la debolezza del documentario. Si fatica infatti ad individuare una chiara direzione narrativa e, nel tentativo di far convivere due racconti, un filone finisce per avere la meglio sull’altro. All the beauty and the bloodshed rimane comunque un viaggio da compiere, certamente non per acquisire una visione esaustiva sulla più grande epidemia dilagata negli ultimi anni negli Stati Uniti ma per conoscere più da vicino l’incredibile retroscena della sua attivista più combattiva.

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  • RECENSIONE AMANDA – RITRATTO DI UNA GENERAZIONE SPEZZATA

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    Amanda è stato presentato in anteprima alla Festa del Cinema di Venezia, nella sezione “Orizzonti Extra”, una selezione di film “caratterizzati da intenti d’innovazione e di originalità creativa nel rapporto col pubblico a cui sono rivolti”. Si tratta del debutto alla regia di Carolina Cavalli, vincitrice del Premio Solinas e sceneggiatrice della serie Netflix Zero oltre che dello stesso Amanda. 

    Al centro della vicenda c’è, appunto, Amanda (Benedetta Porcaroli), giovane ragazza di una famiglia borghese. Amanda non ha amici e soffre terribilmente questa mancanza. Così, quando scopre di essere stata amica d’infanzia di Rebecca (Galatéa Bellugi), sua coetanea chiusa nella propria camera da mesi, cerca di riallacciare con lei un rapporto. 

    GENERAZIONE SOLITARIA…

    Uno dei temi principali del film, presentato già a partire dalla seconda scena, è quello dell’incapacità comunicativa. Amanda è la perfetta rappresentazione di una fetta di una generazione, quella dei giovani tra i 20 e i 30 anni, alienata, non adatta alla socializzazione. La ragazza si aggrappa ai legami che possiede (la nipotina Stella e la governante Judy) con una forza possessiva, in quanto è incapace di sopportare la solitudine ma, allo stesso tempo, di creare dal nulla nuovi rapporti. 

    A questa rappresentazione di una ragazza sola si accompagna quella di una borghesia arricchita grottesca, perfettamente esemplificata dai personaggi delle due madri, interpretate da Giovanna Mezzogiorno e Monica Nappo: personaggi eccessivi, fuori dal mondo, entrambe ignare (o disinteressate) al benessere delle figlie. Contribuisce a questa sensazione di un’opulenza vuota di significato e di calore anche la scenografia: la casa di Amanda è bella, dotata di tutti i comfort (piscina inclusa), grande, ma ciò serve solo a sottolineare quanto i suoi spazi siano spogli e freddi, proprio come le persone che li abitano.

    Il grottesco viene portato avanti anche dalla regia, perfettamente adeguata per una esordiente, che riesce a utilizzare anche delle soluzioni interessanti per far percepire allo spettatore lo straniamento: i personaggi ripresi frontalmente al centro dell’inquadratura con nulla intorno, le conversazioni tra due persone interrotte da una terza che si pone nel mezzo, lo sguardo che per poco non sfocia nell’in camera.

    Straniamento e grottesco sono gli elementi fondanti anche della sceneggiatura, con battute lunghe, innaturali, e recitate come tali, personaggi caricaturali (oltre alle già segnalate madri abbiamo la stessa Amanda, la nipotina ossessionata da Gesù, la sorella esponente dello stile di vita vacuo alto-borghese…) e situazioni fuori dal comune, come ad esempio l’ “amicizia” sviluppata da Amanda con un cavallo.

    … GENERAZIONE BURN OUT…

    La solitudine di Amanda sembra poter essere spezzata nel momento in cui “incontra” Rebecca. Questa è in realtà l’occasione per dimostrare, per l’ennesima volta, la propria incapacità nello stringere relazioni: i suoi tentativi di fare amicizia si fondano interamente sulla propria persistenza e sfociano, in un’occasione, addirittura nella cattiveria per tentare di entrare nel cuore, ma soprattutto nella stanza, della sua coetanea.

    Rebecca è l’altra rappresentante della generazione di Amanda: una ragazza che, a detta della madre, “era brava in tutti gli sport” e che ha in camera propria uno scatolone pieno di trofei e medaglie. Non è chiaro come e perché abbia preso la decisione di chiudersi in camera propria e di abbandonare ogni passione e rapporto. Tuttavia, a distanza di due anni dalla pandemia e dal lockdown le somiglianze con la situazione e la successiva crisi collettiva di salute mentale tra i giovani sembra essere un forte riferimento. Rebecca potrebbe anche essere la rappresentante di tutti quei “bambini talentuosi” trovatisi, alle soglie dell’adolescenza, ridimensionati nei propri talenti o, più semplicemente, stanchi delle aspettative di costante perfezione. 

    Amanda e Rebecca sono due poli di uno stesso malessere generazionale diffuso, incapaci di mantenere una relazione amicale sana, entrate l’una nell’orbita dell’altra nel tentativo di riempire il proprio vuoto esistenziale piuttosto che per interesse reciproco.

    Paradossalmente, così, l’unico giovane personaggio a risultare, a modo suo, realizzato, è proprio il “ragazzo” di Amanda, un fattone senza nome interpretato da un Michele Bravi in parte (è al suo debutto cinematografico, dopo la partecipazione a una fiction RAI e una serie targata Amazon Prime). Nonostante il film e la protagonista vogliano farcelo passare come cattivo, si tratta probabilmente dell’unico personaggio ad aver trovato e aver realizzato il proprio (ridicolo) obbiettivo nella vita -quello di distribuire preservativi gratis alle feste- e a saper creare e mantenere relazioni coi suoi coetanei.

    … GENERAZIONE “DIFETTOSA”

    Basandosi unicamente sull’analisi dei temi e dei rapporti tra i personaggi, Amanda è certamente un film che sviluppa spunti interessanti e più che mai topici, specialmente per la generazione a cui si rivolge, senza mai cadere in una rappresentazione ridicolizzante o dannosa. Tuttavia, presenta alcuni difetti che ne incrinano la riuscita.

    Porcaroli, onnipresente, è alla ferma guida del cast dando prova di grande versatilità nei panni della sfrontata e scostante protagonista. Tra i personaggi secondari ci sono alcune prove d’attore meno riuscite, mentre tra i comprimari a spiccare in negativo è Bellugi nella parte di Rebecca. La sua performance raramente regge il confronto con quella della sua co star, con cui il paragone è quasi inevitabile dal momento che sono praticamente sempre assieme in scena. 

    Inoltre, il film sembra troppo spesso avere fiducia nella nostra aderenza alla visione della protagonista o nella simpatia nei suoi confronti, non sempre assicurata. Infatti, pur essendo un personaggio con cui potenzialmente identificarsi, Amanda è anche assolutamente ignara dei vantaggi di cui gode in quanto figlia di una famiglia ricca, e spesso e volentieri eccessivamente vittimista. Si aggiungano alcune delle sue frasi, pensate probabilmente per essere espressioni facilmente quotabili di girl power, che finiscono invece per risultare spesso infantili e immature (“Siamo in mezzo al nulla!”, le urla la sorella quando scende dalla sua macchina e fa per avviarsi a piedi verso casa. “Tu sei il nulla!”, le risponde Amanda, età 25 anni). 

    A onor del film, va riconosciuto a Cavalli di aver concesso alla sua protagonista di esistere come personaggio femminile dotato tanto di pregi quanto di difetti, e di crescere ed evolvere (almeno in parte) nel corso del film.

    CONCLUSIONI

    Nel complesso, Amanda è un debutto interessante in cui la prolissità del copione, ennesimo elemento di costruzione di una borghesia tronfia e falsa, viene messa a servizio di una regia che ne sottolinei la natura tragi-comica, una regia che si dimostra già dotata di qualche guizzo creativo, con a proprio favore un’ottima interpretazione della sua protagonista. Un prodotto certamente non perfetto e ancora da smussare in alcuni elementi come la gestione dei personaggi, ma che si presta benissimo ad una visione disimpegnata.

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  • RECENSIONE NUEVO ORDEN DI MICHEL FRANCO

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    Nuevo Orden del messicano Michel Franco arriva sui nostri schermi portandosi dietro l’aura del film-caso, il clamore e le accese reazioni divisive – alcune di netto rifiuto – suscitate al Concorso della 77ª Mostra del Cinema di Venezia (dove il film ha comunque vinto il Leone d’Argento – Gran Premio della Giuria). Un’opera che, se non davvero estrema, obbliga col radicalismo teso e feroce della sua messinscena a un forte contrasto di sensazioni di pancia e di testa, finendo per incoraggiare giudizi polarizzati.

    Siamo in un lussuoso villone all’aperto di Città del Messico, dove fervono i festeggiamenti per il matrimonio di Marianne Novelo, giovane rampolla di quella che si presume essere una delle famiglie più agiate, potenti e finanche corrotte del Paese. Mentre si assommano piccole ansie, incomprensioni familiari e strani presagi (scorre dell’acqua verdastra dai rubinetti…), l’inaspettata richiesta d’aiuto di un disperato ospite all’esterno e l’improvvisa irruzione alla festa di alcuni soggetti armati scatenano una spirale di eventi incontrollabili, in un furioso crescendo di tensioni sociali.

    Franco, fin dall’incipit, cura un fitto e fine lavoro di montaggio fatto di brevissimi flash e frammenti autonomi, ancora non narrativamente intelligibili eppure già spie di un disagio montante e disorientato immediatamente trasmesso allo spettatore. Indugiando su un quadro astrattista alla parete della villa, in un significativo accostamento analogico di immagini, le chiazze e i volumi di colore avviluppati indistintamente sulla tela sono assimilati a una carrellata in plongée sul mucchio informe di cadaveri vilipesi accatastati in un corridoio, rafforzando l’idea centrale dell’ammasso centrifugo di forze impazzite in circolo, della ragnatela di caos endemico e inestricabile che innerva tutto il film.

    Lo stile scelto per rappresentare la guerriglia insurrezionale e il ribollire dei disordini non è soltanto quello, di rigore e ormai di maniera, della camera a spalla e del realismo scabro e convulso nel mezzo di un reportage distopico per le strade di Città del Messico (sono dichiarate le influenze del Pontecorvo de La battaglia di Algeri e i sommovimenti sconvolgenti del Costa-Gavras di Z – L’orgia del potere). Spesso, anzi, Franco raggela e inchioda l’azione in alcuni piani sequenza immobilizzati che sotto una fredda luce da obitorio mostrano, senza compiacimento, l’implacabile spietatezza e il sadismo dei rivoltosi nell’inquisizione dei prigionieri.

    Non ha troppo senso, a fronte delle numerose ellissi e dell’innegabile ambiguità di alcuni snodi narrativi, accusare il film di confusione ideologica (la generale irresolutezza che può lasciare la visione di Nuevo Orden è semmai da imputare a una gestione episodica della coralità di personaggi e sottotrame non sempre calibrata al meglio).

    L’ottica di Franco è quella di sviare dalle barricate militanti e dai parteggiamenti. Slavando ogni coloritura politica o filosofica dall’intreccio – in mezzo a un cupo e fiammeggiante panorama amorfo, si stagliano soltanto il vestito rosso acceso di Marianne e il verdastro acido che fa da liquido catalizzatore dei ribelli. Inquadrando la radiografia di un Sistema al collasso e le sue dinamiche di esercizio del potere non come scontro di grigi apparati impersonali, in nome di principi superiori e massimi sistemi, ma come spinte sotterranee e dirompenti di pure forze pulsionali, di individui che lottano fisicamente per affermarsi e arricchirsi con la sopraffazione corporale, la sevizia e la cattura dell’altro, ma anche per la vita e la custodia degli affetti (la storyline della moglie malata di Rolando). In un regime di homo homini lupus che sembra essere il vero trait d’union strutturale della piramide sociale gerarchizzata.

    Volutamente poco empatico e al minimo sindacale nella definizione delle psicologie, Nuevo orden è pessimistico cinema della crudeltà dell’uomo sull’uomo, prima ancora che riflessione sulle storture di un Sistema. Michel Franco si fa largo nell’impeto caotico della massa riversandone il brulicante inconscio collettivo, il lato oscuro della rabbia di un popolo dagli echi universali, nei più biechi istinti repressi del singolo: è questo il senso delle scene di punizione e coercizione sessuale dei paramilitari. In un attualissimo rovesciamento esasperato della lezione di Luis Buñuel (il grande regista spagnolo è amatissimo da Franco), che assume la rivoluzione come atto antiborghese perennemente mancato e incompiuto, un moto circolare senza sbocco che si avvita e ritorce invariabilmente su – e contro – se stesso. E che più cresce d’intensità e ritmo, più si svuota di movente e direzione (come il film stesso?), al pari dei riti pomposi ma sgonfi delle classi dominanti. Il film è distribuito in Italia sulla piattaforma streaming I Wonderfull.

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