Il 2024 è giunto al termine e noi della redazione di Frames Cinema abbiamo deciso di proporvi un articolo collettivo con i film che più ci hanno emozionato, colpito o fatto discutere durante l’anno. È una lista personale, che include le pellicole uscite in Italia nei mesi scorsi o presentate negli eventi cinematografici italiani e che, per un motivo o per l’altro, rimarranno con noi ancora a lungo. E voi, quanti di questi titoli avete già visto?
Baby invasion (Harmony Korine)
Dopo aver giocato al videogame sperimentale Baby Invasion, basato sull’utilizzo della realtà aumentata, un gruppetto di persone decide di replicarlo nella vita reale, non distinguendo più l’analogico dal virtuale: seguirà un’ora e venti in cui i nostri entreranno nelle case dei ricchi per rapinarli e ucciderli, indossando in volto maschere di bambini. Sarebbe ingenuo cercare una trama o qualche piglio moralistico in Baby Invasion, un film (?) che non ha alcun riguardo per i concetti di plot e di noia: il sogno lucido di Korine conglomera invece tutto l'immaginario digitale contemporaneo in un videogioco open world fps dove noi spettatori siamo i giocatori/osservatori in God mode e balliamo sulle note dell’artista musicale Burial. Dentro all'eterno passato/presente/futuro di Internet, Korine fonde il cinema al camuffamento della realtà (operato dalla realtà aumentata) e all'ubiquità virtuale concessa dalle piattaforme di live streaming, ribadendo quanto il cinema di oggi si faccia sempre di più sull'immagine.
Baby Invasion è stato presentato Fuori concorso alla scorsa Mostra del cinema di Venezia e verrà rilasciato prossimamente sul sito della casa di produzione di Korine, EDGLRD.
A cura di Alberto Faggiotto.
Estranei (Andrew Haigh)
Tante storie inconfessabili, tante parole impossibili da confinare nei confini di una pagina bianca, si manifestano tra le stanze di un palazzo londinese troppo grande per le anime che vi si aggirano. Due di queste, Adam (Andrew Scott) e Harry (Paul Mescal) si avvicinano, si attirano in un gioco di presente e memoria, che coinvolge anche il ricordo dei genitori di Adam, morti anni prima. Andrew Haigh fa suo il romanzo Estranei di Taichi Yamada adattandolo con successo in un diverso contesto temporale e culturale, facendone poesia personale che esplora con delicatezza l’amore, la perdita e lo spazio vuoto che la solitudine frappone tra noi e gli altri. Puro sentimento reso vivo e pulsante dalla forza delle immagini e delle interpretazioni.
A cura di Valentino Feltrin.
Challengers (Luca Guadagnino)
Tra i film che abbiamo atteso di più nel 2024, questo conquista un posto d’onore tra i migliori titoli dell’anno. Con il suo ultimo film Guadagnino ha messo in scena il racconto della carriera tennistica di due promettenti atleti, Patrick e Art, e le relazioni tra i due, lo sport e Tashi Duncan, bellissima giocatrice che diviene oggetto del desiderio di entrambi. Ambizioni, desideri, tentazioni e frustrazioni si intrecciano nella vita dei protagonisti che ci viene narrata dall’adolescenza fino all’età adulta, andando ad esplorare la molteplicità del linguaggio cinematografico in parallelo con il tennis e le sue regole. La musica di Trent Reznor, energica e concitata, è ulteriore protagonista degli eventi, e contribuisce a sottolineare le tensioni che nascono e si sviluppano man mano che il rapporto tra i personaggi evolve. Movimento e cambiamento sono le parole chiave, concetti che si applicano tanto alle partite giocate di volta in volta quanto ai punti di vista narrativi proposti, tramite composizioni visive e giochi con le inquadrature che insieme ad ogni altro aspetto concorrono alla costruzione del senso del racconto.
A cura di Gaia Fanelli.
Una spiegazione per tutto (Gábor Reisz)
Terzo lungometraggio di Gábor Reisz, si muove tra il racconto di formazione e quello politico, non tralasciando l’aspetto ironico. Il liceale Ábel viene bocciato all’esame di maturità, ma lascia intendere a suo padre conservatore che il motivo di questo insuccesso sia da imputare alla spilla con la bandiera ungherese che aveva appuntata in petto. Un piccolo dramma scolastico si trasforma così in un affare di Stato e va a delineare la frattura tra nazionalisti e liberali in Ungheria, mettendo in luce la difficoltà di comunicazione e la banalità del passaparola. Una grande città diventa un paesino in cui le informazioni trapelano da un abitante all’altro e ognuno ha la sua spiegazione, diversa e mai totalmente veritiera. Una storia adolescenziale fa da sfondo all’attualità europea e al governo Orbán, mostrandoci la società su tre livelli: famiglia, istruzione e media. Diviso in capitoli, il film oscilla tra la poesia della giovinezza e le divergenze di una nazione.
A cura di Maria Cagnazzo.
Il gusto delle cose (Trần Anh Hùng)
Premiato per la regia a Cannes 2023, Il gusto delle cose è uscito in Italia il 9 maggio 2024, segnando il ritorno al cinema di Trần Anh Hùng, regista franco-vietnamita già vincitore del Leone d'Oro nel 1995 per il troppo dimenticato Cyclo. Raccontando la storia d'amore tra il gastronomo Dodin Bouffant e la sua cuoca personale Eugénie (rispettivamente interpretati da Benoît Magimel e Juliette Binoche, immensi), Trần Anh Hùng si inserisce sulla scia del miglior gastro-cinema, esaltando le qualità sensoriali del filone. Lo stile del regista - da sempre sinestesia di impressioni tattili e violenti cromatismi - si sublima nella forma di un melodramma d'ispirazione pittorica che infonde ogni pietanza e atto culinario di una sensualità sommessa, costantemente in bilico tra ghiotte azioni terrene (tagliare, bollire, infornare...) e affetto trascendente. È la forma più alta del cinema d'azione, in cui sono gli atti a guidare i personaggi e il dispiegarsi delle loro relazioni emotive.
A cura di Jacopo Barbero.
The Bikeriders (Jeff Nichols)
Uscito in sordina a giugno, The Bikeriders di Jeff Nichols rielabora il western con uomini fragili in motocicletta al posto di intrepidi cowboy in sella a stalloni. La trama riprende liberamente l’indagine del fotografo Danny Lyon (Mike Faist) sugli Outlaws, club di motociclisti fondato in Illinois negli anni ’60 emulando Il Selvaggio con Marlon Brando, ma la narrazione di Kathy (Jodie Comer) si concentra sull’amicizia tra il fondatore del gruppo (Tom Hardy) e il suo ideale ma recalcitrante successore (Austin Butler). Pur non essendo esente da difetti, The Bikeriders sa raccontare con disincantata lucidità l’eterno mito di un’America che non c’è più, opponendo allo stereotipo del motociclista una una mascolinità fragile, inaspettata e perfettamente presente.
A cura di Enrico Borghesio.
Hit Man – Killer per caso (Richard Linklater)
Se inSlacker e in Dazed and Confused la narrazione di Richard Linklater ruotava intorno a molteplici personaggi, inHit Man si concentra su un unico protagonista dalle molteplici personalità. Gary Johnson è un professore di filosofia che si trasforma in un improbabile agente sotto copertura. Tra i diversi volti che Gary è chiamato a indossare spicca quello di Ron, un killer affascinante e spietato, diametralmente opposto alla sua abituale identità. Hit Man è, soprattutto, un viaggio tra identità e maschere, e la gerarchia che le definisce. Se nel noir il protagonista si ritrova intrappolato in una situazione più grande di lui, qui Gary si confronta direttamente con il suo essere più profondo, fino a scoprire una parte di sé che non credeva esistesse. Questo tema si inserisce perfettamente nella filmografia del regista texano, popolata da personaggi che aspirano a superare i limiti imposti dalla società. Al tempo stesso, Hit Man è anche un omaggio all’arte dell’attore e alla sua capacità di trasformazione: un bravissimo Glen Powell (anche co-sceneggiatore) incarna con grande versatilità un personaggio capace di attraversare ruoli e generi sempre diversi.
A cura di Simone Pagano.
L’innocenza (Hirokazu Kore’eda)
Una madre vedova, un insegnante della scuola elementare e due bambini sono protagonisti dell’ultimo film del regista giapponese Hirokazu Kore'eda. È L’innocenza (in originale Kaibutsu, “mostro”), un dramma che si dipana come un mistero. Lo spettatore si sposta attraverso i punti di vista dei diversi personaggi, ripercorrendo la stessa vicenda: il piccolo Minato comincia a manifestare alcuni atteggiamenti che spingono la madre ad investigare all’interno della scuola. Piano piano, il film arriva a raccontarci un rapporto tenerissimo “macchiato” dalle ingerenze del mondo esterno che vorrebbe vedere nell’innocenza dei bambini e dei loro sentimenti qualcosa di mostruoso. Con una sceneggiatura delicata e interpretazioni intense, L’Innocenza è impreziosito dalle ultime composizioni musicali del maestro Ryūichi Sakamoto, morto nel 2023.
A cura di Silvia Strambi.
The Substance (Coralie Fargeat)
Hai mai immaginato una versione migliore di te stesso? Più bella, più giovane, più perfetta? È la domanda che devasta Elizabeth Sparkle, attrice di successo cinquantenne, appena scaricata dal suo capo proprio a causa dell'età “troppo avanzata” per lo spettacolo. D'altronde, Hollywood richiede una certa immagine, vero? Ma ecco arrivare qualcosa di inaspettato: un fluido sperimentale che se iniettato aiuterebbe a scoprire una versione migliore di se stessi. Dalla schiena di Elizabeth “nasce” un nuovo corpo, sodo e giovane, con le curve nei punti giusti, perfetto per la tv. Elizabeth dovrà scambiare la propria coscienza tra i due corpi ogni settimana, ma qualcosa le impedirà di sottostare alle regole.
The Substance è un racconto delirante, un body-horror dall'estetica surrealista e dalla regia opprimente, che insiste su immagini di corpi lucenti in modo morboso e fa riflettere su un mondo dello spettacolo che mastica e rigurgita senza pietà chiunque provi ad entrarvi. Definito da Guillermo Del Toro “una fiaba ferocemente bella”, The Substance riuscirà a trasportarvi nel suo delirio e a lasciarvi senza parole.
A cura di Renata Capanna.
Anora (Sean Baker)
Anora è una ragazza che si esibisce come stripper in un locale di New York, Vanja è un giovanissimo figlio di un oligarca russo con troppi più soldi che buon senso. Lui propone a lei prima di diventare la sua ragazza fissa e poi di sposarlo, lei accetta sia perché attratta dai soldi e sia perché con il ragazzo lei sta davvero bene. Peccato che la famiglia di Vanja sia a dir poco scontenta della situazione.
Anora è una fiaba in cui l’amore svanisce prima di esistere davvero, in cui la nostra eroina dopo una vita passata a cavarsela da sola si illude di poter essere forte e in grado di gestire i propri eventi senza spezzarsi, una storia di responsabilità fuggite, non rispettate, nemmeno lontanamente considerate. In questo film, Palma d’Oro a Cannes 2024, chi si fida perde, chi ha compassione soffre e alla fine i prepotenti hanno la meglio. Ma anche i vessati nel loro dolore, possono ridere dei loro aguzzini.
A cura di Nicolò Cretaro.
Conclave (di Edward Berger)
Come può la morte del papa trasformarsi in un thriller? Il Decano Lawrence, un eccezionale Ralph Fiennes, affronta la guerra del conclave, un rito per stabilire chi sarà la guida dell’umanità in un’era d’incertezza. La regia accuratissima del premio Oscar Edward Berger rende Conclave una delle sorprese più intriganti dell’anno cinematografico, a partire da un soggetto apparentemente fuori tempo. Ma il potere di Dio non è mai messo in questione, quanto lo è invece il dominio della Chiesa. È una storia di uomini e donne intorno ad uno dei ruoli più antichi del mondo, ed è tanto umano attraverso i dettagli e i colpi di scena con cui il racconto viene sbrogliato. In fondo un film religioso che non indottrina nessuno ma parla a tutti, provocatorio forse, ecumenico senz’altro.
Una lettera scritta a mano lasciata sul tavolo. Un uomo sdraiato sul pavimento della sua casa in attesa che il mix di pillole lo porti alla tanto agognata morte. Una chiamata improvvisa: una famiglia è stata uccisa e l’assassino ha lasciato una lettera. Un inizio tutt’altro che semplice o banale quello di Dostoevskij, ultima opera dei Fratelli Damiano e Fabio D’Innocenzo arrivata quest’estate in sala divisa in due parti e a novembre sulle reti Sky sotto forma di miniserie da sei episodi.
L’uso del 16mm ed una fotografia dai toni freddi e scuri dona profondità e sporcizia ad una storia cupa, senza via di fuga proprio come i luoghi in cui si ambienta: sporchi, malsani, in rovina fuori e pieni di cianfrusaglie dentro, esattamente come i personaggi che le abitano. L’indagine diventa allora solo un pretesto, perché quello che davvero conta è comprendere noi stessi. Ma siamo davvero sicuri che, a conti fatti, ciò che troveremo sarà ciò che ci aspettavamo?
Sono passati cinquant’anni dalla morte di uno dei registi italiani più influenti del ventesimo secolo, Pietro Germi. Grande maestro della commedia all’italiana, le sue opere presentano una spiccata dose di satira e di critica verso la società e la popolazione italiana, con tutte le sue tradizioni e gli enormi difetti portati avanti dalla iper abusata frase “si è sempre fatto così”. Il suo primo grande successo arriva nel 1956 con Il Ferroviere, una delle ultime espressioni del Neorealismo italiano al cinema: attraverso la storia che sceglie di raccontare, Germi offre uno spaccato profondo e struggente del popolo italiano dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale, tra conflitti generazionali, lotte per migliori condizioni lavorative, cambiamento rapido dei valori a cui molti italiani all’antica non riescono a stare al passo. Poi il capolavoro assoluto Divorzio all’italiana (1961), con protagonisti Marcello Mastroianni e Stefania Sandrelli, vincitore del premio per la miglior commedia al Festival di Cannes e dell’Oscar per miglior sceneggiatura originale nel 1963. Germi era genovese, ma ambienta la sua opera più celebre in Sicilia, terra alla quale si sente particolarmente legato e del cui popolo critica senza scrupoli atteggiamenti, stili di vita e mentalità, con un’ironia a tratti feroce. Forse non tutti sanno che Divorzio all’italiana fa parte di una trilogia dedicata proprio a una certa parte della società italiana e ai suoi costumi, insieme a Signore & Signori (1966) e Sedotta e abbandonata (1964). Sarà proprio di quest’ultimo che andremo a parlare oggi, un’opera di cui non si discuterà mai abbastanza, estremamente importante nel panorama del cinema italiano.
L’onore e la famiglia
La famiglia siciliana degli Ascalone è radunata in sala da pranzo e stanno tutti dormendo, tutti tranne la sedicenne Agnese (Stefania Sandrelli), impegnata a studiare sul tavolo; anche Peppino Califano (Aldo Puglisi) è sveglio e approfitta della situazione per sedurre la giovane, nonostante sia promesso sposo di Matilde, sua sorella. L’uomo trascina la ragazza in giardino e i due hanno un rapporto sessuale; consapevoli del terribile errore cercano di mantenere il segreto, ma Agnese è divorata dal senso di colpa nei confronti della sorella e si comporta in modi sempre più strani e preoccupanti. Non ci vorrà molto a scoprire che la giovane è incinta e, sebbene non abbia intenzione di rivelare chi sia il padre, la verità esce presto fuori.
Per il padre Vincenzo (Saro Urzì) la situazione è più tragica che mai: sono gli anni ‘60 e un nome onorevole è la cosa più importante per una famiglia siciliana. Com’era consuetudine all’epoca, Vincenzo si reca da Peppino e gli impone di sposare Agnese per “riparare il danno all’onore”, ma il giovane non vuole saperne più niente: Agnese non è più vergine e per questo nessun uomo vorrebbe mai sposarla, giusto? Il film, sulle note della fantastica colonna sonora di Carlo Rustichelli, esplora coraggiosamente le contraddizioni della mentalità siciliana del tempo, che spinge le famiglie Ascalone e Califano a un vero e proprio conflitto, fatto di stratagemmi e situazioni al limite del grottesco che culminano in un tentativo di matrimonio riparatore che non andrà in porto.
Il paese non può sapere cosa sta succedendo, bisogna farsi vedere sempre perfetti, sorridenti, camminare a testa alta tra le vie, e mai far intendere che qualcosa non stia andando per il verso giusto. Eppure si sta pian piano creando un’atmosfera da Far West nel piccolo paesino, e quella che dovrà pagarne le conseguenze peggiori sarà proprio la povera Agnese, giovane vittima di un sistema così grande e così complicato, davanti al quale i suoi sentimenti valgono meno di zero.
Germi e lo sconforto verso il popolo italiano
Un anno dopo l’uscita di Sedotta e abbandonata, nel 1965, avviene una vicenda che inizierà a mettere in discussione la società italiana e i suoi costumi, quella della coraggiosa Franca Viola: rapita e violentata ripetutamente dall’ex fidanzato che aveva rifiutato, Franca avrebbe dovuto accettare di sposarlo per poter estinguere il reato e “riparare l’onore” della sua famiglia. Eppure la ragazza, grazie anche al supporto della sua famiglia, ebbe il coraggio di rifiutare le nozze, dichiarando apertamente che a perdere l’onore non è chi subisce un crimine del genere, ma chi lo commette. Fino a quel momento non si era mai messo in dubbio che la violenza carnale fosse un reato contro la morale e non contro la persona.
Oggi conosciamo queste vicende, insieme a tutto ciò che successe dopo, e guardare Sedotta e abbandonata porta un dolore ancora più grande: la povera Agnese, di appena sedici anni, subisce un’ingiustizia dopo l’altra, molte delle quali per mano del suo stesso padre, la persona che più avrebbe dovuto proteggerla. Alcune delle sequenze del film ci mostrano quanto Agnese stia soffrendo, quanto si senta in colpa e allo stesso tempo tradita dalle persone che più ama. Viene scrutata senza pietà dagli altri abitanti del paese, che in una celebre scena la inseguono per la strada gridando appellativi poco carini, la circondano e la osservano come tante maschere deformi con gli occhi vuoti, mentre le musiche di Rustichelli ci lasciano senza respiro, esattamente come lei.
Ciò che traspare da Sedotta e abbandonata è un generale sentimento di sconforto da parte di Germi, uomo originario del nord Italia ma comunque molto vicino e molto affezionato al popolo meridionale. Il regista, non solo qui ma anche in altre opere come Divorzio all’italiana e In nome della legge (1949), riesce a celebrare il sud Italia ma anche a criticare aspramente lo stile di vita, i pregiudizi, la cultura e i costumi di un popolo che fa fatica ad abbandonare le sue mentalità e tradizioni, per quanto dannose possano essere. Sono arrivati gli anni ‘60 e Pietro Germi sta pian piano perdendo la fiducia verso la società meridionale, si sta convincendo che la sua cultura non riuscirà mai a cambiare davvero e a scrollarsi di dosso le sue convenzioni. Magari Franca Viola sarà riuscita a dargli un barlume di speranza, una piccola luce che avrebbe potuto aiutare anche la povera Agnese, di cui Germi celebra il coraggio, la forza e la brama di libertà.
Oggi Sedotta e abbandonata ci sembra appartenere a un tempo così lontano da noi che quasi ci dimentichiamo quanto sia stato importante nel panorama cinematografico di un paese complesso come il nostro, costantemente diviso tra chi si attacca alle tradizioni e chi vorrebbe sempre puntare al futuro. Spesso amiamo proclamarci un popolo moderno, un popolo cambiato, ma riusciamo realmente a chiederci quanta strada sia stata fatta da allora? E soprattutto, quegli occhi neri che scrutavano Agnese e la inseguivano per le vie del paesino sono davvero scomparsi del tutto?
Lo stiamo aspettando da mesi e finalmente abbiamo una data di uscita italiana! L’attesissimo Nosferatudi Robert Eggers arriverà nelle nostre sale il 1° gennaio 2025, a poca distanza dall’uscita statunitense fissata per il giorno di Natale. Eggers si era imbarcato in questa difficile e rischiosa missione di realizzare un remake del Nosferatu di Murnau (il secondo dopo quello di Werner Herzog del 1979), uno dei film simbolo dell’Espressionismo tedesco del primo Novecento, già nel 2015; tuttavia, a causa di numerosi ritardi, abbandoni da parte di alcuni membri del cast, vicissitudini produttive, i lavori sono iniziati ufficialmente nel 2022 e finalmente l’opera sta per vedere la luce.
Cosa sappiamo a riguardo? Avremo davanti un cast di tutto rispetto, che le prime recensioni hanno adorato: BillSkarsgård, Lily Rose Depp, Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson, Willem Dafoe, insieme a una quantità impressionante di topi veri! La versione di Dracula firmata da Eggers sembra essere quella più fortemente psico-sessuale, addirittura più estrema di quella che Francis Ford Coppola aveva realizzato nel 1992, e ciò non può che essere un bene. I critici che hanno visto il film in anteprima hanno fatto poi riferimento alle splendide ambientazioni gotiche, e alla cura nella fotografia nel riprodurre i meravigliosi giochi di luci e ombre che Murnau ci aveva regalato ormai più di un secolo fa. Ora a noi spettatori non rimane altro che aspettare l’inizio del nuovo anno, e quale modo migliore per farlo se non godendosi qualche film per entrare a pieno nell’atmosfera? Oggi ve ne proponiamo tre per ingannare l’attesa!
Robert Eggers e la sua estetica: The Witch
Non potete dire di non aver mai visto un film di Eggers oggi: la sua ascesa tra i registi thriller-horror contemporanei più promettenti è stata breve ma intensa. Il suo primo film The Witch, uscito nel 2015 e ambientato nel 1600, è un folk-horror incentrato su una famiglia di puritani del New England che, isolata dalla comunità di appartenenza in un fattoria ai margini di un bosco, inizia a essere perseguitata da quella che sembra una figura diabolica, una strega pronta a usare ognuno di loro in qualche terrificante rituale. Le attenzioni del capofamiglia, fanatico religioso a dir poco violento, si rivolgono alla primogenita Thomasin, accusata dai suoi stessi genitori e fratelli di praticare la stregoneria.
Ciò che all’epoca di uscita conquistò maggiormente in The Witch, oltre alle splendide performance degli attori e lo sguardo unico che getta sul tema della stregoneria nei film horror “in costume”, fu senza dubbio l’estetica adottata dal regista. Guardando The Witch ci rendiamo conto pian piano di quanto siano angoscianti e opprimenti gli spazi che Eggers sceglie di usare per ambientare le scene, insieme alla loro illuminazione fatta prevalentemente di candele consumate o lampade a olio sporche, che fanno quasi pensare ai quadri di Caravaggio. Gli enormi spazi della fattoria dove la famiglia lascia pascolare le capre diventano man mano minacciosi: tra l’erba alta e gli alberi dalle foglie scure sembrano nascondersi tanti occhi che osservano i protagonisti, pronte ad attaccare in qualsiasi momento. The Witch è un vero e proprio campo di allenamento e sperimentazione per Eggers, che si mostra fin dalla sua prima opera profondamente affascinato dall’estetica espressionista di inizio Novecento, con la quale cerca di sperimentare e a cui vuole, naturalmente, aggiungere del suo. La strega vi sta aspettando, se non vi siete mai immersi in questa “New-England Folktale”, è arrivato il momento di farlo!
Alla scoperta di Murnau: Shadow of the Vampire
Avete presente le storie che si raccontano sugli strani eventi di natura paranormale avvenuti sul set de L’Esorcista? Si narra di un incendio scoppiato proprio nella casa in cui Friedkin stava girando le riprese, ma anche di misteriose morti connesse a chi stava lavorando al film. O ancora gli strani avvenimenti che circondano Omen – Il Presagio, horror del 1976 i cui attori si dice siano finiti in strani incidenti a seguito delle riprese. Ecco, nel 2000 il regista americano Edmund Elias Merhige ci ha dato la sua versione fantasiosa degli strani eventi accaduti sul set di Nosferatu del 1922. Shadow of the Vampire (L’ombra del vampiro) racconta un dietro le quinte del film di Murnau piuttosto inquietante, fatto di strani avvenimenti e sensazioni per nulla positive sulla figura del suo attore protagonista Max Schreck, interprete del Conte Orlok. Un John Malkovich pazzesco veste i panni di Murnau, mentre un terrificante Willem Dafoe interpreta Schreck, attore intorno al quale si sono pian piano create leggende per nulla rassicuranti: durante le riprese di Nosferatu, infatti, il cast inizia a notare come Schreck riesca a immedesimarsi nel personaggio in un modo molto particolare, e comincia a sospettare che al di là del trucco e della performance si celi un vero vampiro. Murnau è al corrente di questo? Sa dei sospetti dei suoi lavoratori? Sa la verità su Max Schreck, e soprattutto è disposto a rivelare tutto? L’ombra del vampiro è un’opera coraggiosa, che si fa continue domande e si dà continue risposte sul film di vampiri più misterioso e affascinante per eccellenza. Ma è anche un’opera di profonda riflessione sul ruolo dell’artista, sulla sua psiche tormentata dal lavoro di una vita. Impossibile da perdere.
Quando Dracula incontrò Mel Brooks: Dracula dead and Loving It
Ora che ci siamo un po’ angosciati nel pensare agli inquietanti retroscena di Nosferatu, è bene concludere con qualcosa di più soft. Dopo il western, il film di fantascienza, il noir e soprattutto l’horror gotico, non poteva non finire anche Dracula nelle grinfie del fantastico Mel Brooks. Divenuto famosissimo per le sue parodie ricchissime di riferimenti cinematografici e battute entrate nella storia, Brooks decide nel 1995 di attaccare senza pietà personaggio e saga di Dracula, affidandosi a un Leslie Nielsen più in forma che mai. Dracula Dead and Loving It (Dracula morto e contento) è una delle parodie più riuscite del regista, che all’interno del film (com’è solito fare) interpreta un esuberante dottor Van Helsing: il romanzo di Bram Stoker non viene risparmiato, neanche i film più acclamati come quello di Tod Browning e di Francis Ford Coppola. Il Dracula della coppia Brooks-Nielsen è esilarante, completamente esasperato da un Renfield a dir poco idiota, più volte colto alla sprovvista dalle strane reazioni delle sue vittime, e decisamente meno furbo di ciò che può sembrare. Un’ora e mezza di divertimento che vi faranno vedere il vampiro più famoso di sempre in un modo ancora diverso. La critica non è stata molto entusiasta del film, ma alla fine la risata è soggettiva, giusto?
Ci auguriamo che questi tre consigli possano avervi incuriosito e possano aiutarvi a ingannare l’attesa del Nosferatu di Robert Eggers. Ricordiamo che l’uscita in Italia è fissata per il 1° gennaio 2025, così per cominciare il nuovo anno con il piede giusto!
Chi non ama un buon thriller psicologico che lascia col fiato sospeso? Soprattutto se in grado di inquietare nel profondo, farci riflettere su tematiche complicate da affrontare e creare un’atmosfera di angoscia difficile da dimenticare. Sulla linea delle bellissime performance femminili nel genere thriller-horror di quest’anno, da Sydney Sweeney e Naomi Scott a Demi Moore e Margaret Qualley, oggi parliamo di Swallow di Carlo Mirabella-Davis, un film che dietro l’orrore di un disturbo alimentare nasconde qualcosa di molto più profondo.
Parliamo di picacismo
Hunter (Haley Bennett) è una giovane donna, sposata con un uomo dalla carriera promettente e con una famiglia decisamente pressante. La sua vita si svolge interamente nella splendida casa che condivide con il marito Richie (Austin Stowell), dagli spazi sconfinati e dalle vetrate meravigliose, mentre fa avanti e indietro dal letto alla cucina al salone e di nuovo a letto: è inutile che la donna lavori, i soldi che Richie porta a casa bastano e avanzano per mantenere la famiglia che i due avranno di lì a poco. Hunter, infatti, è incinta, e per la prima volta non si sente trattata con sufficienza dal marito e dai suoceri, troppo impegnati a parlare di lavoro per ascoltarla durante le lunghe e noiose cene eleganti. Ora questo bambino potrà dare ad Hunter ciò che non ha mai avuto, una vera famiglia, felice e amorevole. Eppure, non è così facile sostenere la pressione di una gravidanza, soprattutto per la nostra protagonista che sembra nascondere un disagio profondo, causato da un terribile segreto che porta con sé da sempre.
“Fa’ ogni giorno qualcosa di imprevedibile”, così recita la pagina del libro sulla maternità che Hunter riceve in dono dalla suocera Katherine; ma cosa significa fare qualcosa di imprevedibile? Per la nostra protagonista inizia tutto per caso, con piccoli oggetti lasciati in giro per la casa che la donna osserva intensamente, afferra e si porta alla bocca, per poi mandarli giù. Nel corso di pochi giorni, Hunter sviluppa una vera e propria ossessione per ingoiare piccoli oggetti non commestibili, anche piuttosto pericolosi come delle puntine: il suo è un disturbo che prende il nome di picacismo e può essere molto rischioso e complesso da affrontare. La tentazione è troppo forte, il desiderio di mantenere il controllo sulla propria vita, seppur attraverso una pratica terribile, divora Hunter dall’interno e ingerire quegli oggetti è una vera e propria dipendenza. Ovviamente il tutto si svolge nel segreto assoluto, come fosse un atto di ribellione adolescenziale nei confronti di genitori severi, pressanti, controllanti; in questo caso, quei genitori controllanti sono i suoceri di Hunter, emozionati più che mai dal futuro nipotino. Non ci vuole molto, però, prima che la nostra protagonista venga scoperta dal marito e costretta a trascorrere gli ultimi sette mesi della gravidanza in un istituto psichiatrico. Impensabile per Richie e i suoi genitori l’idea di avere accanto una persona che loro reputano malata, per di più poco tempo prima di partorire un erede per l’impero familiare. L’immagine è tutto ciò che conta, Hunter sta facendo fatica a reggere le aspettative del mondo di cui ora fa parte e questo è inammissibile.
La “trappola” delle aspettative: sii una brava moglie e una buona madre
Ciò che rende Swallow un thriller psicologico profondamente angosciante non è tanto vedere la protagonista ingerire in modo morboso oggetti appuntiti, e neanche il fatto che quegli stessi oggetti vengano estratti dal suo stomaco e depositati come antichi artefatti su una superficie sterile da un chirurgo con lunghe pinze in mano. Il senso di angoscia e pressione psicologica si avverte nelle scene più banali, quelle in cui moglie e marito sono a cena insieme, seduti alle parti opposte del tavolo come due sovrani medievali in procinto di avvelenare l’uno il calice dell’altra; si avverte nelle lunghe sequenze in cui Hunter si ritrova in silenzio ad ascoltare le conversazioni di marito e suoceri, che sembrano deliberatamente ignorarla quando cerca di parlare, di inserirsi invano nel discorso. La sufficienza con cui la giovane donna viene trattata dalle persone che le sono accanto, le uniche che può considerare una famiglia, è devastante, così come la costante pressione delle aspettative che vengono caricate sulle sue spalle a partire da quando quel test di gravidanza risulta positivo. Da quel momento in poi, Hunter si sente schiacciata dalle prospettive altrui sul suo ruolo di madre e moglie perfetta, tanto da non riuscire ad avere controllo sulla sua stessa vita e sul suo corpo.
Ed ecco che questo profondo disagio si mostra attraverso il suo picacismo: l’unico modo che ha Hunter di riacquistare un minimo di controllo è fare qualcosa di malato, che potrebbe potenzialmente fare del male al suo corpo, ma a lei non importa delle conseguenze perché vuole soltanto tornare a essere padrona della propria vita. La gravidanza diventa man mano una trappola mortale, una fonte di disagio continuo, ancor di più quando lo spettatore viene a scoprire il segreto che la donna porta con sé dalla nascita, letteralmente: evitiamo di fare spoiler in questa sede, ma si tratta di una vicenda terrificante legata alla gravidanza stessa come corpo tenuto in ostaggio. Arrivati a un certo punto del film, non spaventa più così tanto l’idea che Hunter scelga di ingoiare delle puntine da disegno.
“Impossibile da dimenticare”, “Ti cambierà la vita”, “Più rosa di Barbie, più dark di Povere Creature”, “L’esperienza cinematografica dell’anno”. Ne abbiamo sentito parlare in ogni salsa, ma alla fine questo The Substance cos’è? Un terrificante horror, un’opera satirica, o per come la vedono i Golden Globes, una commedia? Forse la definizione più azzeccata è quella di delirio, ma un delirio incredibilmente coerente e profondo, particolarmente disturbante e dal fascino irresistibile.
Activate once, stabilize every day
Elisabeth Sparkle (Demi Moore) ha appena compiuto cinquant’anni e già da un po’ la sua fortunata carriera di attrice l’ha portata a essere il volto di un programma di fitness in tv. Il mondo dello spettacolo corre veloce, mastica e sputa con violenza tutti coloro che vi si addentrano, e anche Elisabeth sta per subire lo stesso trattamento: ha superato da tempo i trent’anni, non ha più un corpo e un volto giovane, come dice il suo datore di lavoro Harvey (Dennis Quaid) quel qualcosa in lei non c’è più. Può mai finire una carriera di successo nello spettacolo per un processo che coinvolge il mondo intero, la vecchiaia? Elisabeth non vuole accettare questa fine, non può credere che l’azienda l’abbia licenziata con un mazzo di fiori e un biglietto con scritto “sei stata fantastica”. Spunta presto un’altra possibilità: un farmaco sperimentale, “la sostanza”, che ricorda un po’ il fluido di Re-Animator, in grado di trasformare chiunque lo assuma in una versione migliore e più perfetta di se stesso. Elisabeth non perde tempo, le basta telefonare un numero e subito è pronta a farsi l’iniezione sul lavandino del bagno: ora non si torna più indietro. La schiena della donna si contorce, la sua pupilla si divide in due, dal suo corpo ne nasce un altro, quello di una ragazza perfetta, splendida, giovane, sempre Elisabeth ma di nome Sue (Margaret Qualley). Quella che ci troviamo davanti non è una metamorfosi, bensì uno scambio di corpi: la nostra protagonista dovrà imparare a essere Elisabeth e Sue insieme, una settimana a testa, stabilizzando il suo nuovo corpo ogni giorno tramite una somministrazione di fluido cerebrospinale del “vecchio corpo”. Dovrà scambiarsi tra i due “involucri” ogni sette giorni, senza nessuna eccezione. Eppure è così difficile abbandonare il corpo perfetto della giovane Sue, con un seno alto, un sedere sodo, delle gambe snelle e le labbra costantemente glossate. È un corpo perfetto per lo spettacolo, perfetto per l’azienda e per il programma tv di fitness. Cosa potrà mai andare storto se si restasse solo un giorno in più nel corpo di Sue? Solo un giorno, o forse un paio, o magari un’altra settimana. Non potrà mai accadere nulla di così terribile, giusto?
Younger, beautiful, perfect
La bellezza a tutti i costi, fino a devastare completamente il proprio corpo e la propria psiche, e tutto per amore dell’intrattenimento, per soddisfare il piacere altrui. Elisabeth Sparkle, come una Norma Desmond sul suo Viale del tramonto, rifiutata dal mondo che l’aveva accolta e portata tra le stelle, decide di fare uso del siero The Substance spinta dalla disperazione più totale: il suo unico desiderio in quel momento è essere di nuovo bella, giovane e senza imperfezioni, così da essere ancora una volta ammirata come una stella. Poi “nasce” Sue, un vortice di energia che investe il mondo dello spettacolo e diventa il volto dei cartelloni promozionali più grandi della città, il gioiello dei palinsesti, l’orgoglio dell’azienda e di Harvey, un uomo viscido ma molto potente. Elisabeth e Sue iniziano a odiarsi, nonostante all’interno dei loro corpi ci sia la stessa coscienza. La mente della protagonista si spacca in due, scivolando pian piano in un delirio angosciante fatto di scelte che scateneranno conseguenze terribili. La costante e dolorosa ricerca della perfezione assoluta è ciò che guida The Substance dall’inizio alla fine, una fatica di Sisifo che inevitabilmente finisce per fallire: ora c’è Sue con un corpo sempre perfetto, ma Elisabeth si sta letteralmente deteriorando, dentro e fuori, è una sorta di ritratto di Dorian Gray vivente. Conquistare la perfezione è impossibile, lungo la sua ricerca si vuole sempre di più, fino ad arrivare all’autodistruzione.
Non è difficile capire che questo sia un meccanismo molto comune nel mondo dello spettacolo, in cui l’aspetto esteriore svolge un ruolo centrale, in cui le figure di punta, principalmente donne, sono spinte a tentare con ogni mezzo di essere sempre perfette e sempre giovani, per soddisfare standard di bellezza a cui è praticamente impossibile arrivare. Possiamo solo immaginare quante donne abbiano subito lo stesso trattamento di Elisabeth, colpevole di aver compiuto cinquant’anni, età a partire dalla quale inizierà a odiare il giorno del suo compleanno e il suo corpo non più perfetto. Il body-horror e tutto ciò che comporta, anche gli aspetti più disgustosi, trovano uno spazio di manovra gigantesco in The Substance, estremizzano e criticano tutti gli aspetti della pressione sociale alla bellezza assoluta. Un cinema che parla di se stesso, esamina ogni suo strato, rivoltandolo al contrario e poi facendolo completamente a pezzi, con una climax ascendente che porta a un finale allucinante. Esattamente ciò che ci succede quando portiamo il nostro corpo e la nostra mente allo stremo delle forze, quando ci guardiamo allo specchio e tutto ciò che vediamo è solo qualcosa che potrebbe essere più giovane, più bello, più perfetto.
Interpretazioni impeccabili, immagini da liminal spaces
Coralie Fargeat dirige un film disturbante, profondo, angosciante, ma anche ironico e critico. Demi Moore regala una performance meravigliosa, il suo sguardo è ciò che la rende potente, quando osserva e disprezza l’immagine di Sue come fosse un affronto. Margaret Qualley conquista il pubblico immaginario del film, ma anche quello della realtà, scalando la classifica dei “nuovi volti” più promettenti del cinema contemporaneo. Insieme a loro un fantastico Dennis Quaid, che riesce a essere una delle figure più disgustose del film semplicemente mangiando gamberetti immersi nella maionese; si dice che quando arriviamo a odiare un personaggio l’attore che lo interpreta ha fatto un ottimo lavoro, e in questo caso non possiamo che essere d’accordo.
I costumi di Elisabeth e Sue sembrano parlare: la prima ha sempre con sé il suo bellissimo cappotto giallo, un colore allegro e vivace ma alla lunga quasi stomachevole e nauseante; la seconda esordisce con un abito rosa luminoso, dolce e femminile, ma anche ingombrante e in grado di attirare l’attenzione in un lampo. Elisabeth indossa quasi sempre un bel rossetto rosso opaco, mentre Sue ha le labbra sempre glossate e luccicanti.
La regia di Fargeat è travolgente, predilige spazi che a un primo sguardo sembrano ampi e ariosi, ma a poco a poco si fanno inquietanti, opprimenti, e le loro scelte di design peculiari li fanno assomigliare sempre di più a degli spazi liminali, familiari ma non abbastanza da essere rassicuranti. I lunghi corridoi senza fine ci fanno venire in mente Shining, così come i tappeti colorati con ghirigori arancioni e la quantità impressionante di sangue che si vede sullo schermo, forse il triplo di quello che sgorgava dagli ascensori dell’Overlook Hotel. Fargeat ha amato condire il film con numerose citazioni, alcune più semplici da individuare, altre più sottili, e sarà divertente per gli spettatori andare alla loro ricerca. Importante nota di apprezzamento per la scelta di girare determinate scene utilizzando effetti speciali pratici: il body-horror fatto in questo modo ha senza alcun dubbio un certo effetto in più.
Candidato di recente ai Golden Globes per miglior film commedia/musicale, The Substance è arrivato ufficialmente nei cinema italiani il 30 ottobre, giusto in tempo per Halloween. Vederlo in sala è un’esperienza da non perdere.
Visto, Dreamworks? Dire di sì a un progetto originale ripaga!
Domenica 29 settembre si è tenuta un’anteprima del nuovissimo film d’animazione targato Dreamworks, che arriverà nelle sale italiane il 10 ottobre. Tratto dall’omonimo libro scritto da Peter Brown, Il robot selvaggio di Chris Sanders ha tutte le carte in regola per conquistare un nuovo pubblico, non solo di bambini. E non preoccupatevi, chi parlava di una “copia” di Wall-E non potrebbe aver sbagliato di più!
Trovare il proprio scopo
In un futuro non ben specificato, sulla scogliera più remota di un’isola disabitata, conosciamo l’unità Rozzum 7134 (Roz per gli amici), finita laggiù dopo il naufragio di una nave cargo. Roz è un robot ideato per risolvere tutti i problemi dell’uomo, basta che le venga affidato un qualsiasi compito e farà di tutto per portarlo a termine. Tuttavia non c’è una persona in vista, che compito potrebbe mai arrivare da un isolotto sperduto su cui vivono soltanto animali spaventati? Roz cerca in tutti i modi di comunicare e aiutare gli abitanti dell’isola, tuttavia gli animali sono troppo terrorizzati da lei, tanto da chiamarla “mostro”. Ma ecco che, dopo un incidente con un albero, Roz trova finalmente il suo compito: prendersi cura di un ochetta appena uscita dal guscio e rimasta orfana di tutta la famiglia. E così, con l’aiuto della volpe Fink e la opossum Codarosa, il robot finisce per fare da mamma alla piccola oca Beccolustro, che dovrà presto imparare a volare per unirsi ai suoi simili nella grande migrazione invernale. Certo, Roz non è programmata per fare la madre (e non spreca occasioni per ricordarcelo!), ma in un mondo selvaggio come l’isola imparerà presto che la nostra “programmazione” non corrisponde sempre a ciò che siamo davvero.
Viva i film d’animazione emozionanti!
Le avventure di Roz nel crescere suo “figlio” Beccolustro non sono solo divertentissime, ma anche cariche di significati particolarmente importanti, come trovare il proprio scopo e posto nel mondo, affrontare le difficoltà che la vita ci mette davanti, e perché no anche comprendere cosa vuol dire lasciar andare qualcuno. Negli ultimi anni assistiamo spesso a discussioni riguardanti film e prodotti per bambini edulcorati in modo eccessivo, e un progetto profondo come Il robot selvaggio sembra porsi sulla stessa linea di Il gatto con gli stivali 2 – L’ultimo desiderio, che pure aveva affrontato tematiche di un certo tipo. Roz è un personaggio tormentato dal desiderio di trovare uno scopo, ma anche dalla consapevolezza che il mondo intorno a lei fa molta fatica ad accettarla come parte di esso; allo stesso modo Beccolustro, cresciuto da un robot, si ritrova spaesato nel contatto con la sua specie, che lo vede come il pulcino allevato da un mostro e quindi troppo diverso. A ciò si aggiunge anche un tema particolarmente spinoso da affrontare, quello della perdita, della scomparsa di qualcuno a noi caro, magistralmente inquadrato in una delle battute più belle del film: “che succede se sento il bisogno di dirti qualcosa e tu non sei lì insieme a me?” chiede Fink a Roz mentre la nebbia li avvolge tra gli alberi. E in sala (o sul divano di casa) non può non esserci qualcuno che si asciuga le lacrime maledicendo il giorno in cui ha scelto di farsi del male guardando un film per bambini! Non mancano i momenti emozionanti, che i più piccoli capiscono ma a cui i grandi riescono a dare milioni di significati differenti.
Il robot selvaggio è una storia dolce e godibile da tutti, che scorre fluida sullo schermo per quasi due ore senza annoiare. Forse a un primo impatto la parte iniziale del film può sembrare un po’ troppo diluita, ma è essenziale per ciò che si va a costruire più tardi nella narrazione. Naturalmente non sarà un racconto rivoluzionario o il miglior progetto Dreamworks nella storia, ma il suo fascino è innegabile nel panorama dell’animazione contemporanea.
Uno spettacolo di colori e musica
Fin dalle primissime sequenze, Il robot selvaggio ci pone davanti a un’animazione spettacolare, con fondali che sembrano dipinti a mano con il pennello e colori più vivaci che mai, anche nelle scene in notturna. L’intenzione degli autori era quella di richiamare i classici della Disney, ma è inevitabile il confronto con uno dei progetti animati più di successo degli ultimi anni, la saga dello Spider-Verse ideata da Bob Persichetti e Peter Ramsey nel 2018. Il film di Sanders (regista che abbiamo già conosciuto con Lilo e Stitch e How to Train Your Dragon) è coloratissimo, ci trasporta in un mondo che sembra direttamente uscito dai libri per bambini, splendidamente animato anche nelle scene d’azione più caotiche e ricche di tanti personaggi diversi. Punto di forza dei progetti targati Dreamworks è sicuramente la colonna sonora, scritta dal compositore e pianista KristopherBowers, già autore di musiche per film come Green Book e serie televisive tra cui Bridgerton e When They See Us. Ultima, ma non per importanza, la questione doppiaggio grazie al quale il film negli Stati Uniti ha immediatamente conquistato l’interesse del pubblico per via degli attori famosissimi che danno la voce ai personaggi: abbiamo Lupita Nyong’o per Roz, Pedro Pascal per la volpe Fink, Catherine O’ Hara, Bill Nighy, Stephanie Hsu, Mark Hamill, tutti nomi noti e voci riconoscibili. Ora non ci resta che aspettare l’uscita ufficiale nelle sale per godersi il film in entrambe le versioni, originale e con doppiaggio italiano, sempre e comunque di alta qualità. E magari si piange una seconda volta.
È il 1926 e il regista Teinosuke Kinugasa gira uno dei film più importanti dell’avanguardia giapponese, a lungo considerato perduto e poi miracolosamente ritrovato dal regista stesso quasi cinquant’anni dopo la realizzazione. Un’opera forse difficile da comprendere in ogni sua parte, a lungo sottovalutata e nascosta dietro la fama dei grandi maestri delle avanguardie occidentali: oggi siamo qui per parlarvi di Una pagina di follia, meglio noto con il titolo internazionale A Page Of Madness.
A Page Of Madness ci guida negli inquietanti corridoi di un ospedale psichiatrico, un luogo che non ha nulla da invidiare a un labirinto o, meglio ancora, a una prigione. Le stanze dei pazienti sono infatti più simili a celle che a camere d’ospedale, con muri spogli e grosse sbarre, dietro le quali uomini e donne osservano impotenti il mondo esterno a cui sono stati sottratti. È al limite del grottesco la sequenza raffigurante una giovane ragazza che balla una danza disperata nella sua minuscola stanza fino a cadere stremata a terra, mentre sul suo corpo si sovrappongono immagini di strumenti musicali.
Conosciamo presto il nostro protagonista, un custode (Masao Inoue) che lavora da poco nell’ospedale e che si aggira nei corridoi in penombra, mostrandoci man mano i vari pazienti rinchiusi nella struttura. L’uomo sembra particolarmente interessato a una donna (Yoshie Nakagawa) che, durante i brevi momenti di lucidità, lo guarda con espressione triste, cerca di raggiungerlo attraverso le sbarre della sua stanza, ma poco dopo ricade inevitabilmente nella follia. Per ora, non ci è dato sapere chi sia questa donna, anche perché i due non riescono a scambiarsi neanche una parola.
Il giorno dopo giunge alla struttura una ragazza (Ayako Iijima) vestita con un elegante abito tradizionale giapponese, che chiede di parlare con un responsabile e si fa indicare una delle celle: lì dentro c’è la stessa donna che abbiamo visto poco prima. Non è molto facile comprendere cosa stia succedendo, anche perché il film è privo di qualsiasi didascalia, ma presto capiamo che la donna internata è la madre della ragazza, mentre l’inserviente protagonista è il padre, che lavora nella struttura per prendersi cura della moglie. L’arrivo della figlia innesca nella mente del protagonista una serie di visioni che ci aiutano a conoscere la sua storia e a capire il motivo per cui la moglie è stata ricoverata nella struttura: è stato lui a farla impazzire, e ora è divorato dal senso di colpa. Man mano che la narrazione prosegue l’uomo inizia a comportarsi in modo strano e a perdere contatto con la realtà, fino a far dubitare persino lo spettatore di tutto ciò che si sta svolgendo sullo schermo.
Avanguardia giapponese
L’obiettivo di Kinugasa è piuttosto chiaro lungo tutto il film: denunciare le condizioni dei pazienti negli ospedali psichiatrici giapponesi e portare consapevolezza sul tema della salute mentale. Un messaggio molto importante, soprattutto per il periodo in cui il film è stato girato, ed estremamente all’avanguardia anche per quanto riguarda la sua rappresentazione. Gli occhi dei pazienti vedono figure distorte intorno a loro, volti che si fondono con il paesaggio, immagini angoscianti che influenzano inevitabilmente lo spettatore e la sua stessa mente. A Page Of Madness è un’opera impressionante, il cui regista decide di raccontare usando una narrazione a tratti confusa, assolutamente non lineare, anch’essa distorta come le figure che si palesano agli occhi dei pazienti internati nell’ospedale psichiatrico. Il montaggio è frenetico e allucinante, gli effetti visivi inquietanti e suggestivi, in un film del tutto sperimentale che sembra anticipare non soltanto la tradizione cinematografica giapponese, ma l’intero cinema estremo, da David Lynch al Titicut Follies di Frederick Wiseman. L’uso sapiente della macchina da presa ha portato alcuni studiosi a paragonare la regia di Kinugasa a quella dei grandi espressionisti tedeschi di inizio ‘900; non è un paragone avventato, basta notare gli splendidi giochi di luci e ombre che il cineasta giapponese realizza usando le linee spigolose delle stanze dell’ospedale, ma soprattutto le terribili sbarre che separano i pazienti dall’esterno. L’aspetto più affascinante, però, è la musica: il film è muto, privo di didascalie anche in corrispondenza dei dialoghi, e la musica assume un ruolo di vitale importanza. La colonna sonora è psichedelica, a tratti assordante, simile ai migliori prodotti dei nostri connazionali Goblin, e accompagna il racconto concedendo alle immagini una natura ancora più allucinante; unita poi ai disperati volti dei pazienti che si alternano a una successione infinita di sbarre e corridoi, rende terrificante l’esperienza di visione del film. A Page of Madness è un incubo che continuerà a tormentarvi anche dopo il risveglio.
Ormai l’estate è finita, settembre è arrivato e le temperature si stanno piano piano abbassando. È giunta l’ora di lasciarsi alle spalle il caldo torrido di agosto e prepararsi ai lunghi pomeriggi autunnali, magari con una bella pioggia rinfrescante che batte sulle finestre. Come affermano molti amanti della cosiddetta “spooky season”, settembre non è altro che la vigilia di Halloween; chi ci impedisce allora di iniziare a pensare alla festa autunnale per eccellenza? E cosa c’è di meglio di un bel film per inaugurare il periodo più freddo dell’anno?
Se siete amanti delle storie dark al femminile ricche di pozioni d’amore, tarocchi, abiti meravigliosi, ma con una buona dose di horror anni ‘70, abbiamo ciò che fa per voi! Mettetevi comodi sul divano, magari con la prima tisana della stagione, e lasciatevi ammaliare da Elaine, la strega dell’amore.
Erbe, pozioni e filtri d’amore in una riflessione sui ruoli di genere
Un’auto decappottabile sfreccia su una strada tutta curve immersa nel verde, alla guida una giovane donna sola con una sigaretta tra le labbra e una spolverata di ombretto azzurro sugli occhi scuri. Vestita di uno splendido abito rosso, la ragazza è pronta per iniziare una nuova vita, in un posto del tutto nuovo dove nessuno la conosce, dove forse riuscirà a trovare il suo vero amore dopo un matrimonio fallito.
Elaine è una donna dal fascino irresistibile, alla sua vista qualunque uomo cade in ginocchio e rimane ipnotizzato. È proprio lei la “love witch” nel titolo del nostro film: una strega alla disperata ricerca dell’amore vero, dell’uomo che possa amarla “tanto quanto lei è in grado di amare”. Tuttavia, non è così facile trovare il proprio principe azzurro: non bastano uno sguardo ipnotico, una cena deliziosa o una notte di passione, nemmeno donare completamente corpo e anima sembra essere sufficiente. Presto Elaine conosce Wayne, un affascinante professore universitario che si innamora immediatamente di lei e la porta nella sua baita tra i boschi. Qui la donna decide di preparare un potente filtro d’amore che poi fa bere all’uomo con l’inganno: ma qualcosa non va secondo i piani e la mattina dopo Elaine trova Wayne morto nel suo letto. Distrutta dal dolore, ma anche delusa perché l’uomo si è rivelato “debole e non abbastanza virile”, la nostra protagonista seppellisce il corpo convinta di non poter essere rintracciata. Eppure, la scomparsa di Wayne viene notata e denunciata da uno dei suoi colleghi, e gli investigatori del corpo di polizia non impiegano molto tempo a trovare il corpo dell’uomo e gli strumenti di stregoneria disseminati intorno. Inizia così una caccia alle streghe, lungo la quale lo spettatore non può che farsi una sola domanda: riusciranno gli uomini della polizia ad arrestare Elaine senza farsi totalmente ammaliare dal suo enorme potere?
Oltre all’affascinante tema della stregoneria e dei rituali magici, The Love Witch riesce nell’intento di farci riflettere sui ruoli di genere contemporanei. Il personaggio di Elaine è totalmente sottomesso all’amore dell’uomo, rifiuta qualsiasi presupposto legato all’identità di genere, piuttosto preferisce plasmare la propria personalità per adeguarsi all’amante di turno. Tuttavia, questo suo concedersi completamente la porta inevitabilmente alla distruzione, propria e degli altri. Infatti, tutti gli uomini che lei conquista finiscono per cadere vittime dell’ossessione, della follia, o addirittura vengono fatti fuori senza troppi scrupoli. La riflessione di The Love Witchnon nasconde però intenti di insegnamento, ma è dominata dall’erotismo e da un ironico sguardo sul dominio maschile nei confronti del corpo femminile.
Non posso credere che non sia Mario Bava!
Regista, sceneggiatrice, costumista, scenografa, montatrice, Anna Biller ha dedicato tutto il suo amore per il cinema nella realizzazione di The Love Witch. Girato nel 2016 in 35mm, il film è stato poi tagliato e montato a mano dalla regista stessa, una pratica che nell’era del digitale può sembrare assurda e incredibilmente costosa, ma che denota una passione non da poco. Biller ci dimostra quanto sia grande questa passione per un certo tipo di cinema all’interno di ogni singola scena di The Love Witch: la sua attenzione a ogni dettaglio dell’estetica da b-movie anni ‘70 ci riporta indietro a un cinema che il grande pubblico ha un po’ dimenticato, amato solo da alcuni appassionati. Ma Anna Biller non riprende soltanto gli aspetti più interessanti, come i voiceover, gli zoom alla Mario Bava o il sangue di colore rosso acceso quasi arancio di Dario Argento; anche i difetti di questo cinema trovano spazio nel film, primo tra tutti la trama semplicissima (quasi scarna) che si sarebbe potuta risolvere nella metà della durata effettiva della pellicola. E invece, la regista sceglie di diluire e intervallare l’azione con scene in cui vediamo strani rituali svolgersi nei boschi, o sequenze in cui l’erotismo occupa un posto centrale. Insomma, Anna Biller attinge a piene mani da un cinema da sempre basato sul compiacimento dello sguardo maschile, e lo fa suo con un’ironia e una grinta uniche. The Love Witch trae la sua forza dalle scenografie, dai costumi, da un’estetica coloratissima e meravigliosa da guardare: perfetta per un piovoso, grigio pomeriggio d’autunno!
Arcane, Super Mario Bros, The Last of Us, Fallout, gli ultimi anni ci hanno regalato come mai prima d’ora un progressivo avvicinamento del mezzo cinematografico/televisivo a quello videoludico, da cui trarre nuove storie e nuovi personaggi da muovere all’interno di nuovi mondi. La coppia cinema-videogioco ha un rapporto burrascoso, tuttavia alcuni dei progetti nati da questo connubio hanno saputo mettere d’accordo un po’ tutto il pubblico, sia chi di videogiochi non capisce nulla, sia chi passa le proprie giornate partita dopo partita, missione dopo missione.
Agosto 2024, Eli Roth si unisce al coro e porta con sé uno dei titoli più amati tra i videogiochi action-RPG, Borderlands. E qui la domanda fondamentale è solo una: Eli, cos’è successo?
Una scrittura da rivedere
Sin dalle prime immagini rilasciate, Borderlands aveva incuriosito non poco i fan della saga videoludica. Il film riprende la storia del primo capitolo della saga (a cui sono seguiti Borderlands 2, 3, e vari spin-off), ambientato sul desolato e lontano pianeta Pandora nel cui sottosuolo si nasconde una misteriosa cripta aliena che si dice contenga straordinarie tecnologie e segreti inestimabili. Uno degli aspetti più affascinanti è rappresentato dai personaggi della serie, ognuno con una propria personalità e capacità uniche in grado di essere potenziate man mano che si avanza nel gioco. Per rendere giustizia al materiale d’origine, Borderlands avrebbe dovuto regalarci una sfilza di personaggi accattivanti e ben caratterizzati, in grado di legarsi tra di loro ed emozionare lo spettatore. Crediamo che il compito non sia riuscito nel migliore dei modi.
Come già detto, la trama del film ricorda la storia del primo videogioco della serie: la giovanissima Tina (Ariana Greenblatt) è scomparsa dalla struttura in cui si trova in cura, rapita dallo “psicopatico” Krieg (Florian Munteanu) e dal soldato Roland (Kevin Hart). Il padre della piccola, Atlas, assume Lilith, esperta cacciatrice di taglie interpretata da Cate Blanchett, per ritrovare la figlia. La cacciatrice localizza la ragazzina su Pandora, grazie al robot Claptrap (in originale doppiato da Jack Black), non si sa come programmato per attivarsi solo al ritorno di Lilith sul pianeta. Il ritrovamento di Tina si intreccia con la storia della misteriosa Cripta e ben presto Lilith si ritroverà alla sua ricerca in compagnia di uno strano gruppo di amici, dei quali fa parte anche la dottoressa Patricia Tannis (Jamie Lee Curtis). Tutto faceva pensare a un buon film d’azione, in grado di intrattenere anche chi non conoscesse il videogioco. La storia che Borderlands costruisce, tuttavia, si perde in una scrittura che vuole essere eccessivamente trasgressiva, battute non molto divertenti e rapporti tra i personaggi caratterizzati da una chimica quasi inesistente. Anche il casting poteva essere promettente, ma a volte gli attori sembrano essersi ritrovati sul set casualmente e all’improvviso, senza la minima idea di come comportarsi. Dalle recensioni in lingua inglese pare che l’unico a essersi effettivamente divertito sia stato Jack Black al doppiaggio, ma come potete ben immaginare, nella versione italiana lo perdiamo completamente. Dev’essere successo qualcosa durante la realizzazione di questo film, ma cosa esattamente?
Sia chiaro, la scrittura magari non è totalmente da buttare, ma non dobbiamo per forza far sì che ogni singola scena abbia una gag. Se si tratta di una gag vista e rivista, poi, è ancora peggio.
Quanto c’è di accurato?
Naturalmente, adattare uno sparatutto in prima persona come Borderlands per il cinema implica la necessità di costruire una trama più complessa rispetto ai videogiochi. I personaggi protagonisti del film sono, infatti, presi da più di un titolo della saga (Tina, ad esempio, compare solo dal secondo), i loro rapporti e backstories sono stati modificati per favorire la scrittura cinematografica. Per quanto riguarda costumi, design delle armi e scene d’azione, è tutto molto vicino alla materia d’origine. Gli abiti dei personaggi e gli oggetti di scena sono praticamente perfetti, le scene d’azione caotiche e psichedeliche rendono omaggio alle sequenze di combattimento nei videogiochi. Tuttavia, il loro essere così confuse e spericolate le rende spesso poco comprensibili, riducendo l’effetto spettacolare, che per un film d’azione di questo tipo è fondamentale. Anche la regia di Roth, sebbene il più delle volte fluida e coerente, finisce per perdere di molto durante le sequenze più dinamiche e animate. L’azione rimane l’elemento fondamentale, ma si trova in uno spazio sospeso tra l’essere troppo caotica per annoiare, ma allo stesso tempo troppo poco comprensibile per intrattenere come vorrebbe; un limbo particolarmente sfortunato in cui ritrovarsi.
C’è poi da affrontare la questione della grafica unica dei videogiochi, realizzata tramite un sistema non fotorealistico di visualizzazione di modelli 3D chiamato cel-shading. Questo stile ha come scopo quello di far risultare i personaggi (che siano protagonisti di un film d’animazione o di un videogioco) come se fossero disegnati a mano, con bordi neri molto spessi e colori a tinta unita. La grafica del videogioco trova spazio all’interno dei bellissimi titoli di coda del film, in cui ai nomi degli attori viene abbinato il rispettivo personaggio. A questo punto sorge spontanea una riflessione: Borderlands avrebbe avuto più successo se avesse seguito la strada dell’animazione rispetto a quella del live-action? È forse una domanda a cui non avremo mai risposta.
Che ne sarà di Borderlands? Per ora il pubblico ha parlato, e le parole non sono state molto carine. È abbastanza chiaro che il progetto originale di Eli Roth prevedesse più di un film, dato che alcuni dei personaggi della saga preferiti dai giocatori non sono presenti in questo Borderlands. Resta solo da chiedersi se questo progetto continuerà ad andare avanti, e per ora, vedendo le opinioni di audience e critica, l’ago della bilancia pende verso una risposta negativa. Ma non è bello sperare che un progetto fallisca, soltanto che Eli Roth adotti un approccio un po’ diverso alla scrittura e decida di eliminare del tutto quelle fastidiosissime gag di cui non sentivamo per niente bisogno.
Mentre aspettate l’esito della situazione, magari date un’occhiata ai videogiochi di Borderlands, che oltre a essere appassionanti hanno un ottimo rapporto qualità-prezzo!
Cosa hanno in comune un uomo solo che va in giro con un cane e un carretto di roba vecchia da vendere, un’improbabile coppia di distillatori con un maialino e due fratelli che abitano in un faro? Forse niente, ma a Juho Kuosmanen basta “niente” per mettersi a lavoro. Girata tra il 2012 e il 2023, la sua Silent trilogy (in originale Mykkätrilogia) è stata presentata per la prima volta al Festival del Cinema Ritrovato di Bologna: tre cortometraggi muti, divertenti e commoventi, simbolo di un amore profondissimo per i primi anni di vita del cinema e per tutti coloro che si trovano a vivere ai margini della società.
Da case fatiscenti allo spazio più profondo
Silent Trilogy è un’opera che tutti gli amanti del cinema dovrebbero vedere: anche solo per lo splendido omaggio al periodo del muto, che ha costruito pezzo per pezzo la settima arte come la conosciamo oggi. I cortometraggi che compongono la trilogia hanno come protagonisti personaggi delle classi più basse della società, e la maggior parte degli interpreti non sono neanche attori di professione: come detto dallo stesso Kuosmanen durante la presentazione dell’opera, i loro volti erano interessanti “e così li ho voluti nei miei film”.
Il primo corto, dal titolo Scrap-Mattila and the Beautiful Woman(Romu-Mattila ja kunis kainen, 2012) si ispira alla vicenda realmente accaduta in Finlandia di un uomo e della sua battaglia contro la città di Kokkola per impedire che la propria casa gli venisse sequestrata. Similmente, il protagonista del corto si vede costretto a lasciare la propria abitazione, ma non porta avanti una battaglia, anzi, decide piuttosto di vendere tutti i suoi beni e trasferirsi in Svezia con il fidato cagnolino. Presto, vagando tra i locali della piccola cittadina in cui vive, l’uomo conoscerà una cantante, una donna sola e malinconica. Il loro incontro darà a entrambi la vicinanza, la comprensione e la tenerezza che meritano.
Con il titolo The Moonshiners (Salaviinanpolttajat, 2017), il secondo corto della trilogia racconta la divertente storia di una coppia di distillatori accompagnati da un simpatico maialino. I due, un uomo e una donna, distillano alcool illegalmente e un giorno ricevono la visita di un misterioso cliente che li convince a giocare a carte; la partita, però, provoca una violenta lite, sedata poco dopo dall’arrivo della polizia, che arresta i distillatori mentre il misterioso “uomo delle carte” riesce a fuggire indisturbato. Il corto è un remake dell’omonimo film muto del 1907, a oggi andato perduto, del quale conosciamo la trama solo grazie ad articoli di giornale del periodo. Salaviinanpolttajat è considerato il primo film realizzato in Finlandia, che Kuosmanen ha voluto omaggiare nel 2017, a centodieci anni dalla nascita del cinema finlandese.
Il terzo e ultimo cortometraggio della trilogia è forse quello più affascinante. Intitolato A Planet Far Away (Kaukainen Planeetta, 2023), racconta la storia dei fratelli Marlanda e Maximilian, guardiani di un faro su un’isola sperduta nel mare. Ma nel 2023 è ancora necessario un faro? Presto, i fratelli si ritrovano senza lavoro, ormai tutto il mondo usa il gps e la luce del loro faro viene letteralmente “portata via” da un gruppo di uomini che si sono presentati alla loro porta da un giorno all’altro. Per la tristezza, Maximilian muore, Marlanda rimane così da sola ad affrontare il dolore: l’unica cosa che la fa andare avanti è la storia, tanto cara al fratello, di questo pianeta molto lontano su cui vanno ad abitare le persone che amiamo quando il loro tempo sulla terra finisce. E così Marlanda si mette all’opera per costruire un razzo e, indossando degli enormi occhiali da aviatore, parte per lo spazio profondo fino a raggiungere un pianeta sconosciuto. Lì, in quello che sembra un bar come se ne vedono sulla terra, si ricongiunge finalmente al fratello Maximilian, impegnato a degustare un drink a suo dire più buono di qualunque altro abbia mai bevuto. Un corto diverso dai due precedenti, con scenografie e oggetti di scena realizzati con mezzi amatoriali, ma non per questo poco affascinante e commovente. Inevitabilmente, A Planet Far Away ricorda da vicino il cinema delle attrazioni di Méliès e Segundo De Chòmon degli anni ‘10: un piccolo viaggio nello spazio che vi farà tornare un po’ bambini, ancora meglio se eravate di quelli con le stelline adesive luminose sul soffitto della cameretta!
Sonorizzazione dal vivo e potenzialità del muto
Quando il cinema era ai suoi inizi veniva chiamato “delle attrazioni”, per la sua capacità di trasmettere storie affascinanti in posti mai visti prima, avventure di fantasia dotate di effetti speciali sorprendenti che sicuramente ricordate se conoscete le opere principali di un George Méliès. A distanza di oltre cent’anni, Juho Kuosmanen ha portato l’attrazione nella forma della sonorizzazione dal vivo. La visione di Silent Trilogy al Festival del Cinema Ritrovato è stata accompagnata dalla Ykspihlajan Kino-orkesteri, che si è occupata della musica e delle parti cantate, insieme al meraviglioso rumorista Heikki Kossi che si è dedicato alla realizzazione di suoni e rumori di scena. Sul palco insieme a un tavolino, una pedana di legno e altri oggetti, Kossi ha fatto un lavoro magistrale nel ricreare i rumori da accostare alle immagini dei film, grazie anche all’aiuto del sound designer Pietu Korhonen e del sound engineer Ville Liukkonen. Kuosmanen ha affermato di essere profondamente affascinato dal lavoro del rumorista, dal modo in cui semplici rumori meccanici riescono a trasmettere nuove sensazioni se accostati a determinate immagini e sequenze sullo schermo.
La visione di Silent Trilogy con sonorizzazione dal vivo è stata senza dubbio l’esperienza più affascinante del Festival del Cinema Ritrovato, che ha permesso a tutti di riscoprire le enormi potenzialità espressive e artistiche del cinema muto. Nella conversazione con Alice Rohrwacher a seguito della proiezione, Kuosmanen ha ricordato l’importanza del muto nella storia del cinema, che si è gettato immediatamente sul sonoro non appena ne è comparsa la possibilità. Certo, non possiamo incolpare produttori, registi e attori degli anni ‘20 per aver compreso le potenzialità dei “talkies”, ma adesso abbiamo l’occasione per esplorare e omaggiare il cinema muto come merita.
