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Author: framesteam

  • Bergamo Film Meeting – Tutto sulla 41ma edizione del festival bergamasco

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    Domenica 19 marzo si è conclusa la 41ma edizione del Bergamo Film Meeting. Nove giorni di puro cinema, tra retrospettive, omaggi e anteprime, nonché le sezioni Mostra Concorso e Visti da Vicino. Quest’anno il festival è stato parte del palinsesto Bergamo Brescia Capitale della Cultura 2023, accredito che ha contribuito ad aumentare la visibilità del festival a livello nazionale. Il cuore pulsante è stato ancora una volta l’Auditorium di Piazza della Libertà, a Bergamo, il quale ha ospitato la maggior parte delle proiezioni previste nel programma. La sezione Visti da Vicino, dedicata ai film documentari inediti di produzione indipendente, è stata ospitata, invece, dal Cineteatro del Borgo; la sala Lo schermo bianco è stato sede dell’evento Incontri: Cinema e Arte contemporanea, con la proiezione del film Il Cristo in gola (Antonio Rezza, 2022). 

    Retrospettive, omaggi e cult movies

    Una delle qualità del Bergamo Film Meeting è certamente l’ampia e variegata offerta di film che permette allo spettatore di costruirsi una personalissima programmazione. La punta di diamante della 41ma edizione è stata certamente la retrospettiva completa dell’attore e regista polacco Jerzy Stuhr, comprensiva di titoli quali Tre colori – Film bianco (Krzysztof Kieślowski, 1994), Il cineamatore (Krzysztof Kieślowski, 1979) e Storie d’amore (Jerzy Stuhr, 1997).

    Due retrospettive hanno caratterizzato anche la Sezione Europe, now! dedicata, come ogni anno, a due registi provenienti dal panorama europeo. Quest’anno gli ospiti sono stati Ursula Meier, regista e sceneggiatrice francese naturalizzata svizzera – tra i titoli più recenti, La ligne (2022) e Shock Waves – Diary of my mind (2018) – e Jaco Van Dormael, regista, sceneggiatore e drammaturgo cresciuto tra Germania e Belgio – autore, fra gli altri, di Mr. Nobody (2009) e Dio esiste e vive a Bruxelles (2015). 

    La quarta retrospettiva completa s’inserisce nella sezione del Bergamo Film Meeting dedicata all’animazione autoriale: la protagonista di quest’anno è stata l’animatrice ceca Michaela Pavlátová, della quale sono stati proiettati 25 titoli, tra corti e lungometraggi, compreso Words, words, words (1991) che ha ottenuto una Nomination agli Oscar come Miglior Cortometraggio Animato.

    Nell’ambito della quarantunesima edizione, il festival ha voluto rendere omaggio anche a Kira Muratova, regista moldava naturalizzata ucraina la cui produzione ha subito le forti censure del governo sovietico prima di essere riabilitata durante la politica della glasnost. 

    Mostra Concorso e Visti da Vicino: tutti i premi

    La cerimonia di premiazione dei film e documentari in concorso si è svolta nella serata del 18 marzo, a partire dalle 22:30, in Auditorium. 

    Nella sezione Mostra Concorso, riservata ad autori emergenti, è stata composta da sette lungometraggi di finzione, inediti in Italia, caratterizzati da originalità linguistica e trattazione di tematiche contemporanee. La giuria di quest’anno è stata presieduta da Nerina Kocjančič e composta da Simone Bachini e Iva Hejlíčková, la quale ha assegnato il Premio per la miglior regia a Një filxhan kafe dhe këpucë të reja veshur (A Cup of Coffee and New Shoes On, 2022) di Gentian Koçi, film che narra la storia di due fratelli omozigoti sordomuti i quali scoprono di essere affetti da una rara malattia genetica che renderà entrambi ciechi. 

    Il Premio Bergamo Film Meeting, assegnato dal pubblico attraverso una votazione espressa in seguito alla visione di ciascun film, è stato attribuito a Thierry Binisti per Le prix du passage (The Channel, 2022), lungometraggio franco-belga incentrato sul Canale della Manica. Sul secondo gradino del podio si è piazzato Śubuk (Backwards, 2022) del polacco Jacek Lusinski: ispirato a fatti realmente accaduti, è la storia di una giovane madre single in lotta contro la burocrazia per permettere al figlio autistico di studiare. Il terzo posto è stato conquistato da Minsk (2022) di Boris Guts, film che racconta la protesta avvenuta a Minsk nell’agosto del 2020 e girato in un unico piano sequenza.

    La sezione Visti da Vicino, dedicata al cinema non-fiction, è stata composta da dodici documentari internazionali. Durante la cerimonia di premiazione, sono stati assegnati due premi. Il Premio Miglior Documentario CGIL Bergamo – Sezione Visti da Vicino, assegnato sulla base delle preferenze del pubblico, è stato attribuito in ex-aequo a La visita y un jardín secreto (The Visit and a Secret Garden, 2022) di Irene M. Borrego e a No Place Like Home (2022) di Emilie Beck. Il secondo riconoscimento, il Premio della Giuria CGIL – La Sortie de l’Usine, è stato conferito dai delegati sindacali di CGIL Bergamo al documentario che meglio ha raccontato tematiche concernenti il mondo del lavoro e del sociale: il vincitore è Tomáš Kratochvíl con il documentario Pongo Calling (2022).

    Lauren per sempre: cult movies e classici 

    Il volto scelto a rappresentare la 41ma edizione del Bergamo Film Meeting è l’attrice americana Lauren Bacall. Il fascino senza tempo di una delle più grandi star del cinema hollywoodiano è apparso in una selezione di cinque film cult proiettati in Auditorium: fra questi, To Have and Have Not (Acque del sul, Howard Hawks, 1944), The Big Sleep (Il grande sonno, Howard Hawks, 1946) e Written on the Wind (Come le foglie al vento, Douglas Sirk, 1956). 

    Nell’ambito dei classici, il festival ha incluso nella rassegna la Midnight Story The War of the Worlds (La guerra dei mondi, Byron Haskin, 1953), due film di Ermanno Olmi – Un certo giorno (1969) e I recuperanti (1970) – nell’ambito di Prospettiva Olmi, comprensiva del lungometraggio Quasi un anno di Giorgio Diritti (1992) e I soliti ignoti (Mario Monicelli, 1958), disponibile online con audiodescrizione e sottotitoli per non udenti.

    Animazione senza confini: il Kino Club

    Anche quest’anno il Bergamo Film Meeting ha riconfermato il suo impegno nel coinvolgere i più piccoli. La sezione Kino Club ha avuto il suo spazio sia al Cineteatro del Borgo che online, dal 13 al 18 marzo: sono stati proiettati Californie (Alessandro Cassigoli, Casey Kauffman, 2021), Anna Frank e il diario segreto (Ari Folman, 2022) e Il cavaliere inesistente (Pino Zac, 1969), nonché Le avventure straordinarissime di Saturnino Farandola (Marcel Fabre, 1913), capolavoro del cinema muto sonorizzato dal vivo. 

    La selezione di cortometraggi selezionati da un festival di cinema d’animazione ha coinvolto, quest’anno, il Kaboom Animation Festival, il quale ha voluto proporre cortometraggi incentrati sul cambiamento climatico. Hanno arricchito la sezione Kino Club, infine, i corti proposti dal Festival Orlando, basati su tematiche queer, due cortometraggi realizzati da una scuola primaria di Brescia, e i film di diploma delle scuole di cinema europee, ascritti nella sezione Boys & Girls – The Best of CILECT Prize. 

    Cosa resterà di questo BFM41 

    Al termine di questa quarantunesima edizione, si può dire il Bergamo Film Meeting si sia lasciato definitivamente alle spalle il fantasma del Covid che aveva decretato, nel 2020, la cancellazione del festival e, nel 2021, un’edizione interamente online. Con la serata inaugurale ospitata nella splendida cornice del Teatro Donizetti, in cui è stato proiettato il capolavoro Psycho di Alfred Hitchcock sonorizzato dall’Orchestra Sinfonica Giovanile di Milano, le aspettative erano molto alte: e chi scrive non ha dubbi nell’asserire che non sono state disattese. 

    Nei nove giorni di proiezioni ed eventi, il Bergamo Film Meeting ha saputo porre al centro sia l’arte cinematografica che il pubblico, rimarcando con vigore l’importanza del cinema come aggregatore sociale ed espressione artistica capace di raccontare l’attualità, i sentimenti, i sogni. Simbolico è, in questo senso, il passaggio di testimone tra il festival cinematografico e Bergamo Jazz, il festival musicale in programma dal 19 al 26 marzo, con la proiezione di Les félines (Crisantemi per un delitto, René Clément, 1964) e la sonorizzazione dal vivo di Inferno (Francesco Bertolini, Giuseppe De Liguoro, Adolfo Padovan, 1911), che rimarca il profondo legame tra il cinema e le altre arti.

    Il fascino per il cinema non ha confini: ne è dimostrazione uno dei film più straordinari proiettati durante questa edizione del festival, Il cineamatore di Krzysztof Kieślowski. L’acquisto di una cinepresa 8mm segna un profondo cambiamento nella vita dell’operaio Filip/Jerzy Stuhr, che desidera solo una vita tranquilla insieme alla moglie e a sua figlia. Il cinema – e il “fare cinema” – entra nella sua esistenza e la sconvolge completamente: perché la Settima arte è la capacità di rendere l’effimero immortale, di rendere protagonisti gli ultimi, di costruire e decostruire la realtà. Il tutto, grazie a una pellicola e a una piccola cinepresa. “Che cosa filmi?” “Tutto ciò che si muove”.

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    Shannon Magri,
    Redattrice.

  • La relazione padre-figlio nel cinema

    type=”flex” hundred_percent=”no” hundred_percent_height=”no” min_height_medium=”” min_height_small=”” min_height=”” hundred_percent_height_scroll=”no” align_content=”stretch” flex_align_items=”flex-start” flex_justify_content=”flex-start” flex_column_spacing=”” hundred_percent_height_center_content=”yes” equal_height_columns=”no” container_tag=”div” menu_anchor=”” hide_on_mobile=”small-visibility,medium-visibility,large-visibility” status=”published” publish_date=”” class=”” id=”” spacing_medium=”” margin_top_medium=”” margin_bottom_medium=”” spacing_small=”” margin_top_small=”” margin_bottom_small=”” margin_top=”” margin_bottom=”” padding_dimensions_medium=”” padding_top_medium=”” padding_right_medium=”” padding_bottom_medium=”” padding_left_medium=”” padding_dimensions_small=”” padding_top_small=”” padding_right_small=”” padding_bottom_small=”” padding_left_small=”” padding_top=”” padding_right=”” padding_bottom=”” padding_left=”” link_color=”” link_hover_color=”” border_sizes=”” 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    In Italia, il 19 marzo è la festa del papà. Sembra che per la prima volta fu celebrata negli Stati Uniti nei primi anni del 1900, dove una giovane donna decise di dedicare un giorno a suo padre. La festa del papà è un’occasione per ricordare l’importanza di questa figura, che va comunque celebrata ogni giorno. La figura paterna è fondamentale per la crescita dei figli e nella formazione della loro personalità, ma ha anche un ruolo fondamentale nel supportarli nelle difficoltà che può incontrare nel percorso di crescita. Oggi comunque non esiste più solo la famiglia tradizionale composta da madre, padre e figlio.

    Nella società moderna abbiamo assistito a una ridistribuzione dei ruoli tra padri e madre. Inoltre, le famiglie possono essere composte solo da due figure femminili o due figure maschili, oppure monoparentali, cioè con un solo genitori che si prende cura dei figli.

    Analizzare il ruolo del padre nella società moderna è sicuramente una tematica molto complessa e che merita ampio spazio. In questo articolo, in occasione della festa del papà, abbiamo preso in considerazione tre film esaminano la relazione tra padre e figlio in tre situazioni particolari.

    Cosa succede se il figlio rifiuta l’aiuto che il padre desidera dargli?

    Il padre è generalmente visto dai figli come un punto di riferimento e un rifugio nei momenti di difficoltà, soprattutto nella fase adolescenziale. Ma non è sempre così. Beautiful Boy (2018), la pellicola di F.V. Groeningen, racconta la storia di David, un giornalista che si trova a fare i conti con la tossicodipendenza del figlio Nicholas. Indubbiamente è stato un duro colpo per il padre e fa di tutto per cercare di aiutarlo. Tuttavia, come spesso accade, il percorso di Nicholas non è lineare: entra ed esce dalle cliniche alla ricerca di un sostegno per disintossicarsi, pur sempre affiancato dalla sua famiglia.

    Il film non si limita a raccontare la sofferenza di Nicholas, ma anche le ripercussioni sulle persone che lo circondano: una situazione impossibile da sopportare per i genitori, ma soprattutto per il padre accettare che il figlio rifiuti l’aiuto che vorrebbero dargli. In fin dei conti, David è consapevole che non si può aiutare chi non vuole essere aiutato, per cui non gli resta che rimanere disponibile e comprensivo nei confronti di Nicholas.

    Il film è tratto dalle biografie del giornalista David Sheff Beautiful Boy: A Father’s Journey Through His Son’s Addiction (2008) e del figlio Nic Tweak: Growing Up on Methamphetamines (2007). Il film è molto fedele alla storia vera a cui è ispirato: Nic è caduto nel vortice della tossicodipendenza in tenera età, già alle scuole medie, come ha dichiarato in un’intervista per Today. Dopo avere preso coscienza della dipendenza del figlio, il primo passo è stato proporre al figlio un percorso di recupero, che però inizialmente Nic ha rifiutato. Così come nel film, a David non restava che tentare di convincere il figlio che avesse bisogno di aiuto.

    Close your eyes

    Have no fear

    The monster is gone

    He’s on the run

    And your dad is here

    Beautiful, beautiful, beautiful

    Beautiful boy

    Beautiful, beautiful, beautiful

    Beautiful boy

    Questa è la dolcissima ninna nanna che nel film David cantava al figlio quando era piccolo. Si tratta dell’omonima canzone di John Lennon, al quale è stato ispirato il titolo del film. Questa canzone aveva un significato particolare per David Sheff, che aveva intervistato il cantante all’inizio della sua carriera. Lennon aveva dedicato la canzone al figlio Sean, avuto con Yoko Ono, per esprimere la gioia che il figlio ha portato nella sua vita e la sua volontà a dedicarsi a pieno a lui.

    Cosa succede invece se è il padre a trovarsi in difficoltà ed è il figlio a doversene prendere cura?

    Nebraska (Alexander Payne, 2013) ci racconta la storia di David che si trova a dover fare i conti con la demenza del padre, Woody Grant, convinto di aver vinto un milione di dollari e di dovere intraprendere un viaggio verso il Nebraska per riscuotere il premio. Dopo vani tentativi di dissuadere il padre, David decide di assecondarlo e accompagnarlo in questo lungo viaggio.  David è consapevole del fatto che la malattia di Woody possa peggiorare da un momento all’altro e che probabilmente non sarà lucido ancora per molto tempo, per questo vuole fargli vivere l’illusione ancora per un po’. Nonostante si muovano verso un obiettivo ben definito, quello che conta non è la meta ma il percorso, che è fatto di tappe che lasciano affiorare ricordi del passato e che permettono ai due di ristabilire un legame che pensavano essere andato perso per sempre. 

    Se in Beautiful Boy il padre fa uno sforzo immane per stabilire una relazione col figlio, qui la situazione si capovolge: il figlio non smette mai di essere comprensivo nei confronti del padre e lo asseconda, spinto dalla voglia di ristabilire il loro legame.

    Cosa succede se un padre deve scegliere tra il figlio con cui condivide un legame di sangue o il bambino che ha cresciuto fino ai sei anni?

    Father and son (Hirokazu Kore’eda, 2013) racconta la storia di due famiglie che scoprono che i loro figli sono stati scambiati alla nascita. Le due famiglie si trovano a dover prendere una brutale decisione: decidere se scambiarsi i figli così da riprendersi il figlio biologico. Il titolo originale del film è Like Father, like Son, molto fedele all’idea di fondo del film. In seguito, è però uscito in sala con il titolo semplificato Father and Son, allontanandosi così dal significato profondo. Di fatto, il focus della pellicola di Kore’eda non è la storia dello scambio, ma l’analisi dei rapporti che si vengono ad instaurare tra le famiglie, in particolare tra i padri e i rispettivi figli. Un’attenzione particolare è dedicata al modo di vivere la paternità di Ryota che, una volta scoperto di non avere un legame biologico col figlio, entra in una complessa situazione psicologica. Si scontra con la moglie Midori: mentre lei crede che “i figli sono di chi li cresce”, lui pensa che “quello che conta veramente è il sangue”. Il film svela anche un’altra importante verità: il modo di approcciarsi alla paternità non può essere slegato dalla personale esperienza in quanto figlio. In effetti, il modo differente modo di approcciarsi ai figli e di educarli da parte dei padri delle due famiglie, cioè Ryota e Yudai, riflette la relazione che questi avevano avuto con la figura paterna.

    Conclusioni

    Se più di frequente si parla sempre dell’importanza della madre per la crescita del bambino, questi film si concentrano sull’importanza del legame paterno al figlio e valorizzano il ruolo che il padre ricopre nella formazione del figlio. Numerosi sono i film che hanno affrontano la tematica, ma abbiamo deciso di dedicarci alle pellicole che hanno raccontato storie coraggiose e complesse. E voi quale film aggiungereste alla lista?

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    Cristiana Agosta, 
    Redattrice.

  • Il legame indissolubile tra Musical e disegni animati

    type=”flex” hundred_percent=”no” hundred_percent_height=”no” min_height=”” hundred_percent_height_scroll=”no” align_content=”stretch” flex_align_items=”flex-start” flex_justify_content=”flex-start” flex_column_spacing=”” hundred_percent_height_center_content=”yes” equal_height_columns=”no” container_tag=”div” menu_anchor=”” hide_on_mobile=”small-visibility,medium-visibility,large-visibility” status=”published” publish_date=”” class=”” id=”” spacing_medium=”” margin_top_medium=”” margin_bottom_medium=”” spacing_small=”” margin_top_small=”” margin_bottom_small=”” margin_top=”” margin_bottom=”” padding_dimensions_medium=”” padding_top_medium=”” padding_right_medium=”” padding_bottom_medium=”” padding_left_medium=”” padding_dimensions_small=”” padding_top_small=”” padding_right_small=”” padding_bottom_small=”” padding_left_small=”” padding_top=”” padding_right=”” padding_bottom=”” padding_left=”” link_color=”” link_hover_color=”” border_sizes=”” border_sizes_top=”” border_sizes_right=”” border_sizes_bottom=”” border_sizes_left=”” border_color=”” border_style=”solid” box_shadow=”no” box_shadow_vertical=”” box_shadow_horizontal=”” box_shadow_blur=”0″ box_shadow_spread=”0″ box_shadow_color=”” box_shadow_style=”” z_index=”” overflow=”” gradient_start_color=”” gradient_end_color=”” gradient_start_position=”0″ gradient_end_position=”100″ gradient_type=”linear” radial_direction=”center center” linear_angle=”180″ background_color=”” background_image=”” background_position=”center center” background_repeat=”no-repeat” fade=”no” background_parallax=”none” enable_mobile=”no” parallax_speed=”0.3″ background_blend_mode=”none” video_mp4=”” video_webm=”” video_ogv=”” video_url=”” video_aspect_ratio=”16:9″ video_loop=”yes” video_mute=”yes” video_preview_image=”” render_logics=”” absolute=”off” absolute_devices=”small,medium,large” sticky=”off” sticky_devices=”small-visibility,medium-visibility,large-visibility” sticky_background_color=”” sticky_height=”” sticky_offset=”” sticky_transition_offset=”0″ scroll_offset=”0″ animation_type=”” animation_direction=”left” animation_speed=”0.3″ animation_offset=”” filter_hue=”0″ filter_saturation=”100″ filter_brightness=”100″ filter_contrast=”100″ filter_invert=”0″ filter_sepia=”0″ filter_opacity=”100″ filter_blur=”0″ filter_hue_hover=”0″ filter_saturation_hover=”100″ filter_brightness_hover=”100″ filter_contrast_hover=”100″ filter_invert_hover=”0″ filter_sepia_hover=”0″ filter_opacity_hover=”100″ filter_blur_hover=”0″][fusion_builder_row][fusion_builder_column type=”1_1″ layout=”1_1″ align_self=”auto” content_layout=”column” align_content=”flex-start” valign_content=”flex-start” content_wrap=”wrap” spacing=”” center_content=”no” link=”” target=”_self” min_height=”” hide_on_mobile=”small-visibility,medium-visibility,large-visibility” sticky_display=”normal,sticky” class=”” id=”” type_medium=”” type_small=”” order_medium=”0″ order_small=”0″ dimension_spacing_medium=”” dimension_spacing_small=”” dimension_spacing=”” dimension_margin_medium=”” dimension_margin_small=”” margin_top=”” margin_bottom=”” padding_medium=”” padding_small=”” padding_top=”” padding_right=”” padding_bottom=”” padding_left=”” hover_type=”none” border_sizes=”” border_color=”” border_style=”solid” border_radius=”” box_shadow=”no” dimension_box_shadow=”” box_shadow_blur=”0″ box_shadow_spread=”0″ box_shadow_color=”” box_shadow_style=”” background_type=”single” gradient_start_color=”” gradient_end_color=”” gradient_start_position=”0″ gradient_end_position=”100″ gradient_type=”linear” radial_direction=”center center” linear_angle=”180″ background_color=”” background_image=”” background_image_id=”” background_position=”left top” background_repeat=”no-repeat” background_blend_mode=”none” render_logics=”” filter_type=”regular” filter_hue=”0″ filter_saturation=”100″ filter_brightness=”100″ filter_contrast=”100″ filter_invert=”0″ filter_sepia=”0″ filter_opacity=”100″ filter_blur=”0″ filter_hue_hover=”0″ filter_saturation_hover=”100″ filter_brightness_hover=”100″ filter_contrast_hover=”100″ filter_invert_hover=”0″ filter_sepia_hover=”0″ filter_opacity_hover=”100″ filter_blur_hover=”0″ animation_type=”” animation_direction=”left” animation_speed=”0.3″ animation_offset=”” last=”true” border_position=”all” first=”true”][fusion_text columns=”” column_min_width=”” column_spacing=”” rule_style=”default” rule_size=”” rule_color=”” content_alignment_medium=”” content_alignment_small=”” content_alignment=”justify” hide_on_mobile=”small-visibility,medium-visibility,large-visibility” sticky_display=”normal,sticky” class=”” id=”” margin_top=”” margin_right=”” margin_bottom=”” margin_left=”” font_size=”” fusion_font_family_text_font=”” fusion_font_variant_text_font=”” line_height=”” letter_spacing=”” text_color=”” animation_type=”” animation_direction=”left” animation_speed=”0.3″ animation_offset=””]

    Una piccola e mai troppo esaustiva storia del Musical nel Cinema d’Animazione Americano.

    Nella concezione tipica del Cinema Classico di Hollywood l’animazione è sempre stata legata a doppio filo ad altri due generi, a loro volta quasi inscindibili: la commedia e il musical. Tant’è che in molti premi, come i Golden Globe, i film animati vengono automaticamente inseriti nelle categorie riservate al “Miglior Film Commedia o Musicale”. Senza contare che agli stessi Premi Oscar i film animati ricevono premi e nomination soprattutto nelle categorie concernenti la sfera uditiva ovvero Canzone, Colonna Sonora, Sonoro e Montaggio Sonoro. La sola Disney, ad esempio, in queste categorie ha raccolto ben 16 vittorie su un totale di 54 nomination. 

    E la visione del pubblico contemporaneo non è così distante: nonostante le deviazioni dalla forma musical in animazione siano innumerevoli, lo spettatore medio è sempre legato alla concezione del cartone animato come storia sentimentale di ambientazione fiabesca, con qualche momento drammatico, genitori morti, animaletti e oggetti parlanti come spalle comiche, il tutto enfatizzato da musiche da Broadway. Disney negli anni ‘90 ha senza dubbio influito su questa visione. Ma in realtà la nostra storia parte molto prima di quel mondo magico popolato da sirenette, belle e bestie, ladruncoli arabi e leoni shakespeariani.

    Già nei suoi primi 30 anni di esistenza (ovvero i primi trent’anni del 900), l’animazione cinematografica tout court andava a passo di musica, e le più grandi rivoluzioni del medium riguardavano proprio il rapporto tra dimensione uditiva e visiva. Non è un caso che quella famosa immagine con un sorcio al timone di un vaporetto nel 1928 (primo tassello di un giro d’affari da 100 miliardi) sia diventato così famoso: è stato, infatti, il primo cartone animato con il sonoro sincronizzato (il primo film sonorizzato, The Jazz Singer, era uscito appena un anno prima)

    Negli anni ‘30, in virtù di questa innovazione, gli studi di produzione statunitensi cominciano a differenziare la loro produzione, spesso dividendola in due serie parallele: una in cui la musica e gli effetti sonori costituiscono una sottolineatura dell’azione scenica, un’altra in cui sono i disegni animati stessi a “rappresentare” ciò che la musica esprime, magari sperimentando anche di più col colore e con i nuovi personaggi. Anche se in entrambi i casi la maggior parte delle volte si assiste a 7 minuti di balletti e gag slapstick.

    È il caso, ad esempio, delle serie Warner Bros dei Looney Tunes e delle Merrie Melodies. Nella prima, in teoria, a prevalere dovrebbero essere l’immagine e la narrazione, nella seconda invece il sonoro, ma in breve tempo le differenze si fanno sempre più labili e risulta davvero difficile (e anche abbastanza inutile) allo spettatore moderno distinguere l’appartenenza di un corto di Bugs Bunny all’una o all’altra serie.

    Alle Merrie Melodies fecero eco da casa Disney le Silly Symphonies, nate con The Skeleton Dance nel 1929 dopo un acceso diverbio tra Walt stesso e il compositore Carl Stalling, che considerava a dir poco riduttivo l’uso fatto della sua musica. E infatti di lì a qualche anno sarebbe passato alla Warner, non prima però di aver creato i temi musicali per il film spartiacque della serie: The Three Little Pigs, del 1933. Un mini musical di 7 minuti in cui viene settata una formula estremamente efficace: musical animato, di ambientazione fiabesca, con un design dei personaggi semplice ma riconoscibile e un antagonista d’impatto. Ma soprattutto musiche orecchiabili con il tema principale Who’s afraid to the Big Bad Wolf? che risuonerà nelle radio degli americani rincuorandoli negli anni della Grande Depressione. Un momento seminale nell’evoluzione della musica nei film animati.

    E sicuramente una follia produttiva come Biancaneve e i Sette Nani (1937) poteva superare gli enormi costi di realizzazione solo seguendo la ricetta perfetta. Il film è lo spettacolo a cui tutti vogliono assistere, il musical animato che fa sognare lo spettatore grande e piccino come nessun attore in carne e ossa potrà mai. Qualsiasi sospensione dell’incredulità messa a dura prova dagli attori che dal nulla iniziano a cantare, è accarezzata dall’assolutezza del disegno. Lo spettatore vede Judy Garland prima di vedere Dorothy ne Il Mago di Oz, ma quando vede Biancaneve vede solo Biancaneve. 

    Certo, le canzoni oggi non possono apparire che datate, ma l’estremo ottimismo dei testi e delle musiche raggiunge i cuori di tutti gli spettatori. E nel passo successivo, Pinocchio (1940), questo spirito sognante e ottimista trascende con When You Wish Upon a Star, che diventa immediatamente l’inno della Disney stessa. 

    Dai toni più semplici e giocosi di Dumbo (1941) passiamo alla solennità naturalistica di Bambi (1942), da un folle periodo di mini musical a risparmio come Musica Maestro del 1946 (e certo lo swing e gli altri generi da classifica anni ‘40 non hanno retto alla prova del tempo) passiamo alla totale restaurazione del canone classico negli anni ‘50 (e guarda caso qualsiasi film Disney di quel periodo ha un brano totalizzante e sognante, da A Dream is a Wish Your Heart Makes di Cenerentola nel 1950 a Once Upon a Dream de La bella Addormentata nel Bosco nel 1959). Cominciamo anche ad avere brani più smaliziati come He’s a Tramp in Lilli e Il vagabondo (1955) o l’iconica Crudelia de Mon, per arrivare poi a una dimensione totalmente scanzonata negli anni 60-70. Ma finora, eccetto Disney, nessuno ha provato seriamente a sperimentare con i due generi nel lungometraggio. E quando lo Studio decide di metterlo da parte per un po’, tutto tace. Tranne Ralph Bakshi, che ripercorre la storia della musica americana in American Pop (1981).

    Disney risorge, prima nell’88 con un tiepido tentativo di musical urbano con Oliver & Co. (e le musiche di Billy Joel sono quasi sprecate per una storia che più derivativa non si può e un’animazione per l’ultima volta a risparmio) e poi finalmente con La Sirenetta (1989), rivisitiamo il canone di perfezione che sarà poi replicato ne La Bella e La Bestia (1991), Aladdin (1992) e Il Re Leone (1994): introduzione con una Happy Village song (oppure con qualche pezzo più solenne come Circle of Life), una I Want song in cui il protagonista urla i suoi sogni al pubblico, Villain song strepitosa in cui si fa la conoscenza del cattivo, una Sidekick song in cui arrivano le spalle comiche (quasi sempre il pezzo migliore del film) e la Love song tra i due innamorati con dominante rosa. Successo assicurato, soprattutto se dietro le musiche c’è un genio come Alan Menken, che porta il reggae nei mari del Nord e lo yodel nel Far West, o addirittura trasforma l’Arabia e l’Antica Grecia in moderne Las Vegas. Alcune volte si strizza di più l’occhio al pubblico come in Hercules (1997) o Mulan (1998), altre volte abbiamo momenti più drammatici come in Pocahontas (1995) e ne Il Gobbo di Notre Dame (1996), o lasciamo spazio a grandi interpretazioni autoriali (Phil Collins in Tarzan e Koda, Fratello Orso, Danny Elfman in Nightmare Before Christmas, Randy Newman nei film Pixar ma anche Elton John che prese il timone del pentagramma ne Il Re leone). 

    Alcuni studi rivali hanno provato a replicare questo schema con risultati alterni. Dreamworks con Il Principe d’Egitto (1998) tocca vette di dramma e solennità che la Disney ha solo sfiorato (e che chiunque altro si guarderà bene dall’osare), L’Incantesimo del Lago (1994) scimmiotta il modello fiaba malamente, Anastasia (1997) sembra quasi un gemello malvagio delle Principesse Disney (ma quanto è bella la Villain song) e film come Quest for Camelot (1998) e Cats Don’t Dance (1997) sono ibridi affascinanti ma confusi.

    Ma ancora una volta il musical animato entra in crisi. Le Follie dell’Imperatore (2000) cambia in corsa la sua natura, da musical epico con firma Sting ne esce una slapstick comedy spassosissima, ma i pochi pezzi sopravvissuti non sono certo memorabili (ndr: recuperate il brano perduto di Yzma, Snuff Out the Light). Film di Barbie a parte, nessuno punta più sul musical animato nei primi anni 2000, gli studios preferiscono fare uso di compilation di pezzi pop di collaudata fama, che forse si sposano meglio con i toni postmoderni dei film. E quando qualcuno prova a fare un musical puro, come nel caso de La Bottega dei Suicidi (2012), il risultato rasenta l’indecenza.

    Disney alla fine del decennio ci riprova con il jazz (La Principessa e il Ranocchio) e il soft Rock (Rapunzel), per poi sbancare le classifiche nel 2013 con Frozen e nel 2016 con Moana. La formula vince sempre, accompagnata da molte strizzate d’occhio al pubblico. Ma non è l’unica.

    Negli ultimi anni Illumination ha trovato un gradevole ibrido tra pop e musical con Sing (2016), Dreamworks risponde con Trolls (2016), la saga dell’Era Glaciale nel suo quarto film diventa un musical ma nessuno sa perché, abbiamo assistito a un derby messicano tra Coco (2017) e Il Libro della Vita (2014), fino ad arrivare al 2021, in cui Encanto ha portato il musical animato verso una nuova frontiera, quella dei video virali su qualsiasi social possibile. E il futuro è tutto da scoprire.

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  • Morte a Venezia – La fine dell’arte e della bellezza

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    “Hai raggiunto il perfetto equilibrio. L’uomo e l’artista sono ormai una cosa sola: hanno toccato il fondo insieme”

    (Morte a Venezia, Luchino Visconti)

    Decadenza.

    All’interno del corpus di opere di Luchino Visconti, questo tema ricorre spesso. Dal lamento funebre del principe di Salina per l’aristocrazia (“Noi fummo i gattopardi…”), alla rovina tragica e assieme ridicola dell’imperatore Ludwig di Baviera, passando attraverso le maestose macerie di storie d’amore spezzate, concluse o mai cominciate, la finitezza della natura umana e di tutte le sue faccende sembra essere sempre presente nella mente del regista italiano.

    Ma, nella sua opera, probabilmente mai tale tema viene affrontato in maniera tanto programmatica, a partire dallo stesso titolo, come in Morte a Venezia.

    L’arte, “punizione di Dio”

    Tratto dall’omonimo racconto di Thomas Mann, come da titolo il film è ambientato a Venezia. Il protagonista, Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), è un artista ammirato che ha però perso l’ispirazione. Si reca nella Serenissima per trascorrere un soggiorno che, tuttavia, si rivelerà fatale. Infatti, qui Aschenbach incontrerà un giovane adolescente polacco, Tadzio (Björn Andrésen), in vacanza con la famiglia. Il protagonista diventerà ossessionato dal ragazzo e dalla sua bellezza, e deciderà di proseguire ad oltranza la propria permanenza nella città solo per ammirarlo da lontano, anche quando diventerà chiaro che Venezia è preda di un’epidemia di colera.

    Nell’adattare l’opera di Mann, una delle grandi sfide affrontate dal regista e dallo sceneggiatore Nicola Badalucco è stata certamente traslare su schermo una vicenda che è estremamente intima e metaletteraria: Aschenbach è, infatti, uno scrittore, e buona parte del racconto è dedicata alle sue riflessioni, anche attorno al proprio mestiere. Per dare forma a tali elucubrazioni, nel film il personaggio è stato trasformato in un musicista, evidentemente ispirato alla figura di Gustav Mahler, di cui nel corso della pellicola ricorrono diversi brani, ed uno in particolare: il quarto movimento della sua quinta sinfonia, un Adagietto. Sostituendo alla dimensione della scrittura quella della musica, si riesce a fornire maggiore concretezza all’arte del protagonista nel passaggio dalla pagina allo schermo.

    La natura particolarmente interiore dell’opera di Mann torna anche nel film: le scene di dialogo sono molto rare, rendendo ogni scambio di parole prezioso e memorabile. Particolarmente importanti sono soprattutto le discussioni, non presenti nel libro, tra Aschenbach e un suo amico, Alfred, che si confrontano attorno a questioni topiche che lo stesso protagonista affronta nella controparte cartacea.

    Uno dei temi fondamentali sollevati nel film è quello dell’arte e dell’immagine di chi crea. Se da una parte Aschenbach professa la necessità dell’artista di essere modello esemplare, Alfred celebra l’ambiguità dell’arte (e in particolare della musica, da lui definita “ambiguità elevata a sistema”) e dell’artista, affermando che non può esserci arte senza che chi la produce sia dotato di una certa qualità “demoniaca”. Ugualmente, se Aschenbach da una parte si dice convinto che l’arte sia sostanzialmente tecnica, una scienza esatta che necessita di studio, al contrario Alfred la considera inscindibile dalla vita e dall’esperienza diretta.

    Oggetto dell’arte, secondo i due, sarebbe il raggiungimento della bellezza. Tuttavia, anche in questo caso le loro visioni sono discordanti: da una parte Ashenbach cita, nuovamente, il dominio dei sensi e il raggiungimento di uno stato equilibrato come fondamentali per produrre bellezza; dall’altra, secondo Alfred la bellezza non è creata ma presente nella realtà, e un’artista non può, per raggiungerla, non fare appello ai suoi istinti più bassi.

    “Quant’è bella giovinezza…”

    La fascinazione del protagonista nei confronti del giovane polacco, che va intensificandosi nel corso del film tanto da spingerlo a seguire lui e la sua famiglia attraverso Venezia, ha certamente a che fare con un desiderio erotico, esplicitato dallo stesso Aschenbach più chiaramente nel libro. Tale elemento, assieme alle testimonianze dell’attore allora 15enne Björn Andrésen su come il culto dell’immagine di cui divenne oggetto dopo l’uscita del film rovinò la sua vita (la sua esperienza è raccontata più nel dettaglio nel documentario Il ragazzo più bello del mondo), potrebbero risultare disturbanti per diversi spettatori odierni. Tuttavia, pur essendo doveroso citare e tener conto, nel discutere Morte a Venezia, delle conseguenze negative della produzione sulla vita di un attore bambino, è anche necessario far emergere quale significato più profondo potrebbe avere l’ossessione del protagonista per l’adolescente nell’ambito della teorizzazione portata avanti dal film.

    A sinistra: Tadzio in Morte a Venezia. A destra: Gilbert Cocteau, protagonista del manga Il poema del vento e degli alberi. Dopo la fama ottenuta col film, Andrésen si recò in Giappone, dove fece da modello per mangaka quali Keiko Takemiya e Riyoko Ikeda, divenendo il prototipo di diversi bishōnen -letteralmente “bel ragazzo”-, “tipo” androgino presente soprattutto in manga a tematica omosessuale

    Il desiderio di Aschenbach si manifesta esclusivamente, nel corso del film, attraverso una serie di ambigui scambi di sguardi. L’ossessione dell’artista assume la dimensione di una forma di venerazione religiosa, nella quale Tadzio svolge il ruolo di icona del proprio culto, un culto che, più che attorno al ragazzo stesso, verte attorno a ciò che egli rappresenta: la bellezza assoluta, che in quanto artista Aschenbach aspira a raggiungere, e la giovinezza. Così le pose plastiche assunte da Andrésen nel corso del film (Lawrence J. Quirk ebbe a dire in The Great Romantic Films che certe sue immagini «potevano essere prese dalla pellicola e appese nelle sale del Louvre o del Vaticano») trovano giustificazione. Tadzio non è mai personaggio a tutto tondo, ma solo rappresentazione, simbolo, oggetto di contemplazione e adorazione, al pari di ciò che era stato per l’imperatore Adriano il giovane Antinoo, la cui immagine venne riprodotta in mille forme a seguito della sua prematura morte.

    Il collegamento con la classicità greco-romana, d’altronde, è innegabile: il modello di bellezza incarnato da Tadzio e venerato da Aschenbach è quello efebico di certe statue antiche, e la passione del protagonista è di tipo pederastico. La pederastia, ovvero il rapporto anche sessuale tra un adolescente ed un adulto, era infatti normalizzata ed incoraggiata soprattutto all’interno della cultura greca, nella quale aveva principalmente valore iniziatico ed educativo.

    Busto raffigurante Antinoo, amante dell’imperatore romano Adriano

    Altri grandi modelli sono quelli del Decadentismo e dell’Estetismo, movimenti artistico-letterari che assumevano come fine della vita proprio la ricerca del piacere e del Bello. Questa, tuttavia, conduce al degrado: la ricerca amorale da parte dell’artista di nuove, eccitanti esperienze lo porta spesso e volentieri all’annientamento proprio e\o di chi gli sta attorno (così è ad esempio per il protagonista de Il ritratto di Dorian Gray). 

    Tale è il percorso di Aschenbach nel corso di Morte a Venezia: l’ossessiva osservazione di Tadzio si accompagna ad un evidente declino delle sue facoltà psico-fisiche, che culmina nella morte preannunciata nel titolo, avvenuta sul Lido mentre è in contemplazione del ragazzo.

    Il punto più basso del deterioramento del musicista è probabilmente quello in cui si fa imbellettare da un barbiere, nel tentativo di sembrare più giovane: un travestimento grottesco, anticipato dall’apparizione precedente di due personaggi con cui Aschenbach interagisce, manifestazione della decadenza tanto della sua arte quanto della sua anima.

    Tadzio è, infatti, anche il “paìs” per eccellenza, il simbolo della gioventù: la sua bellezza è tale solo in virtù della giovane età, che è destinato a perpetuare in eterno (nel libro, Aschenbach immagina che non vivrà a lungo). Pertanto, è inarrivabile per il musicista, ormai vecchio, e i suoi tentativi di avvicinarsi non possono che ritorcerglisi contro.

    “Non c’è al mondo impurità così impura come la vecchiaia”.

    (Morte a Venezia, Luchino Visconti)

    Serenissima

    In Morte a Venezia, tutto è finito prima di cominciare: l’arte, sino ad allora oggetto della vita del protagonista, lo ha abbandonato; la bellezza, che pure esiste, non può essere replicata ma neppure raggiunta; la giovinezza, che dovrebbe essere uno stato idilliaco della vita, è passata per Aschenbach ed è tanto breve quanto fragile (oltre al presagio della morte di Tadzio, nel film scopriamo che la figlia del protagonista è morta da bambina). 

    Anche la Venezia di Visconti, lungi dall’essere la bella meta turistica vendutaci di solito, è solo sporadicamente un luogo attrattivo: funestata dallo scirocco, i propri monumenti più famosi ingolfati nel grigiore e nella nebbia, popolata da figure bizzarre ed avide, ed infine svuotata e devastata dal colera. D’altronde, quale luogo migliore di Venezia, la meravigliosa città che affonda, per raccontare la decadenza di un artista? Quale albergo migliore del lussuoso Hotel des Bains, fantasma della sua gloria passata già ai tempi delle riprese?

    Morte a Venezia è la narrazione, disturbata eppure straordinariamente limpida, di molteplici morti: il decesso di Aschenbach non è che l’ultima, estrema conseguenza della presa di coscienza del fatto che, prima di lui, se ne sono andati arte, e bellezza, e giovinezza. Neppure il richiamo del giovane Tadzio, che col proprio ultimo gesto sembra indicargli l’orizzonte, l’avvenire, è sufficiente in quest’occasione: Aschenbach ricade morto sulla sua sedia, incapace, questa volta, di seguirlo.

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  • Recensione The Last of Us – La rivincita degli adattamenti

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    Adattare un videogioco sotto forma di film o serie tv non è mai stato un compito facile, soprattutto se in live action. Ne sono esempio Super Mario Bros (Annabel Jankel & Rocky Morton, 1993), le pellicole di Uwe Boll da House Of The Dead a Far Cry, la saga dedicata a Resident Evil diretta da Paul W. S. Anderson o il recente adattamento di Netflix. Qualcosa negli anni era comunque riuscito a distinguersi, come Silent Hill (Christophe Gans, 2006), Resident Evil: Welcome To Raccoon City (Johannes Roberts, 2021), Uncharted (Ruben Fleischer, 2022) o la serie tv Halo prodotta da Paramount+. Tuttavia ci si è sempre ritrovati di fronte a prodotti interessanti ma comunque problematici o che si distanziavano in maniera netta dal materiale di partenza.

    La notizia dell’intenzione di adattare The Last Of Us, da molti ritenuto uno dei più grandi capolavori recenti dell’industria videoludica, generò molta paura soprattutto negli appassionati. L’intenzione però di sviluppare una serie e non una singola pellicola e di affidarla ad un team di HBO in stretto contatto con i creatori stessi del videogioco aiutarono a placare gli animi e a creare un’enorme attesa per l’uscita della serie.

    Adattare una storia

    1968. Durante un talk show televisivo, con fredda cinicità il dottor Neuman racconta di come l’essere umano negli anni sia stato capace di sopravvivere a numerose pandemie virali, trovando sempre un modo per sopravvivere e vincere, e di come, invece, in caso di una evoluzione genetica da parte dei funghi, risulterebbe impossibile salvarsi e che soccombere sarebbe l’unico destino possibile per l’uomo. Nel 2003 l’agghiacciante previsione di Neuman diviene realtà: una mutazione del Cordyceps permette al fungo di prendere il controllo degli umani, rendendoli così dei gusci vuoti a caccia di nuovi terreni da contaminare. Saltando avanti di vent’anni la serie ci porta quindi nell’effettivo presente narrativo, nel 2023, in un’America devastata e selvaggia che lo spettatore attraverserà assieme a Joel (Pedro Pascal) ed Ellie (Bella Ramsey), una quattordicenne immune all’infezione, nel tentativo di raggiungere un lontano ospedale in cui poter creare un vaccino studiando le cause dell’immunità della teenager.

    Se da un lato la storia del videogame The Last Of Us presentava di già una forte impostazione cinematografica, con lunghe cutscene, personaggi approfonditi ed una narrazione centrale nell’esperienza di gioco, tutto questo veniva al tempo stesso accompagnato da un gameplay che permetteva di vivere direttamente il viaggio, condividendo momenti di fatica e di terrore assieme alla piccola Ellie, creando così un forte legame tra il giocatore ed i personaggi. Non è di certo impossibile fare ciò anche all’interno di un medium passivo come quello televisivo, ma si presentava l’inevitabile necessità di “riscrivere” alcuni momenti della narrazione che il team ha sapientemente sfruttato per inserire alcuni cambiamenti – l’esistenza ed il ruolo di Jacksonville, la storia di Bill e Frank, le modalità di contagio, la malattia di Sam – ma anche alcune sequenze del tutto nuove, come i flashback sulle origini dell’infezione o la nascita di Ellie.

    Il legame tra il videogioco e la serie è poi ulteriormente rimarcato dai diversi cameo degli attori “originali”, da Troy Baker e Ashley Williams (gli originali Joel ed Ellie qui nei panni, rispettivamente, del braccio destro di David e della madre di Ellie) a Merle Dandridge che riveste anche qui i panni della leader delle Luci Marlene, e dalla fedeltà con cui il reparto costumi e trucco ha trasposto su schermo i personaggi ma soprattutto i mostri, realizzati con l’ausilio di trucco prostetico e pochissima computer grafica.

    Una storia di contraddizioni

    Dietro una facciata fatta di città devastate e pericolosi infetti, la serie racconta – in maniera lampante – una storia al cui centro si trovano i personaggi, con le proprie contraddizioni ed il loro costante evolversi: Joel, chiuso, cinico e senza legami si ritrova a superare il lutto e ad affezionarsi alla giovane Ellie, persa in un mondo per cui non vuole combattere e che accetta con il proseguire del viaggio il suo destino di “predestinata”. Ma accanto a loro si trovano numerosi personaggi secondari che rappresentano appieno le contraddizioni dell’animo umano, come Bill, salvatosi dall’infezione grazie alle suo isolazionismo paranoico che rischia la vita pur di stare accanto alla persona di cui si innamora, Kahtleen, desiderosa di “liberare il popolo” dalla violenza dell’occupazione militare e che finisce però per usare gli stessi mezzi, Tess, disposta ad uccidere e sacrificare chiunque per sopravvivere che però mette in pericolo se stessa pur di salvare Joel e Ellie, o David, fanatico religioso ossessionato da Dio e la vita di comunità che si rivela un sadico cannibale.

    L’ottima scrittura viene poi supportata da un cast eccezionale, su tutti la coppia Pascal/Ramsey che mette in scena un’interpretazione che non sfigura minimamente rispetto alla controparte videoludica, capace di donare grande impatto emotivo anche alle sequenze minori, e da una messa in scena sempre ottima, grazie all’eccelso lavoro svolto dal team di registi – tra cui si annovera anche quello di Neil Druckmann, direttore creativo dei videogiochi a cui si ispira la serie.

    Conclusioni

    The Last Of Us riesce dove tanti prima di lei avevano fallito: creare un buon adattamento da un videogioco, capace di conquistare sia i fan dell’opera originale che un pubblico di novizi. La storia del gioco viene ripresa in gran parte in maniera identica, apportando i giusti cambiamenti per rendere il tutto più godibile attraverso il medium televisivo, mantenendo intatta l’atmosfera originale anche grazie all’eccellente lavoro svolto da parte dei costumisti e dei truccatori. Ciliegina sulla torta è poi l’interpretazione degli attori, grazie alla quale vengono create sequenze memorabili che rimarranno impresse nella mente dello spettatore per parecchio tempo.

    Siamo insomma davanti ad un punto di svolta effettivo: The Last Of Us è il primo adattamento videoludico che funziona in ogni sua parte, ponendosi come ottima opera parallela all’originale e aprendo le porte ad un futuro decisamente roseo.

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  • Recensione Fleishman a pezzi – Decostruzione dei quarant’anni

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    Spesso accade, quando sullo schermo viene decostruito un divorzio, che si inneschi un meccanismo narrativo molto simile al whodunit dei murder mystery. Il pubblico inizia un viaggio alla ricerca della prova, dell’indizio che smascheri il colpevole. Un altro punto comune però è rappresentato dal fatto che, altrettanto spesso, nella finzione come nella realtà questo sia impossibile da individuare. Il fulcro di queste narrazioni si sposta dunque sul punto di vista adottato. Fleishman a pezzi esordisce come un’investigazione sul matrimonio ma finisce per essere molto di più, prima di tutto uno studio teorico sulla prospettiva che, più volte, lungo il suo sviluppo ci lascia, appunto, a pezzi.

    Citazionismi diffusi per millennial disillusi

    In Fleishman a pezzi convivono anche le vite artistiche passate del cast, in un insieme di citazioni e collegamenti intertestuali- più o meno espliciti- che convergono a renderlo il prodotto perfetto per rappresentare millennial in crisi. Lo spettatore si ritrova a dover fare i conti con i personaggi della propria adolescenza, forse un pò più invecchiati, ma non per questo più risolti. Uno su tutti è Adam Brody che interpreta un broker immaturo, apparentemente salvo dalle complicazioni che abitano le vite dei suoi amici, di nome Seth, come il personaggio che lo ha consacrato in The O.C. Chi impersona questa sensazione al meglio è però Lizzy Caplan – conosciuta dietro i banchi di scuola di Freaks and Geeks e Mean Girls – a cui viene affidato il personaggio narrante, protagonista al tempo stesso di una personale ricerca del tempo e delle ambizioni perdute.

    All’esordio della serie Toby Fleishman, epatologo sull’orlo di una promozione -come anche di una crisi di nervi-, afferma che ciò che maggiormente lo affascina del fegato sia la sua capacità unica di rigenerarsi, caratteristica che si trova, quindi, insita nell’uomo e a cui lui stesso dovrà imparare ad affidarsi, in questo momento più che mai. Solo per la prima volta in quindici, dopo la separazione da Rachel, agente teatrale di grande successo, Toby vive una realtà capovolta in cui fatica a conciliare quello che resta della sua vita famigliare con la nuova versione di sé che si rivela essere sorprendentemente di successo sulle dating app. Soprattutto quando una notte Rachel abbandona i figli a casa sua per non tornare a riprenderli nei giorni successivi.

    Un coming of age in incognito

    Ciò che c’è di interessante in Fleishman a pezzi si svolge lontano dalle fantasiose, quanto inevitabili, elucubrazioni di Toby riguardo quello che possa essere realmente successo a Rachel. L’unico reale mistero che si tenta di risolvere nella serie, come nel romanzo, è la capacità delle persone di affrontare cambiamenti drammatici, resistere a colpi apparentemente definitivi, uscendone infine sempre sé stessi. Fleishman a pezzi raccoglie sapientemente l’eredità delle storie di newyorkesi ebrei tendenzialmente sfigati a cui ammicca il titolo italiano e ribalta l’atteso in favore dell’inaspettato, rivelando qui il suo punto di forza. 

    Lo sguardo si fà sempre più introspettivo e la narrazione si stratifica con l’incedere delle puntate, dando finalmente spazio al femminile – mai realmente assente – attraverso la prospettiva di Libby, scrittrice in potenza da praticamente tutta la vita, riciclata a casalinga del New Jersey. Che sia Libby a narrare la storia è quanto di meno scolastico possibile, qui non c’entra nulla l’empowerment femminile da manuale pop perché Libby le donne non le capisce, almeno le donne che la circondano. Se Rachel le è sempre apparsa troppo egoriferita per interessarsi alle persone attorno a lei, le madri del New Jersey sembrano dedicare alla famiglia tutta la loro vita, sacrificando totalmente la propria individualità. I suoi legami significativi sono solo con uomini, pratica empatia e comprensione esclusivamente nei loro confronti, li ammira, li invidia e talvolta li detesta ma li considera.

    Come spesso accade quando si ascoltano due versioni della stessa storia i ruoli non sono mai statici ed anche in questo caso si conferma la regola secondo la quale gli eroi si rivelano essere al tempo stesso i più spietati antieroi. Ad oscillare, contaminarsi e a mescolarsi fino a diventare indistinguibili sono anche generi e toni, il grido prima soffocato e poi disperato di Rachel stona in modo quasi comico con il resort extralusso in cui è immersa; l’ambiente in cui dovrebbe ritrovare la pace non rappresenta altro che tutto quello da cui si è lasciata, volutamente, ingabbiare.

    Fleishman a pezzi non è un coming of age, per ovvie ragioni anagrafiche, ma lo vorrebbe disperatamente essere, lo vorrebbe quasi quanto i suoi protagonisti che per tutte le otto ore di durata della serie rincorrono l’impossibilità di voltarsi, di tornare indietro, per riconnettersi con una versione di sé di cui hanno un ricordo nitido ma che al tempo stesso non riescono più a trovare. La serie è anche questo, una storia sul desiderio di tornare all’adolescenza, alla libertà data dall’assenza di obblighi nei confronti degli altri, a una sigaretta fumata davanti al cinema nella città dei tuoi vent’anni.

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  • Recensione L’ultima notte di Amore – Il ritorno del noir italiano

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    Una lunga panoramica di Milano, accompagnata dai titoli di testa e dalle musiche di Santi Pulvirenti, apre il terzo film di Andrea Di Stefano, già regista di Escobar con protagonista Benicio Del Toro e The Informer – Tre secondi per sopravvivere, realizzato con un cast internazionale. L’ultima notte di Amore, presentato durante l’ultimo Festival di Berlino,  narra la storia del poliziotto Franco Amore, che si dice essere Amore di nome e di fatto. Giunto ormai all’ultima notte di servizio prima della pensione, come prevede ogni buon film di genere che si rispetti, verrà coinvolto in una serie di avvenimenti che renderanno quella notte più lunga e difficile di quanto lui avrebbe mai potuto immaginare, mettendo in pericolo tutto ciò che gli è più caro.

    Per questo ritorno in patria Di Stefano si affida al talento di Pierfrancesco Favino, realizzando un noir ambientato in una Milano che viene presentata come se fosse New York. Una città mostrata sin dall’inizio nei suoi chiaroscuri, con i contrasti tra le luci delle strade e il buio degli edifici e del nero degli indumenti indossati dai protagonisti. Delle contrapposizioni visive che accompagneranno lo spettatore per tutto il film e che caratterizzeranno la lunga notte che il poliziotto Amore dovrà affrontare, le scelte che dovrà compiere, che pongono più di un quesito etico e che comportano nelle loro conseguenze sempre dei chiari e degli scuri. La scelta di ambientare la vicenda a Milano non è casuale, non solo perché il capoluogo lombardo è la città più internazionale d’Italia, ma anche perché è stata la scenografia di alcuni dei migliori polizieschi della storia del cinema italiano come Milano Calibro 9 e La mala ordina di Ferdinando Di Leo, film che Di Stefano omaggia e usa come ispirazione, pur cercando di innovare e mettere in scena un noir italiano come non si vedeva da tempo. Questa rielaborazione del passato viene sottolineata dalle parole di Favino riferite alle macchine usate durante il film e che suonano quasi come metacinematografiche in termini di innovazione: “incredibile la tecnologia di queste macchine nuove”. Pur dipingendo una Milano meno violenta e decadente rispetto ai film di Di Leo, la città, esattamente come nei film del regista pugliese, viene mostrata nella sua continua evoluzione economica in cui un ruolo importante è giocato dalla corruzione e dal marciume della criminalità.

    Di Stefano costruisce perfettamente la discesa nell’incubo metropolitano di Amore, con un sapiente uso del flashback in grado di ribaltare il significato delle immagini viste in precedenza. Il protagonista, interpretato da un sempre straordinario Pierfrancesco Favino, è di fatto un uomo buono, che in “35 anni di onorato servizio non ha mai sparato”, come viene spesso sottolineato durante il film. Una persona a suo modo anche ingenua, fattore che gli ha impedito di fare carriera all’interno della polizia, che ha fiducia nella parola delle persone e per questo accetta incarichi senza davvero sapere a cosa stia andando incontro, pur di racimolare qualche soldo in più. Mansioni a cui viene spinto da tutte le persone che lo circondano, in primis la moglie Viviana, interpretata da una brava Linda Caridi, che vedono nella figura di Amore la possibilità di un riscatto sociale ed economico. Un’ingenuità che viene sfruttata tuttavia per incastrare il protagonista, durante la sua ultima notte prima del congedo della pensione, e che accompagnerà Amore fino al termine della pellicola, in cui crede davvero di poter assistere ad una nuova alba nella sua vita, con un finale aperto che sembra tuttavia indicare come alla fine saranno sempre gli strati meno abbienti della società a pagare per tutti, perdendo tutto ciò che gli è più caro, e che non è concesso loro sognare un altro stile di vita diverso da quello a cui appartengono per nascita.

    Nonostante quasi tutto il film sia ambientato all’aperto, la forza della pellicola è quella di mettere in scena la maggior parte degli eventi in un luogo solo ovvero nel sottopassaggio di uno svincolo autostradale, dove tutti i personaggi progressivamente interagiscono, creando un thriller “da camera” e aumentando notevolmente la tensione, creando situazioni pronte a esplodere da un momento all’altro. Un microcosmo illuminato dalle luci della polizia e delle strade, dove piano a piano l’incubo prende forma. Di Stefano attualizza il noir rispetto ai film di Di Leo tenendo conto di come la città sia cambiata in cinquant’anni, coinvolgendo attività criminali da parte dei cinesi e costruendo un intreccio notevole con tanto di colpi di scena ben orchestrati. Nelle poche scene di sole il cambio di atmosfera viene accentuato dai cambi del clima e di conseguenza della fotografia, con una variazione verso il grigio durante i dialoghi che trasmettono tensione, a sottolineare l’arrivo imminente di una tempesta. 

    Un plauso speciale va fatto alle musiche di Santi Pulvirenti, molto coerenti con il tono del film, mentre ancora una volta si ritrovano diverse problematiche nella presa diretta e nel montaggio sonoro, con alcuni dialoghi al limite del comprensibile come purtroppo spesso accade nelle produzioni italiane. All’interno della pellicola il regista sfrutta anche la rivalità tra polizia e carabinieri e mette in mostra il marcio presente in entrambi gli schieramenti, sempre pronti a negare e a difendere a spada tratta i propri colleghi per partito preso. Se questo film possa dare nuova linfa vitale al genere noir in Italia è ancora presto per dirlo, ma opere come questa sono la dimostrazione di come il cinema italiano sia in continua evoluzione e sia in grado di produrre ottimi film di genere che risultano essere grandi opere in senso assoluto.

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    Luca Orusa,
    Segretario e Tesoriere, caporedattore.

  • Oscar al miglior film – 8 vittorie controverse

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    Gli Oscar sono, ancora oggi, considerati da molti un certificato di qualità. In verità il più delle volte le vittorie non sono che uno specchio interessante della situazione mediatica del momento, quando non addirittura uno spaccato della società. Il senno di poi e il trascorrere del tempo, col cristallizzarsi di una sorta di “enciclopedia” di film più o meno importanti, ci aiutano, certamente, a constatare quali vincitori della statuetta a “miglior film” sono rimasti nella nostra memoria collettiva e quali, invece, forse non avrebbero meritato tale riconoscimento rispetto agli altri concorrenti. 

    In questo articolo affronteremo otto occasioni in cui l’Oscar al miglior film potrebbe essere potenzialmente immeritato secondo il parere di chi scrive.

    1942: Com’era verde la mia valle (John Ford)

    La nostra prima annata dev’essere stata un grattacapo per i votanti. Tra i candidati sono annoverati infatti, oltre al film vincitore, altre opere di grandi ed acclamati registi con cast d’eccezione e\o grandi successi di pubblico e critica, diventati successivamente dei classici: Il mistero del falco (John Huston), Piccole volpi (William Wyler), Il sergente York (Howard Hawks), Sospetto (Alfred Hitchcock). Tuttavia, ad oggi è difficile non pensare che il vincitore avrebbe dovuto essere il film che, oltre a rivoluzionare il cinema tutto, è ancora considerato da molti il migliore di sempre: stiamo parlando del debutto di Orson Welles, ventiseienne al momento dell’uscita di Quarto potere.

    La scelta dell’Academy, certo, non appare fuori luogo: Ford era un regista più anziano con una lunga carriera alle spalle, il film era tratto da un libro best seller e aveva un cast di attori già conosciuti nell’industria (Welles aveva assunto per lo più interpreti della propria compagnia teatrale). Com’era verde la mia valle possiede inoltre una struttura narrativa molto più tradizionale rispetto al debutto del giovanissimo regista. Tuttavia, a distanza di decenni è difficile non ritenere questa vittoria, anche se perfettamente comprensibile, poco lungimirante. 

    1957: Il giro del mondo in 80 giorni (Michael Anderson)

    Per molto tempo, gli Oscar sono stati assegnati soprattutto a blockbuster, premiati più per il loro valore produttivo che per quello dell’opera nel suo complesso.

    Nella cinquina del ’57, praticamente tutti i titoli rientrano sotto questa etichetta. Abbiamo sia un western (La legge del Signore, William Wyler) sia un musical (Il re ed io, Walter Lang), entrambi generi al tempo considerati ottimi investimenti e capaci di creare un sicuro ritorno economico. Il vincitore, oltre ad avere un cast d’eccezione per l’epoca e più di quaranta attori famosi in camei, non aveva lesinato nella produzione per riprodurre il maestoso viaggio del romanzo omonimo di Verne. Gli altri due grandi nomi dell’anno erano I dieci comandamenti (Cecil B. De Mille), kolossal biblico remake di una pellicola muta dello stesso regista, e Il gigante (George Stevens), ultimo film con protagonista James Dean, già morto all’epoca dell’uscita.

    Tutti questi film possedevano potenzialmente una marcia in più per vincere il premio, grazie alla loro esasperata spettacolarità. Non è certo colpa dell’Academy se, a distanza di decenni, quello di Anderson potrebbe essere il più dimenticabile.

    1977-Rocky (John G. Avildsen)

    Rocky è tuttora considerato a buona ragione uno dei migliori sport movies di sempre. Tuttavia ad una neanche troppo attenta occhiata alla lista dei contendenti dell’Oscar nel ‘77, la sua vittoria risulta abbastanza fuori luogo. La cinquina comprendeva tra gli altri Questa terra è la mia terra (Hal Ashby), uno dei primi film a fare uso della macchina da presa steadicam, e Tutti gli uomini del presidente (Alan J. Pakula), che raccontava a breve distanza di tempo lo scandalo Watergate (avvenuto nel ’74) concentrandosi sulle indagini giornalistiche che lo avevano smantellato. 

    Un altro dei grandi titoli dell’anno era certamente Quinto potere (Sidney Lumet), il quale in quell’occasione si portò a casa alcuni riconoscimenti alquanto impressionanti: il primo Oscar postumo ad un attore (Peter Finch) e il premio alla migliore attrice non protagonista a Beatrice Straight, per quella che è tuttora la performance col minutaggio più breve mai premiata dall’Academy (in tutto 5 minuti e 2 secondi). D’altra parte, quello era anche l’anno della nomination di Taxi Driver (Martin Scorsese), di cui non è certo necessario ricordare l’ importanza storica.

    Di fronte ad avversari di questo calibro, il trionfo di Rocky risulta di certo ridimensionato: forse, di fronte al capolavoro di Scorsese, Balboa sarebbe dovuto andare K.O.

    1999: Shakespeare in love (John Madden)

    Non crediamo di risultare controversi chiamando questa vittoria una delle più discusse nella storia dell’Academy. Il film storico ispirato alla vita di William Shakespeare risulta senz’altro piacevole, ma quell’anno aveva avversari di livello sicuramente superiore. 

    Nella categoria “miglior film” erano infatti candidati Elizabeth (Shekhar Kapur), altra pellicola storica ambientata in età elisabettiana nonché primo grande successo dell’attrice Cate Blanchett, e La vita è bella di Roberto Benigni, che quella notte si sarebbe portato a casa altre due statuette. Ma i grandi nomi della cinquina, quell’anno, erano quelli di due war movies realizzati da maestri assoluti della settima arte: Salvate il soldato Ryan di Steven Spielberg e La sottile linea rossa di Terrence Malick.

    Ad oggi, il successo di Shakespeare in love agli Oscar (vinse in totale sette statuette) viene ricondotto più che alla sua qualità eccelsa alla campagna pubblicitaria martellante messa in atto dall’allora dirigente della casa di produzione, la Miramax, e produttore del film: Harvey Weinstein. Si è trattata forse di una delle prime occasioni, nella storia degli Academy, in cui è stato compreso il potere di una buona campagna marketing.

    2002: A beautiful mind (Ron Howard)

    Ci troviamo di nuovo davanti ad un caso in cui non è tanto la scarsa qualità del film vincitore a rendere potenzialmente ingiusta la sua vittoria, ma piuttosto il surplus degli avversari. Nel caso del 2002, A beautiful mind, ispirato alla storia vera del matematico John Forbes Nash Jr., aveva tra i propri competitori l’ultimo film di Robert Altman, Gosford Park, e il dramma In the bedroom, debutto alla regia di un lungometraggio di Todd Field (in concorso quest’anno con Tár).

    Ma a spiccare quell’anno nella cinquina come titoli “inusuali” erano certamente Il signore degli anelli-La compagnia dell’anello (Peter Jackson) e Moulin Rouge! (Baz Luhrmann). Il primo era l’apripista di una saga di dimensioni impensabili per l’epoca, tratta da una trilogia di fama mondiale e fino ad allora mai adattata per intero. Il secondo, col suo successo e la propria impostazione, è da molti considerato il film che ha ridato linfa vitale al musical.

    L’Academy ha sempre avuto la tendenza a premiare il dramma, ignorando totalmente determinati generi cinematografici, e dunque la scelta non può sorprendere. Jackson ha avuto comunque la sua “rivincita” due anni dopo, quando Il ritorno del re vinse ben 11 premi Oscar (compreso quello a miglior film!), mentre l’Academy decise di premiare il musical l’anno successivo con Chicago (Rob Marshall).

    2006: Crash – Contatto fisico (Paul Haggis)

    Se la vostra prima reazione nel leggere il titolo qui sopra è stata chiedervi “aspetta, che film è?”, sappiate che non siete soli. Crash è costituito di un insieme di storie vertenti attorno al tema del razzismo, con un cast corale composto tra gli altri da Don Cheadle, Matt Dillon, Brendan Fraser e Sandra Bullock. 

    La cinquina degli Oscar 2006 comprendeva la seconda regia di George Clooney, Good Morning, and Good Luck., la prima collaborazione tra Spielberg e l’autore teatrale Tony Kushner, Munich, e Truman Capote – A sangue freddo, grazie al quale quella notte Philip Seymour Hoffman portò a casa la sua prima (ed unica) statuetta come miglior attore. Tuttavia, il grande favorito della serata era I segreti di Brokeback Mountain (Ang Lee), neo western che aveva macinato consensi e premi nel corso della award season e che, ai tempi, rappresentava uno dei pochi casi in cui al centro di un film rivolto ad un pubblico mainstream c’era la narrazione esplicita di un amore omosessuale.

    Il caso di Crash rappresenta forse un esempio evidente del fatto che vincere un Oscar non garantisce a un film lo statuto automatico di film memorabile.

    2011-Il discorso del re (Tom Hooper)

    L’edizione del 2011 ha fatto furore (non proprio in positivo) sia a causa della conduzione, affidata ad Anne Hathaway e James Franco, sia per le vittorie. Il biopic storico che si aggiudicò la statuetta a miglior film aveva infatti avversari di tutto rispetto. I candidati della categoria comprendevano Un gelido inverno, consacrazione attoriale di una non ancora ventenne Jennifer Lawrence, i nuovi film di David O. Russell (The Fighter), dei fratelli Coen (Il Grinta) e di Danny Boyle (127 ore), la commedia a tema queer I ragazzi stanno bene e, sorprendentemente, un film d’animazione, ovvero Toy Story 3-La grande fuga.

    Tra i principali favoriti della serata vi erano due pellicole che molto dovevano all’animazione nipponica: l’allucinato viaggio nel mondo della danza di Darren Aronofsky, Il cigno nero, con cui Natalie Portman vinse l’Oscar alla migliore attrice, e l’altrettanto curioso Inception di Christopher Nolan. Chiudeva la rosa dei candidati quello che, ad oggi, è considerato da diversi critici uno dei film migliori del 21esimo secolo: The Social Network di David Fincher, storia della nascita di Facebook. Con un avversario che nel corso del tempo ha acquistato una tale nomea, la vittoria de Il discorso del re non può non far sollevare qualche sopracciglio.

    2022: CODA – I segni del cuore (Sian Heder)

    Impossibile chiudere senza citare la più recente delusione fornitaci dall’Academy.

    Dopo la batosta della pandemia, la scorsa annata cinematografica ci ha regalato diverse uscite interessanti e nomination più che valide: abbiamo avuto il ritorno di grandi maestri come Jane Campion (Il potere del cane) e Paul Thomas Anderson (Licorice Pizza), nuovi film di affermati autori come Spielberg (West Side Story) e Guillermo del Toro (La fiera delle illusioni), adattamenti di grandi opere letterarie (Drive my car, Dune) e racconti autobiografici (Belfast). 

    Ha sorpreso dunque la vittoria di CODA , remake del francese La famiglia Bélier, raccontante le vicende di una ragazza che fa da interprete alla sua intera famiglia, composta da persone sordo-mute. Sebbene il film di Heder non sia privo di valore, anche grazie alle buone interpretazioni del cast, composto da persone realmente sordo-mute (al contrario che nell’originale francese), veder vincere un premio tanto ambito ad un film dimenticabile in un’annata così ricca di pellicole di assoluto livello ha indubbiamente deluso molti appassionati.

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  • Recensione Missing – Il mondo in uno schermo

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    Nell’epoca di universi condivisi, multiversi, saghe, prequel, requel, sequel e reboot, forse questo di Missing è il più insolito e inatteso: il film della coppia Nicholas Johnson e Will Merrick si pone infatti come sequel stand-alone di Searching (2018), di Aneesh Chaganty, che torna in veste di soggettista e produttore per creare un universo condiviso di film-screencast (o screenmovie: quei film narrati tramite uno schermo di un pc, di uno smartphone, di un televisore o di qualsiasi altro apparecchio elettronico). Forse agli occhi e alle orecchie più attenti non sarà sfuggito il collegamento più velato a Run, altro thriller di recente uscita e sempre con Aneesh Chaganty in cabina di regia: non è quindi ancora ben chiaro che progetto si stia cercando di portare avanti, se un universo condiviso di “thriller onscreen” (Run non aveva questa caratteristica, forse il collegamento era semplicemente un easter egg fine a sé stesso), oppure un filone antologico di cui Chaganty terrà le redini.

    Infatti, se Searching raccontava di un padre che indagava sulla scomparsa della figlia attraverso il suo laptop, Missing ribalta le premesse aumentando anche il livello di complessità del puzzle digitale: la trama tratta dell’adolescente June (Storm Reid) che con ogni mezzo tecnologico a sua disposizione dovrà cercare di ritrovare la madre Grace (Nia Long), scomparsa assieme al fidanzato Kevin (Ken Leung) dopo essere partita da Los Angeles per la Colombia. Utilizzando strategicamente tutti i diversi device, l’impresa porterà June a scavare a fondo nel passato della madre, del primo marito e del compagno attuale, costringendo la ragazza a mettere in dubbio ogni sua certezza…

    Computer screen film: fra pregi e difetti

    Sebbene si possa pensare che lo screenmovie sia un campo ancora inesplorato, in realtà The Collingswood Story utilizzava questa narrazione digitale più di vent’anni fa, nel 2002, a cui seguirà l’esplosione del genere a livello globale nel 2014 grazie all’horror Unfriended. Come il suo parente-genere stretto mockumentary (il falso documentario: The Blair Witch Project, Rec, The Visit, ecc.), i film-screencast cercano di portare alle estreme conseguenze il livello d’immedesimazione dello spettatore, catapultandolo dentro a questa galassia multiforme di schermi digitali dove naviga quotidianamente. Per avere un forte impatto sul pubblico e per mantenere saldo questo pseudo sfondamento della quarta parete, l’effetto di realismo necessita, tuttavia, di risposte a domande fondamentali: da dove provengono le musiche di sottofondo se ciò che stiamo vedendo è una registrazione-schermo? Chi ha montato le diverse registrazioni? Chi ha aggiunto i diversi zoom sullo schermo? Insomma: perché esiste il film? Domanda non banale, a cui non sono tenuti a rispondere i film che non utilizzano questo particolare espediente narrativo. Se si adotta la tecnica dello screenmovie, invece, si compie una scelta ben precisa e radicale, teorica nella sua semplicità, e lo spettatore (perlomeno quello coscienzioso e con stima di sé) merita una risposta. Sfortunatamente, Missing non ha alcuna intenzione di saziare i legittimi dubbi del pubblico e in termini teorici è una forte contraddizione, un netto rinnegamento della sua intrinseca essenza. Purtroppo il realismo crolla, tutto resta artefatto, finto, costruito ad hoc, e ne risente così anche la costruzione della tensione perché l’immedesimazione arranca, fatica a restare solida, talvolta svanisce. In ogni caso, come gran parte delle abiure, sotto a questo atto del rinnegare forse c’è una seconda scelta – teorica, a suo modo – ben precisa.

    Storm Reid interpreta June Allen

    Schermi identitari

    La scelta compiuta dal thriller hi-tech di Johnson e Merrick non insiste sull’effetto di iperrealismo e metacinematografico, ma resta su di un piano legato alla sfera narrativa interna per riflettere sulla contemporaneità: il mondo d’oggi è tecnologizzato a tal punto che i soli device consentono di risalire a qualsiasi fonte, permettendoci ipoteticamente di risolvere crimini e salvare vite umane. Si: quella stessa tecnologia dove, però, quelle vite racchiuse in uno schermo possono anche nascondersi e mutare nome, identità e aspetto. Non è un caso che in Missing rivesta un ruolo centrale il concetto di identità: l’enigma al centro del film non è il ritrovamento delle persone scomparse, bensì la ricostruzione delle rispettive identità, trasformiste al pari dei numerosi plot twist, ribaltamenti di trama e sentieri narrativi inaspettati e inesplorati che sgretolano continuamente ogni certezza di June, così come dello spettatore. Identità in perfetta simbiosi con la tecnologia, protette da password, mediate, mascherate, proprio come le maschere (o avatar) dei loro profili social, dei loro nomi online che sono a loro volta una mediazione, esattamente come gli schermi dove hanno dimora.

    Ormai, il mondo virtuale si è tramutato in un contenitore digitale che niente ha di diverso rispetto a quello reale ma, anzi, nei flussi di dati, codici, geo-localizzazioni, Instagram stories e cronologie web, si cela una società ancor più reale di quella tangibile. Quel mondo immateriale in cui June si muove decisamente più smart e scaltra persino rispetto alla polizia, facendo emergere il gap generazionale tecnologico che, forse, porterà anche il film stesso a poter essere gradito di più dai giovani rispetto agli adulti.

    June e l’amica Veena cercano Grace Allen

    Proseguirà questo universo condiviso di “thriller screenmovie”? Quali sono i veri progetti di Aneesh Chaganty? L’idea, per quanto stramba e inattesa, non è produttivamente ed economicamente azzardata: resta il rammarico del tradimento teorico in virtù di un cinema più accessibile e di consumo (basterebbe un piccolo sforzo di penna per restare coerenti anche su di un piano concettuale), ma Missing cerca il grande pubblico e non rigetta la sua natura di prodotto commerciale, riuscendo anche a imbastire un – seppure semplice, ma non semplicistico – discorso sul carattere simbiotico che soggiace fra mondo on e off screen.

    Un monito o un elogio? Questo starà a voi deciderlo…

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  • Recensione Scream VI – (Ri)scrivere una saga

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    A poco più di un anno dall’uscita del quinto capitolo, la coppia Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillet riporta nuovamente in sala uno degli ultimi boogeyman nati negli anni ’90 e in attivo ancora oggi. All’annuncio di un sesto capitolo a così poca distanza dal precedente, tra i fan cominciò a crescere il timore dell’arrivo di un capitolo senza idee, in cui la vera anima della saga sarebbe stata stravolta e riscritta in un horror sempliciotto utile solo ad attirare persone in sala con lo scopo di un guadagno economico. Se a questo aggiungiamo la notizia delle distanze prese da Neve Campbell – storica interprete di Sidney Prescott, protagonista finora di tutti i capitoli della saga – a causa di contrasti con la produzione per motivi di cachet e subito interpretata dal web come un velato tentativo di allontanarsi da un progetto che stava prendendo “la piega sbagliata” (ci teniamo a sottolineare come queste voci siano semplici rumor, senza prove a suo carico), e un trailer che rendeva chiaro fin da subito come il Ghostface del film sarebbe stato “diverso”, risulta facile inquadrare la bizzarra situazione del film, atteso con grande trepidazione ma anche timore.

    “Aspetta, non puoi uccidermi! Dobbiamo ancora finire il film.” 

    “Oh, chi se ne frega dei film!”

    Prossima fermata: New York

    Dopo un incipit a dir poco geniale – inferiore forse soltanto all’originale e a quello del quarto capitolo – che mette in chiaro fin da subito come questo film intenda sì rispettare il canone della saga pur rendendo questa volta l’aspetto metacinematografico della pellicola meno centrale rispetto ai precedenti film, veniamo riportati nella vita di Sam (Melissa Barrera), trasferitosi a New York per controllare e tenere al sicuro la sorella Tara (Jenna Ortega), ora studentessa del college assieme ai gemelli Mindy (Jasmin Savoy Brown) e Chad (Mason Gooding). Assieme a loro ci sono anche alcune new entry come Quinn (Liana Liberato), la coinquilina di Sam, Anika (Devyn Nekoda), fidanzata di Mindy, e Ethan (Jack Champion), compagno di stanza di Chad, oltre ad altri “vecchi volti” come la giornalista/scrittrice Gale Weathers (Courtney Cox) e Kirby Reed (Hayden Panettiere), sopravvissuta miracolosamente al quarto capitolo. 

    Poche parole sono necessarie per parlare del plot, asciutto in maniera tale da permettere alla narrazione di procedere senza intoppi pur lasciando grande spazio ai momenti più crudi e di tensione con protagonista l’assassino. L’elemento di riflessione sul cinema è infatti quasi del tutto assente, tanto da far risultare l’iconica adunata dei protagonisti per discutere delle “regole del film” quasi fuori luogo, un contentino inserito a forza semplicemente perché “ci deve essere”, con regole banali che non aggiungono assolutamente nulla alla pellicola e per il quale forse sarebbe stato più calzante un maggiore coraggio da parte della produzione nel discostarsi del tutto da quanto fatto in precedenza. Rimangono comunque presenti numerose citazioni al mondo dell’horror in generale, dal ragazzino ossessionato da Dario Argento con t-shirt e poster a tema, ai costumi indossati dai passeggeri della metropolitana il giorno di Halloween, al trivia tra Kirby e Mindy. 

    Sangue e amore

    Affianco ai momenti più concitati, sono le storyline dei personaggi a occupare il vuoto lasciato dall’elemento riflessivo, con una forte impronta teen – ancora più marcata che in passato – che catalizza intere scene, mentre porta avanti con il personaggio di Gale una riflessione sui limiti tra privato e pubblico nel giornalismo – “Avevi detto questa volta non avresti scritto nessun libro ed invece lo hai fatto.” “E’ il mio lavoro.” – già presente nelle sue precedenti apparizioni e con Kirby un accenno – forse un po’ troppo limitato a livello di spazio – sullo stress post traumatico e sull’affrontare i demoni del proprio passato.

    Per quanto riguarda la messa in scena dell’orrore tutto funziona benissimo, con alcune delle sequenze di fuga e di scontri tra le migliori nei film horror degli ultimi anni, aiutate anche da un Ghostface estremamente violento e a tratti inarrestabile (quasi come fosse sovrannaturale) che riempie le inquadrature di interiora e sangue a ogni occasione.

    Nonostante tutto risulta però lampante la differenza della regia rispetto a quella classica operata da Craven nei precedenti film: qui è molto più basilare, fatta di campi e controcampi che si aprono a qualche piccola sperimentazione soltanto nelle scene più tranquille, lontani quindi dalle iconiche sequenze di fuga inevitabili nei capitoli novantini. Non si è però necessariamente davanti a un difetto, quanto più a una scelta dettata anche e soprattutto da un fatto: i protagonisti preferiscono spesso affrontare il male piuttosto che scappare da esso.

    Conclusioni

    Scream VI è un capitolo diverso, che si distacca dagli stilemi classici della saga sostituendo agli elementi di metacinema una maggior quantità di sequenze marcatamente gore e violente alternate a situazioni meno concitate in cui fuoriesce l’anima teen dei protagonisti più giovani. Questi ultimi guadagnano inoltre profondità riuscendo a conquistarsi la scena rispetto ai personaggi storici, qui presenti in numero minore e per un time screen decisamente più ridotto ma sempre funzionale e ben dosato. 

    Se siete tra quelli che seguono le vicende di Ghostface soltanto per vedere come il franchise avrebbe ironizzato sul trend hollywoodiano del momento, allora questo capitolo probabilmente vi deluderà. Se invece siete disposti a lasciare lo spirito di Craven ai capitoli precedenti e siete aperti alla novità e al cambiamento nella saga, questo nuovo film può tranquillamente diventare con facilità uno dei vostri preferiti.

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