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#17 STRADE PERDUTE – ELVIS DI BAZ LUHRMANN
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LINK ALL’EPISODIO

In questo diciassettesimo episodio di Strade Perdute Alessandro, Jacopo e la loro ospite Anna Negri analizzano l’ultimo film di Baz Luhrmann, ovvero Elvis, biopic atipico sul Re del Rock ‘n Roll che segna il ritorno del regista australiano sulla scena dopo ben 9 anni. Buon ascolto!

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Un saluto e un ringraziamento a tutti i nostri ascoltatori e alle nostre ascoltatrici, ci sentiamo al prossimo episodio.
June 27, 2022
RECENSIONE OBI-WAN KENOBI EP. 6 – UN BUON FINALE

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La miniserie Obi-Wan Kenobi, spin-off su uno dei personaggi più amati di Star Wars, si è conclusa con il suo sesto ed ultimo episodio mercoledì 22 giugno. Le aspettative per il finale erano piuttosto alte (data la possibilità di un duello tra Vader e Kenobi), ma c’era anche chi temeva che la scrittura già debole potesse ulteriormente peggiorare e distruggere del tutto questo prodotto. Va detto che, nel complesso, l’ultimo episodio è godibile, con alcuni momenti anche molto emozionanti (soprattutto per i fan della saga), tuttavia non è possibile negare che ci siano dei punti più “bassi” che non possiamo non menzionare.

IL DUELLO FINALE

Ci si aspettava già dalla prima puntata della serie un duello tra Obi-Wan e Darth Vader; ne avevamo già avuto uno durante il terzo episodio, ma era chiaro che non fosse quel combattimento spettacolare a cui tutti stavano pensando. Questo ultimo capitolo ci ha dato, finalmente, il duello epico che stavamo aspettando: la sequenza del combattimento è davvero ottima, le coreografie sono decisamente migliori rispetto a ciò che si era visto nei precedenti episodi, senza contare la scelta di ambientare il tutto in un luogo grigio e cupo, in cui le uniche fonti di luce sono le spade laser blu e rossa di Kenobi e Vader. Come già notato, la serie è ricchissima di riferimenti alla trilogia prequel, e non poteva mancare ancora una volta il parallelismo con il duello che i due personaggi fecero su Mustafar in La Vendetta dei Sith: lì vedevamo Anakin a terra, sovrastato dal suo Maestro, che si trovava in alto rispetto a lui ad indicare la sua superiorità (Obi-Wan diceva “I’ve got the high ground”); qui, invece, nel momento in cui il duello sembra concludersi, è Vader ad essere in una posizione superiore, mentre getta Kenobi in un fosso e inizia a “seppellirlo” sotto le rocce. Eppure, la scena che ci ha emozionato di più è alla fine del duello, quando Obi-Wan danneggia la maschera di Vader, che si rompe da un lato, rivelando il volto sofferente che vi è al di sotto. Da un lato l’immagine è inquietante e a tratti terrorizzante per lo sguardo colmo di odio di Anakin, dall’altro fa riflettere come quella maschera non sia soltanto indispensabile per respirare, ma costituisca anche una barriera per la mente e per il dolore che protegge.

Ciò che questo duello riesce a tirare fuori da entrambi i personaggi è proprio l’immenso dolore che provano per aver perduto quelle persone a loro molto care, l’amore della sua vita per Anakin, l’amico e allievo per Obi-Wan. È chiaro ormai che la serie voglia strizzare l’occhio ai fan della trilogia prequel, e dobbiamo riconoscere che alcuni di questi riferimenti e parallelismi ci hanno fatto battere il cuore.

LEIA, LUKE E REVA

C’è spazio anche per un giovanissimo Luke Skywalker in questo episodio! Vediamo infatti che, mentre Obi-Wan e Vader lottano, Reva si è recata su Tatooine e sta dando la caccia a Luke con l’obiettivo di ucciderlo. Tuttavia, dopo averlo inseguito tra le rocce e averlo trovato privo di sensi, nel momento in cui deve sferrare il colpo finale, il suo passato torna a tormentarla, ricordando se stessa bambina durante quel tragico giorno in cui Anakin massacrò tutti i suoi amici (il famoso Ordine 66 in Episodio III). L’inquisitrice sceglie quindi di risparmiare Luke e di riportarlo a casa dallo zio Owen; la conversazione che ha poi con Obi-Wan è emozionante e mostra tutta la fragilità del personaggio, ribadendo come la vendetta e la violenza non siano la risposta al dolore per la perdita di qualcuno di amato. Questo è un messaggio che l’universo di Star Wars tiene molto a dare agli spettatori, ma non per questo può essere definito banale. Ciò che dispiace della parabola finale di Reva è la gestione altalenante che il suo personaggio ha avuto durante la serie; si sarebbe potuto sfruttare diversamente per portare avanti il percorso di redenzione del villain in modo migliore.

Per quanto riguarda Leia, la vediamo tornare finalmente a casa, e anche qui i momenti commoventi la fanno da padrone. Prima tra tutte la scena in cui Obi-Wan le consegna la fondina della pistola di Tala, su cui la donna incideva dei segni per ricordare le vite che aveva salvato, e la piccola decide di indossarla sul suo tradizionale vestito bianco. Il momento in cui Leia e Kenobi si rivedono diventa occasione per ricordare l’amore tra Padmé e Anakin (che non vengono mai nominati, ma che tutti conosciamo) e come la bambina rifletta al suo interno le caratteristiche sia del padre che della madre. Possiamo affermare senza dubbio che la piccola Leia sia tra i migliori personaggi della serie, per questo dobbiamo anche fare i complimenti alla giovanissima attrice che la interpreta: Vivien Lyra Blair.

Nel complesso, l’ultimo episodio di Obi-Wan Kenobi chiude piuttosto bene le vicende che la serie ha voluto raccontarci. Certo, non sono mancati momenti deludenti e a tratti la sceneggiatura non brillava per originalità, ma non si può negare che alla fine sia un buon prodotto spin-off che ci aiuta a scoprire qualcosa in più su uno dei personaggi più amati della saga. I riferimenti al passato sono sempre ben contestualizzati, così come quelli al futuro. Per un prodotto che si inserisce a metà di una storia già conclusa, possiamo dire che nel complesso la seria risulta un prodotto godibile.

Data la scena finale, in cui abbiamo anche uno splendido cameo di Liam Neeson nei panni di Qui-Gon Jinn che fa presagire nuove avventure per Obi-Wan, si vocifera su di una seconda stagione. Non ci sono ancora notizie ufficiali, dato che gli sceneggiatori hanno dichiarato di non poter rivelare nulla a riguardo, tuttavia la scelta di realizzare una seconda stagione potrebbe rivelarsi parecchio rischiosa: da un lato, si potrebbero prendere in considerazione le critiche per migliorarsi, dall’altro il tutto potrebbe risultare forzato e superfluo. Per ora non possiamo dirvi soltanto di vedere la serie per godervi le scene d’azione, emozionarvi con i vostri personaggi preferiti, o anche solo per ritrovare un Darth Vader più in forma che mai!

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June 27, 2022
SPECIALE CINEMA RITROVATO: IL CONFORMISTA DI BERNARDO BERTOLUCCI

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“Non capitava per tutti i film… ma sul set de Il Conformista io, Bernardo e Jean-Louis avvertivamo la sensazione di star girando qualcosa di grandioso”.

Con queste parole e con le lacrime agli occhi Stefania Sandrelli, ospite d’onore del Cinema Ritrovato di Bologna, ha inaugurato la prima serata in Piazza Maggiore di questa 36a edizione, davanti alle migliaia di persone che hanno affollato la piazza per assistere alla versione restaurata in 4K de Il Conformista (1970) di Bernardo Bertolucci.

E’ disarmante l’attualità, ancora dopo cinquantadue anni, del capolavoro firmato dal regista parmense e tratto dall’omonimo romanzo di Moravia: la storia di Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant:), neo-spia della polizia politica fascista, che si reca a Parigi per una finta luna di miele come copertura – all’insaputa della moglie Giulia (Stefania Sandrelli) – per l’assassinio di un suo ex professore (Enzo Tarascio) ora antifascista, è capace ancora oggi di dialogare pienamente con la contemporaneità.

Raramente nel cinema italiano – ma anche mondiale – si sono raggiunti picchi di estasi estetica di tale livello, con la fotografia sopraffina di Vittorio Storaro (e non dimentichiamo il montaggio di Franco Arcalli) che per rispecchiare continuamente gli stati d’animo dei protagonisti passa con grande nonchalance dall’espressionismo della sequenza d’inizio ai puri quadri erotico – rossastri del famoso viaggio in treno. La cifra stilistica di Bertolucci, composta da inquadrature sghembe che lasciano spazio a piani sequenza interrotti poi da sprazzi di camera a mano, è qui al suo apogeo di perfetta simbiosi con le tematiche ricorrenti nel suo cinema: la sessualità contorta, i totalitarismi, l’omosessualità, Parigi, la crisi esistenziale.

Terribile ancora oggi il finale che corona il discorso di Bertolucci sul conformismo: Marcello scoprirà che l’episodio che l’aveva segnato e che era stato il filo trainante del suo conformismo durante tutta la vita, in realtà non era mai avvenuto.

Se voleste approfondire la filmografia, la poetica, le idee e il modus filmandi del maestro Bertolucci, lasciamo di seguito cinque titoli che non potete lasciarvi sfuggire:

– “Bernardo Bertolucci”, di Stefano Socci, Il Castoro (aprile 2008): volume immancabile per chi conosce e colleziona la collana “Il Castoro”, la guida d’approfondimento di facile consultabilità strutturata su una prima parte di citazioni del regista, seguita dalla monografia con trama e commento per ogni film e conclusa dalla filmografia completa con le schede delle opere.

– “Il dolce rumore della vita. Giuseppe Bertolucci tra cinema, teatro, televisione e poesia”, di Franco Prono e Gabriele Rigola, Cineteca di Bologna (novembre 2021): volume che ha l’obiettivo di studiare alcuni degli aspetti salienti della sua attività, proponendo nella prima parte l’analisi dei suoi film, le tematiche, e gli attori. Nella seconda parte sono inserite invece le testimonianze e i ricordi dei suoi attori, sceneggiatori e artisti a lui vicini. In allegato c’è anche un DVD, il documentario Evviva Giuseppe di Stefano Consiglio.

– “Cinema la prima volta. Conversazioni sull’arte e la vita”, di Bernardo Bertolucci, Minimum Fax (novembre 2016): autobiografia dello stesso regista che racconta anche le sue idiosincrasie cinefile.

– “Il mistero del cinema”, di Bernardo Bertolucci, La nave di Teseo (marzo 2021): altro volume in cui Bertolucci ricostruisce la sua vita artistica tra cinema e ricordi.

– “Un’aspirina e un caffè con Bernardo Bertolucci. Regista e attori si raccontano”, di G.Alviani, Mimesis (11 febbraio 2015): più particolare dei testi precedenti, poiché non più il regista, ma i suoi attori e collaboratori, raccontano la vita e le opere del maestro.

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Fotografie di Lorenzo Burlando

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June 26, 2022
INIZIA LA 36a EDIZIONE DEL CINEMA RITROVATO
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IL FESTIVAL

Rullo di tamburi… e si parte! Dal 25 giugno al 3 luglio 2022 torna a Bologna il paradiso dei cinefili: Il Cinema Ritrovato! Un vero e proprio tour de force e una vera full immersion nella Settima Arte per ogni appassionato che, come ogni anno, potrà godere su grande schermo di cinquecento capolavori davanti a un pubblico internazionale, partendo dai grandi classici della storia del cinema arrivando alle tante altre rarità della celluloide (ri)scoperte grazie a l’impareggiabile operato della Cineteca di Bologna e di tutti i collaboratori. Come ogni anno, infatti, è stato effettuato un minuzioso e ricercato lavoro d’archivio grazie alle 94 (!) istituzioni che hanno restaurato e prestato i film conservati, fra cui la Cinémathèque française, la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, la Film Foundation e tante altre.

Novità assolute di questa 36a edizione sono il tanto sperato e atteso ritorno del festival in presenza, oltre all’entrata nel circuito dei cinema adibiti alle proiezioni del Cinema Europa, dove proprio Il Cinema Ritrovato nacque ormai trentasei anni fa e che per l’occasione avrà l’onore di proiettare la programmazione di “Pratello Pop”, una sottosezione di “Ritrovati e Restaurati”.

Cosa troveremo quest’anno al festival? Le sezioni in cui possiamo suddividere tutte le centinaia di proiezioni a cui assisteremo, sono le seguenti:
- LE RASSEGNE SUL CINEMA NASCOSTO DEL ‘900: accanto ai reperti d’archivio che riprendono la Marcia su Roma, ci sono quelli dell’incendio di Smirne durante il nazionalismo turco di Kemal Atatürk. Spostandoci invece all’intolleranza razziale in Russia abbiamo Carl Theodor Dreyer con Gli stigmatizzati (1922), mentre per la Germania troviamo la rassegna “L’ultima risata. Commedia musicali tedesche 1930-1932” che ci permette di andare alla scoperta della generazione artistica dei cabaret e dei teatri di varietà berlinesi, spazzata via dal totalitarismo hitleriano. Grande spazio anche al cinema classico jugoslavo del secondo dopoguerra con la rassegna “Dite la verità – Uno Sguardo sul Cinema Jugoslavo” che sarà inaugurato dal film a episodi Tri zgodbe (1955) di France Kosmač, Jane Kavčič e Igor Pretnar, a cui seguiranno poi il capolavoro Ne okreći, se, sine (1956) di Branko Bauer e altre perle sconosciute ai più. Non mancherà anche il cinema cecoslovacco di metà secolo scorso contro il regime comunista tramite il film Un giorno, un gatto (1963) di Vojtěch Jasný.
Per un’esperienza unica, anche in questa edizione del festival le proiezioni dei film muti saranno accompagnate dall’orchestra dal vivo.
- I RITROVATI E RESTAURATI: i nomi non lasciano indifferenti leggendo quelli di Renoir, Visconti, Buñuel, Bertolucci, Pasolini, Douglas Sirk, Von Stroheim, Murnau, Argento, Lynch, Waters, Russell, ma anche quelli meno altisonanti e più sconosciuti di Kira Muratova (regista e sceneggiatrice cinematografica moldava naturalizzata ucraina) con i suoi Brevi incontri (1967) e Lunghi addii (1971), della finlandese Tuija-Maija Niskanen con Avskedet (1982) e di Sidney Poitier in veste non d’attore, ma di regista, col suo western divenuto celebre per l’alleanza tra afro-americani e indiani, Buck and the Preacher (1972).
- LE RASSEGNE SUI SINGOLI REGISTI E ATTORI: quest’anno si è deciso di focalizzarsi sulle personalità di Peter Lorre con la rassegna “Peter Lorre, straniero in terra straniera” – che comprende il suo capolavoro M – Il Mostro di Düsseldorf (1931) e tante altre opere -, assieme al meno famoso Hugo Fregonese all’interno della rassegna “Hugo Fregonese, il vagabondo”, regista argentino maestro del thriller poliziesco e del western più rude. Non mancano le grandi donne del cinema novecentesco con l’approfondimento di Sophia Loren nella rassegna “Forever Sophia”, che comprende le proiezioni di due grandi capolavori che la vedono protagonista, Una Giornata particolare (1977) di Scola e la Ciociara (1960) di De Sica, oltre ai ruoli hollywoodiani nelle pellicole di Chaplin o Cukor. Non lasciatevi sfuggire la rassegna “Peter Weiss – Poesia in Movimento” che andrà alla riscoperta del pittore, poeta, romanziere, drammaturgo e regista tedesco, Peter Weiss, pioniere dell’arte e del cinema sperimentale di metà ‘900. Saranno proiettati i suoi cortometraggi sperimentali ma anche il suo lungometraggio Hägringen (1959).
- IL CINEMA RITROVATO KIDS & YOUNG: stiamo parlando della rassegna rivolta al pubblico dei giovanissimi che anche quest’anno potrà assistere a una ricchissima proposta di proiezioni, laboratori, incontri e spettacoli teatrali, con particolare attenzione al cinema comico della “gag”: Charlot, Buster Keaton e i cortometraggi animati della serie ceca Pat & Mat.
I GRANDI OSPITI E LE LEZIONI DI CINEMA

Lunedì 20 giugno, in occasione della proiezione de I Guerrieri della Notte (1979) al Cinema Sotto le Stelle 2022, c’è stato il primo dei grandi ospiti di quest’anno, Walter Hill! Infatti, durante il Cinema ritrovato assisteremo a tante altre grandiose presenze del mondo del cinema internazionale partendo da Stefania Sandrelli, che il 25 giugno introdurrà la versione restaurata de Il Conformista (1970) di Bertolucci, passando per John Landis che troverete l’1 luglio all’Arena del Sole in compagnia del critico Paolo Mereghetti per una lezione di cinema, mentre il 3 luglio presenterà in Piazza Maggiore l’edizione estesa del suo capolavoro The Blues Brothers (1980). La nostra Alice Rohrwacher sarà invece il 26 giugno nel pomeriggio all’Auditorium – DAMSLab per una lezione di cinema, e alle 21.45 in Piazza Maggiore per introdurre il corto Disney da lei diretto, Le Pupille (2022), già presentato in anteprima mondiale alla passata edizione del Festival di Cannes. La produttrice cinematografica messicana e moglie del defunto George Harrison, Olivia Harrison, introdurrà giovedì 30 giugno alla proiezione serale di Piazza Maggiore il terzo episodio (138’) della miniserie televisiva documentario di Peter Jackson, The Beatles: Get Back (2021), mentre il fotografo e regista statunitense Bruce Weber – che ha lavorato per Versace, Gucci, Louis Vuitton, Armani, Ferragamo oltre che per Vogue, GQ, Vanity Fair, Esquire e Rolling Stone e tanti altri – introdurrà martedì 28 giugno il suo documentario Paolo Di Paolo: Un tesoro di gioventù (2021), in compagnia dello stesso scrittore italiano oggetto del documentario.

Nell’elenco dei nomi che terranno lezioni di cinema, figurano anche il produttore Philippe Bober (appena reduce dalla vittoria della Palma d’oro al Festival di Cannes con il film di Östlund), il direttore del festival di Cannes e dell’Institut Lumière, Thierry Frémaux, il critico Michel Ciment e tanti altri. Ma il gran finale che scommettiamo fungerà da magnete per i cinefili di tutta Italia, si terrà lunedì 4 giugno in Piazza Maggiore alle 21.45, quando ad introdurre il capolavoro di Peter Bogdanovich, L’ultimo Spettacolo (1971), ci sarà uno dei registi più amati dal pubblico di tutto il mondo: Wes Anderson!

Gianluca Farinelli, il direttore della Cineteca di Bologna

Qui potete trovare il programma completo, mentre qui il catalogo in PDF per il quale è stata scelta come immagine di copertina la memorabile scena del ballo de Il Conformista, perché come affermato dagli organizzatori, la scena “resta negli occhi e la prendiamo come stella polare di un’edizione che speriamo ci accompagni a ritrovare il piacere e l’emozione di assistere assieme agli altri a una proiezione cinematografica”.

Ci sono tutti i presupposti per poter assistere a un’edizione memorabile di uno dei festival di cinema più prestigiosi non soltanto d’Italia, ma di tutta Europa, dove chi ama la Settima Arte non può assolutamente mancare: “stiamo vivendo un’epoca disumanizzata, in cui le persone e il lavoro sembrano condannate a scomparire dalla scena, per essere sostituite da algoritmi e intelligenze artificiali; ci piace qui ricordare che questa edizione del Cinema Ritrovato, come tutte quelle che l’hanno preceduta, è stata realizzata grazie al lavoro di una enorme comunità di persone competenti e appassionate, di esseri umani che lavorano per offrire ad altri esseri umani un’irripetibile esperienza culturale, in presenza!”. Queste le parole di sollecito e di ringraziamento del festival sul sito dedicato,

Noi di Frames Cinema ci saremo… un grande in bocca al lupo a tutta l’organizzazione del festival e buon Cinema Ritrovato a tutti!

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June 24, 2022
RECENSIONE ELVIS – THE KING IS BACK

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The King is BACK!

Agli spettatori il compito di decidere se riferire questa asserzione al ritorno sul grande schermo del Re del Rock ‘n Roll, dopo essere stato interpretato già da attori del calibro di Kurt Russell e Michael Shannon, oppure al ritorno dietro la macchina da presa – dopo ben 9 anni – di uno dei registi più divisivi, sfrontati e sfacciatamente personali degli ultimi tre decenni, ovvero Baz Luhrmann.

Elvis segna, infatti il primo lungometraggio firmato dal cineasta australiano dai tempi de Il Grande

Gatbsy, datato 2013, che decide di tornare sulla scena in pompa magna con questo biopic totalmente atipico e fuori dagli schemi, che abbandona i canoni tradizionali della narrazione womb-to-tomb per trasportare lo spettatore in una cavalcata frenetica e vorticosa, che non si preoccupa di raccontare nel dettaglio la vita del Re, ma al contrario si concentra – in maniera estremamente coraggiosa – sull’Elvis Icona, sull’Elvis Dio, sull’Elvis Gallina-dalle-uova-d’oro, sull’Elvis Performer.

Luhrmann concepisce un’opera raffinata e cinematograficamente disinibita, che non ha alcun interesse di tipo biografico, nella quale l’uomo dietro al Simbolo non ha spazio, proprio perché – forse – nella vita dello stesso Presley la dimensione personale e individuale non aveva modo di esistere, soffocata dalla necessità viscerale di dover essere una figura quasi divina, un uomo capace di stravolgere le masse, l’oggetto del desiderio sessuale di milioni di persone e l’oggetto della bramosia – economica – delle persone a lui più vicine. Ecco dunque che tutte le questioni più personali, come la relazione con la moglie Priscilla o la caduta nella spirale delle droghe, restano sullo sfondo, elementi volutamente mai approfonditi, per lasciare spazio al vero centro tematico del film: il rapporto dell’Icona-Elvis con il Mondo e – dunque – con i fan, con i quali si crea un legame di interdipendenza tossica (nel film si dirà che ciò che ha ucciso il Re è stato l’amore del e per il suo pubblico, rispetto al quale nulla poteva competere, nemmeno la famiglia), oppure la complicata e discussa relazione con lo storico manager, il Colonnello Parker, vero e proprio “uomo dietro le quinte” del fenomeno Elvis.

Se appare chiaro, dunque, che questo film si accosti al soggetto in maniera tematicamente e narrativamente interessante e originale, è doveroso spendere qualche parola anche sulle scelte di messinscena del regista, che riesce a costruire un impianto visivo strabiliante, pregno dell’estetica e della tecnica luhmanniana: la regia è – come al solito – frenetica e vorticosa, fatta di audacissimi movimenti di macchina e inquadrature che sorprendono per composizione ed impatto; un montaggio frenetico (vera grande cifra stilistica del cineasta australiano) che valica largamente il confine tra mera tecnica ed espressione artistica e regala momenti di spessore cinematografico altissimo, oltre a conferire alla pellicola un ritmo irresistibile per una larghissima parte del minutaggio, concedendosi però sapientemente alcuni momenti di maggiore respiro e sospensione, per non sfiancare lo spettatore.

Una fotografia a tratti sberluccicante e sfarzosa e a tratti funebre contribuisce largamente alla costruzione dell’alone mitico e leggendario che circonda il protagonista (basti pensare alla scena di registrazione in studio di Heartbreak Hotel), coadiuvata in questo compito da un lavoro sui costumi e sulle scenografie che ha del meraviglioso e dell’incredibile, altro grande fil rouge della filmografia del regista

Ciò che però, forse, ruba la scena dal punto di vista tecnico è l’utilizzo della musica: Luhrmann non cade – per fortuna – nella “trappola karaoke” e sceglie di usare le grandissime canzoni di Elvis in maniera narrativamente funzionale e mai ruffiana. Nonostante le scene di concerto siano numerose e rappresentino alcune delle sequenze più riuscite e spettacolari del film (su tutte il primo show a Las Vegas, o il ’68 Special, ma anche altre meriterebbero la citazione), molto spesso i successi del Re vengono riarrangiati per sottolineare diverse sfumature della composizione stessa. Molto riuscita in questo senso è la continua riproposizione di Suspicious Minds nel terzo atto, che si trasforma lentamente in una marcia funebre che accompagna Presley durante la sua progressiva caduta, nella quale “We’re caught in a trap, I can’t walk out” diventa l’urlo disperato di un uomo impotente e rinchiuso in una gabbia dorata, dalla quale non riesce in nessun modo a liberarsi.

Nonostante una messinscena pienamente in linea con l’estetica esuberante del regista, quest’opera potrà risultare godibile anche per coloro che non amano particolarmente lo stile di Luhrmann, il quale, dimostrando una maturità autoriale notevole, sa quando trattenere la propria mano e quando – invece – sciogliere le briglie e lasciarsi andare a momenti più barocchi, in cui il ritmo accelera e l’energia cinematografica, tipica delle opere del cineasta australiano, torna prepotente sulla scena con split screen che stordiscono creando fotogrammi debordanti, oppure con stacchi di montaggio rapidissimi, quasi da videoclip, o ancora con numeri musicali dal sapore fortemente teatrale, al limite del musical.

Menzione d’onore e “novantadue minuti di applausi”, inoltre, per il casting che si attesta al limite della perfezione: Austin Butler, qui alla prima vera grande interpretazione in carriera, dimostra un physique du role sensazionale, regalando un’interpretazione trascinante e folgorante che lo pone già da oggi nella lista dei favoriti per i prossimi Oscar. Un’immersione totale nel personaggio, una performance a 360 gradi, un lavoro sulle movenze del Re in concerto che ha del miracoloso per un giovane attore che, dopo questo film, si trova pronto al grande salto nell’industria (tra l’altro, piccola chicca, fonti ufficiali rivelano come Austin Butler abbia cantato tutte le canzoni del periodo giovanile di Elvis, affidandosi invece a mixaggi più incisivi nella seconda parte della pellicola, ambientata a Las Vegas).

Oltre alla prova di Butler, a cui non dedichiamo spazio ulteriore per non anticipare nulla ai lettori che ancora devono gustarsi la grande interpretazione dell’attore, da sottolineare è anche un grandissimo Tom Hanks, estremamente convincente nei panni del Colonnello Tom Parker, un uomo avido, viscido, manipolatore e subdolo: un ruolo abbastanza atipico rispetto a quelli che hanno portato il due volte Premio Oscar alla ribalta.

Il film vive del confronto tra questi due interpreti, che si dimostrano entrambi in forma smagliante e regalano più di qualche momento degno di nota, non sfigurando mai l’uno di fronte all’altro, nonostante l’ampia differenza di età tra i due, simboli del nuovo che avanza, rampante, e del vecchio che si fregia della propria pluridecennale esperienza.

In conclusione, questo Elvis segna il ritorno sulla scena di un Baz Luhrmann che, in maniera estremamente genuina ed efficace, riesce a trasmettere allo spettatore tutto il suo grandissimo – ed evidente – amore per il personaggio in questione, dipinto con la solita vitalità che contraddistingue lo stile del regista, il quale riesce a smussare, però, qualche spigolo che troppo spesso ha fatto storcere il naso ad alcuni spettatori e realizza un’opera potenzialmente molto pop, che potrebbe rappresentare la via del ritorno nell’industria cinematografica per un artista che, al netto dei gusti personali, propone sempre un cinema estremamente personale e riconoscibile. Forse in un mondo produttivo che spinge sempre di più verso la standardizzazione, c’è più che mai bisogno di un Baz Luhrmann sfavillante e dannatamente esuberante come quello visto in questo Elvis.

Il Re è tornato, ed è più vivo che mai.

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June 24, 2022
Recensione Black Phone – Un ritorno alle origini

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Quando nel 2016 Scott Derrickson venne scelto per dirigere l’origin story dello stregone supremo di casa Marvel Doctor Strange, non tutti saltarono dalla gioia, vista anche la sua non riuscitissima prova precedente con Ultimatum alla terra nel 2008. Sorprendentemente (ma nemmeno così tanto, visti i successi raggiunti con pellicole come L’esorcismo di Emily Rose, Sinister e Liberaci dal male) Derrickson riuscì a “portare a casa” un più che ottimo risultato, con la pellicola all’undicesimo posto dei maggiori incassi dell’anno, e ritrovandosi quasi istantaneamente tra le mani già il progetto per il sequel. Varie divergenze creative portarono però alla rottura della collaborazione tra il regista originario di Denver e la macchina produttiva di Kevin Feige, così che il caro Scott si ritrovò sulla strada di casa, o più precisamente quella che portava agli studios dell’amico Jason Blum, fondatore della ormai famosa compagnia di produzione di horror a basso budget Blumhouse.

Scavando nella memoria e tra i film pensati ma mai realizzati, i due tirarono fuori dal cilindro la vecchia idea sopita da tempo di adattare per il cinema The Black Phone, racconto breve facente parte della raccolta intitolata Ghosts nata dalla penna di Joe Hill, nientemeno che il figlio del famoso scrittore horror Stephen King. Diversi mesi per aggiustare la sceneggiatura in collaborazione con C. Robert Cargill e girato con un budget di 18,8 milioni di dollari con il titolo di lavorazione “Static”, il 23 Giugno 2022 dopo alcune vicissitudini di distribuzioni finalmente il lavoro di Derrickson riesce ad arrivare in sala e segna il ritorno del regista al genere d’esordio, dimostrando ancora una volta il suo grande talento orrorifico.

CHIAMATA SENZA RISPOSTA

Mentre John Wayne Gacy (soprannominato “Killer Clown” e che secondo numerose teorie sarebbe stato la fonte d’ispirazione principale per il “clown danzante” mangiabambini del racconto di King) veniva finalmente catturato, nel 1978 in una cittadina della periferia in Colorado un altro sadico rapitore di bambini (interpretato da Ethan Hawke) si aggira per le periferie del Colorado. Soprannominato “Il Rapace” (o The Grabber in originale), diviene presto l’incubo di molti ragazzini tra cui anche il protagonista Finney Shaw (Mason Thames), magrolino tredicenne tormentato dai bulli e che viene spesso tratto in salvo dalla sorella Gwen (Madeline McGraw), piccola ma tosta, e che condivide con il fratello uno strettissimo rapporto che permette loro di superare tra le tante cose anche gli abusi del padre alcolizzato (Jeremy Davies). Presto i due si ritroveranno a fronteggiare, anche se in maniera molto diversa, la vicenda dei rapimenti ad opera del Rapace.

Ad un punto di partenza funzionale e ben contestualizzato, messo in scena da Derrickson con grande maestria inquadrando i piccoli e risicati set a disposizione ma sempre in maniera interessante e mai banale, poco dopo l’incipit si inserisce l’elemento del sovrannaturale attraverso inquietanti dialoghi con persone morte e misteriose visioni che si presentano come contraltare alla paura più tangibile raffigurata dalla massiccia e violenta presenza del rapitore. Su quest’ultimo, a differenza di quanto ci si potesse inizialmente aspettare, il film non pone la costante attenzione preferendo soffermarsi più sui ragazzini, ma non per questo il lavoro svolto sulla realizzazione del villain risulta fallimentare. Ci si ritrova infatti davanti ad un personaggio di cui raramente vediamo il volto scoperto, in quanto spesso indossa una maschera (il cui design ricorda per certi versi quella vista in Demoni di Lamberto Bava) composta da vari pezzi interscambiabili e che il personaggio cambia a seconda della situazione: in alcune sequenze si ritrova con gli occhi scoperti e la bocca coperta da un inquietante ghigno, altre volte si presenta il contrario con occhi e fronte coperte da una seconda pelle grigia e corna da diavolo ed altre volte ancora è invece tutto il volto ad essere coperto magari con un’espressione triste o addirittura senza bocca. Se dal lato narrativo il film non si lascia scappare nulla sul passato del personaggio, è la formidabile interpretazione di Ethan Hawke a portare lo spettatore a speculare sulle possibili motivazioni che spingono il suo personaggio, così sopra le righe e teatrale ma mai in maniera banale, dimostrando così ancora una volta l’eccezionale bravura dell’attore.

LA CASA CON IL TELEFONO NERO

Sul lato sovrannaturale, il racconto (e di conseguenza anche la pellicola) pesca a piene mani dalla letteratura di King, presentando poteri simili a quelli presenti in Carrie o in Doctor Sleep e che anche qui generano forti conseguenze sul piano delle relazioni tra i personaggi, o anche nella presenza di bambini come protagonisti similmente a Stand by me o It, per citarne un paio, e questi rimandi vengono anche rimarcati attraverso citazioni sul piano visivo (su tutti basti pensare alla corsa in bici sotto la pioggia con indossa l’impermeabile giallo presente nel trailer).

Registicamente il film si assesta su un ottimo livello, con inquadrature pressoché fisse nei momenti più calmi e che lasciano poi spazio a movimenti di macchina precisi e calcolati nei momenti di maggior tensione, fino ad una scena di colluttazione in cui il regista dimostra tutta l’esperienza acquisita con Doctor Strange. Come ormai da abitudine del regista sono presenti jump scares, anche qui come per i precedenti lavori in numero ridotto e che risultano sempre ben inseriti e originali. Sul piano tecnico presenta un’ottima fotografia, in aggiunta ad una ricostruzione scenografica anni ’70 che viene esasperata in alcune sequenze messe in scena sotto forma di simil filmati d’epoca (richiamando quanto fatto con il precedente lavoro in collaborazione con Hawke Sinister del 2012). Altro elemento sempre presente e funzionale nelle pellicole dell’orrore di Derrickson è il piano sonoro, che accompagna costantemente lo spettatore con suoni rauchi e spaventosi e per l’occasione curato da Mark Korven, autore anche delle musiche di The VVitch e The Lighthouse.

Se dell’ottima recitazione di Hawke si è già parlato, non si può certo tralasciare l’estrema bravura di Mason Thames, che riesce nell’impresa di reggere il peso di quasi tutta la pellicola sulle sue spalle alla sua prima vera prova attoriale. Ottima è anche la prova di Madeline McGraw, che riesce a mettere in scena un personaggio femminile forte ma debole allo stesso tempo e che scopre con l’avanzare della pellicola sé stessa e quello che può realmente fare; assieme a loro troviamo poi tra i personaggi secondari Jeremy Davies nei panni di un padre distrutto e abusivo con un’interessante evoluzione nel corso della storia (e che fa sempre piacere rivedere al di fuori di Lost) e James Ransone, ancora una volta al lavoro con Derrickson dopo Sinister e che interpreta nuovamente qui il comic relief, utile a smorzare la tensione dello spettatore.

CONCLUSIONI

Dopo aver lasciato a Sam Raimi il timone del secondo film dedicato a Doctor Strange, Scott Derrickson torna nei già solcati lidi dell’horror, ancora una volta aiutato dall’amico Jason Blum e questa volta alle prese con l’adattamento del racconto breve di Joe Hill The Black Phone. Un ritorno che non può che fare felici e che presenta una storia inquietante, con un interessante villain “terreno” ed elementi che pescano nel sovrannaturale e nelle storie di fantasmi. Tutti gli attori, dai principali come Ethan Hawke e Mason Thames ai secondari, svolgono un eccellente lavoro di caratterizzazione dei personaggi aiutati da una buona sceneggiatura. Forse la pellicola presenta una durata leggermente eccessiva e non è caratterizzata da numerosi momenti di paura, ma riesce comunque ad inquietare in numerose occasioni e a mantenere costante la tensione. Forse non siamo di fronte al miglior lavoro di Derrickson, ma se i film horror fossero tutti come Black Phone di certo saremmo tutti più contenti.

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June 23, 2022
RECENSIONE MEMORIA – L’ODISSEA SONORA DI APICHATPONG WEERASETHAKUL

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Il cinema di Apichatpong Weerasethakul richiede l’accettazione del mistero, ossia l’accettazione della certezza che nella realtà ci sia un sottofondo spirituale al quale dobbiamo fare appello se vogliamo vivere profondamente, concretamente e in maniera identitaria – cioè appartenendo profondamente a noi stessi – questa stessa realtà.

Massimo Causo

Apichatpong Weerasethakul, regista thailandese classe 1970, è uno tra i più bizzarri e personali cineasti contemporanei. Salito alla ribalta internazionale nel 2010, grazie alla Palma d’Oro vinta per Lo zio Boonmee che si ricorda le vite precedenti, ha sviluppato uno stile complesso e unico nel suo genere, che gli ha fatto meritare la nomea di Autore. I suoi film – tra i più belli vale la pena ricordare almeno Tropical Malady (2004) e Cemetery of Splendour (2015), oltre al già citato Zio Boonmee – sono spesso poco parlati, rarefatti nelle atmosfere, animati da una dimensione spirituale potentissima, che sovente si esplicita nell’incontro con misteriose presenze fantasmatiche che dimorano nella giungla thailandese. Con Memoria, tuttavia, Weerasethakul ha abbandonato il proprio paese natio per realizzare una coproduzione internazionale girata in Colombia, con la presenza nel cast di una grande star come Tilda Swinton. Quella dell’Autore che abbandona il proprio paese per realizzare un ambizioso progetto all’estero è ormai una pratica diffusa tra i grandi registi del nostro tempo: si pensi, per fare solo qualche nome, a Paolo Sorrentino con This Must Be The Place, Bong Joon-ho con Snowpiercer, Park Chan-wook con Stoker, Asghar Farhadi con Tutti lo sanno e Kore-eda Hirokazu con Le verità. Cambiano gli addendi, ma lo schema resta simile. Nel caso di Memoria, poi, i paesi coinvolti sono ben undici – Colombia, Thailandia, Regno Unito, Francia, Germania, Messico, Cina, Taiwan, Stati Uniti, Qatar e Svizzera – e tra le decine di coproduttori e produttori associati che si possono leggere nei titoli di coda figurano grandi nomi dell’establishment cinematografico internazionale: il cinese Jia Zhangke, la colombiana Cristina Gallego, persino Danny Glover (!). Tutto questo permette di avere un’idea su come avvenga la produzione e il finanziamento di pellicole di questo tipo: attraverso un’autentica “chiamata alle armi” degli ammiratori di Weerasethakul, che sfruttano la propria influenza per raccogliere i finanziamenti necessari e sostengono il film nella sua circolazione globale.

Memoria, vincitore del Premio della Giuria al Festival di Cannes 2021, inizia a Bogotà, dove la scozzese Jessica, donna d’affari in ambito floricolo, è svegliata una notte da un potente rumore sordo. Il giorno successivo, la donna si reca all’ospedale a fare visita alla sorella Karen e scopre che, nei pressi della struttura, stanno avendo luogo degli scavi archeologici che stanno portando alla luce diversi scheletri antichissimi. Faticando a dormire la notte e continuando periodicamente a udire il rumore, Jessica si rivolge a un giovane ingegnere del suono, Hernán, per provare a ricrearlo digitalmente. I due, a poco a poco, diventano amici, forse persino qualcosa di più, ma un giorno lui scompare nel nulla, come non fosse mai esistito. Jessica, allora, parte per un viaggio nella Colombia rurale, in cerca di risposte. Lì incontra un altro uomo di nome Hernán, ma notevolmente più in là con gli anni, con cui stabilisce una connessione particolare.

Prendere o lasciare: Apichatpong Weerasethakul è un regista a cui bisogna affidarsi. Anche nei suoi film thailandesi è oggettivamente difficile (anche, ma non solo, per distanza culturale) comprendere appieno il complesso immaginario mistico-religioso-animalesco-mostruoso-fantasmatico che li anima. Eppure, se si è in grado di lasciarsi andare e di farsi coinvolgere dall’affascinante universo visivo e sonoro che il regista sa evocare, le sue pellicole, nella loro disarmante e sonnolenta lentezza, sanno coinvolgere ed è possibile scoprire in esse dimensioni emotive rare a viversi altrimenti. Se ci si accosta a esso con concentrazione e pazienza adeguate, il cinema di Weerasethakul lascia un senso di profonda spiritualità e permette di ripensare i concetti di vita, morte e relazione umana sotto una nuova luce. Bene: Memoria non sovverte queste premesse, ma per altri versi è assai diverso dal cinema precedente del regista. Il mondo in cui Weerasethakul immerge la protagonista Jessica, interpretata da una Tilda Swinton che sa trasmettere tutto il senso di spaesamento del personaggio, è un universo di assoluta normalità, in cui a poco a poco si manifestano elementi di discontinuità, quasi dei varchi su un’altra dimensione: il misterioso rumore; l’inspiegabile apparente evaporazione del personaggio del giovane Hernán (i suoi colleghi ingegneri, improvvisamente, sostengono di non averlo mai conosciuto); i bizzarri sogni della sorella di Jessica, che attribuisce la causa del proprio malessere e del proprio ricovero ospedaliero prima a un cane, poi agli incantesimi di una sorta di una tribù indigena che vive nella giungla; la progressiva riemersione, durante gli scavi archeologici, di resti umani risalenti a migliaia di anni prima, testimonianze di una dimensione ancestrale che pare travalicare i limiti temporali della realtà.

Jessica si aggira in questo mondo così normale ed eppure così legato all’oltre come in uno stato di trance (più o meno la condizione in cui Weerasethakul vorrebbe indurre gli spettatori), interrogandosi sulle origini di tutto ciò e imbattendosi, grazie alla sua professione, in un ipertecnologico armadio per la conservazione dei fiori in cui “il tempo si ferma”. Ecco, il mondo di Memoria pare essere un po’ come quell’armadio: è un luogo in cui alcuni elementi paiono vivere in una dimensione propria, separata rispetto al normale flusso del tempo e della realtà. E – come si scopre durante la lunga scena del colloquio con il secondo Hernán, quello più vecchio (sorge chiaramente il dubbio che si tratti di una versione invecchiata del giovane uomo scomparso) – l’elemento che pare più resistente al tempo in questa “dimensione altra” sono i ricordi, la memoria del titolo. Jessica e Hernán, infatti, discutono di diversi temi (sogni, memoria, reincarnazione, vite passate) e, a poco a poco, paiono sempre più legati dalla condivisione della predisposizione a captare i segni della dimensione dei ricordi, della collisione tra diverse temporalità. Tra questi due personaggi, che odono il misterioso rumore, nasce la comunicazione: i due riescono a sintonizzarsi (letteralmente!) su una comune frequenza e fondono le proprie esperienze passate, presenti e future, dando vita a un’intima dimensione di compartecipazione degli (infiniti?) tempi delle proprie (infinite?) vite. Jessica e Hernán riescono così a sentirsi, ad ascoltarsi, a capirsi, forse. Ed emerge un rapporto umano fecondo, come nessun altro lo era stato nel corso di un film in cui spesso i personaggi comunicano con dialoghi bizzarri, sterili, ai limiti del grottesco. Il più grande difetto e limite di Memoria, paradossalmente, è che Weerasethakul – differentemente da quanto fatto in altri suoi film misteriosissimi ma, proprio per questo, affascinanti – senta, nel finale, l’esigenza di rivelare la fonte del rumore, con una trovata fantascientifica che non appare molto coerente con il resto della narrazione.

Il desiderio di spiegare, poi, va in controtendenza proprio rispetto alla natura dell’opera nel suo complesso. Enigmatico per natura, Memoria avrebbe beneficiato di una narrazione pienamente aperta, anche nei suoi esiti finali. A prescindere da ciò, comunque, l’ultimo film del regista thailandese non è certo per tutti: lo apprezzerà chi riuscirà, con pazienza, a farsi ipnotizzare dall’elaborata composizione delle inquadrature (Weerasethakul realizza molti piani sequenza a camera fissa) e dalla bellezza delle immagini (l’eccellente fotografia è del solito Sayombhu Mukdeeprom, divenuto frequente collaboratore anche di Luca Guadagnino), a farsi cullare dal raffinato tappeto sonoro e a farsi emozionare dal brivido della sintonizzazione di soggettività a opera di forze inspiegabili. L’autore di questa recensione, questa volta, ci è riuscito solo in parte.

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June 22, 2022
LIVE #16: IL CINEMA DELLA NEW HOLLYWOOD
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Con Mattia Bianconi e Benedetta Lucidi parliamo di tre grandi capolavori della New Hollywood:
- Il laureato 13:30
- Easy Rider 27:23
- Gangster Story 45:25
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June 21, 2022
PEDRO ALMODÓVAR E IL FASCINO PER UN MONDO “ALTRO”
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Si può considerare il cinema come la mia religione, perché è uno dei maggiori stimoli che ho per vivere. Il cinema ha quello stesso aspetto di devozione e di idolatria: in questo senso, è interamente religioso.

Pedro Almodóvar è riconosciuto come il più celebre regista del cinema spagnolo. È anche sceneggiatore, produttore cinematografico, scrittore e musicista.

Nasce il 25 settembre 1949 a Calzada de Calatrava, nella Castiglia-La Mancia, per poi trasferirsi a Madrid negli anni Sessanta. Sin da piccolo manifesta una personalità irrequieta, interrompendo gli studi a sedici anni e mantenendosi grazie a un lavoro come impiegato presso una compagnia telefonica. Ma le sue idee erano già ben chiare: la sua ambizione era entrare nel mondo del cinema. Così inizia a girare documentari, filmati amatoriali e cortometraggi, recita in alcuni spettacoli della compagnia “Los Goliardos” e pubblica fumetti e racconti in riviste underground.

CARRIERA CINEMATOGRAFICA

Nel corso del tempo il suo modo di fare cinema si è evoluto, seguendo ed adattandosi ai cambiamenti della nostra società, rappresentata sempre con grande lucidità. Si tratta forse del cineasta europeo con la carriera più variegata. In 40 anni di carriera ha realizzato film che spaziano dalla trasgressione (Pepi, Luci, Boh e le altre ragazze del mucchio, 1980) alla riflessione autobiografica (Dolor y gloria, 2019). Il suo stile è spesso contrastato, provocatorio, impulsivo o riflessivo, caratteristiche che talvolta si ritrovano persino nello stesso film.

Gli studiosi riconducono le sue opere a quattro tappe stilistiche:
1. Tappa sperimentale, ovvero gli esordi della carriera cinematografica: Pepi, Luci, Bom e le altre ragazze del mucchio (1980), Labirinto di passioni (1982), L’indiscreto fascino del peccato (1983) e Che ho fatto per meritare questo (1984). Il giovane Almodóvar si distingue immediatamente nel panorama cinematografico dell’epoca grazie ad uno stile provocatorio e audace, sia per i personaggi sia per le tematiche trattate, in cui trovano spazio l’uso di droghe e l’omosessualità. È negli anni Ottanta che diventa un esponente della Movida, il movimento socio-culturale spagnolo nato durante il passaggio dalla dittatura franchista all’attuale democrazia, ovvero il periodo noto come la Transizione spagnola. Erano anni in cui il Paese stava gradualmente riconquistando le sue libertà dopo anni di conformismo forzato e Almodóvar ne diventerà un portavoce di spicco grazie alle prime opere della sua carriera ambientate proprio in quel periodo, film attraverso cui abbraccia in tutto e per tutto questa improvvisa voglia di libertà. Come ha affermato il regista: “la memoria storica è una questione aperta in Spagna, il Paese ha un dovere morale con le famiglie dei desaparecidos, quelli che sono stati interrati nelle fosse. Non possiamo chiudere la nostra storia recente senza affrontare questo tema”.
1. Tappa di perfezionamento stilistico (anni ’90): Donne sull’orlo di una crisi di nervi (1988), Légami! (1990), Tacchi a spillo (1991), Kika – Un corpo in prestito (1993). Con il primo film, per la prima volta propone una trama più complessa e stratificata, pur mantenendo lo scandalo e la provocazione che hanno caratterizzato le sue opere sin dalle prime produzioni.
2. Tappa sociale (primi anni 2000): Tutto su mia madre (1999), Parla con lei (2002), La mala educación (2004). Con Tutto su mia madre, che valse al regista spagnolo un Oscar e il Golden Globe al miglior film straniero, Almodóvar mette in scena e costruisce personaggi dalla forte personalità, caratterizzati dall’aver vissuto storie dolorose e vicende fuori dal comune.
3. Tappa introspettiva: Volver – Tornare (2006), La pelle che abito (2011), Dolor y gloria (2019). Quest’ultimo rappresenta la sua opera più autobiografica, in cui immerge il protagonista Salvador in quelle che sono state delle esperienze di vita realmente vissute.
TEMATICHE “ALMODOVARIANE”

La domanda sorge spontanea: è possibile individuare un filo conduttore all’interno di una carriera così eterogenea? Senza dubbio, ad accomunare le sue opere è il fascino per un mondo “altro”, come l’omosessualità rappresentata ne La legge del desiderio (1987) o il travestismo in Tutto su mia madre (1999). Il tutto con le tipiche tinte provocatorie e trasgressive del cinema “almodovariano”. Per il cineasta spagnolo la normalità è quasi inaccettabile, ma ciò che lo contraddistingue è la capacità di raccontare dei mondi estremamente complessi, e talvolta stigmatizzati, con estrema lucidità e intelligenza, ma soprattutto senza giudizio. Almodóvar, anche di fronte alle vite dei personaggi dolorose e complicate, riesce a stimolare la comprensione delle loro azioni e mai la compassione.

La sua indole trasgressiva è declinata anche attraverso una dimensione erotica. È il caso della libertà sessuale della popstar ninfomane Sexilia in Labirinto di passioni (1982), delle parafilie del torero Diego Montes in Matador (1986). Tuttavia, in molte occasioni in Almodóvar l’eros si unisce al pericolo e alla suspence, come in La pelle che abito (2011), film ai confini con il genere horror, in cui racconta l’ossessione del chirurgo Ledgard per la morte della moglie e della figlia che lo condurrà a sperimentare nuove tecniche chirurgiche su una giovane donna tenuta prigioniera. La pelle che abito è ispirato dal romanzo Tarantola (2011) di Thierry Jonquet, di cui Almodóvar riprende l’idea di base e aggiunge delle sottotrame tipiche del suo stile. Questo film porta l’attenzione su un altro elemento direttamente collegato all’istinto carnale: il corpo, l’oggetto del desiderio e la causa di numerose gelosie e lotte tra i personaggi.

Almodóvar durante tutta la sua carriera ha rappresentato la perversione e la follia in tutte le sue sfumature. Come affermano Chasseguet-Smirgel (1987) e Khan (1979), la follia di un perverso è anche dotata di una fantasia illimitata, la stessa che gli permette di crearsi un mondo parallelo alla realtà, in cui l’atto sessuale diventa l’unico modo di essere vicino all’altro e trovare in essa una qualche forma di equilibrio. Secondo lo psicoterapeuta A. Scuderi, i personaggi di Almodóvar mettono in scena questa assurdità perversa. Ma persino nei loro gesti violenti e perversi lo spettatore può ritrovare una particolare forma d’amore, poiché il regista rende lo spettatore consapevole che sono il frutto di anni di sofferenze.

Per molti è considerato “il regista delle donne”, per via della grande attenzione riservata alle donne all’interno dei suoi film. Il suo universo femminile è costellato di donne dalla forte personalità, che si trovano ad affrontare le difficoltà e le sofferenze della vita con grande coraggio. Una delle figure più amate dal regista è quella della madre. Paradossale ironia della sorte, quando nel 1999 si spegne la madre del regista, lui è nel pieno successo mondiale di Tutto su mia madre, film da molti considerato il capolavoro della sua carriera. Mette in scena la storia di Manuela, che all’improvviso si trova a dover fare i conti con la morte del figlio Esteban. Della maternità però Almodóvar vuole mettere in evidenza soprattutto lo spirito, che in una situazione così dolorosa non si disperde, anzi sente il bisogno di rivolgere le sue cure a qualcun altro: è il caso della giovane Rosa.

“A Bette Davis, Gena Rowlands, Romy Schneider… A tutte le attrici che hanno fatto le attrici, a tutte le donne che recitano, agli uomini che recitano e si trasformano in donne, a tutte le persone che vogliono essere madri. A mia madre” (da Tutto su mia madre)

La più recente rappresentazione della figura materna si ritrova in Dolor y gloria (2019), un’opera autobiografica in cui affida il ruolo di Pedro ad Antonio Banderas e quello della madre a Penelope Cruz, due pilastri del suo cinema. Si tratta di un film in cui elimina ogni orpello superfluo, in favore di una sceneggiatura scarna che funga da bilancio esistenziale.

CONCLUSIONE

Le opere del cinema di Almodóvar generano quindi sentimenti contrastanti: orrore da un lato attraverso storie che scandalizzano ed empatia dall’altro, poiché il suo fine non è quello di giustificare le azioni violente o le perversioni dei suoi personaggi ma di comprendere le loro motivazioni più profonde. Con i suoi film permette allo spettatore di entrare in un mondo che appare folle in prima battuta, ma che diventa ben presto un ambiente familiare, fatto di passioni e sentimenti veritieri, e con personaggi che non rappresentano se stessi, ma che sono portatori di tematiche care al regista.

Il cineasta stesso ammette di aver sempre messo una parte di sé nelle sue opere: “tutti i miei film hanno una dimensione autobiografica, ma è indiretta, attraverso i personaggi. Infatti io sono dietro ad ogni cosa che accade e che viene detta, tuttavia non parlo mai di me stesso in prima persona”.

Marisa Paredes in Tutto su mia madre dice che “la vera autenticità non sta nell’essere come si è, ma nel riuscire a somigliare il più possibile al sogno che si ha di se stessi”. Pedro Almodóvar, senza dubbi, è un uomo autentico.

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June 21, 2022
#16 STRADE PERDUTE: YORGOS LANTHIMOS – LA MONOGRAFIA PARTE 2
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LINK ALL’EPISODIO

In questo sedicesimo episodio di Strade Perdute Alessandro, Jacopo e il loro ospite Luca Orusa analizzano il periodo Hollywoodiano della filmografia del grande Yorgos Lanthimos, uno dei registi più importanti di questa epoca. Buon ascolto!

Lista Film citati:

The Lobster (2015) ()

Il Sacrificio del Cervo Sacro (2017) ()

La Favorita (2018) ()

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Un saluto e un ringraziamento a tutti i nostri ascoltatori e alle nostre ascoltatrici, ci sentiamo al prossimo episodio.
June 20, 2022