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Recensione The Last of Us – La rivincita degli adattamenti

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Adattare un videogioco sotto forma di film o serie tv non è mai stato un compito facile, soprattutto se in live action. Ne sono esempio Super Mario Bros (Annabel Jankel & Rocky Morton, 1993), le pellicole di Uwe Boll da House Of The Dead a Far Cry, la saga dedicata a Resident Evil diretta da Paul W. S. Anderson o il recente adattamento di Netflix. Qualcosa negli anni era comunque riuscito a distinguersi, come Silent Hill (Christophe Gans, 2006), Resident Evil: Welcome To Raccoon City (Johannes Roberts, 2021), Uncharted (Ruben Fleischer, 2022) o la serie tv Halo prodotta da Paramount+. Tuttavia ci si è sempre ritrovati di fronte a prodotti interessanti ma comunque problematici o che si distanziavano in maniera netta dal materiale di partenza.

La notizia dell’intenzione di adattare The Last Of Us, da molti ritenuto uno dei più grandi capolavori recenti dell’industria videoludica, generò molta paura soprattutto negli appassionati. L’intenzione però di sviluppare una serie e non una singola pellicola e di affidarla ad un team di HBO in stretto contatto con i creatori stessi del videogioco aiutarono a placare gli animi e a creare un’enorme attesa per l’uscita della serie.

Adattare una storia

1968. Durante un talk show televisivo, con fredda cinicità il dottor Neuman racconta di come l’essere umano negli anni sia stato capace di sopravvivere a numerose pandemie virali, trovando sempre un modo per sopravvivere e vincere, e di come, invece, in caso di una evoluzione genetica da parte dei funghi, risulterebbe impossibile salvarsi e che soccombere sarebbe l’unico destino possibile per l’uomo. Nel 2003 l’agghiacciante previsione di Neuman diviene realtà: una mutazione del Cordyceps permette al fungo di prendere il controllo degli umani, rendendoli così dei gusci vuoti a caccia di nuovi terreni da contaminare. Saltando avanti di vent’anni la serie ci porta quindi nell’effettivo presente narrativo, nel 2023, in un’America devastata e selvaggia che lo spettatore attraverserà assieme a Joel (Pedro Pascal) ed Ellie (Bella Ramsey), una quattordicenne immune all’infezione, nel tentativo di raggiungere un lontano ospedale in cui poter creare un vaccino studiando le cause dell’immunità della teenager.

Se da un lato la storia del videogame The Last Of Us presentava di già una forte impostazione cinematografica, con lunghe cutscene, personaggi approfonditi ed una narrazione centrale nell’esperienza di gioco, tutto questo veniva al tempo stesso accompagnato da un gameplay che permetteva di vivere direttamente il viaggio, condividendo momenti di fatica e di terrore assieme alla piccola Ellie, creando così un forte legame tra il giocatore ed i personaggi. Non è di certo impossibile fare ciò anche all’interno di un medium passivo come quello televisivo, ma si presentava l’inevitabile necessità di “riscrivere” alcuni momenti della narrazione che il team ha sapientemente sfruttato per inserire alcuni cambiamenti – l’esistenza ed il ruolo di Jacksonville, la storia di Bill e Frank, le modalità di contagio, la malattia di Sam – ma anche alcune sequenze del tutto nuove, come i flashback sulle origini dell’infezione o la nascita di Ellie.

Il legame tra il videogioco e la serie è poi ulteriormente rimarcato dai diversi cameo degli attori “originali”, da Troy Baker e Ashley Williams (gli originali Joel ed Ellie qui nei panni, rispettivamente, del braccio destro di David e della madre di Ellie) a Merle Dandridge che riveste anche qui i panni della leader delle Luci Marlene, e dalla fedeltà con cui il reparto costumi e trucco ha trasposto su schermo i personaggi ma soprattutto i mostri, realizzati con l’ausilio di trucco prostetico e pochissima computer grafica.

Una storia di contraddizioni

Dietro una facciata fatta di città devastate e pericolosi infetti, la serie racconta – in maniera lampante – una storia al cui centro si trovano i personaggi, con le proprie contraddizioni ed il loro costante evolversi: Joel, chiuso, cinico e senza legami si ritrova a superare il lutto e ad affezionarsi alla giovane Ellie, persa in un mondo per cui non vuole combattere e che accetta con il proseguire del viaggio il suo destino di “predestinata”. Ma accanto a loro si trovano numerosi personaggi secondari che rappresentano appieno le contraddizioni dell’animo umano, come Bill, salvatosi dall’infezione grazie alle suo isolazionismo paranoico che rischia la vita pur di stare accanto alla persona di cui si innamora, Kahtleen, desiderosa di “liberare il popolo” dalla violenza dell’occupazione militare e che finisce però per usare gli stessi mezzi, Tess, disposta ad uccidere e sacrificare chiunque per sopravvivere che però mette in pericolo se stessa pur di salvare Joel e Ellie, o David, fanatico religioso ossessionato da Dio e la vita di comunità che si rivela un sadico cannibale.

L’ottima scrittura viene poi supportata da un cast eccezionale, su tutti la coppia Pascal/Ramsey che mette in scena un’interpretazione che non sfigura minimamente rispetto alla controparte videoludica, capace di donare grande impatto emotivo anche alle sequenze minori, e da una messa in scena sempre ottima, grazie all’eccelso lavoro svolto dal team di registi – tra cui si annovera anche quello di Neil Druckmann, direttore creativo dei videogiochi a cui si ispira la serie.

Conclusioni

The Last Of Us riesce dove tanti prima di lei avevano fallito: creare un buon adattamento da un videogioco, capace di conquistare sia i fan dell’opera originale che un pubblico di novizi. La storia del gioco viene ripresa in gran parte in maniera identica, apportando i giusti cambiamenti per rendere il tutto più godibile attraverso il medium televisivo, mantenendo intatta l’atmosfera originale anche grazie all’eccellente lavoro svolto da parte dei costumisti e dei truccatori. Ciliegina sulla torta è poi l’interpretazione degli attori, grazie alla quale vengono create sequenze memorabili che rimarranno impresse nella mente dello spettatore per parecchio tempo.

Siamo insomma davanti ad un punto di svolta effettivo: The Last Of Us è il primo adattamento videoludico che funziona in ogni sua parte, ponendosi come ottima opera parallela all’originale e aprendo le porte ad un futuro decisamente roseo.

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March 16, 2023
Frankenstein di Guillermo Del Toro – Oscar Isaac, Andrew Garfield e Mia Goth in trattativa per entrare nel cast

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Dopo il trionfo nell’ultima edizione degli Oscar per il film d’animazione Pinocchio, Guillermo Del Toro si sta preparando per il suo prossimo live-action, ovvero un film sul classico Frankenstein di Mary Shelley del quale Del Toro sarà regista e sceneggiatore.

Il regista, infatti, ha da sempre voluto realizzare un film basato su l’iconico romanzo e per questo, secondo Deadline, il progetto è in sviluppo già da tempo.

Le fonti aggiungono che Del Toro sta ancora lavorando alla sceneggiatura e che avrebbe già incontrato i primi attori, ovvero Mia Goth (X – A Sexy Horror Story), Oscar Isaac (Il Collezionista Di Carte) e Andrew Garfield (The Amazing Spider-Man), con questi ultimi intenzionati a far parte del cast.

Per loro non ci sono ancora state offerte formali e Netflix, che si occupa della produzione del film, non ha commentato la questione.

Oltre al suo Frankestein, De Toro sta lavorando, sempre per Netflix, ad un altro film in stop-motion, intitolato The Buried Giant e tratto dall’omonimo romanzo dello scrittore premio Nobel Kazuo Ishiguro, del quale potete approfondire cliccando qui.

In attesa di altre notizie si consiglia la visione del suo ultimo lavoro Pinocchio, disponibile in streaming su Netflix.

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March 16, 2023
Superman: Legacy – James Gunn dirigerà il nuovo film sull’Uomo d’acciaio

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Con un post sui suoi canali social, James Gunn annuncia ufficialmente che sarà lui a dirigere, oltre che a scrivere, Superman: Legacy, il nuovo adattamento dell’eroe di Metropolis creato nel 1933 da Jerry Siegel e Joe Shuster.

Nel post di annuncio, Gunn parla della grande portata emotiva che il progetto ha – o avrà – su di lui, e ne riconferma l’uscita prevista per l’11 luglio 2025. La data coincide con il compleanno di suo padre, motivo per cui il fratello attore Sean si è messo a piangere quando James glielo ha comunicato.

Il regista rivela inoltre che un film su Superman gli fu già offerto tempo addietro, ma lui rifiutò non sapendo come realizzare in maniera unica, divertente ed emozionante una storia dignitosa per questo grande personaggio. Circa un anno fa comprese finalmente di doversi focalizzare sulla doppia parentela di Clark Kent – gli aristocratici genitori kriptoniani e quelli contadini del Kansas – e così ha accettato di scriverne lo script. Tuttavia, non sentendolo sufficientemente suo, in un primo momento è stato esitante ad assumerne la regia, nonostante l’insistenza di Peter Safran. Ma ora può dichiarare di amare lo script ed essere perciò eccitato all’idea di dedicarcisi completamente (con Safran produttore del film).

Superman: Legacy segnerà l’inizio del nuovo DC Universe guidato dagli stessi Gunn e Safran, e sarà il primo episodio del pacchetto di 10 film annunciati all’inizio di quest’anno come primo capitolo della nuova narrazione cinematografica dei DC Studios. In proposito è stato detto che non si tratterà di una origin story ma anzi si concentrerà “su Superman e il suo equilibrio tra le origini kryptoniane e la sua parte umana”. Non si sa ancora chi sarà il protagonista di questo nuovo adattamento ma è certo che non sarà più Henry Cavill e che sarà un attore più giovane del solito.

Intanto rivedremo James Gunn al cinema con il terzo e ultimo episodio delle avventure dei Guardiani della Galassia targati Marvel Studios, che sarà al cinema in Italia a partire dal 3 maggio 2023.

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March 16, 2023
Live #36: Saga di Scream – Tier List

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Luca Orusa e Mattia Bianconi commentano tutti i film della saga di Scream che, con il capitolo 6, ha rivoluzionato il franchise. Qual è il vostro preferito?

Buona visione!

Potete seguirci qui: https://linktr.ee/framescinema

Seguiteci su Youtube e Twitch per non perdervi le prossime Live!

March 16, 2023
The Movie Critic – Quentin Tarantino sta per girare il suo ultimo film

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Un’esclusiva di The Hollywood Reporter annuncia a ciel sereno che Quentin Tarantino avrebbe finito di scrivere la sceneggiatura del suo decimo e ultimo film, e che pianifichi di effettuarne le riprese durante il prossimo autunno. Il titolo dello script è The Movie Critic e le fonti dicono che dovrebbe trattarsi di una storia con una protagonista donna ambientata nella Los Angeles di fine anni ’70.

Si ipotizza che The Movie Critic possa narrare la vita di Pauline Kael, deceduta nel 2001, una delle più influenti critiche cinematografiche di tutti i tempi, ma anche saggista e romanziera, nota per le sue feroci battaglie con editori e film-maker. A fine anni ’70 Kael ebbe un impiego come consulente per Paramount, posizione che accettò per volere di Warren Beatty: oltre a coincidere la sua vicenda con il setting presunto del film, è risaputo che Quentin Tarantino nutra una profonda stima dell’autrice.

Secondo le fonti, il progetto non sarebbe ancora abbinato a nessuno studio di produzione, ma l’acquisizione è attesa per questa settimana. Uno dei frontrunner potrebbe essere Sony, che ha già finanziato l’ultimo film di Tarantino C’era una volta a Hollywood, pellicola del 2019 con 2 Oscar su 10 nomination ed un boxoffice globale di 377 milioni di dollari.

Carriera e progetti di un maestro

Quentin Tarantino è uno degli autori più celebrati di Hollywood, ossessionato dalla storia del cinema e dai generi fuori moda che ha resuscitato, come gli Spaghetti Western, la blaxploitation e le arti marziali. Col suo piglio moderno ed elevato, citazionista e innovativo, Tarantino ha collezionato numerosi riconoscimenti, fra i quali due premi Oscar per la miglior sceneggiatura (per Pulp Fiction e Django Unchained), tre nomination alla miglior regia e una al miglior film.

Da sempre il regista cresciuto in cineteca attrae a sé il meglio dell’industria, lavorando frequentemente con alcuni degli attori più apprezzati degli ultimi decenni, fra cui Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Christoph Waltz (che ha ottenuto due Oscar diretto da Tarantino), Uma Thurman e Samuel L. Jackson. The Hollywood Reporter suppone che, se questo è davvero il suo ultimo film, il maestro non avrà niente da perdere per provare a mettere insieme un cast superlativo.

Più volte Quentin Tarantino ha esplicitato di voler realizzare un numero limitato di pellicole, dichiarandosi intenzionato a firmare dieci opere prima di ritirarsi intorno ai suoi 60 anni. Sinora ne ha girati nove (contando come unico prodotto le due parti di Kill Bill) e a fine marzo compirà 60 primavere, perciò The Movie Critic sarebbe la sua uscita di scena, assecondando la filosofia più volte ribadita dal regista di non voler continuare a lavorare in tarda età, quando l’estro potrebbe affievolirsi e la qualità discendere.

Anche ritirandosi dal cinema, Tarantino ha espresso interesse verso altre forme di espressione artistica cui potrebbe approcciarsi, in particolare serie televisive e drammi teatrali. Nel 2021 ha pubblicato il suo primo romanzo, adattamento di C’era una volta a Hollywood, e nel 2022 è uscita la sua autobiografia, intitolata Cinema Speculation: entrambi i libri sono editi in Italia da La nave di Teseo.

Ci sarà una volta in Italia

Il prossimo mese Quentin Tarantino sarà in Italia: la sera di giovedì 6 aprile presenterà Cinema Speculation al Teatro Grande di Brescia, un evento chiuso sold out in pochi minuti. Il giorno successivo, venerdì 7 aprile, il regista sarà intervistato da Antonio Monda presso la Libreria Mondadori Duomo di Milano, in occasione della 24esima edizione della Milanesiana, speciale evento ideato e diretto da Elisabetta Sgarbi (direttrice della casa editrice interessata).

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March 15, 2023
Recensione Fleishman a pezzi – Decostruzione dei quarant’anni

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Spesso accade, quando sullo schermo viene decostruito un divorzio, che si inneschi un meccanismo narrativo molto simile al whodunit dei murder mystery. Il pubblico inizia un viaggio alla ricerca della prova, dell’indizio che smascheri il colpevole. Un altro punto comune però è rappresentato dal fatto che, altrettanto spesso, nella finzione come nella realtà questo sia impossibile da individuare. Il fulcro di queste narrazioni si sposta dunque sul punto di vista adottato. Fleishman a pezzi esordisce come un’investigazione sul matrimonio ma finisce per essere molto di più, prima di tutto uno studio teorico sulla prospettiva che, più volte, lungo il suo sviluppo ci lascia, appunto, a pezzi.

Citazionismi diffusi per millennial disillusi

In Fleishman a pezzi convivono anche le vite artistiche passate del cast, in un insieme di citazioni e collegamenti intertestuali- più o meno espliciti- che convergono a renderlo il prodotto perfetto per rappresentare millennial in crisi. Lo spettatore si ritrova a dover fare i conti con i personaggi della propria adolescenza, forse un pò più invecchiati, ma non per questo più risolti. Uno su tutti è Adam Brody che interpreta un broker immaturo, apparentemente salvo dalle complicazioni che abitano le vite dei suoi amici, di nome Seth, come il personaggio che lo ha consacrato in The O.C. Chi impersona questa sensazione al meglio è però Lizzy Caplan – conosciuta dietro i banchi di scuola di Freaks and Geeks e Mean Girls – a cui viene affidato il personaggio narrante, protagonista al tempo stesso di una personale ricerca del tempo e delle ambizioni perdute.

All’esordio della serie Toby Fleishman, epatologo sull’orlo di una promozione -come anche di una crisi di nervi-, afferma che ciò che maggiormente lo affascina del fegato sia la sua capacità unica di rigenerarsi, caratteristica che si trova, quindi, insita nell’uomo e a cui lui stesso dovrà imparare ad affidarsi, in questo momento più che mai. Solo per la prima volta in quindici, dopo la separazione da Rachel, agente teatrale di grande successo, Toby vive una realtà capovolta in cui fatica a conciliare quello che resta della sua vita famigliare con la nuova versione di sé che si rivela essere sorprendentemente di successo sulle dating app. Soprattutto quando una notte Rachel abbandona i figli a casa sua per non tornare a riprenderli nei giorni successivi.

Un coming of age in incognito

Ciò che c’è di interessante in Fleishman a pezzi si svolge lontano dalle fantasiose, quanto inevitabili, elucubrazioni di Toby riguardo quello che possa essere realmente successo a Rachel. L’unico reale mistero che si tenta di risolvere nella serie, come nel romanzo, è la capacità delle persone di affrontare cambiamenti drammatici, resistere a colpi apparentemente definitivi, uscendone infine sempre sé stessi. Fleishman a pezzi raccoglie sapientemente l’eredità delle storie di newyorkesi ebrei tendenzialmente sfigati a cui ammicca il titolo italiano e ribalta l’atteso in favore dell’inaspettato, rivelando qui il suo punto di forza.

Lo sguardo si fà sempre più introspettivo e la narrazione si stratifica con l’incedere delle puntate, dando finalmente spazio al femminile – mai realmente assente – attraverso la prospettiva di Libby, scrittrice in potenza da praticamente tutta la vita, riciclata a casalinga del New Jersey. Che sia Libby a narrare la storia è quanto di meno scolastico possibile, qui non c’entra nulla l’empowerment femminile da manuale pop perché Libby le donne non le capisce, almeno le donne che la circondano. Se Rachel le è sempre apparsa troppo egoriferita per interessarsi alle persone attorno a lei, le madri del New Jersey sembrano dedicare alla famiglia tutta la loro vita, sacrificando totalmente la propria individualità. I suoi legami significativi sono solo con uomini, pratica empatia e comprensione esclusivamente nei loro confronti, li ammira, li invidia e talvolta li detesta ma li considera.

Come spesso accade quando si ascoltano due versioni della stessa storia i ruoli non sono mai statici ed anche in questo caso si conferma la regola secondo la quale gli eroi si rivelano essere al tempo stesso i più spietati antieroi. Ad oscillare, contaminarsi e a mescolarsi fino a diventare indistinguibili sono anche generi e toni, il grido prima soffocato e poi disperato di Rachel stona in modo quasi comico con il resort extralusso in cui è immersa; l’ambiente in cui dovrebbe ritrovare la pace non rappresenta altro che tutto quello da cui si è lasciata, volutamente, ingabbiare.

Fleishman a pezzi non è un coming of age, per ovvie ragioni anagrafiche, ma lo vorrebbe disperatamente essere, lo vorrebbe quasi quanto i suoi protagonisti che per tutte le otto ore di durata della serie rincorrono l’impossibilità di voltarsi, di tornare indietro, per riconnettersi con una versione di sé di cui hanno un ricordo nitido ma che al tempo stesso non riescono più a trovare. La serie è anche questo, una storia sul desiderio di tornare all’adolescenza, alla libertà data dall’assenza di obblighi nei confronti degli altri, a una sigaretta fumata davanti al cinema nella città dei tuoi vent’anni.

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March 15, 2023
Recensione L’ultima notte di Amore – Il ritorno del noir italiano

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Una lunga panoramica di Milano, accompagnata dai titoli di testa e dalle musiche di Santi Pulvirenti, apre il terzo film di Andrea Di Stefano, già regista di Escobar con protagonista Benicio Del Toro e The Informer – Tre secondi per sopravvivere, realizzato con un cast internazionale. L’ultima notte di Amore, presentato durante l’ultimo Festival di Berlino, narra la storia del poliziotto Franco Amore, che si dice essere Amore di nome e di fatto. Giunto ormai all’ultima notte di servizio prima della pensione, come prevede ogni buon film di genere che si rispetti, verrà coinvolto in una serie di avvenimenti che renderanno quella notte più lunga e difficile di quanto lui avrebbe mai potuto immaginare, mettendo in pericolo tutto ciò che gli è più caro.

Per questo ritorno in patria Di Stefano si affida al talento di Pierfrancesco Favino, realizzando un noir ambientato in una Milano che viene presentata come se fosse New York. Una città mostrata sin dall’inizio nei suoi chiaroscuri, con i contrasti tra le luci delle strade e il buio degli edifici e del nero degli indumenti indossati dai protagonisti. Delle contrapposizioni visive che accompagneranno lo spettatore per tutto il film e che caratterizzeranno la lunga notte che il poliziotto Amore dovrà affrontare, le scelte che dovrà compiere, che pongono più di un quesito etico e che comportano nelle loro conseguenze sempre dei chiari e degli scuri. La scelta di ambientare la vicenda a Milano non è casuale, non solo perché il capoluogo lombardo è la città più internazionale d’Italia, ma anche perché è stata la scenografia di alcuni dei migliori polizieschi della storia del cinema italiano come Milano Calibro 9 e La mala ordina di Ferdinando Di Leo, film che Di Stefano omaggia e usa come ispirazione, pur cercando di innovare e mettere in scena un noir italiano come non si vedeva da tempo. Questa rielaborazione del passato viene sottolineata dalle parole di Favino riferite alle macchine usate durante il film e che suonano quasi come metacinematografiche in termini di innovazione: “incredibile la tecnologia di queste macchine nuove”. Pur dipingendo una Milano meno violenta e decadente rispetto ai film di Di Leo, la città, esattamente come nei film del regista pugliese, viene mostrata nella sua continua evoluzione economica in cui un ruolo importante è giocato dalla corruzione e dal marciume della criminalità.

Di Stefano costruisce perfettamente la discesa nell’incubo metropolitano di Amore, con un sapiente uso del flashback in grado di ribaltare il significato delle immagini viste in precedenza. Il protagonista, interpretato da un sempre straordinario Pierfrancesco Favino, è di fatto un uomo buono, che in “35 anni di onorato servizio non ha mai sparato”, come viene spesso sottolineato durante il film. Una persona a suo modo anche ingenua, fattore che gli ha impedito di fare carriera all’interno della polizia, che ha fiducia nella parola delle persone e per questo accetta incarichi senza davvero sapere a cosa stia andando incontro, pur di racimolare qualche soldo in più. Mansioni a cui viene spinto da tutte le persone che lo circondano, in primis la moglie Viviana, interpretata da una brava Linda Caridi, che vedono nella figura di Amore la possibilità di un riscatto sociale ed economico. Un’ingenuità che viene sfruttata tuttavia per incastrare il protagonista, durante la sua ultima notte prima del congedo della pensione, e che accompagnerà Amore fino al termine della pellicola, in cui crede davvero di poter assistere ad una nuova alba nella sua vita, con un finale aperto che sembra tuttavia indicare come alla fine saranno sempre gli strati meno abbienti della società a pagare per tutti, perdendo tutto ciò che gli è più caro, e che non è concesso loro sognare un altro stile di vita diverso da quello a cui appartengono per nascita.

Nonostante quasi tutto il film sia ambientato all’aperto, la forza della pellicola è quella di mettere in scena la maggior parte degli eventi in un luogo solo ovvero nel sottopassaggio di uno svincolo autostradale, dove tutti i personaggi progressivamente interagiscono, creando un thriller “da camera” e aumentando notevolmente la tensione, creando situazioni pronte a esplodere da un momento all’altro. Un microcosmo illuminato dalle luci della polizia e delle strade, dove piano a piano l’incubo prende forma. Di Stefano attualizza il noir rispetto ai film di Di Leo tenendo conto di come la città sia cambiata in cinquant’anni, coinvolgendo attività criminali da parte dei cinesi e costruendo un intreccio notevole con tanto di colpi di scena ben orchestrati. Nelle poche scene di sole il cambio di atmosfera viene accentuato dai cambi del clima e di conseguenza della fotografia, con una variazione verso il grigio durante i dialoghi che trasmettono tensione, a sottolineare l’arrivo imminente di una tempesta.

Un plauso speciale va fatto alle musiche di Santi Pulvirenti, molto coerenti con il tono del film, mentre ancora una volta si ritrovano diverse problematiche nella presa diretta e nel montaggio sonoro, con alcuni dialoghi al limite del comprensibile come purtroppo spesso accade nelle produzioni italiane. All’interno della pellicola il regista sfrutta anche la rivalità tra polizia e carabinieri e mette in mostra il marcio presente in entrambi gli schieramenti, sempre pronti a negare e a difendere a spada tratta i propri colleghi per partito preso. Se questo film possa dare nuova linfa vitale al genere noir in Italia è ancora presto per dirlo, ma opere come questa sono la dimostrazione di come il cinema italiano sia in continua evoluzione e sia in grado di produrre ottimi film di genere che risultano essere grandi opere in senso assoluto.

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Luca Orusa,
Segretario e Tesoriere, caporedattore.

March 15, 2023
Oscar al miglior film – 8 vittorie controverse

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Gli Oscar sono, ancora oggi, considerati da molti un certificato di qualità. In verità il più delle volte le vittorie non sono che uno specchio interessante della situazione mediatica del momento, quando non addirittura uno spaccato della società. Il senno di poi e il trascorrere del tempo, col cristallizzarsi di una sorta di “enciclopedia” di film più o meno importanti, ci aiutano, certamente, a constatare quali vincitori della statuetta a “miglior film” sono rimasti nella nostra memoria collettiva e quali, invece, forse non avrebbero meritato tale riconoscimento rispetto agli altri concorrenti.

In questo articolo affronteremo otto occasioni in cui l’Oscar al miglior film potrebbe essere potenzialmente immeritato secondo il parere di chi scrive.

1942: Com’era verde la mia valle (John Ford)

La nostra prima annata dev’essere stata un grattacapo per i votanti. Tra i candidati sono annoverati infatti, oltre al film vincitore, altre opere di grandi ed acclamati registi con cast d’eccezione e\o grandi successi di pubblico e critica, diventati successivamente dei classici: Il mistero del falco (John Huston), Piccole volpi (William Wyler), Il sergente York (Howard Hawks), Sospetto (Alfred Hitchcock). Tuttavia, ad oggi è difficile non pensare che il vincitore avrebbe dovuto essere il film che, oltre a rivoluzionare il cinema tutto, è ancora considerato da molti il migliore di sempre: stiamo parlando del debutto di Orson Welles, ventiseienne al momento dell’uscita di Quarto potere.

La scelta dell’Academy, certo, non appare fuori luogo: Ford era un regista più anziano con una lunga carriera alle spalle, il film era tratto da un libro best seller e aveva un cast di attori già conosciuti nell’industria (Welles aveva assunto per lo più interpreti della propria compagnia teatrale). Com’era verde la mia valle possiede inoltre una struttura narrativa molto più tradizionale rispetto al debutto del giovanissimo regista. Tuttavia, a distanza di decenni è difficile non ritenere questa vittoria, anche se perfettamente comprensibile, poco lungimirante.

1957: Il giro del mondo in 80 giorni (Michael Anderson)

Per molto tempo, gli Oscar sono stati assegnati soprattutto a blockbuster, premiati più per il loro valore produttivo che per quello dell’opera nel suo complesso.

Nella cinquina del ’57, praticamente tutti i titoli rientrano sotto questa etichetta. Abbiamo sia un western (La legge del Signore, William Wyler) sia un musical (Il re ed io, Walter Lang), entrambi generi al tempo considerati ottimi investimenti e capaci di creare un sicuro ritorno economico. Il vincitore, oltre ad avere un cast d’eccezione per l’epoca e più di quaranta attori famosi in camei, non aveva lesinato nella produzione per riprodurre il maestoso viaggio del romanzo omonimo di Verne. Gli altri due grandi nomi dell’anno erano I dieci comandamenti (Cecil B. De Mille), kolossal biblico remake di una pellicola muta dello stesso regista, e Il gigante (George Stevens), ultimo film con protagonista James Dean, già morto all’epoca dell’uscita.

Tutti questi film possedevano potenzialmente una marcia in più per vincere il premio, grazie alla loro esasperata spettacolarità. Non è certo colpa dell’Academy se, a distanza di decenni, quello di Anderson potrebbe essere il più dimenticabile.

1977-Rocky (John G. Avildsen)

Rocky è tuttora considerato a buona ragione uno dei migliori sport movies di sempre. Tuttavia ad una neanche troppo attenta occhiata alla lista dei contendenti dell’Oscar nel ‘77, la sua vittoria risulta abbastanza fuori luogo. La cinquina comprendeva tra gli altri Questa terra è la mia terra (Hal Ashby), uno dei primi film a fare uso della macchina da presa steadicam, e Tutti gli uomini del presidente (Alan J. Pakula), che raccontava a breve distanza di tempo lo scandalo Watergate (avvenuto nel ’74) concentrandosi sulle indagini giornalistiche che lo avevano smantellato.

Un altro dei grandi titoli dell’anno era certamente Quinto potere (Sidney Lumet), il quale in quell’occasione si portò a casa alcuni riconoscimenti alquanto impressionanti: il primo Oscar postumo ad un attore (Peter Finch) e il premio alla migliore attrice non protagonista a Beatrice Straight, per quella che è tuttora la performance col minutaggio più breve mai premiata dall’Academy (in tutto 5 minuti e 2 secondi). D’altra parte, quello era anche l’anno della nomination di Taxi Driver (Martin Scorsese), di cui non è certo necessario ricordare l’ importanza storica.

Di fronte ad avversari di questo calibro, il trionfo di Rocky risulta di certo ridimensionato: forse, di fronte al capolavoro di Scorsese, Balboa sarebbe dovuto andare K.O.

1999: Shakespeare in love (John Madden)

Non crediamo di risultare controversi chiamando questa vittoria una delle più discusse nella storia dell’Academy. Il film storico ispirato alla vita di William Shakespeare risulta senz’altro piacevole, ma quell’anno aveva avversari di livello sicuramente superiore.

Nella categoria “miglior film” erano infatti candidati Elizabeth (Shekhar Kapur), altra pellicola storica ambientata in età elisabettiana nonché primo grande successo dell’attrice Cate Blanchett, e La vita è bella di Roberto Benigni, che quella notte si sarebbe portato a casa altre due statuette. Ma i grandi nomi della cinquina, quell’anno, erano quelli di due war movies realizzati da maestri assoluti della settima arte: Salvate il soldato Ryan di Steven Spielberg e La sottile linea rossa di Terrence Malick.

Ad oggi, il successo di Shakespeare in love agli Oscar (vinse in totale sette statuette) viene ricondotto più che alla sua qualità eccelsa alla campagna pubblicitaria martellante messa in atto dall’allora dirigente della casa di produzione, la Miramax, e produttore del film: Harvey Weinstein. Si è trattata forse di una delle prime occasioni, nella storia degli Academy, in cui è stato compreso il potere di una buona campagna marketing.

2002: A beautiful mind (Ron Howard)

Ci troviamo di nuovo davanti ad un caso in cui non è tanto la scarsa qualità del film vincitore a rendere potenzialmente ingiusta la sua vittoria, ma piuttosto il surplus degli avversari. Nel caso del 2002, A beautiful mind, ispirato alla storia vera del matematico John Forbes Nash Jr., aveva tra i propri competitori l’ultimo film di Robert Altman, Gosford Park, e il dramma In the bedroom, debutto alla regia di un lungometraggio di Todd Field (in concorso quest’anno con Tár).

Ma a spiccare quell’anno nella cinquina come titoli “inusuali” erano certamente Il signore degli anelli-La compagnia dell’anello (Peter Jackson) e Moulin Rouge! (Baz Luhrmann). Il primo era l’apripista di una saga di dimensioni impensabili per l’epoca, tratta da una trilogia di fama mondiale e fino ad allora mai adattata per intero. Il secondo, col suo successo e la propria impostazione, è da molti considerato il film che ha ridato linfa vitale al musical.

L’Academy ha sempre avuto la tendenza a premiare il dramma, ignorando totalmente determinati generi cinematografici, e dunque la scelta non può sorprendere. Jackson ha avuto comunque la sua “rivincita” due anni dopo, quando Il ritorno del re vinse ben 11 premi Oscar (compreso quello a miglior film!), mentre l’Academy decise di premiare il musical l’anno successivo con Chicago (Rob Marshall).

2006: Crash – Contatto fisico (Paul Haggis)

Se la vostra prima reazione nel leggere il titolo qui sopra è stata chiedervi “aspetta, che film è?”, sappiate che non siete soli. Crash è costituito di un insieme di storie vertenti attorno al tema del razzismo, con un cast corale composto tra gli altri da Don Cheadle, Matt Dillon, Brendan Fraser e Sandra Bullock.

La cinquina degli Oscar 2006 comprendeva la seconda regia di George Clooney, Good Morning, and Good Luck., la prima collaborazione tra Spielberg e l’autore teatrale Tony Kushner, Munich, e Truman Capote – A sangue freddo, grazie al quale quella notte Philip Seymour Hoffman portò a casa la sua prima (ed unica) statuetta come miglior attore. Tuttavia, il grande favorito della serata era I segreti di Brokeback Mountain (Ang Lee), neo western che aveva macinato consensi e premi nel corso della award season e che, ai tempi, rappresentava uno dei pochi casi in cui al centro di un film rivolto ad un pubblico mainstream c’era la narrazione esplicita di un amore omosessuale.

Il caso di Crash rappresenta forse un esempio evidente del fatto che vincere un Oscar non garantisce a un film lo statuto automatico di film memorabile.

2011-Il discorso del re (Tom Hooper)

L’edizione del 2011 ha fatto furore (non proprio in positivo) sia a causa della conduzione, affidata ad Anne Hathaway e James Franco, sia per le vittorie. Il biopic storico che si aggiudicò la statuetta a miglior film aveva infatti avversari di tutto rispetto. I candidati della categoria comprendevano Un gelido inverno, consacrazione attoriale di una non ancora ventenne Jennifer Lawrence, i nuovi film di David O. Russell (The Fighter), dei fratelli Coen (Il Grinta) e di Danny Boyle (127 ore), la commedia a tema queer I ragazzi stanno bene e, sorprendentemente, un film d’animazione, ovvero Toy Story 3-La grande fuga.

Tra i principali favoriti della serata vi erano due pellicole che molto dovevano all’animazione nipponica: l’allucinato viaggio nel mondo della danza di Darren Aronofsky, Il cigno nero, con cui Natalie Portman vinse l’Oscar alla migliore attrice, e l’altrettanto curioso Inception di Christopher Nolan. Chiudeva la rosa dei candidati quello che, ad oggi, è considerato da diversi critici uno dei film migliori del 21esimo secolo: The Social Network di David Fincher, storia della nascita di Facebook. Con un avversario che nel corso del tempo ha acquistato una tale nomea, la vittoria de Il discorso del re non può non far sollevare qualche sopracciglio.

2022: CODA – I segni del cuore (Sian Heder)

Impossibile chiudere senza citare la più recente delusione fornitaci dall’Academy.

Dopo la batosta della pandemia, la scorsa annata cinematografica ci ha regalato diverse uscite interessanti e nomination più che valide: abbiamo avuto il ritorno di grandi maestri come Jane Campion (Il potere del cane) e Paul Thomas Anderson (Licorice Pizza), nuovi film di affermati autori come Spielberg (West Side Story) e Guillermo del Toro (La fiera delle illusioni), adattamenti di grandi opere letterarie (Drive my car, Dune) e racconti autobiografici (Belfast).

Ha sorpreso dunque la vittoria di CODA , remake del francese La famiglia Bélier, raccontante le vicende di una ragazza che fa da interprete alla sua intera famiglia, composta da persone sordo-mute. Sebbene il film di Heder non sia privo di valore, anche grazie alle buone interpretazioni del cast, composto da persone realmente sordo-mute (al contrario che nell’originale francese), veder vincere un premio tanto ambito ad un film dimenticabile in un’annata così ricca di pellicole di assoluto livello ha indubbiamente deluso molti appassionati.

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March 14, 2023
Oscar 2023 – Commento finale e tutti i vincitori

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Everything Everywhere All at Once trionfa e segna il record. Miglior attore Brendan Fraser e quattro premi per Niente di nuovo sul fronte occidentale.

Cerimonia tutto sommato priva di sorprese la 95esima edizione degli Oscar, tenutasi presso il Dolby Theatre di Los Angeles durante la notte tra domenica 12 e lunedì 13 marzo. Alla sua terza conduzione degli Oscar (la prima ricordata per il celebre scambio di buste tra La La Land e Moonlight), Jimmy Kimmel confeziona una serata molto piatta dal punto di vista di intrattenimento e di colpi di scena nelle premiazioni.

Il trionfo di Everything Everywhere All at Once

Come largamente anticipato dai precedenti premi della stagione, il frontrunner Everything Everywhere All at Once ha confermato il suo enorme successo: già prima degli Oscar il titolo aveva superato la quantità di riconoscimenti ottenuta da Il Signore degli Anelli – Il ritorno del re divenendo il film più premiato di sempre.

La pellicola scritta e diretta da Daniel Kwan e Daniel Scheinert ha conquistato ben 7 premi, di cui 6 nell principali categorie di premiazione: è un record che batte Accadde una notte (1934), Qualcuno volò sul nido del cuculo (1976) e Il silenzio degli innocenti (1992). Mentre questi tre titoli avevano vinto i “Big Five”, ossia 5 premi principali (film, regia, sceneggiatura e due interpreti), Everything Everywhere All at Once ha ottenuto riconoscimenti per ben tre dei suoi interpreti: Michelle Yeoh, Ke Huy Quan e Jamie Lee Curtis.

I quattro attori premiati

Tutti e quattro gli attori premiati sono star degli anni ’80 e ’90 che ricevono finalmente un riconoscimento dopo anni nell’industria grazie alla fiducia concessa loro dalla A24. La casa di produzione (così chiamata perché ideata durante un viaggio sull’omonima autostrada italiana) ne è stata ampiamente ripagata, raccogliendo tutti quanti i premi di recitazione: è un emozionato Brendan Fraser a completare il quartetto degli attori per la sua performance in The Whale.

Memorabile il discorso della miglior attrice non protagonista Jamie Lee Curtis, che dedica il premio alle centinaia di attori come lei che per anni si sono dedicati ai film di genere. Pure la miglior attrice protagonista Michelle Yeoh pronuncia un toccante discorso dedicato alle “mamme, che sono le vere supereroine”, ed entra nella storia per essere la seconda attrice non “bianca” a vincere in questa categoria dopo la vittoria di Halle Berry vent’anni fa, che è sul palco a consegnarle il premio.

I premi tecnici e gli esclusi della serata

Il dramma bellico europeo Niente di nuovo sul fronte occidentale segue Everything Everywhere All at Once con 4 premi tecnici lasciando film come Elvis e Babylon a bocca asciutta nelle uniche categorie nelle quali potevano competere. Zero vittorie anche Gli spiriti dell’isola e The Fabelmans, rispettivamente con 8 e 7 nomination, che erano invece stati premiati ai Golden Globe, e pure Tár di Todd Field sebbene Cate Blanchett fosse favorita come miglior attrice.

Solo un premio “di consolazione” per Top Gun: Maverick (miglior sonoro) e Avatar: la via dell’acqua (migliori effetti speciali), i due maggiori incassi della stagione cinematografica, i cui demiurgi Tom Cruise e James Cameron erano assenti durante la serata.

A mani vuote anche l’Italia, in gara grazie al cortometraggio Le pupille di Alice Rohrwacher (prodotto da Alfonso Cuarón) e ad Aldo Signoretti nel team di make-up ed hair style di Elvis, ma può dirsi orgogliosa della vittoria di Pinocchio di Guillermo Del Toro come miglior film di animazione, che porta avanti l’eredità del capolavoro di Carlo Collodi.

Le esibizioni musicali

Tra i momenti più memorabili della serata si segnalano le esibizioni di alcuni tra i musicisti candidati all’Oscar per la miglior canzone, come la colorata Naatu Naatu del film indiano RRR (che ha poi vinto il premio) e la toccante Lift Me Up da Black Panther: Wakanda Forever intonata da Rihanna in memoria di Chadwick Boseman.

Si esibisce a sorpresa anche Lady Gaga, precedentemente segnalata come assente dalla serata, che ha cantato Hold My Hand da Top Gun: Maverick un una versione “striped down” rinunciando a trucco e abito firmato Versace a favore di jeans strappati e maglietta; la cantante e attrice si è mostrata molto dimagrita per via delle riprese di Joker 2 nelle quali è impegnata in questi giorni e ha introdotto il pezzo invitando a non nascondere le proprie fragilità.

L’intrattenimento della serata

Gli unici momenti della conduzione di Jimmy Kimmel che a fatica strappano una risata sono la presenza sul palco dell’asinella di Gli spiriti dell’isola le sporadiche battute sulla squadra anticrisi per evitare situazioni come lo schiaffo di Will Smith a Chris Rock dell’edizione precedente, oltre che Elizabeth Banks e il suo Cocainorso che hanno presentato l’Oscar agli effetti speciali.

Kimmel ha ricordato anche alcuni particolari record legati ai candidati della serata: la presenza di numerosi attori irlandesi in gara in varie categorie e il traguardo delle 53 nomination per John Williams, quest’anno candidato per The Fabelmans.

Emozionante il momento in cui la platea ha intonato Happy Birthday per l’attore affetto da sindrome di Down James Martin, protagonista del cortometraggio premiato An Irish Goodbye. Come sempre toccante anche il momento dedicato ai membri dell’industria cinematografica scomparsi durante l’anno passato, introdotto di un commosso John Travolta e accompagnato dalla voce di Lenny Kravitz.

A consegnare la statuetta più ambita, quella al miglior film, è la leggenda vivente Harrison Ford, che si rende casualmente protagonista di una reunion di Indiana Jones e il tempio maledetto insieme a Ke Huy Quan che lo abbraccia felice; inoltre erano presenti in sala anche John Williams, Steven Spielberg e la moglie Kate Capshaw (Willie Scott nel secondo capitolo delle avventure dell’archeologo con la frusta). Altra reunion è quella di Quattro matrimoni e un funerale, con Hugh Grant e Andie MacDowell che hanno introdotto l’Oscar alla scenografia.

Reazioni alla serata

Non sono mancate le tradizionali polemiche legate alla serata e indirizzate in particolare verso Everything Everywhere All at Once, i cui numerosi premi sono considerati un “risarcimento” culturale più che effettivi riconoscimenti al valore artistico del film, in realtà comunque lodato e riconosciuto da maestri come Steven Spielberg. In ogni caso, l’annata è stata un inno alla creatività, con le nomination ai registi coincidenti con quelle per la sceneggiatura originale e tutti e quattro i vincitori nelle categorie di recitazione interpreti di film non basati su storie vere come invece avveniva da tempo.

Mentre Everything Everywhere All at Once festeggia la vittoria tornando oggi al cinema per la terza volta distribuito da I Wonder Pictures, sono già partite le scommesse su chi saranno i candidati dell’anno prossimo, tra il ritorno di grandi autori come Martin Scorsese con Killers of the Flower Moon, Denis Villeneuve con Dune: Part Two, Christopher Nolan con Oppenheimer e altri attesi progetti come Barbie di Greta Gerwig e Maestro di Bradley Cooper.

Di seguito la lista completa dei vincitori degli Oscar 2023.

Miglior film

Niente di nuovo sul fronte occidentale

Avatar: La via dell’acqua

Gli spiriti dell’isola

Elvis

Everything Everywhere All at Once

Tár

Top Gun: Maverick

Triangle of Sadness

The Fabelmans

Women Talking

Miglior regia

Martin McDonagh – Gli spiriti dell’isola

Daniel Kwan e Daniel Scheinert – Everything Everywhere All at Once

Steven Spielberg – The Fabelmans

Todd Field – Tár

Ruben Östlund – Triangle of Sadness

Miglior attore protagonista

Austin Butler – Elvis

Colin Farrell – Gli spiriti dell’isola
Brendan Fraser – The Whale

Paul Mescal – Aftersun

Bill Nighy – Living

Miglior attrice protagonista

Cate Blanchett – Tár

Ana de Armas – Blonde

Andrea Riseborough – To Leslie

Michelle Williams – The Fabelmans

Michelle Yeoh – Everything Everywhere All at Once

Miglior attore non protagonista

Brendan Gleeson – Gli spiriti dell’isola

Brian Tyree Henry – Causeway

Judd Hirsch – The Fabelmans

Barry Keoghan – Gli spiriti dell’isola

Ke Huy Quan – Everything Everywhere All at Once

Miglior attrice non protagonista

Angela Bassett – Black Panther: Wakanda Forever

Hong Chau – The Whale

Kerry Condon – Gli spiriti dell’isola

Jamie Lee Curtis – Everything Everywhere All at Once

Stephanie Hsu – Everything Everywhere All at Once

Miglior sceneggiatura originale

Martin McDonagh – Gli spiriti dell’isola

Daniel Kwan e Daniel Scheinert – Everything Everywhere All at Once

Steven Spielberg e Tony Kushner – The Fabelmans

Todd Field – Tár

Ruben Östlund – Triangle of Sadness

Miglior sceneggiatura non originale

Edward Berger, Lesley Paterson e Ian Stokell – Niente di nuovo sul fronte occidentale

Rian Johnson – Glass Onion: Knives Out

Kazuo Ishiguro – Living

Ehren Kruger, Eric Warren Singer, Christopher McQuarrie, Peter Craig e Justin Marks – Top Gun: Maverick

Sarah Polley – Women Talking

Miglior film internazionale

Niente di nuovo sul fronte occidentale (Germania)

Argentina, 1985 (Argentina)

Close (Belgio)

EO (Polonia)

The Quiet Girl (Irlanda)

Miglior film d’animazione

Pinocchio di Guillermo del Toro

Marcel the shell with shoes on

Il gatto con gli stivali 2: L’ultimo desiderio

Red

Il mostro dei mari

Miglior fotografia

James Friend – Niente di nuovo sul fronte occidentale

Darius Khondji – Bardo, la cronaca falsa di alcune verità

Mandy Walker – Elvis

Florian Hoffmeister – Tár

Roger Deakins – Empire of light

Miglior montaggio

Mikkel E. G. Nielsen – Gli spiriti dell’isola

Matt Villa e Jonathan Redmond – Elvis

Monika Willi – Tár

Eddie Hamilton – Top Gun: Maverick

Paul Rogers – Everything Everywhere All at Once

Migliori effetti visivi

Niente di nuovo sul fronte occidentale

Avatar: La via dell’acqua

Black Panther: Wakanda Forever

Top Gun: Maverick

The Batman

Miglior sonoro

Niente di nuovo sul fronte occidentale

Avatar: La via dell’acqua

The Batman

Elvis

Top Gun: Maverick

Miglior colonna sonora

Volker Bertelmann – Niente di nuovo sul fronte occidentale

Justin Hurwitz – Babylon

Carter Burwell – Gli spiriti dell’isola

Son Lux – Everything Everywhere All at Once

John Williams – The Fabelmans

Miglior canzone originale

“Applause” – Tell it like a woman

“Hold my hand” – Top Gun: Maverick

“Lift me up” – Black Panther: Wakanda Forever

“Naatu Naatu” – RRR

“This is a life” – Everything Everywhere All at Once

Miglior scenografia

Niente di nuovo sul fronte occidentale

Avatar: La via dell’acqua

Babylon

Elvis

The Fabelmans

Miglior trucco e acconciature

Heike Merker e Linda Eisenhamerová – Niente di nuovo sul fronte occidentale

Naomi Donne, Mike Marino e Mike Fontaine – The Batman

Mark Coulier, Jason Baird e Aldo Signoretti – Elvis

Adrien Morot, Judy Chin e Anne Marie Bradley – The Whale

Camille Friend e Joel Harlow – Black Panther: Wakanda Forever

Migliori costumi

Mary Zophres – Babylon

Ruth Carter – Black Panther: Wakanda Forever

Shirley Kurata – Everything Everywhere All at Once

Catherine Martin – Elvis

Jenny Beavan – La signora Harris va a Parigi

Miglior documentario

All that breathes

All the beauty and the bloodshed

Fire of love

A house made of splinters

Navalny

Miglior cortometraggio

An Irish Goodbye

Ivalu

Le Pupille

Night Ride

The Red Suitcase

Miglior cortometraggio documentario

The Elephant Whisperers (Kartiki Gonsalves e Guneet Monga)

Haulout (Evgenia Arbugaeva e Maxim Arbugaev)

How do you measure a year? (Jay Rosenblatt)

The Martha Mitchell effect (Anne Alvergue e Beth Levison)

Stranger at the gate (Joshua Seftel e Conall Jones)

Miglior cortometraggio animato

The Boy, the Mole, the Fox and the Horse (Charlie Mackesy e Matthew Freud)

The Flying Sailor (Wendy Tilby e Amanda Forbis)

Ice Merchants (João Gonzalez e Bruno Caetano)

My Year of Dicks (Sara Gunnarsdóttir e Pamela Ribon)

An Ostrich Told Me the World is Fake and I Think I Believe It (Lachlan Pendragon)

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March 13, 2023
La trilogia della morte di Lucio Fulci

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“E ora affronterai il mare delle tenebre, e ciò che in esso vi è di esplorabile.”

E’ nel bienno 1980-1981 che il cinema italiano e mondiale viene sconvolto dalla potenza visiva dei film della trilogia della morte, trittico tematico di pellicole con protagonista l’attrice britannica Catriona MacColl e realizzate da uno dei più grandi registi della storia del cinema horror, Lucio Fulci. Il regista romano, che amava definirsi terrorista dei generi, vista la sua capacità di affrontare tutte le declinazioni del cinema di genere con uno stile personale, inserendo temi e stili a lui cari volti a sconvolgere lo spettatore, fu poco compreso ai suoi tempi e venne rivalutato nel corso degli anni, andando ad ispirare con le sue pellicole diversi registi contemporanei, da Quentin Tarantino a Sam Raimi, che inserirono nelle loro opere numerosi omaggi a scene iconiche ideate da Fulci.

Paura nella città dei morti viventi

Con questo primo film Fulci codifica definitivamente la sua idea di horror, spingendo il pedale dell’acceleratore dello splatter e della violenza esasperata, tanto da essere censurato in Germania. Prodotto appena un anno dopo il grande successo di Zombi 2, altro grande cult del regista, la produzione impose per motivi di marketing la presenza all’interno del titolo del film delle parole “morti viventi”, qui nuovamente presenti ma presentati più sotto forma di spettri. In questa pellicola Fulci inizia a sperimentare anche la decostruzione narrativa che verrà portata avanti definitivamente con il film successivo, scrivendo una esile trama partendo da riferimenti letterari presi da H. P. Lovercraft e Edgar Allan Poe.

I personaggi, appena abbozzati, hanno la vera e propria funzione di essere un mezzo per creare una serie di scene in cui una violenza debordante possa sconvolgere lo spettatore, creando un vero e proprio horror esperienziale, in cui la paura assume il ruolo di protagonista, basato su sangue, budella e crani perforati. Diverse sono le sequenze iconiche da ricordare, dalla lacrimazione di sangue dagli occhi, dal completo rigetto degli organi interni attraverso la bocca, fino alla distruzione del cranio di un ragazzo attraverso un cacciavite elettrico; quest’ultimo episodio si fa anche portatore dell’anima nichilista di Fulci che vede il male non solo nel sovrannaturale, ma anche e soprattutto nell’uomo stesso. Il personaggio del prete viene messo in scena con tagli di luce che lo rendono simile al Dracula di Christopher Lee, il tutto immerso in un’atmosfera nebbiosa e oscura che preannuncia la fine del mondo e che ben si sposa con le componenti oniriche. Una pellicola iconica, con cui Fulci dà una direzione definitiva al suo cinema horror. Il film risulta essere anche uno dei preferiti di Tarantino, che lo cita esplicitamente in una scena di Kill Bill Vol. 1.

…e tu vivrai nel terrore! – L’aldilà

Appena l’anno successivo Fulci torna al cinema con quello che, a parere di chi scrive, è il suo capolavoro definitivo, nonché uno dei migliori horror della storia del cinema. Con questa opera enigmatica, Fulci disintegra completamente il concetto di sceneggiatura e della struttura classica di un film, che diventa una sequenza di suggestioni ed elementi surreali e orrorifici, senza produrre un’evoluzione dei personaggi o meglio, senza creare dei veri personaggi. Il senso di oppressione a causa della fine del mondo che corrisponde all’apertura verso L’aldilà, pervade tutto il film fino al meraviglioso finale, dove il concetto di trascendente, di ultraterreno, viene messo in scena in maniera estremamente semplice ma geniale: un luogo impossibile e per questo caratterizzato da un panorama neutro e desertico eppure suggestivo, poetico, il Nulla supremo che secondo Fulci ci attende dopo la vita. Il regista romano, con della banale sabbia e qualche comparsa, fu capace di creare la rappresentazione dell’aldilà più interessante mai prodotta nella storia del cinema. Anche in questo film Fulci fu costretto ad inserire gli zombi nella parte finale, dato che non erano inizialmente in sceneggiatura, ma furono imposti dalle distribuzioni estere vista la fama del regista romano, etichettato come regista degli zombi, utilizzati anche in questo caso in maniera funzionale, per mostrare come l’inferno abbia ormai conquistato la Terra. Lo splatter si evolve rispetto a quello debordante del film precedente e diventa ancora più violento e più shockante, partendo dall’efferata uccisione nel prologo, che si fa portatore nuovamente del nichilismo di Fulci, con le porte dell’inferno che vengono spalancate dalla violenza intrinseca nell’uomo. Con questa pellicola Fulci porta a compimento il suo disegno apocalittico, ispirato a Lovercraft e rielaborato dalla mente del terrorista dei generi, aprendo ufficialmente il filone dell’horror anarchico. Da segnalare la presenza di un improbabile da pensare ma incredibilmente funzionale da vedere Michele Mirabella, il celebre conduttore italiano, protagonista della famosa scena delle tarantole.

Quella villa accanto al cimitero

Nello stesso anno di …e tu vivrai nel terrore! – L’aldilà Fulci dirige quello che da molti è considerato il capitolo più spaventoso della trilogia in termini puramente orrorifici, creando con Quella villa accanto al cimitero un film indubbiamente più convenzionale e per questo motivo forse più debole dei precedenti. Si torna ad una narrazione lineare, costruita su pochi ma funzionali elementi come la disgregazione del nucleo famigliare, o altri riconducibili alla cultura horror classica il mostro nascosto nel buio della cantina e gli spettri che infestano la casa. Pur non essendo presente l’anarchia assoluta del precedente capitolo, Fulci riesce a produrre una pellicola in cui i momenti di alta tensioni sono ben orchestrati, in particolare durante la meravigliosa mezz’ora finale, in cui tutta la violenza tipica dei suoi lavori precedenti raggiunge il culmine, seppur mitigata rispetto allo splatter a cui ci aveva abituato il regista. D’altra parte Fulci si diverte ancora di più a livello registico, raggiungendo il totale controllo del mezzo cinematografico, riflettendo anche nello stile composto di ripresa questa mancanza di anarchia. Poco spazio viene lasciato all’ironia, ad eccezione del nome del Dr. Freudstein, una chiara commistione tra Freud e Frankenstein, nato probabilmente per ridicolizzare Freud (che Fulci non amava) accostandolo al nome di Frankenstein (che invece adorava). Con Quella villa accanto al cimitero, un horror da recuperare per tutti gli amanti del genere, si chiude una delle trilogie più influenti e rivoluzionarie prodotte dal cinema italiano, non solo per il futuro del cinema di genere, ma per il cinema tutto.

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March 13, 2023