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Category: Archivio

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  • Recensione Missing – Il mondo in uno schermo

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    Nell’epoca di universi condivisi, multiversi, saghe, prequel, requel, sequel e reboot, forse questo di Missing è il più insolito e inatteso: il film della coppia Nicholas Johnson e Will Merrick si pone infatti come sequel stand-alone di Searching (2018), di Aneesh Chaganty, che torna in veste di soggettista e produttore per creare un universo condiviso di film-screencast (o screenmovie: quei film narrati tramite uno schermo di un pc, di uno smartphone, di un televisore o di qualsiasi altro apparecchio elettronico). Forse agli occhi e alle orecchie più attenti non sarà sfuggito il collegamento più velato a Run, altro thriller di recente uscita e sempre con Aneesh Chaganty in cabina di regia: non è quindi ancora ben chiaro che progetto si stia cercando di portare avanti, se un universo condiviso di “thriller onscreen” (Run non aveva questa caratteristica, forse il collegamento era semplicemente un easter egg fine a sé stesso), oppure un filone antologico di cui Chaganty terrà le redini.

    Infatti, se Searching raccontava di un padre che indagava sulla scomparsa della figlia attraverso il suo laptop, Missing ribalta le premesse aumentando anche il livello di complessità del puzzle digitale: la trama tratta dell’adolescente June (Storm Reid) che con ogni mezzo tecnologico a sua disposizione dovrà cercare di ritrovare la madre Grace (Nia Long), scomparsa assieme al fidanzato Kevin (Ken Leung) dopo essere partita da Los Angeles per la Colombia. Utilizzando strategicamente tutti i diversi device, l’impresa porterà June a scavare a fondo nel passato della madre, del primo marito e del compagno attuale, costringendo la ragazza a mettere in dubbio ogni sua certezza…

    Computer screen film: fra pregi e difetti

    Sebbene si possa pensare che lo screenmovie sia un campo ancora inesplorato, in realtà The Collingswood Story utilizzava questa narrazione digitale più di vent’anni fa, nel 2002, a cui seguirà l’esplosione del genere a livello globale nel 2014 grazie all’horror Unfriended. Come il suo parente-genere stretto mockumentary (il falso documentario: The Blair Witch Project, Rec, The Visit, ecc.), i film-screencast cercano di portare alle estreme conseguenze il livello d’immedesimazione dello spettatore, catapultandolo dentro a questa galassia multiforme di schermi digitali dove naviga quotidianamente. Per avere un forte impatto sul pubblico e per mantenere saldo questo pseudo sfondamento della quarta parete, l’effetto di realismo necessita, tuttavia, di risposte a domande fondamentali: da dove provengono le musiche di sottofondo se ciò che stiamo vedendo è una registrazione-schermo? Chi ha montato le diverse registrazioni? Chi ha aggiunto i diversi zoom sullo schermo? Insomma: perché esiste il film? Domanda non banale, a cui non sono tenuti a rispondere i film che non utilizzano questo particolare espediente narrativo. Se si adotta la tecnica dello screenmovie, invece, si compie una scelta ben precisa e radicale, teorica nella sua semplicità, e lo spettatore (perlomeno quello coscienzioso e con stima di sé) merita una risposta. Sfortunatamente, Missing non ha alcuna intenzione di saziare i legittimi dubbi del pubblico e in termini teorici è una forte contraddizione, un netto rinnegamento della sua intrinseca essenza. Purtroppo il realismo crolla, tutto resta artefatto, finto, costruito ad hoc, e ne risente così anche la costruzione della tensione perché l’immedesimazione arranca, fatica a restare solida, talvolta svanisce. In ogni caso, come gran parte delle abiure, sotto a questo atto del rinnegare forse c’è una seconda scelta – teorica, a suo modo – ben precisa.

    Storm Reid interpreta June Allen

    Schermi identitari

    La scelta compiuta dal thriller hi-tech di Johnson e Merrick non insiste sull’effetto di iperrealismo e metacinematografico, ma resta su di un piano legato alla sfera narrativa interna per riflettere sulla contemporaneità: il mondo d’oggi è tecnologizzato a tal punto che i soli device consentono di risalire a qualsiasi fonte, permettendoci ipoteticamente di risolvere crimini e salvare vite umane. Si: quella stessa tecnologia dove, però, quelle vite racchiuse in uno schermo possono anche nascondersi e mutare nome, identità e aspetto. Non è un caso che in Missing rivesta un ruolo centrale il concetto di identità: l’enigma al centro del film non è il ritrovamento delle persone scomparse, bensì la ricostruzione delle rispettive identità, trasformiste al pari dei numerosi plot twist, ribaltamenti di trama e sentieri narrativi inaspettati e inesplorati che sgretolano continuamente ogni certezza di June, così come dello spettatore. Identità in perfetta simbiosi con la tecnologia, protette da password, mediate, mascherate, proprio come le maschere (o avatar) dei loro profili social, dei loro nomi online che sono a loro volta una mediazione, esattamente come gli schermi dove hanno dimora.

    Ormai, il mondo virtuale si è tramutato in un contenitore digitale che niente ha di diverso rispetto a quello reale ma, anzi, nei flussi di dati, codici, geo-localizzazioni, Instagram stories e cronologie web, si cela una società ancor più reale di quella tangibile. Quel mondo immateriale in cui June si muove decisamente più smart e scaltra persino rispetto alla polizia, facendo emergere il gap generazionale tecnologico che, forse, porterà anche il film stesso a poter essere gradito di più dai giovani rispetto agli adulti.

    June e l’amica Veena cercano Grace Allen

    Proseguirà questo universo condiviso di “thriller screenmovie”? Quali sono i veri progetti di Aneesh Chaganty? L’idea, per quanto stramba e inattesa, non è produttivamente ed economicamente azzardata: resta il rammarico del tradimento teorico in virtù di un cinema più accessibile e di consumo (basterebbe un piccolo sforzo di penna per restare coerenti anche su di un piano concettuale), ma Missing cerca il grande pubblico e non rigetta la sua natura di prodotto commerciale, riuscendo anche a imbastire un – seppure semplice, ma non semplicistico – discorso sul carattere simbiotico che soggiace fra mondo on e off screen.

    Un monito o un elogio? Questo starà a voi deciderlo…

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  • Razzie Awards 2023 – Blonde peggior film dell’anno

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    Come da tradizione, pochi giorni prima degli Oscar sono stati annunciati i vincitori dei Razzie Awards 2023, che premiano il peggior film e peggiori attori dell’annata cinematografica passata. Anche quest’anno, i Razzie hanno continuato a preferire il formato virtuale post-COVID, annunciando i vincitori in un video della durata di poco meno di cinque minuti.

    VIDEO ANNUNCIO DEI VINCITORI DEI RAZZIE 2023

    Blonde, controverso biopic su Marilyn Monroe, si è aggiudicato il premio al peggior film e alla peggior sceneggiatura, scritta dal regista Andrew Dominik e tratta dal romanzo di Joyce Carol Oates. È buffo pensare che tra poche ore l’attrice protagonista del film, Ana De Armas, potrebbe vincere l’Oscar per la sua performance nella stessa opera.

    Due statuette anche per un altro favorito agli Oscar, il film Elvis, e più nello specifico per Tom Hanks, vincitore sia come peggior attore sia come peggior coppia sullo schermo insieme alla “sua faccia in latex (col suo ridicolo accento)”. Hanks si unisce così al club di personaggi che hanno vinto sia un Razzie che un Oscar, tra cui Eddie Redmayne, Halle Berry, Jared Leto e Nicole Kidman.

    Anche il disastroso cinecomic Morbius vince due premi, uno per la peggiore attrice ad Adria Arjona e l’altro per il peggior attore a Jared Leto, che bissa la vittoria ai Razzie dopo quello vinto lo scorso anno grazie al suo ritratto di Paolo Gucci in House of Gucci.

    Quest’anno Tom Hanks porta proprio sfortuna, visto che a vincere il premio come peggior remake è stato Pinocchio della Disney (in cui l’attore interpreta Geppetto), da non confondere con quello di Guillermo Del Toro candidato all’Oscar al miglior film di animazione. L’attore candidato all’Oscar Colin Farrell ha vinto il Razzie Redeemer Award per l’interpretazione in Gli spiriti dell’isola dopo essere stato nominato come peggior attore nel 2005 per Alessandro Magno.

    I Razzie 2023 hanno premiato anche se stessi nella categoria di miglior attrice. La scelta è stata fatta per riparare alla nomination alla dodicenne Ryan Kiera Armstrong per Firestarter: dopo le polemiche sollevate sul web in reazione a questa candidatura, i Razzie si sono scusati, rimuovendo la Armstrong dalla gara e introducendo un limite di età di 18 anni per le future nomination, e hanno deciso di auto assegnarsi il premio.

    Adesso tutti i riflettori sono puntati sulla Notte degli Oscar, che si terrà tra domenica 12 e lunedì 13 marzo al Dolby Theatre di Los Angeles. Sarà possibile seguire la cerimonia di premiazione in diretta su Sky, in streaming su NowTv e in chiaro su Tv8.

    Di seguito la lista completa dei vincitori dei Razzie Awards 2023:

    Peggior film

    “Blonde”

    “Disney’s Pinocchio”

    “Good Mourning”

    “The King’s Daughter”

    “Morbius”

    Peggior attore

    Colson Baker (aka Machine Gun Kelly), “Good Mourning”

    Pete Davidson (Voice Only), “Marmaduke”

    Tom Hanks (As Gepetto), “Disney’s Pinocchio”

    Jared Leto, “Morbius”

    Sylvester Stallone, “Samaritan”

    Peggiore attrice

    The Razzies for “Their 43rd Worst Actress Nominations Blunder”

    Bryce Dallas Howard, “Jurassic Park: Dominion”

    Diane Keaton, “Mack & Rita”

    Kaya Scodelario, “The King’s Daughter”

    Alicia Silverstone, “The Requin”

    Peggior Remake/Rip-off/Sequel

    “Blonde”

    Entrambi i sequel di “365 Giorni” – “365 Giorni: Adesso” & “Altri 365 giorni” [a Razzie BOGO]

    “Disney’s Pinocchio”

    “Firestarter”

    “Jurassic World: Dominion”

    Peggiore attrice non protagonista

    Adria Arjona, “Morbius”

    Lorraine Bracco (Voice Only), “Disney’s Pinocchio”

    Penelope Cruz, “The 355”

    Bingbing Fan, “The 355” & “The King’s Daughter”

    Mira Sorvino, “Lamborghini: The Man Behind the Legend”

    Peggior attore non protagonista

    Pete Davidson (Cameo Role), “Good Mourning”

    Tom Hanks, “Elvis”

    Xavier Samuel, “Blonde”

    Mod Sun, “Good Mourning”

    Evan Williams, “Blonde”

    Peggior coppia sullo schermo

    Colson Baker (aka Machine Gun Kelly) & Mod Sun, “Good Mourning”

    Entrambi i veri personaggi nella “fallace” scena nella camera da letto alla Casa Bianca, “Blonde”Tom Hanks & la sua faccia piena di lattice (e il suo ridicolo accento), “Elvis”

    Andrew Dominik & i suoi problemi con le donne, “Blonde”

    I due sequel di “365 giorni” (usciti entrambi nel 2022)

    Peggior regista

    Judd Apatow, “The Bubble”

    Colson Baker (aka Machine Gun Kelly) & Mod Sun, “Good Mourning”

    Andrew Dominik, “Blonde”

    Daniel Espinosa, “Morbius”

    Robert Zemeckis, “Disney’s Pinocchio”

    Peggior sceneggiatura

    “Blonde” / Written for the Screen by Andrew Dominik, Adapted from the “Bio-Novel” by Joyce Carol Oates

    “Disney’s Pinocchio” / Screenplay by Robert Zemeckis & Chris Weitz (Not Authorized by the Estate of Carlo Collodi)

    “Good Mourning” / “Written” by Machine Gun Kelly & Mod Sun

    “Jurassic World: Dominion” / Screenplay by Emily Carmichael & Colin Treverrow,Story by Treverrow & Derek Connolly

    “Morbius” / Screen Story and Screenplay by Matt Sazama & Burk Sharpless



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  • Recensione Scream VI – (Ri)scrivere una saga

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    A poco più di un anno dall’uscita del quinto capitolo, la coppia Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillet riporta nuovamente in sala uno degli ultimi boogeyman nati negli anni ’90 e in attivo ancora oggi. All’annuncio di un sesto capitolo a così poca distanza dal precedente, tra i fan cominciò a crescere il timore dell’arrivo di un capitolo senza idee, in cui la vera anima della saga sarebbe stata stravolta e riscritta in un horror sempliciotto utile solo ad attirare persone in sala con lo scopo di un guadagno economico. Se a questo aggiungiamo la notizia delle distanze prese da Neve Campbell – storica interprete di Sidney Prescott, protagonista finora di tutti i capitoli della saga – a causa di contrasti con la produzione per motivi di cachet e subito interpretata dal web come un velato tentativo di allontanarsi da un progetto che stava prendendo “la piega sbagliata” (ci teniamo a sottolineare come queste voci siano semplici rumor, senza prove a suo carico), e un trailer che rendeva chiaro fin da subito come il Ghostface del film sarebbe stato “diverso”, risulta facile inquadrare la bizzarra situazione del film, atteso con grande trepidazione ma anche timore.

    “Aspetta, non puoi uccidermi! Dobbiamo ancora finire il film.” 

    “Oh, chi se ne frega dei film!”

    Prossima fermata: New York

    Dopo un incipit a dir poco geniale – inferiore forse soltanto all’originale e a quello del quarto capitolo – che mette in chiaro fin da subito come questo film intenda sì rispettare il canone della saga pur rendendo questa volta l’aspetto metacinematografico della pellicola meno centrale rispetto ai precedenti film, veniamo riportati nella vita di Sam (Melissa Barrera), trasferitosi a New York per controllare e tenere al sicuro la sorella Tara (Jenna Ortega), ora studentessa del college assieme ai gemelli Mindy (Jasmin Savoy Brown) e Chad (Mason Gooding). Assieme a loro ci sono anche alcune new entry come Quinn (Liana Liberato), la coinquilina di Sam, Anika (Devyn Nekoda), fidanzata di Mindy, e Ethan (Jack Champion), compagno di stanza di Chad, oltre ad altri “vecchi volti” come la giornalista/scrittrice Gale Weathers (Courtney Cox) e Kirby Reed (Hayden Panettiere), sopravvissuta miracolosamente al quarto capitolo. 

    Poche parole sono necessarie per parlare del plot, asciutto in maniera tale da permettere alla narrazione di procedere senza intoppi pur lasciando grande spazio ai momenti più crudi e di tensione con protagonista l’assassino. L’elemento di riflessione sul cinema è infatti quasi del tutto assente, tanto da far risultare l’iconica adunata dei protagonisti per discutere delle “regole del film” quasi fuori luogo, un contentino inserito a forza semplicemente perché “ci deve essere”, con regole banali che non aggiungono assolutamente nulla alla pellicola e per il quale forse sarebbe stato più calzante un maggiore coraggio da parte della produzione nel discostarsi del tutto da quanto fatto in precedenza. Rimangono comunque presenti numerose citazioni al mondo dell’horror in generale, dal ragazzino ossessionato da Dario Argento con t-shirt e poster a tema, ai costumi indossati dai passeggeri della metropolitana il giorno di Halloween, al trivia tra Kirby e Mindy. 

    Sangue e amore

    Affianco ai momenti più concitati, sono le storyline dei personaggi a occupare il vuoto lasciato dall’elemento riflessivo, con una forte impronta teen – ancora più marcata che in passato – che catalizza intere scene, mentre porta avanti con il personaggio di Gale una riflessione sui limiti tra privato e pubblico nel giornalismo – “Avevi detto questa volta non avresti scritto nessun libro ed invece lo hai fatto.” “E’ il mio lavoro.” – già presente nelle sue precedenti apparizioni e con Kirby un accenno – forse un po’ troppo limitato a livello di spazio – sullo stress post traumatico e sull’affrontare i demoni del proprio passato.

    Per quanto riguarda la messa in scena dell’orrore tutto funziona benissimo, con alcune delle sequenze di fuga e di scontri tra le migliori nei film horror degli ultimi anni, aiutate anche da un Ghostface estremamente violento e a tratti inarrestabile (quasi come fosse sovrannaturale) che riempie le inquadrature di interiora e sangue a ogni occasione.

    Nonostante tutto risulta però lampante la differenza della regia rispetto a quella classica operata da Craven nei precedenti film: qui è molto più basilare, fatta di campi e controcampi che si aprono a qualche piccola sperimentazione soltanto nelle scene più tranquille, lontani quindi dalle iconiche sequenze di fuga inevitabili nei capitoli novantini. Non si è però necessariamente davanti a un difetto, quanto più a una scelta dettata anche e soprattutto da un fatto: i protagonisti preferiscono spesso affrontare il male piuttosto che scappare da esso.

    Conclusioni

    Scream VI è un capitolo diverso, che si distacca dagli stilemi classici della saga sostituendo agli elementi di metacinema una maggior quantità di sequenze marcatamente gore e violente alternate a situazioni meno concitate in cui fuoriesce l’anima teen dei protagonisti più giovani. Questi ultimi guadagnano inoltre profondità riuscendo a conquistarsi la scena rispetto ai personaggi storici, qui presenti in numero minore e per un time screen decisamente più ridotto ma sempre funzionale e ben dosato. 

    Se siete tra quelli che seguono le vicende di Ghostface soltanto per vedere come il franchise avrebbe ironizzato sul trend hollywoodiano del momento, allora questo capitolo probabilmente vi deluderà. Se invece siete disposti a lasciare lo spirito di Craven ai capitoli precedenti e siete aperti alla novità e al cambiamento nella saga, questo nuovo film può tranquillamente diventare con facilità uno dei vostri preferiti.

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  • Recensione Women Talking – Restare, combattere, andare via

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    Basato sull’omonimo romanzo di Miriam Toews, Women Talking è il quarto lungometraggio della regista canadese Sarah Polley. Due candidature ai prossimi premi Oscar che verranno assegnati il 12 marzo al Dolby Theatre di Los Angeles: miglior film e miglior sceneggiatura non originale. Approdato in anteprima al Telluride Film Festival il 2 settembre 2022, Women Talking è un film profondamente femminista, crudo e difficile, ma al contempo necessario. Necessario perché il piccolo universo della colonia mennonita in cui si svolgono le vicende è teatro di una condizione femminile degradata dalla violenza maschile, un’esistenza in cui le donne non sono esseri umani, bensì una proprietà da sfruttare fino al midollo. Ma Women Talking è, soprattutto, una storia di rivalsa e ribellione, della capacità di resilienza delle donne che reagiscono alla violenza per assicurare a loro stesse e alle future generazioni una vita dignitosa.

    Il diritto di scegliere

    2010: una colonia mennonita è isolata dal mondo. Agli uomini è concesso studiare: le donne sono condannate all’analfabetismo. Per molti anni, gli uomini hanno fatto uso di anestetici per drogare e violentare sistematicamente le donne, causando traumi psicofisici e gravidanze indesiderate; la colpa di tutto ciò viene attribuita a fantasmi e al diavolo, facendo pressione sulla profonda fede religiosa che funge da caposaldo della colonia. Ma un giorno, il terribile segreto viene svelato e i colpevoli vengono arrestati. Rimaste sole nella comunità, le donne si danno la possibilità di scegliere: restare e perdonare; restare e combattere; andare via. In seguito a una procedura di voto, un gruppo di donne si riunisce nel fienile per decidere delle sorti di tutte.

    Women Talking non poteva essere titolo più adeguato: “donne che parlano”, che pensano, che raccontano ciò che è accaduto loro, che cercano di trovare una soluzione. La loro prima forma di espressione è il voto: essendo del tutto analfabete, appongono una croce sotto tre disegni che rappresentano le tre possibili scelte. La seconda forma è la riunione che si svolge nel fienile: solo a un uomo è concesso partecipare, August (Ben Whishaw), il quale ha il compito di comporre il verbale dell’assemblea; un ex-membro della colonia che è stato ostracizzato dagli anziani insieme alla madre, rea di non assecondare il regime patriarcale della comunità. In questo senso, Women Talking risulta simile, nella forma, a La parola ai giurati (Lumet, 1957): il dibattito, in ambedue i film, è il fulcro della narrazione e il mezzo attraverso cui viene delineata la psicologia dei personaggi partecipi della riunione. In entrambi i casi, viene posto particolare accento sia alle interpretazioni che alla sceneggiatura. La parola e il dialogo sono i due fattori cardini delle sequenze ambientate nel fienile, i mezzi attraverso i quali le donne si confrontano, litigano e si riappacificano, mentre i minuti e le ore scorrono incessantemente.

    Una lezione di femminismo

    Women Talking è senza dubbio un film corale: nonostante la presenza di ben note interpreti quali Rooney Mara, Jessie Buckley, Claire Foy e Frances McDormand, tutte le attrici del cast restituiscono interpretazioni profonde e sincere, incarnando personaggi diversi fra loro. Se Ona (Mara) è mite e riflessiva, Salomé (Foy) è testarda e combattiva; Mariche (Buckley) contesta duramente le scelte del gruppo, tentando di nascondere la sua fragilità; Janz (McDormand) è disposta a perdonare pur di non incorrere nella collera divina. La diversità fra le donne della comunità esplicita anche diversi approcci verso la violenza subita e la scelta migliore da compiere, i quali non vengono mai giudicati nel corso del film. Mejal (Michelle McLeod) viene colta spesso da attacchi di panico ricordando le violenze subite: nonostante Mariche contesti il suo comportamento, il sentimento di sorellanza placa ogni conflitto. L’elemento del canto, in particolare, rappresenta il collante della comunità di donne: nei momenti di dissidio, la canzone interpretata dalle donne funge da chiarificatore dei loro stati d’animo che, da turbolenti, ritornano a essere limpidi come la superficie di un lago.

    Ma Women Talking è un film femminista non solo in virtù del tema della violenza di genere, ma anche in seno alla riflessione su come educare i più giovani a non imitare i gesti deplorevoli degli uomini. Nel corso della riunione, le donne si confrontano anche sulle sorti dei loro figli: se dovessero andarsene, dovrebbero portarli con loro? Solo le femmine o anche i maschi? A che età un bambino è capace di emulare la violenza? L’amore e un’educazione femminista sono le due armi che Ona, senza esitazione, nomina nel corso del suo discorso, pensando al bambino che porta in grembo.

    Storie di donne in una comunità mennonita 

    La storia di Women Talking ha inizio con una violenza e si conclude con una decisione. Gli abusi non vengono mai mostrati nel corso del film: ciò su cui la regista si concentra sono le conseguenze degli stessi sia da un punto fisico che mentale. Il tema della violenza di genere, in questo senso, non viene trattato ai fini di una pura spettacolarizzazione del dolore, in cui le donne sono vittime e gli uomini carnefici. Il film di Sarah Polley è il racconto della resilienza femminile e della possibilità di scegliere una vita migliore. Un lungometraggio corale che, nella forma, risulta sensazionale sotto diversi punti di vista. La regia di Polley alterna primi piani sulle donne e i bambini a campi lunghi e lunghissimi della colonia, generando sia un profondo coinvolgimento emotivo, sia un senso di immersione nei territori della comunità mennonita. In armonia con lo stile registico, c’è la fotografia desaturata di Luc Montpellier che sortisce la sensazione di un tempo che, nella colonia, pare essersi fermato. La colonna sonora di Hildur Guðnadóttir, invece, restituisce sia la dimensione agreste, attraverso dei passaggi di chitarra, sia il dolore delle violenze, mediante l’impiego del violino.

    Women Talking è un film necessario che non si rivolge solo a un pubblico femminile: la storia delle donne protagoniste lascia senza parole in seno agli abusi perpetrati; eppure, la possibilità di scegliere il proprio destino è l’arma che, nonostante tutto, può mettere sotto scacco ogni forma di violenza.

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  • Wind River: The next chapter – Iniziate le riprese

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    Durante il mese di novembre era stato annunciato il sequel di I segreti di Wind River, thriller/poliziesco con protagonista Jeremy Renner. 

    A distanza di 6 anni dall’uscita del primo capitolo Taylor Sheridan, sceneggiatore e regista della pellicola, ha iniziato a lavorare alle riprese in Canada del sequel intitolato Wind River: The next chapter.

    La storia girerà intorno alla figura di Chip Hanson, fratello della vittima nel capitolo antecedente, ormai addetto al dipartimento di caccia, che si troverà ad indagare su vari omicidi che stanno terrorizzando la riserva.

    Il cast, diverso dal primo capitolo, vedrà il ritorno di Martin Sensmeier supportato da Jason Clarke, Scott Eastwood e Chaske Spencer. 

    Ad occuparsi della regia non sarà nuovamente Sheridan, impegnato nella lavorazione della serie tv Yellowstone, ma Kari Skogland, regista e sceneggiatrice canadese, nota per il suo primo film Men with Guns (1997) e per aver diretto la serie tv The Falcon and the Winter Soldier (2021).

    La sceneggiatura invece è scritta da Patrick Massett e John Zinman, entrambi sceneggiatori di Lara Croft: Tomb Raider (2001) e Gold – La grande truffa (2016).

    In attesa di altre informazioni si consiglia l’ascolto del nono episodio del nostro podcast Strade Perdute in cui si analizza la trilogia sceneggiata da Sheridan sulla moderna Frontiera Americana, tra cui il già citato I segreti di Wind River.

    LINK EPISODIO PODCAST

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  • The Hollywood Reporter Roma – La rivista avrà un’edizione italiana

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    The Hollywood Reporter, storica rivista statunitense di cinema e intrattenimento fondata nel 1930, esordirà con la sua prima edizione europea che porterà il nome di The Hollywood Reporter Roma.

    La nuova edizione, infatti, arriverà in Italia ad aprile sia sotto forma di piattaforma multimediale con sito web annesso, sia sotto forma di rivista cartacea. Inoltre verranno messi maggiormente in risalto vari eventi locali e nazionali rivolti al mercato mondiale.

    A prendere questa iniziativa è stata la società madre di THR, Penske Media Corporation, in collaborazione con Brainstore Media, un editore italiano specializzato in comunicazioni digitali, guidato da Gian Marco Sandri.

    “ Avevamo bisogno di creare una partnership internazionale con un marchio autorevole per coprire uno spazio di mercato nell’editoria di intrattenimento che esiste e segue un trend esponenziale come lo sviluppo delle piattaforme di streaming. ”, ha dichiarato Sandri.

    A guidare la nuova edizione sarà Concita De Gregorio, giornalista italiana e attuale editorialista de La Repubblica.

    “ The Hollywood Reporter Roma mira a promuovere la qualità e la creatività italiana nel mondo, senza vincoli, intercettando i cambiamenti culturali e sociali”, ha affermato De Gregorio. 

    Oltre all’Italia il team di THR sta aumentando la portata dei propri contenuti a livello globale, infatti a partire da gennaio lanceranno la prima edizione giapponese.

    ” The Hollywood Reporter si impegna ad estendere la portata dei nostri principali contenuti di intrattenimento a livello globale”, hanno affermato Victoria Gold ed Elisabeth Rabishaw, entrambe co-editrici della rivista. “Abbiamo annunciato un’espansione digitale in Giappone a gennaio e siamo entusiasti di espandere la nostra presenza in Europa, in Italia, questa primavera”.

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  • Recensione Cunk on earth – La storia dell’uomo raccontata con spiazzante assurdità

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    Cunk on earth è probabilmente una delle migliori serie presenti su Netflix dell’ultimo periodo, che non sembra però aver ancora avuto il riconoscimento adeguato. Rilasciata nel settembre del 2022 sul BBC two, è apparsa su Netflix solo nel gennaio 2023. Cunk on earth è un mockumentary che ha come protagonista Philomena Cunk (Diane Morgan), una giornalista impegnata in un progetto di divulgazione della storia della civiltà, dal suo principio fino al presente. Il personaggio era già apparso in Charlie Brooker’s Weekly Wipe (un programma creato da Charlie Brooker, produttore anche di Cunk on earth) e in altri quattro film e serie con la medesima impostazione (Cunk on Shakespear, Cunk & other humans, Cunk on Christmas, Cunk on Britain)

    Nei cinque episodi in cui racconta la storia dell’umanità, Philomena Cunk rivolge ad alcuni tra i più importanti studiosi a livello mondiale delle domande completamente inadeguate al contesto, che si caricano di maggiore ironia se poste con l’atteggiamento di seria compostezza che la giornalista assume.

    “Cosa ebbe il maggior impatto culturale: il Rinascimento, o Single Ladies di Beyoncé?”

    Cunk viaggia così lungo il globo terrestre, affrontando temi come la diffusione del cristianesimo, le scoperte di Copernico, l’invenzione degli aerei e la guerra fredda. Argomenti anche spesso delicati non vengono risparmiati dallo humor inglese dello stesso stampo di quello di Ricky Gervais, con cui l’attrice aveva già lavorato diverse volte (la troviamo anche in Afterlife) e che è alla base del mockumentary. Più pungente in alcune scene che in altre, specialmente quando Philomena spiega come “gli smartphone oggi siano alla portata di tutti e siano così semplici da usare e persino da costruire che persino i bambini ci riescono”. 

    Diane Morgan mette in atto questa parodia delle forme di divulgazione della storia con costanti riferimenti alla cultura pop, relazionando situazioni manifestatesi diversi secoli fa come la nascita dell’impero cinese con i migliori brani della techno belga come Pump up the jam. Il legame tra i due eventi? Assolutamente nessuno. Così come quello tra la figura di Gesù Cristo e il politically correct, ma questo non le impedirà di domandare alla professoressa Kate Cooper, docente di storia all’università di Londra, se possa definire Cristo la prima vittima della cancel culture. Letteralmente.

    “Gesù fu ucciso perché alla gente non piaceva quello che diceva. Dunque, potresti definirlo come la prima celebrità vittima della cancel culture?”

    “Penso che la cancel culture presupponga in qualche modo l’idea che le persone abbiano visto Gesù come il rappresentante di qualcosa che loro conoscevano bene…”

    “Oh no, scusa, non era una domanda. Ti sto proprio chiedendo di dire che fu la prima celebrità vittima della cancel culture ai fini del nostro show. Sai, è giusto per avere dei titoli con frasi ad effetto”

    Diane Morgan lascia il pubblico spiazzato e confuso, incapace di reagire in un modo diverso dal ridere davanti all’assurdità delle sue interviste. Di sottile comicità si caricano anche le personali reazioni degli esperti, che, come da programma assecondano le modalità del dialogo, ma si evince perfettamente chi si diverta di più e chi sembra quasi innervosirsi. Sembra infatti quasi che alcuni siano stati colti alla sprovvista e siano infastiditi dal nosense dei discorsi di Philomena. In realtà erano tutti consapevoli e coinvolti nell’idea del falso documentario, ma la bravura di Diane Morgan provoca comunque diverse risposte divertenti.

    Ci sono molti aspetti su cui Cunk on earth fa riflettere. Si tratta di un semplice stravolgimento comico dei documentari di storia? O è possibile leggervi anche il riflesso dell’approccio delle nuove generazioni alla cultura? 

    Qualsiasi fosse l’intento dei creatori, il prodotto finale risulta perfettamente riuscito, in grado di cogliere di sorpresa e disorientare, ma restando fino all’ultimo episodio creativo e divertente.

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  • Giancarlo Giannini riceve la sua stella sulla Hollywood Walk of Fame

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    Dopo tre anni di attesa per l’approvazione e due ulteriori anni di sospensione per la pandemia, il 6 marzo l’attore e doppiatore italiano Giancarlo Giannini ha finalmente ricevuto la sua stella sulla Walk of Fame di Hollywood. 

    A 80 anni e visibilmente emozionato, Giancarlo Giannini ha scoperto l’iconica piastrella con la stella rossa su cui è inciso il suo nome a caratteri d’ottone. “Sono molto felice: questa stella da oggi splenderà nel cielo. Ringrazio Hollywood, dove sono molto amato, forse più che in Italia”, ha detto. “La dedico a Lina (Wertmüller), che mi guarda dall’alto e mi aspetta. Forse lassù faremo altri film insieme, ancora più belli”.

    La cerimonia

    Alla cerimonia erano presenti anche i produttori Barbara Broccoli e Michael Gregg Wilson, che l’hanno voluto in due capitoli della loro saga su James Bond: Casino Royale e Quantum of Solace. Arrivata da Roma anche la vice ministra alla cultura Lucia Borgonzoni: “Un orgoglio per tutta l’Italia è l’occasione per ricordare a noi stessi quanto valiamo nel mondo. Per me è un interprete incredibile, ma di lui amo soprattutto la voce”. Borgonzoni è impegnata anche in un tour per gli studios per attrarre le produzioni statunitensi in Italia.

    In attesa della cerimonia della Walk of Fame, l’attore ha ritirato il premio alla carriera del Filming Italy Los Angeles, il festival creato dalla produttrice Tiziana Rocca in collaborazione con l’Istituto Italiano di Cultura di Los Angeles per promuovere gli artisti e le opere italiani all’estero. Proprio Rocca è stata una delle paladine della candidatura dell’attore italiano presso la camera di commercio di Hollywood che ogni anno sceglie a chi concedere questa celebre onorificenza: “È un sogno che diventa realtà. Giancarlo non è un attore, è un mito”.

    La nuova stella

    La passeggiata delle celebrità di Los Angeles ogni anno omaggia una trentina di artisti del mondo dello spettacolo, e dall’inaugurazione avvenuta nel 1958 quella di Giannini è la sedicesima stella intitolata ad un italiano, solo la seconda dedicata a un attore uomo: “Siamo in due, io e (Rodolfo) Valentino. E io me la prendo con orgoglio” ha detto in proposito. Tra i precedessori anche Gina Lollobrigida, Lina Wertmüller e il più recente Luciano Pavarotti, la cui stella è stata inaugurata ad agosto 2022.

    Il prestigioso riconoscimento è situato sul celebre viale delle celebrità di Los Angeles, all’altezza del civico 6361. La stella di Giannini, la numero 2725, si trova all’incrocio tra Hollywood Boulevard e Vine Street, a pochi passi dai primi Studios aperti all’inizio del Novecento e vicina a quella di Gina Lollobrigida: “Non aver lavorato con lei è uno dei miei rimpianti. Moltissimi anni fa, mi propose di fare insieme una commedia a Broadway, ma poi non se ne fece nulla”.

    La carriera di Giannini

    Giannini ha raccontato di aver esordito a teatro “per caso: sono stato fortunato perché dopo un anno all’Accademia Silvio D’Amico, Beppe Menegatti mi notò e mi scelse per Puck nel Sogno di una notte di mezza estate. Ballavo con Carla Fracci e Gian Maria Volonté, che si vantavano di aver scoperto un talento. Mi sono detto: qui mi pagano per non fare niente! Continuo un po’, poi cambio mestiere. E invece, sono ancora qui”. Ha poi recitato in pietre miliari della cinematografia italiana come Mimì metallurgico ferito nell’onore (1972) e Travolti da un insolito destino nell’azzurro del mare d’agosto (1974), capolavori di Lina Wertmüller. 

    In occasione dell’imminente riconoscimento, Giannini ha ricordato la regista, nel 2019 omaggiata da una stella sulla Walk of Fame e nel 2020 vincitrice del Premio Oscar alla carriera: “Finalmente ci siamo” ha detto all’Ansa, “per me è un grande onore e lo devo tutto a Lina Wertmüller: non sarei qui se non avessi avuto lei a valorizzarmi. Venivamo qui con le pizze dei film sottobraccio per farle vedere a un produttore locale. Era un genio, purtroppo poco apprezzata in Italia”.

    Artista versatile, Giannini ha spaziato tra i generi cinematografici, dalla commedia all’italiana ai film drammatici fino alla saga di spionaggio 007 negli episodi Casino Royale (2006) e Quantum of Solace (2008). In veste di doppiatore, Giannini ha prestato la voce a Jack Nicholson e ad Al Pacino. 

    Le parole dell’attore

    Giannini annovera nella lunga carriera non solo la candidatura agli Oscar del 1977 come Miglior attore per l’interpretazione del “guappo” Pasqualino Frafuso in Pasqualino Settebellezze (1976), ma anche innumerevoli premi italiani e internazionali, tranne uno: “A Hollywood mi danno la stella, a Venezia non mi hanno dato neanche un gatto nero” ha ironizzato l’attore. “Sono stato candidato all’Oscar, ho vinto a Cannes, tanti Donatello e Nastri d’Argento ma mai un Leone. In genere, si dice: ‘danno premi a cani e porci’ ma evidentemente non è così”. 

    Prosegue: “Ultimamente poi premiamo i nomi stranieri. Abbiamo un sacco di italiani bravissimi, vedi Eduardo de Filippo, noi che abbiamo inventato la commedia dell’arte, l’opera… Mi è scappata questa frase durante un’intervista e tutti mi hanno attaccato come bestie: scusatemi De Niro, Pacino, Scorsese… Quando Spielberg fece E.T. andai con lui alla proiezione e, una volta finito, gli feci i complimenti dicendogli che bellissima idea aveva avuto. E lui mi disse, scioccandomi: ‘Ma che idea e idea, l’ho copiata da voi, da Miracolo a Milano, ho sostituito le scope di De Sica con le biciclette dei bambini’”.

    L’attore e doppiatore è molto felice di questo prestigioso riconoscimento alla propria carriera: “La stella è meglio di un Oscar, a cui pure fui candidato nel ’77 per Pasqualino Settebellezze, perché significa ‘essere una stella per sempre’”. Mentre attendeva quella ufficiale, Giannini ha creato una stella provvisoria nella casa di campagna: “Erano tre anni che aspettavo questa notizia, al punto che me l’ero già fatta da solo nella mia villa. L’ho scolpita sul vialetto d’accesso a casa, in campagna. Vada come vada, mi sono detto, questa non me la leva nessuno… Me la sono fatta con queste mani, di granito e con una composizione d’oro, senza nome, solo la stella. Era un premio al quale tenevo tanto”. 

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  • Il doppiaggio può salvare un film d’animazione?

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    Colto da un improvviso attacco di nostalgia, in una fredda serata di gennaio ho deciso di riguardare uno dei tanti film che aveva colorato la mia infanzia: Le 12 Fatiche di Asterix (Les douze travaux d’Asterix), diretto da René Goscinny, Albert Uderzo, Henri Gruel e Pierre Watrin nel 1976. Perla francese d’animazione con protagonisti i gallici più famosi del mondo, creati proprio da René Goscinny (padre anche di Lucky Luke) e Albert Uderzo, protagonisti della serie a fumetti capolavoro della bande dessinée ad opera di due maestri assoluti della lineachiara francese, desiderosa di rivendicare il proprio orgoglio nazionale contro l’Italia (rappresentata ovviamente dai Romani) e contro il Belgio sul piano editoriale, data la grande superiorità dimostrata da quest’ultimo nella letteratura disegnata. Le 12 Fatiche è il primo lungometraggio animato di Asterix con una storia originale non tratta da un albo a fumetti, ed è di gran lunga il più riuscito, anche per via della diretta partecipazione alla regia di Goscinny.

    Chiara rivisitazione e parodia del mito di Ercole, più volte citato, con una graffiante critica alla società contemporanea (la memorabile Casa che rende Folli). Per pura curiosità personale, ho scelto di (ri)guardare questa perla in lingua originale. E qualcosa mancava. Non solo la scarsa comprensione da parte mia dei numerosissimi giochi di parole in francese e nemmeno per semplice effetto nostalgia: il doppiaggio italiano, insieme all’adattamento dei dialoghi basato sulle traduzioni degli albi a cura del grande Marcello Marchesi, era più colorato, espressivo, vivo. Non era solo fiato soffiato in un microfono, l’adattamento si accompagnava perfettamente ai disegni raffinati e lineari uniti ad un’animazione tuttavia volutamente grezza. Tutt’altra cosa rispetto al monocorde doppiaggio francese. Ma qui la domanda sorge spontanea: in un film animato, quante altre volte il doppiaggio ha giocato un ruolo fondamentale nella diffusione dell’opera stessa? 

    È inutile negare quanto negli ultimi dieci anni la visione che il pubblico ha del mondo del doppiaggio sia radicalmente cambiata. Nel ventesimo secolo questa pratica nel nostro paese era data per scontata anche nei film italiani, al punto che l’orecchio di molti spettatori meno giovani non è ancora adesso abituato a distinguere una voce in presa diretta da una voce registrata in studio e poi mixata col resto dei dialoghi, anche quando lo stacco è evidentissimo (e cacofonico). Nel ventesimo secolo la visione in lingua originale di un film straniero era riservata al circuito festivaliero e al cinefilo duro e puro. Intorno al 2010, con la crescente popolarità delle serie tv da vedere in contemporanea con gli Stati Uniti per paura degli spoiler, gli spettatori millennial hanno iniziato a cercare gli ultimi episodi di Lost e The Big Bang Theory su portali web ormai morti e divenuti mitologia pop. La pirateria è riuscita dove i DVD e i blu-ray avevano fallito: il pubblico non vuole più sentire voci preconfezionate ma gli autentici accenti americani, francesi, coreani e così via.

    Il doppiaggio rapidamente diventa una pratica demonizzata. Ferruccio Amendola, Tonino Accolla e Oreste Lionello hanno lasciato questa valle di lacrime, i doppiatori viventi non sono spesso all’altezza di chi li ha preceduti e cresciuti e in un mondo globalizzato dobbiamo tutti imparare a leggere anche quando guardiamo un film.

    Al netto di queste posizioni radicali, è innegabile che gran parte degli appassionati di cinema rigetta il doppiaggio, che resta il tema di dibattito principale tra il pubblico: guelfi italianisti e ghibellini atlantisti. Quando si parla di animazione, però, sembriamo uniti tutti dalla stessa bandiera.

    Siamo abituati alle voci dei nostri amati personaggi e difficilmente riguarderemmo La Carica dei 101 in inglese, se non per curiosità.

    Perché parlando chiaramente: il luogo comune del doppiatore italiano che è il migliore al mondo nella mente dell’italiano è alimentato da questi ricordi. Ma i fatti ci danno ragione.

    Prendendo come esempio una pietra miliare dell’infanzia di ogni italiano: Gli Aristogatti. E dico “italiano” non a caso.

    Ultimo Classico Disney direttamente approvato da Walt Disney in persona, contiene tutti gli elementi tipici della Disney del periodo: personaggi animali che devono tornare da un punto A ad un punto B, cattivo buffo e per niente minaccioso, disegni smatitati, umorismo a raffica. Tutto già visto e cotto in una maniera non particolarmente rifinita. Perché lo amiamo tutti? Perché ha avuto più successo tra il pubblico italiano rispetto ad un Libro della Giungla per certi versi assolutamente simile? Perché negli Usa è considerato invece poco più che una stanca copia gattara dei dalmata? È evidente che l’adattamento e il doppiaggio italiani hanno davvero rivoluzionato il film, incarnato dal personaggio di Romeo doppiato da Renzo Montagnani. È davvero superfluo a tratti individuare i motivi per cui Romeo er Mejo der Colosseo con l’accento romanaccio sia amato dagli italiani mentre quel Thomas o’ Malley the Alley Cat dall’Irlanda nella versione originale si sia perso nei ricordi degli americani. Destino comune in realtà a molti personaggi comici della Disney dagli anni ’90 in poi, e questo magari è dovuto molto alla presenza del talent (personaggio famoso chiamato a doppiare un personaggio) di turno. Dove gli americani amano lo Jago di Gilbert Gottfried e lo Zazu di Rowan Atkinson noi ridiamo a crepapelle ascoltando le voci di Anna Marchesini o di Luca & Paolo ne Le Follie dell’Imperatore, film che in America non è particolarmente amato così come un’altra scheggia impazzita come Hercules. I momenti più comici del Rinascimento Disney in Italia hanno la stessa potenza di quelli drammatici e questo è senza dubbio merito di quel colore, quell’arte di cui siamo stati sempre maestri e che si spera possa rinascere.

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  • Ghosted trailer – La rom-com di spionaggio con Ana De Armas e Chris Evans

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    Apple TV+  ha diffuso online il trailer di Ghosted, il nuovo film con Ana De Armas e Chris Evans, che appare come un insolito mix di spionaggio e commedia romantica con la regia di Dexter Fletcher. Il film debutterà sulla piattaforma di Apple il 21 aprile 2023.

    TRAILER ORIGINALE

    Nel video si assiste al primo incontro di una coppia che sembra destinata ad avere un lieto fine. Quando però lui viene ghostato da lei, ossia non riceve più risposta ai messaggi che le invia, decide di farle visita, immaginandosi il gesto romantico. Non può sapere che lei in realtà è una super spia, e si ritrova così coinvolto in situazioni complicate e rischi potenzialmente mortali.

    Il film è presentato come un action di stampo romantico, sulla falsariga del classico hollywoodiano Alla ricerca della pietra verde. Ana De Armas ha sostituito Scarlett Johansson nel progetto, che  ha dovuto rinunciare al lungometraggio a causa di altri impegni che le impedivano di unirsi al set.

    Ana De Armas e Chris Evans si riuniscono per la terza volta sullo schermo, dopo il giallo Knives Out – Cena con delitto con Daniel Craig e il blockbuster di spionaggio The Gray Man, realizzato dai Fratelli Russo per Netflix. Lei, candidata all’Oscar per Blonde, interpreta di nuovo la spia, dopo alla partecipazione allo 007 No Time To Die e The Gray Man, ma al momento è in fase di realizzazione anche Ballerina, spin-off di John Wick. 

    Ghosted è diretto dall’inglese Dexter Fletcher, noto per Eddie the Eagle e Rocketman. Il copione è invece opera di Rhett Reese e Paul Wernick, gli stessi di Zombieland, G.I. Joe – La vendetta, Deadpool e 6 Underground, che hanno avuto l’idea e l’hanno venduta a Skydance, in co-produzione insieme a Apple Studios. Anche i protagonisti Ana De Armas e Chris Evans saranno produttori esecutivi.

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