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A QUIET PLACE: DAY ONE – SPUNTANO FOTO DAL SET PER L’INIZIO DELLE RIPRESE

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A Quiet Place, saga horror ideata da John Krasinski, sta per tornare sul grande schermo con uno spin off intitolato A Quiet Place: Day One. È stato proprio il celebre attore di The Office ad annunciare l’inizio delle riprese tramite delle foto pubblicate sui social.

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Le foto mostrano Krasinski in compagnia di alcune persone del team che lavorerà alla pellicola. Tra queste spiccano Lupita Nyong’o (Us) che sarà la protagonista del film e Michael Sarnoski (Pig) che invece lo dirigerà.

Nel cast saranno presenti anche Alex Wolff (Old) e Joseph Quinn (Stranger Things).

Il film, tratto da un’idea di Krasinski, racconterà le vicende accadute prima dei fatti narrati nel primo capitolo del 2018 e sarà distribuito nelle sale dall’8 marzo 2023..

Come detto Krasinski non sarà, come per i precedenti, il regista di questo capitolo ma sembra che tornerà ad esserlo per il prossimo A Quiet Place Part III che uscirà nelle sale nel 2025.

Nell’attesa potete prendere parte alla lettura della nostra recensione del secondo capitolo cliccando qui.

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February 9, 2023
RECENSIONE GLI SPIRITI DELL’ISOLA – DUE MANIFESTI DI SOLITUDINE IRLANDESE

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Siamo in Irlanda, nel 1923, in una modesta comunità agreste sull’isola di Inisherin, arcaico rifugio al largo del corso della Storia e al riparo dai rimbombi di esplosioni e cannoni che giungono ovattati dalla terraferma, in una nazione martoriata dalle ultime offensive della guerra civile. Pádraic (Colin Farrell), al rintocco della campana delle due, invita il più anziano amico e compagno di bevute Colm (Brendan Gleeson) a raggiungerlo all’unico pub nel raggio di miglia, per la solita pinta pomeridiana in compagnia dopo il lavoro al pascolo coi buoi. Colm, uomo prostrato dal grigiore della vita sull’isola, che coltiva la passione della musica e del violino in cerca di più alte aspirazioni, si trincera paralizzato dietro un immotivato silenzio, decidendo di troncare all’istante ogni rapporto con Pádraic: l’amico non gli va più a genio, nulla più vuole saperne di quell’uomo che d’un tratto reputa mediocre e noioso, e minaccia addirittura di tagliarsi una a una le dita delle mani se Pádraic non rispetterà la sua irremovibile volontà di stargli alla larga. È l’inizio di una bislacca e sempre più drammatica, sottile ma aguzza tenzone psicologica rilanciata da uno scorrere di mosse nervose e azioni premeditate, scontri aperti e tentate riconciliazioni, furiose esplosioni di rabbia e inattesi slanci di generosità, in un prosieguo di confronti sbalestrati e azzardate schermaglie avvelenate che stravolgerà imprevedibilmente l’apatica monotonia esistenziale dei due (ex) compari.

Sono di una semplicità disarmante, l’innesco di partenza e la struttura portante di Gli spiriti dell’isola (The Banshees of Inisherin, 2022) di Martin McDonagh (in concorso alla 79ª Mostra del Cinema di Venezia – dove ha incassato il premio alla miglior sceneggiatura – e con tre Golden Globes all’attivo, in attesa di giocarsi le nove nomination alla Notte degli Oscar 2023), ed è sorprendente come da un’impasse diegeticamente improduttiva e (di)chiara(ta)mente antinarrativa, da esigui frammenti di vita isolana (e isolata) di così prosaica e quotidiana banalità, scaturisca repentinamente, con sconvolgente naturalezza pari solo alla brillante e affilata precisione della scrittura, un chirurgico e impietoso congegno drammaturgico che riesce a scavare a fondo – grazie soprattutto alla sommessa grandezza dei due magnifici interpreti: granitico e incombente Gleeson, pavido e stropicciato Farrell – nelle pieghe di una profonda, speculare e irriscattabile alienazione, che vede emergere e cozzare tra loro le ragioni (?) più intime e nobili come le più rozze e mal riposte, i sentimenti meno ammissibili e più contrastanti, i più candidi e infantili bisogni d’amore e pacificazione e le spinte autodistruttive più impensabili e irrazionali.

Si arriva fino all’assurdo pur di scongiurare, o almeno tamponare in qualche modo, il desolante senso di vuoto che cinge i personaggi, quelle latenti e aleggianti pulsioni di morte che li insidiano e li sferzano come venti di tregenda, nella lenta, appartata e in fondo futile agonia routinaria di Colm e Pádraic, che avvicinano un destino vertiginosamente sospeso sullo strapiombo del nulla, ed esposto all’erosione delle coscienze, come fosse pericolosamente affacciato sulle maestose e ripidissime scogliere delle Aran Islands.

IL CIELO (SCURO) D’IRLANDA

Dopo la suggestiva trasferta nel neo-noir fiammingo di In Bruges – La coscienza dell’assassino (2008) – da cui è prelevata di peso, e venata di ulteriore immalinconimento, la prodigiosa alchimia e la sapida instabilità del composto attoriale Farrell – Gleeson -, e le due diverse incursioni hollywoodiane (il patinato e fumettoso metacinema pulp di 7 psicopatici (2012) e il notevole south–western di epica suburbana e nuove umanità di frontiera Tre Manifesti a Ebbing Missouri, 2017), Martin McDonagh torna alle origini e alle radici della sua terra di provenienza (la casa dei genitori è situata poco lontano dal set del film), concludendo al cinema con The Banshees of Inisherin il terzo ideale pannello della sua Trilogia delle isole Aran, a seguito delle pièce teatrali di notevole successo Lo storpio di Inishmaan (The Cripple of of Inishmaan, 1996) e Il tenente di Inishmore (The Lieutenant of Inishmore, 2001).

Si tratta con ogni evidenza del suo film più sentito e personale, il più stilisticamente pulito, maturo, coerente e compiuto. Un ammirevole lavoro in equilibrio tra sottrazione e penetrante potenza di sguardo che nell’ampiezza del quadro e nella concretezza di dettagli coglie immediatamente la sostanza di un preciso mondo antropologico setacciato nelle sue arrovellate dinamiche interne. Nei rimandi tra il dialogare caustico e abrasivo e il soverchiante accerchiamento di un paesaggio immenso dagli echi misterici, la narrazione densifica e ispessice di verità ridicole e di dolenti contraddizioni umane il reticolo di relazioni spezzate dalla trama e intrecciate all’allegoria storica e politica con la trasparenza di toni mai caricati (la follia cronica e irreversibile dei conflitti intestini, l’eterno ritorno alla condanna dei troubles tra repubblicani e lealisti irlandesi sul patrio suolo).

In una al contempo terragna, evocativa e simbolica ricostruzione ambientale di grande pregnanza e atmosfere sapientemente sfumate nel folklore locale (è forse l’anziana signora McCormick la stregonesca banshee che attende i pellegrini sulla strada, sorveglia i destini e presagisce segnali funesti, protetta dal suo mantello come una beffarda morte bergmaniana?), che trova nell’ostico, aspro e ruvido isolamento del paesaggio insulare irlandese il correlativo del duro e inconciliabile ripiegamento interiore, dello scivolamento nella reclusione più solitaria che arriva ad intaccare e corrodere l’equilibrio dei personaggi.

L’EPICA DEI DUELLANTI DA PUB

McDonagh dispone un’ipnotica e avvincente successione di tempi, temi e snodi narrativi aperti all’ambivalente e all’imponderabile, facendo calare sontuosamente, nei momenti nodali, una lenta, smorzata eppure pesantissima tensione che lavora pazientemente ai fianchi i corpi e i caratteri, dominati dal conflitto di austeri controcampi e primi piani nitidi e solenni che rafforzano valenza e nettezza delle opposizioni, il duello delle distanze prossemiche e l’elastico della continua dissoluzione – ritrattazione del legame di Colm e Pádraic, richiamando risonanze mitiche (quasi che i due fossero bizzosi, irosi e piagnucolosi titani ubriaconi rimpiccioliti sullo sfondo della natura imperiosa), conferendo ai due contendenti un’emblematica imponenza sminuita di figure archetipiche da parabola biblica deragliata, con l’irruzione della violenza fratricida nella bonomia dell’animo mite e nella quiete apparente di un paesaggio bucolico in realtà cupo e frastagliato di ombre.

Dentro parentesi raccolte e introspettive ma nondimeno intense, feroci e vibranti, equamente scisse tra il senso fisico e istintuale racchiuso nei gesti-limite (incarnati da Colm) e il piglio delle riflessioni di bassa e pigra filosofia di vita che angustiano l’inetto e debole Pádraic (quasi ogni scena chiave del film è un confronto dialogico, verbale o confessionale tra due personaggi su sponde dialettiche opposte e incompatibili). A parte la fiera e intelligente caratterizzazione di Siobhán, la sorella di Pádraic (una splendida e combattiva Kerry Condon al centro di un sanguigno e tenace percorso di autentica emancipazione, senza alcuna riverenza di maniera alle quote di metoo-cinema), non c’è alcun personaggio davvero positivo e disponibile alla facile pietà e all’empatia a buon mercato dello spettatore. Anche la spavalda ingenuità dell’eccentrico e rozzo fool del villaggio Dominic (un Barry Keoghan marginale, ma decisamente in parte con quegli occhi guizzanti e l’imprendibile faccia da schiaffi) riporta una volta di più la fragile e vulnerabile tenerezza, la malinconia inconsolabile delle illusioni irrealizzabili e pertanto destinate ad estinguersi tragicamente.

McDonagh dispiega e dilata fino alle estreme conseguenze un crudo impianto drammaturgico ingessato in un sardonico ghigno nichilista e intriso di co(s)mico pessimismo umano – sinistramente innervato dallo zoppicare insinuante dello score coeniano di Carter Burwell, sospeso tra suoni crepuscolari e funerei come una processione notturna sui ciottoli -, che significativamente si adagia sull’inerzia incorreggibile e sull’inedia immobile di personaggi ridicoli, patetici e indifesi o impropriamente superbi e velleitari, che abitano faticosamente un mondo sperduto di piccole e grandi ambizioni, attività, svaghi e rituali immutabili, collocati al di fuori del Tempo e della Storia eppure vivamente e dolorosamente presenti nel riportarne su di sé, e incarnarne incisi sulla propria pelle, gli echi, le storture, i tagli, le ferite e le malattie (del Secolo).

Il regista sta seduto a osservare curioso, a distanza imparziale pur se attaccato ai personaggi, divertito e impassibile, senza accessi gridati – proprio come le banshees irriverenti richiamate da Colm, che hanno smesso di urlare i propri ammonimenti, annoiate dalle sorti umane sempre uguali a se stesse – questo spettacolo di varia e tribolata umanità vanamente impegnata a produrre uno scarto dal torpore annichilente che la opprime, in cerca di una libertà possibile nella dimensione di elevazione spirituale garantita (?) dall’immortalità della creazione artistica (è anche, in filigrana, il gesto poetico, stilistico e politico preso in carico da McDonagh), che potrebbe riscattare la noia respirata come l’aria e l’irrilevanza di minuscole vite gentili ma inutili, destinate a essere dimenticate per sempre (è l’arco narrativo accarezzato da Colm nelle corde del suo violino, componendo i tre atti della ballad che dà il titolo (originale) al film).

Gli spiriti dell’isola segue così l’ansiogeno zigzagare dei moti di incoscienza e l’emotività pendolare dei suoi personaggi oscillanti e insoluti. Perlustrandone gli scatti e le pause, le intemperanze infiammate (un altro ribelle incendio catartico che segna l’acme dello scontro nemici-amici, dopo quello che in Tre manifesti a Ebbing, Missouri Mildred Hayes appiccava alla incontestabile Legge della stazione di polizia) e le tregue provvisorie, senza mai forzare la mano del plot in direzione della scena ad effetto, del twist decisivo e del climax terminale ad ogni costo.

Aspettando semplicemente che premesse, rivendicazioni, dichiarazioni e velati avvertimenti di una contesa prorogata facciano il loro irresoluto corso incanalandosi nell’eterno, incompiuto e sempre rinnovato gioco incomprensibile dei duellanti per scelta, destinato a non esaurirsi e a riproporsi ciclicamente, come un’alta o bassa marea che bagna la spiaggia da cui si contempla un orizzonte di fuga impossibile. Certe cose non si superano, e va bene così. Lo dice Pádraic, come un’epigrafe e un epitaffio della lotta perenne e inesausta dell’homo homini lupus delle terre d’Irlanda che condivide il focolare con la docile asinella: «Some things there’s no movin’ on from. And I think that’s a good thing».

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February 5, 2023
BILLY SUMMERS DI STEPHEN KING – L’ADATTAMENTO COINVOLGERÀ LEONARDO DICAPRIO E J.J. ABRAMS

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Billy Summers, il recente romanzo del leggendario scrittore Stephen King, diventerà un film. Il progetto era stato concepito prima come una miniserie da 10 episodi, ma poi è stato ripensato come film. Nel progetto avranno un ruolo importante Leonardo DiCaprio e J.J. Abrams che si occuperanno della produzione, il primo con la Appian Way e il secondo con la Bad Robot. Quest’ultima ha già collaborato con Stephen King per l’adattamento di tre romanzi per la televisione: 11.22.63 (2016), Castle Rock (2018) e La Storia Di Lisey (2021).

La sceneggiatura sarà scritta da Edward Zwick e Marshall Herskovitz che hanno già collaborato in passato per film come Amore & altri rimedi (2010) o Jack Reacher 2 (2016). La storia seguirà quella del libro, di seguito la trama:

La storia racconta le vicende di Billy Summers, un sicario e abile cecchino che uccide solo bersagli considerati spregevoli. Il protagonista però ha deciso di uscire dal giro e per farlo deve prima compiere un’ultima missione: uccidere il condannato Joel Allen durante il processo.

Secondo delle indiscrezioni condivise da Deadline, DiCaprio e Abrams potrebbero non limitarsi ad essere produttori, infatti il primo potrebbe interpretare il ruolo di protagonista mentre il secondo potrebbe rivestire il ruolo di regista della pellicola.

I diritti del progetto appartengono a Warner Bros. che non ha ancora rilasciato dichiarazioni sulla data d’uscita o sul cast che lavorerà al prodotto.

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February 5, 2023
JAFAR PANAHI – SCARCERATO SU CAUZIONE IL REGISTA IRANIANO IN SCIOPERO DELLA FAME E DELLA SETE

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È stato scarcerato su cauzione, dopo sette mesi di prigione nel carcere di Evin (nel nord di Teheran), il regista iraniano Jafar Panahi, che 48 ore prima aveva avviato uno sciopero della fame e della sete. La moglie del cineasta Tahereh Saeidi ha annunciato su Instagram che, grazie agli sforzi degli avvocati, Panahi è stato rilasciato.

Ieri mattina i familiari del regista avevano comunicato che Panahi aveva iniziato lo sciopero della fame e della sete. Una protesta contro le autorità che si sono rifiutate di farlo uscire temporaneamente di prigione, in attesa del processo, anche perché secondo la legge iraniana il reato avrebbe dovuto essere considerato in prescrizione. “Rifiuterò di mangiare e bere ogni cibo e medicina fino al mio rilascio, rimarrò in questo stato fino a quando forse sarà il mio corpo senza vita a essere liberato”. Questo il messaggio, diffuso tramite Instagram da moglie e figlio, e reso noto da Iran International.

Panahi, che ha 62 anni, è uno dei più noti registi iraniani, nonché tra i più apprezzati in tutto il mondo. In particolare ha vinto la Caméra d’or al Festival di Cannes nel 1995 con il film Il palloncino bianco e il Leone d’Oro a Venezia nel 2000 con Il cerchio. Già nel 2010 era stato arrestato perché accusato di lavorare a un film anti-regime. Nei mesi precedenti si era spesso espresso in favore della rivoluzione verde, una grande manifestazione di popolo contro la vittoria del conservatore Mahmud Ahmadinejad alle elezioni presidenziali del 2009.

Inviso al regime, Panahi ha ricevuto la condanna alla detenzione dopo aver partecipato ai funerali di un ragazzo ucciso dalla polizia nelle proteste del 2009. La sentenza, mai eseguita, è stata riattivata a luglio scorso, di fronte ai tentativi del regista di avere notizie su due colleghi, coinvolti nelle proteste in piazza. La scorsa estate è stato condannato a sei anni di reclusione – come previsto da una sentenza risalente al 2010 – con accusa di “propaganda contro il sistema”. Panahi ha già vissuto per molto tempo agli arresti domiciliari, senza possibilità di allontanarsi da Teheran. Confidava di poter essere rilasciato su cauzione e così è successo. Il suo caso sarà riesaminato a marzo.

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February 5, 2023
RECENSIONE BUSSANO ALLA PORTA – QUESTIONE DI SCELTE

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Il cinema contemporaneo offre poche certezze agli spettatori, ma fra queste c’è la buona novella che M. Night Shyamalan è ormai distante anni luce dal periodo buio degli spazi aperti e sconfinati de L’ultimo dominatore dell’aria e di After Earth, entrambi blockbuster affossati dalla critica, ma al cui soccorso sono arrivati Jason Blum con la sua Blumhouse Productions che producendo The Visit – un piccolo gioiellino dell’horror found-footage – hanno ridato linfa vitale al cinema del regista indiano naturalizzato statunitense. Finalmente con il thriller di parola Bussano alla porta, tratto dal romanzo horror La casa alla fine del mondo di Paul Tremblay e altra materia non originale di Shyamalan dopo Old (adattamento della graphic novel Castello di sabbia), siamo tornati alle dimensioni più confacenti al suo cinema, quelle degli spazi angusti e ristretti a una dimensione più umanista e intimista, un cinema che non ha bisogno di alti budget o di mondi da esplorare per parlarci della contemporaneità, perché spesso il mondo da dissezionare e da indagare potrebbe essere già racchiuso in uno chalet nel bel mezzo della foresta.

LA SCELTA GIUSTA

La bimba di otto anni Wen (Kristen Cui) e i suoi due papà, Eric e Andrew (Jonathan Groff e Ben Aldridge), stanno trascorrendo qualche giorno in uno chalet isolato nei boschi quando bussano alla porta quattro sconosciuti armati di diversi oggetti e arnesi; la banda è composta dal robusto e gentile Leonard (Dave Bautista), lo scontroso Redmond (Rupert Grint) e le più mansuete Adriane e Sabrina (Abby Quinn e Nikki Amuka-Bird). I quattro invasori hanno un compito: convincere i tre componenti della famiglia che uno di loro deve sacrificarsi per il bene dell’umanità. Dovrà per forza essere uno fra i due mariti o la piccola Wen a compiere la scelta impensabile e ogni rifiuto porterà alla morte di uno degli improvvisatisi cavalieri dell’Apocalisse, scatenando ogni volta una piaga sulla Terra.

Quale scelta compiere con la consapevolezza che l’Apocalisse risparmierà soltanto i tre membri della famiglia?

Leonard (Dave Bautista), Adriane (Abby Quinn) e Sabrina (Nikki Amuka-Bird)

“Qualunque cosa dovremo affrontare, qualunque siano le nostre lotte interiori, abbiamo sempre una scelta […] Sono le nostre scelte che fanno di noi quello che siamo e abbiamo sempre la possibilità di fare la scelta giusta”.

Nonostante Shyamalan abbia già dedicato un’intera trilogia al concetto di superuomo, era destino che prima o poi – forse inconsapevolmente, come in questo caso – il suo cinema tornasse ad intrecciarsi con un cinecomic: è interessante notare come Bussano alla porta sembri riprendere in tutto e per tutto la chiosa di Spider-Man 3 di Sam Raimi, ma cosa c’entra l’uomo ragno con l’Apocalisse (domanda ai limiti del retorico: non c’è nulla di più speromistico che la possibilità di salvare l’intera umanità)? Il fil rouge che congiunge il (sottovalutato) terzo capitolo di Spider-Man con lo shyamalanverse risiede proprio nel concetto di scelta e le sue diverse declinazioni: il supereroe è convinto che “abbiamo sempre la possibilità di fare la scelta giusta” (lui scelse di perdonare Flint Marko per la morte di Zio Ben, così come Harry Osborn scelse di sacrificarsi per salvare la vita del migliore amico), la stessa scelta che sono tenuti drammaticamente a dover prendere i tre malcapitati e futuri salvatori della Terra. Ma a che prezzo? Certo, è sempre possibile operare una scelta, ma è davvero sempre possibile compiere “quella giusta”?

Infatti, Bussano alla porta prosegue il discorso di Spider-Man 3 problematizzandolo, ampliandolo, mescolando le carte in gioco e il piano su cui si gioca: se E venne il giorno ci catapultava nel bel mezzo della catastrofe causata dalle azioni dell’uomo sull’ambiente, questa nuova fatica di Shyamalan sembra esserne un sequel concettuale (“La verità è che la fine era iniziata molto prima che noi venissimo qui”, confesserà a un certo punto Leonard) ma perfettamente aggiornato alla contemporaneità.

CINEMA-RADAR

In realtà, nulla di sorprendente. Shyamalan ci ha da sempre dimostrato che i suoi film costituiscono un cinema-radar per le paranoie del contemporaneo: Signs e The Village per il clima post-11 settembre, E venne il giorno per il suicidio globale a cui stiamo andando incontro a causa dei danni all’ecosistema, Glass (che tira le fila di Unbreakable – Il predestinato e Split) per la figura onnipresente del supereroe/superuomo. Shyamalan capta e metabolizza, ma se in E venne il giorno eravamo immersi e vedevamo coi nostri occhi le conseguenze delle azioni dell’uomo sull’ambiente e a quelle immagini – noi, così come i protagonisti del film – potevamo crederci senza indugio, ora la sfida si fa più ardua. Perché non siamo più nel 2008 e dopo quindici anni la situazione è cambiata radicalmente: i personaggi del film sono barricati in casa e isolati dal resto del mondo (esattamente come noi a causa della pandemia, concetto che non casualmente tornerà nel film), messi davanti alla scelta se credere o meno alle angoscianti immagini trasmesse in televisione, posti di fronte a un’umanità sempre più sull’orlo del baratro per concause di cui ormai è difficile distinguere l’effetto di ogni singolo agente, tant’è che Andrew si interrogherà a più riprese del motivo di tali devastazioni senza ottenere alcuna risposta.

La coppia Eric (Jonathan Groff) e Andrew (Ben Aldridge) assieme alla figlia Wen (Kristen Cui)

HOME INVASION: SENZA INVASIONE

Una risposta non arriverà mai, perché Bussano alla porta è un home invasion senza invasione, o per meglio dire: senza nemico; perché il nemico siamo noi, con le nostre scelte e le loro conseguenze, non ci sono cause esterne e inafferrabili, soltanto una necessità di sacrificio del singolo e una disperata necessità di empatia (quella che mancava all’omofobo Redmond quando pestava uno dei due coniugi omosessuali, come vediamo dai flashback con cui Shyamalan spezza saltuariamente la tensione).

Il nemico è dentro di noi, non bisogna guardare troppo lontano; non è un caso caso che Shyamalan, giocando sempre con il fuori campo nelle sequenze più tese, come in Signs e The Village arrivi addirittura a tenere l’intero mondo fuori campo: è per questo che il suo cinema trova la massima espressione negli ambienti ristretti e circoscritti, perché da sempre i suoi film agiscono su di un piano puramente concettuale rifuggendo la spettacolarizzazione (che guarda caso, quando abbracciata, ha portato a rovinose capitolazioni).

Il finale, che si discosta radicalmente dal romanzo e che (forse) si affida a un eccessivo didascalismo, è solo apparentemente più conciliatorio e consolatorio rispetto a quello nefasto di E venne il giorno: probabilmente, come sosteneva Peter Parker, c’è una “scelta giusta” che potremo compiere per evitare la catastrofe, ma il prezzo da pagare sarà altissimo…

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February 4, 2023
THE COVENANT TRAILER – IL WAR MOVIE DI GUY RITCHIE SU PRIME AD APRILE

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Mentre un suo lavoro precedente attende l’uscita in sala e sta per ricominciare la vita sul set di una nuova produzione, Guy Ritchie sgancia online il trailer del suo film con Jake Gyllenhaal in uscita ad aprile 2023, The Covenant (precedentemente intitolato The Interpreter).

Questo war movie contemporaneo vede la star Jake Gyllenhaal (Lo sciacallo – Nightcrawler) nei panni di un soldato americano di stanza in Afghanistan che s’imbarca in una missione impossibile per cercare di salvare il suo interprete, che gli aveva in precedenza salvato la vita.

In questa storia di fratellanza e cameratismo, l’interprete ha il volto di Dar Salim (Il trono di Spade), attore danese di origine irachena. Completano il cast Alexander Ludwig (Vikings), Antony Starr (The Boys), Jason Wong (Panic) ed Emily Beecham (1899).

TRAILER ORIGINALE

La sinossi ufficiale: The Covenant di Guy Ritchie racconta le vicende del sergente dell’esercito americano John Kinley e dell’interprete afghano Ahmed. Dopo un’imboscata, Ahmed compie sforzi erculei per salvare la vita di Kinley. Quando Kinley viene a sapere che ad Ahmed e alla sua famiglia non è stato concesso un passaggio sicuro per l’America come promesso, deve ripagare il suo debito tornando nella zona di guerra per recuperarli prima che i talebani diano loro la caccia per primi.

La sceneggiatura è firmata da Guy Ritchie insieme a Ivan Atkinson e Marn Davies. The Covenant uscirà nei cinema statunitensi il 21 aprile, mentre in tutto il resto del mondo, Italia compresa, arriverà direttamente in streaming su Prime Video.

Il 2023 di Guy Ritchie è iniziato con lo spot di Cartier con Rami Malek e Catherine Deneuve e il 13 febbraio inizieranno con Henry Cavill le riprese del film sulla Seconda Guerra Mondiale The Ministry of Ungentlemanly Warfare, dedicato all’unità speciale creata da Churchill e Ian Fleming.

È attesa per la prima parte dell’anno anche l’uscita dello spy movie Operation Fortune: Ruse de Guerre con Jason Statham, pronto dal 2022 ma bloccato per la presenza di cattivi di nazionalità ucraina. Questo sarà l’anno di Guy Ritchie.

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February 3, 2023
THE MINISTRY OF UNGENTLEMANLY WARFARE – GUY RITCHIE RACCONTA LA SECONDA GUERRA MONDIALE CON HENRY CAVILL

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Il 13 febbraio inizieranno in Turchia le riprese del nuovo film di Guy Ritchie (e prodotto da Jerry Bruckheimer): The Ministry Of Ungentlemanly Warfare rivela il suo cast. Erano già nel pacchetto Henry Cavill (L’uomo d’acciaio, The Withcer) ed Eiza González (Baby Driver – Il genio della fuga, I Care a Lot); ora si aggiungono Alan Ritchson (Fast X, Reacher), Henry Golding (Crazy & Rich, The Gentlemen), Henry Zaga (Beyond The Universe), Alex Pettyfer (Magic Mike, The Butler: Un maggiordomo alla Casa Bianca), Cary Elwes (Operation Fortune: Ruse de Guerre), Hero Fiennes Tiffin (Harry Potter e il Principe Mezzosangue, After), Babs Olusanmokun (Dune, Star Trek: Strange New Worlds) and Til Schweiger (Bastardi senza gloria, Atomica bionda).

Il war movie, tratto da una storia vera, narrerà dell’unità segreta creata durante la Seconda Guerra Mondiale dal Primo Ministro Winston Churchill e dall’Ammiraglio e futuro scrittore Ian Fleming, colui che nel 1952 inventerà l’agente segreto per antonomasia James Bond con il romanzo Casino Royale. La squadra clandestina dalle tecniche di guerra non convenzionali e ‘ungentlemanly’ (non signorili) riuscirà con il suo contributo alla lotta contro il Nazismo a cambiare il corso della guerra e a gettare il seme delle moderne unità Black Ops.

Si tratta della 30 Assault Unit, altrimenti detta No. 30 Commando, manipolo di soldati altamente qualificati impegnati in missioni di recupero informazioni e documenti sensibili sui principali fronti di guerra attraverso operazioni rischiose, estreme e tuttora classificate. Questa intuizione militare, insieme a quella all’origine di L’arma dell’inganno – Operation Mincemeat (la vera operazione Mincemeat consisteva nel far reperire un cadavere imbottito di documenti falsi abbandonato nel Mar Mediterraneo all’attenzione delle potenze dell’Asse), sono stati i due principali contributi bellici del padre di 007 Ian Fleming.

Firmano lo script di The Ministry Of Ungentlemanly Warfare gli autori Paul Tamasy e Eric Johnson, con Arash Amel e Guy Ritchie, traendo la materia dall’omonimo saggio storico scritto da Damien Lewis (stimato studioso della Seconda Guerra Mondiale, non l’attore Damian Lewis dal nome molto simile). Il progetto era stato avviato da Tamasy e Johnson, che lo cedettero come pitch a Bruckheimer e alla Paramount nel 2015.

Oggi il film prende forma nelle mani dell’affermato produttore Jerry Bruckheimer, candidato all’Oscar al miglior film con Top Gun: Maverick. In produzione insieme a lui ci sono Chad Oman, il partner di Ritchie Ivan Atkinson, e John Friedberg per Black Bear International, principale etichetta coinvolta; produttori esecutivi Scott Lastaiti, Olga Filipuk, l’autore Damien Lewis, e i due sceneggiatori originari Tamasy e Johnson.

È il primo war movie di Guy Ritchie (Snatch – Lo strappo, The Gentleman), ma non la sua prima incursione nel genere di spionaggio, vena già espressa in Operazione U.N.C.L.E., dove per la prima volta Henry Cavill scimmiottava James Bond. Oggi i due si riuniscono in quello che promette d’essere l’ennesimo lungometraggio dedicato ai fatti più misconosciuti del Secondo Conflitto Mondiale, ma con solide basi. Diversi altri attori nel cast hanno già lavorato con il regista che ha raggiunto Hollywood partendo dall’underground londinese: Henry Golding in The Gentleman, Cary Elwes in Operation Fortune: Ruse de Guerre e Babs Olusanmokun in La furia di un uomo – Wrath of Man.

In attesa di The Ministry Of Ungentlemanly Warfare, nel 2023 dovrebbero approdare in sala altri due film di Guy Ritchie: lo spy movie Operation Fortune: Ruse de Guerre, con Jason Statham e Aubrey Plaza (data d’uscita ignota: il film è pronto dal 2022 ma la guerra in Ucraina avrebbe causato un rinvio della pellicola, nella quale per uno sfortunato caso i cattivi erano stati caratterizzati di nazionalità ucraina), e il thriller The Covenant con Jake Gyllenhaal ed Anthony Starr, previsto per aprile. Pochi giorni fa è stato pubblicato online il suo spot Cartier con Rami Malek e Catherine Deneuve.

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February 2, 2023
OMBRE DA ORIENTE – RECENSIONE DECISION TO LEAVE

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“A me piace il mare”, afferma in cinese la bella Seo-rae all’inizio di Decision to Leave (Heeojil gyeolsim, 헤어질 결심). Come già accaduto nei finali di Thirst (2009) e Mademoiselle (2016), sarà proprio il mare a essere protagonista nel culmine emozionale del film, l’undicesimo del veterano Park Chan-wook, tra i più tragici e disperati della sua carriera, nonostante sia senz’altro il più sommesso nella messa in scena tra quelli da lui girati. Premiato con il riconoscimento alla regia al settantacinquesimo Festival di Cannes, Decision to Leave è l’opera di un autore pienamente maturo, che sfida il proprio pubblico affezionato con un melodramma raffreddato apparentemente lontanissimo, almeno nei toni, dalle sue focose opere precedenti. Ma partiamo dalla trama, di cui ci limitiamo a rivelare l’incipit.

Il detective Hae-jun (Park Hae-il) lavora nel distretto di polizia di Busan, soffre di insonnia e vede la propria moglie solo nel fine settimana, dal momento che ella risiede per lavoro nella cittadina di Ipo. Un giorno il poliziotto viene incaricato delle indagini sulla misteriosa morte del signor Ki, impiegato in pensione dell’ufficio immigrazione, il cui corpo sfracellato viene ritrovato ai piedi di una montagna che era solito scalare di tanto in tanto. Hae-jun si ritrova ben presto a interrogare Seo-rae (Tang Wei), la giovane moglie del defunto. Cinese immigrata in Corea, dove lavora come badante per anziani, la donna non appare affatto scossa rispetto al destino funesto del consorte e, visti anche i numerosi lividi e ferite che ricoprono il suo corpo, finisce immediatamente per essere sospettata di omicidio dal detective. Hae-jun, tuttavia, rimane presto affascinato dalla bella giovane e, a poco a poco, tra un appostamento e l’altro sotto casa di lei, tra i due si sviluppa un rapporto tenero e ambiguo, che cela sentimenti profondi…

Park, anche sceneggiatore con la fida Jeong Seo-kyeong, realizza una pellicola di straordinaria complessità narrativa che, oltre a intrecciare una moltitudine di trame e sottotrame, rivela il proprio senso soprattutto attraverso i piccoli dettagli. Il rapporto tra Hae-jun e Seo-rae, infatti, rivela la propria natura attraverso un linguaggio tutto implicito, costituito da non detti, incomprensioni e sfumature linguistiche (inevitabilmente appiattite nella versione doppiata), rime e sottili richiami tra i dialoghi… È un film inevitabilmente da leggersi tra le righe, così come lo è la comunicazione tra i due protagonisti, incapaci di capirsi e confessarsi esplicitamente i propri sentimenti perché ingabbiati in un gioco comunicativo a somma zero.

Hae-jun, interpretato da un Park Hae-il inebetito al punto giusto, si lascia sedurre da Seo-rae e dai dettagli che nel suo aspetto e comportamento sottendono una sensibilità che la sua apparenza fredda vorrebbe nascondere. Dal canto suo, Hae-jun la seduce con il cibo, con lo studio notturno della lingua cinese, con le confidenze sul proprio mestiere, con registrazioni audio che suggeriscono la sua ossessione per lei… La sua passione per Seo-rae è un coito costantemente interrotto, in cui l’esito è sempre inferiore alla somma delle parti.

Come in numerose altre pellicole di Park, tuttavia, nulla è veramente come sembra e a metà film una svolta narrativa fondamentale rimescola le carte del racconto, ribalta i destini dei due protagonisti e il rispettivo modo di amarsi e trasforma il personaggio di Tang Wei, attrice straordinaria per le sfumature che riesce a infondere in ogni inquadratura, in una femme fatale così fatale da decretare per se stessa un destino tragico.

Se infatti fino a quel momento la comunicazione tra Hae-jun e Seo-rae avveniva a un livello implicito, nella seconda parte del film cominciano a venire a galla le infinite incomprensioni, i significati sottesi, l’inespresso comunicativo. E Decision to Leave si trasforma nella tragedia di due personaggi che paiono costantemente intenti a cercare di dirsi qualcosa, ma non riescono mai a dirsi tutto, a essere pienamente trasparenti, a non essere mediati (da tecnologie, imbarazzi, secondi fini, intenti manipolatori…) e, in definitiva, a capirsi. Vivono in un costante ritardo comunicativo.

In tal senso, il film di Park diviene anche una riflessione sul rapporto tra tecnologia e i sentimenti: le difficoltà a comprendersi nel presente e le pratiche comunicative stesse e ciò che esse (non) esprimono, infatti, si sedimentano nel tempo grazie ai device. Decision to Leave mette in scena non solo la difficoltà di comunicare il sentimento e la complessità di prendere reale coscienza di ciò che si prova (quando comprendiamo di essere innamorati?), ma anche la persecuzione della tecnologia che, impietosa, registra ogni atto o parola con spaventosa oggettività, ricorda ai protagonisti i propri errori e li sottopone a un costante ritorno al passato, a ciò che (non) hanno fatto e detto, risvegliando così sentimenti inappagati e dolori insanabili.

Park mette in scena questa tragedia altamente contemporanea con una regia di impareggiabile precisione e lucidità: ogni inquadratura pare in costante dialogo con la precedente e la successiva, per composizione, tecnica di montaggio e movimenti di macchina. Pare in questo senso un film pensato integralmente fino nei minimi dettagli e poi messo in scena concretamente con straordinaria dedizione. Si pensi solo alla sequenza del primo appostamento di Hae-jun fuori dalla casa di un’anziana accudita da Seo-rae: un piccolo capolavoro di montaggio dell’ossessione.

Decision to Leave è una pellicola che ripone straordinaria fiducia nei propri spettatori. È infatti un film a cui non è possibile accostarsi con superficialità o approssimazione: è un’opera da dissezionare, la cui grandezza risiede nei mille dettagli e finezze che colmano ogni inquadratura. Non è un film-colpo-di-fulmine: è una pellicola da frequentare a lungo, da vedere e rivedere, che cattura col passare del tempo. Se si ha la pazienza di affrontare questo percorso di “seduzione filmica”, tuttavia, Decision to Leave può diventare uno dei massimi piaceri cinematografici di questo 2023.

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February 2, 2023
DC STUDIOS – JAMES GUNN ANNUNCIA I PRIMI 10 PROGETTI DEL NUOVO UNIVERSO A PARTIRE DA SUPERMAN E BATMAN
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Il nuovo DC Universe è finalmente realtà! Come promesso nei giorni precedenti, martedì 31 gennaio 2023 James Gunn ha annunciato in un dettagliato video ufficiale pubblicato su Twitter i primi 10 progetti tra film e serie tv dei DC Studios, la nuova etichetta produttiva lanciata a novembre 2022 e guidata da lui e Peter Safran.

Gunn ha parlato della visione sua e di Safran di un Universo DC finalmente collegato, con progetti coerenti tra loro e personaggi interpretati dagli stessi attori sul grande e sul piccolo schermo, e Safran ha spiegato che per la prima volta tutto ciò che è legato alla DC – film, serie tv, live action, animazione, gaming – verrà centralizzato sotto l’unica visione creativa dei due dirigenti. Questa saga sarà divisa in capitoli, il primo dei quali viene intitolato “Gods and Monsters”.

L’obiettivo è quello di far uscire circa due film e due serie tv all’anno, nei primi tempi, e di non sacrificare il risultato per rispettare le date di uscita a tutti i costi. La produzione partirà solo quando le sceneggiature saranno finalizzate (cosa che non è accaduta sempre, nei film DC degli ultimi anni).

Nessun regista è stato ancora ufficialmente collegato ad alcun progetto, anche se “un paio sono vicini a firmare”, così come nessun attore, salvo Viola Davis che sarà la protagonista della serie HBO Max Waller. I due co-CEO lasciano la porta aperta al ritorno di Gal Gadot, Jason Momoa, Ezra Miller e Zachary Levi a interpretare i vari Wonder Woman, Aquaman, Flash e Shazam, mentre è confermato che Henry Cavill e Ben Affleck non saranno più Superman e Batman, e non viene menzionato Dwayne Johnson come Black Adam.

Per scrivere una storia unitaria per l’intero arco narrativo dell’Universo DC, James Gunn ha coinvolto un gruppo di sceneggiatori composto da Drew Goddard, Jeremy Slater, Christina Hobson, Christal Henry e autori di fumetti come Tom King, alcuni dei quali continueranno a essere coinvolti. “Abbiamo lavorato insieme per alcuni giorni, pensando a un arco narrativo complessivo,” ha spiegato Gunn, “nulla di troppo dettagliato, ma abbastanza materiale da sapere quale sarà la storia basilare e dove andremo a parare. Continueremo a fare così anche in futuro”.

Nel video, James Gunn conferma che The Flash rappresenterà un vero e proprio reset per l’Universo DC. In pratica, Shazam! Furia degli Dei (16 marzo) condurrà a The Flash (15 giugno), che chiuderà diverse porte del franchise fino a quel momento rappresentando un vero e proprio reset. Secondo Gunn, il film successivo, Blue Beetle (17 agosto), potrebbe tranquillamente far parte del nuovo DCU, essendo scollegato dai film precedenti. Poi c’è Aquaman 2 (dicembre), che rimarrà legato al passato. Da lì in poi partiranno i nuovi progetti.

Accanto a questo filone principale composto dai nuovi progetti, rimangono confermati anche altri titoli già annunciati in precedenza e “esterni” alla narrazione dell’Universo DC, che andranno etichettati sotto la neonata categoria DC Elseworlds. È una strategia già adottata dalla DC per i fumetti: Elseworlds è una linea che propone storie alternative che non rientrano nel canone classico e si svolgono in dimensioni alternative. Tra questi progetti c’è anche The Batman – Parte II, del quale è stata annunciata la data di uscita, il 3 ottobre 2025. Queste le parole di Gunn a proposito di DC Elseworlds:

“Nulla è escluso, è tutto sotto la nostra guida creativa. Quello della DC è un multiverso, e noi ci dedicheremo a un solo universo in quel multiverso. Ma se qualcosa non appartiene al nostro DCU, lo renderemo chiarissimo. Quindi film prettamente per adulti come Joker di Todd Phillips, o l’animazione per bambini come Teen Titans Go! apparterranno a DC Elseworlds, come succede nei fumetti.”

Ecco alcuni progetti di DC Elseworlds:

FILM
- Joker: Folie à Deux – 3 ottobre 2024, diretto da Todd Phillips, con Joaquin Phoenix e Lady Gaga
- The Batman – Parte II – 3 ottobre 2025, diretto da Matt Reeves, con Robert Pattinson
- Superman — film senza titolo – Prodotto da J.J. Abrams, scritto da Ta-Nehisi Coates. Il progetto con protagonista un Superman nero è stato annunciato nel 2021 ed è ancora attivamente in sviluppo, una sceneggiatura è in arrivo.
SERIE TV
- Il pinguino – Le riprese della serie tv prodotta da Matt Reeves con protagonista Colin Farrell inizieranno a breve.
- Teen Titans Go! – L’attuale serie animata continuerà a esistere all’interno del DC Elseworlds.
E ora veniamo alla lista dei 10 progetti dei DC Studios annunciati da James Gunn:

FILM
- Superman: Legacy – Il film segnerà l’inizio del nuovo DCU, ma non racconterà una origin story sull’Uomo d’Acciaio. “Si concentra su Superman e il suo equilibrio tra le origini kryptoniane e la sua parte umana” ha detto Peter Safran. Gunn scriverà la sceneggiatura e il film è previsto in uscita per l’11 luglio 2025.
- The Authority – Primo grande colpo per i fan, perché il film su Superman servirà a lanciare un film corale su super-umani che hanno un approccio meno idealistico su come salvare il mondo. Si baserà sul lavoro della Wildstorm, casa editrice lanciata nel 1992 e acquisita poi dalla DC Comics. Tra i protagonisti dell’albo ci sono Jenny Sparks aka Lo spirito del XX secolo, il Dio delle città Jack Hawksmoor e La cacciatrice alata Swift.
- The Brave and the Bold – Oltre al Batman di Robert Pattinson, è stato annunciato anche un nuovo film che introdurrà la Bat-Family. Il primo di loro sarà Robin, di ritorno dopo il celebre film del 1997. Già annunciato quale sarà la versione scelta: Damian Wayne, “un figlio di putt**a, assassino e omicida” lo ha descritto Gunn, oltre che figlio biologico di Bruce. Il progetto è basato sull’albo di Grant Morrison.
- Supergirl: Woman of Tomorrow – Basato sul fumetto uscito tra il 2021 e il 2022, racconterà la storia della cugina di Superman, Kara Zor-El, ma in una versione non comune del personaggio. Gunn l’ha definita “molto più hardcore”.
- Swamp Thing – Investigherà le origini oscure della celebre creatura, avrà connotati molto horror ma è stato comunque annunciato che Swamp Thing interagirà con gli altri personaggi dell’universo.
SERIE TV
- Creature Commandos – Si tratta del primo progetto che ha ricevuto il via libera, scritto interamente da Peter Safran. È una serie animata per HBO Max già in produzione e basata sul gruppo di personaggi lanciati nel 1980. Del gruppo originale fanno parte mostri classici come Frankenstein, un lupo mannaro, un vampiro ed una gorgone impegnati nella Seconda Guerra Mondiale. Nella versione di Gunn, rivedremo senza dubbio Weasel e il padre di Rick Flag.
- Waller – Gunn ha annunciato che la seconda stagione di Peacemaker verrà messa in pausa. In compenso è stato svelato che il personaggio tornerà in una nuova serie spin-off dedicata ad Amanda Waller. Assieme a Creature Commandos, le due serie dovrebbero uscire prima di Superman e sono state definite un “aperitivo del DCU”.
- Lanterns – altro grande ritorno per i fan. I due nuovi capi-progetto hanno annunciato una serie in “stile True Detective” incentrata su due membri dei Lantern Corp: Hal Jordan e John Stewart. Investigheranno un mistero che Safran ha definito “fondamentale per portarci nella storia principale che raccontiamo tramite i film e le serie”.
- Paradise Lost – Ambientata sull’isola di Themyscira, questa serie “alla Game of Thrones” racconterà le origini Diana aka Wonder Woman. Gunn e Safran vogliono esplorare come sia nata la società delle Amazzoni, i segreti che nasconde e molto altro: il titolo richiama l’albo a fumetti di Phil Jimenez e George Pérez Paradise Island Lost.
- Booster Gold – Infine, una serie dal taglio più comico. Il personaggio protagonista, Mike Carter, è uno dei preferiti dai fan: “È un perdente dal futuro che sfrutta la tecnologia per tornare ai giorni d’oggi e fingere di essere un supereroe”. Ovvero, per usare le parole di Gunn, “Un impostore con la sindrome del supereroe”.
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February 1, 2023
THE BURIED GIANT – IL PROSSIMO FILM D’ANIMAZIONE DI GUILLERMO DEL TORO

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Ancora coinvolto nella promozione del suo Pinocchio, Guillermo Del Toro ha anticipato uno dei prossimi progetti che ha in agenda. Intervistato dal The Telegraph nel corso di un evento promozionale per i BAFTA, il regista premio Oscar di La forma dell’acqua ha rivelato che realizzerà un altro film d’animazione in stop motion, questa volta tratto dal romanzo The Buried Giant dello scrittore premio Nobel Kazuo Ishiguro.

Attualmente Del Toro sta scrivendo la sceneggiatura insieme a Dennis Kelly, e ha dichiarato che lo sviluppo del film d’animazione inizierà nel giro di due mesi, con la speranza di avviare la produzione entro i prossimi due anni. Nel frattempo il regista messicano ha intenzione di girare un film classico in live action, del quale però non ci sono ancora notizie. Dalla lunga gestazione del suo recente Pinocchio, in realtà, potremmo intuire che The Buried Giant è ancora lontano diversi anni dalle sale cinematografiche.

Il romanzo di Ishiguro è ambientato in un’immaginaria Inghilterra post-arturiana dove nessuno è in grado di conservare ricordi a lungo termine. I protagonisti sono Axl e Beatrice, una coppia di anziani che lascia la propria misera comunità per intraprendere un viaggio alla ricerca del loro figlio scomparso, di cui hanno solo un vago ricordo. Durante il cammino si uniranno a loro altri personaggi, insieme ai quali scopriranno via via l’oscura storia che condividono. Il libro, che divenne un classico istantaneo dalla sua pubblicazione nel 2015, è un racconto intenso e ricco di suspense riguardo il potere della memoria e sul ricordo degli eventi traumatici.

Il tono cupo della storia si presta allo sguardo di Guillermo Del Toro, che comunque si avvarrà della collaborazione di una penna capace come quella di Dennis Kelly. Il drammaturgo infatti è uno stimato autore teatrale, riconosciuto in particolare per l’adattamento del romanzo di Roald Dahl in Matilda the Musical, trasposto dal palcoscenico allo schermo per Netflix nel 2022. Oltre ad una nomination ai BAFTA per questo musical, Kelly ha firmato diversi prodotti televisivi di successo.

Mentre The Buried Giant è ancora lontano, Guillermo Del Toro è coinvolto nella corrente award season con il suo Pinocchio, che ha già vinto il Golden Globe al miglior film d’animazione ed è in lizza nella medesima categoria agli Oscar accanto alla produzione di A24 Marcel the Shell With Shoes On, il film Pixar Red, lo spin-off di Shrek prodotto da Dreamworks Il gatto con gli stivali 2: L’ultimo desiderio, e il concorrente di Netflix Il mostro dei mari. Il 2022 inoltre è stato l’anno della serie antologica di Netflix da lui prodotta Cabinet of Curiosities.

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January 31, 2023