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RECENSIONE BABYLON – LO SPETTACOLO PIÙ GRANDE DEL MONDO

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Il più recente sforzo da regista di Damien Chazelle difficilmente sarebbe stato un film come tutti gli altri. Già dai trailer il suo quinto film da regista prometteva un cocktail di Viale del tramonto, The Wolf of Wall Street, Moulin Rouge!. E se questo paragone può sembrare azzardato, l’ambizione dimostrata in Babylon resta comunque innegabile.

Damien Chazelle è profondamente innamorato del cinema. La passione che assumeva una dimensione da sogno in La la land, non idealizzata, non perfetta, ma cristallina, trova in Babylon un controcanto ideale, il rovesciamento completo della prospettiva. Se il musical vincitore (per due minuti e mezzo circa) dell’Oscar come miglior film era “dedicato ai folli e ai sognatori”, nella nuova Babylon di spazio per sognatori non ce n’è neanche un poco.

FESTA ITINERANTE A HOLLYWOOD

L’epica storia di Babylon segue una varia umanità di attori, produttori e parassiti tra le colline di Hollywood, dal tramonto del cinema muto all’alba dei talkies. Alla perpetua ricerca del successo e della realizzazione personale, c’è chi vuole realizzare qualcosa di indimenticabile, chi vuole essere una star e chi cerca semplicemente l’amore. Come da tradizione del regista, la ricerca della perfezione ha in nuce l’ascesa alle stelle e la brusca caduta nel fango.

Definirla una storia epica non è sbagliato. Damien Chazelle punta ai grandi temi, ai protagonisti larger than life: all’epica, appunto. Ma più che i personaggi, ciò che conta in Babylon è il confronto con la Storia, l’esplorazione di un’era irripetibile. E, allo stesso tempo, rifiuta qualsiasi romanticismo nel ritratto corale di un’epoca tramontata.

SVEGLIARSI DA UN SOGNO BELLISSIMO

Non c’è mistificazione, non c’è un sogno da raggiungere in Babylon, se non l’illusione del successo al costo di qualsiasi cosa. Compresa la propria anima.

Come figure mitologiche o come i protagonisti immortali dei film che interpretano, gli eroi tragici di Babylon non cambiano, non evolvono, restano cristallizzati in un eterno presente che in realtà è già passato, e da protagonisti assoluti diventano senza accorgersene spettri di un’epoca lontana.

Come il titolo lasciava intuire – andare poco per il sottile è la caratteristica principale di Bablyon –, la Hollywood degli anni Venti non ha nulla di idilliaco. Lo sfondo su cui si muovono le vicende dei protagonisti è un concentrato di virtù (poche) e vizi, sogni e incubi, moralità e depravazione. Le persone in sé contano poco, a Hollywood: ciò che conta è quanto le loro individualità possano venire assimilate dall’industria. In un’epoca in cui ci si chiede se sia possibile separare l’Arte dall’artista che la crea, Damien Chazelle amplia l’orizzonte del problema al contesto sociale e produttivo in cui nasce l’Arte. E il ritratto che ne esce non è lusinghiero.

Il disincanto lascia uno spiraglio di romanticismo solo nella visione epifanica a tempo di musical, che abbraccia il Cinema del passato e del presente. I Sogni su celluloide sono sostanza purissima; la Fabbrica in cui nascono è un girone infernale che cannibalizza aspirazioni, desideri, identità.

UNO STRAORDINARIO SBAGLIO D’AUTORE?

Con Babylon, Damien Chazelle puntava al capolavoro totale, al magnum opus che unisse l’afflato sentimentale di La la land, l’epica storica moderna di First man e lo studio sull’ossessione di Whiplash. Almeno in questo è un capitolo fondamentale di un giovane autore dalla poetica già perfettamente riconoscibile, con soli cinque lungometraggi all’attivo. Sembra quasi un punto e a capo, ideale conclusione della “prima fase” di un percorso artistico. Se si tratti di pura speculazione da parte di chi scrive o se avrà un effettivo riscontro non sarà possibile verificarlo che a posteriori: di certo è che Chazelle riassume temi e suggestioni della propria filmografia passata e le rielabora con un occhio per il futuro.

La risposta estremamente vivace che Babylon ha suscitato all’uscita non era imprevedibile: sembra fatto apposta per scatenare reazioni senza compromessi, richiede a gran voce l’impressione di pancia, l’emozione pura. Perché senza compromessi è anche la sua idea di arte, nutrita di irresistibili ossessioni personali.

Ma se l’intento era questo, il risultato spesso fatica a trovare la quadra delle sue enormi ambizioni. Risulta un film profondamente privo di una direzione, perché cerca di inseguirne troppe allo stesso tempo: tragedia, commedia umana, elegia, critica sociale, satira grottesca, ode al potere dei sogni e del Cinema. Con il doppio effetto di tradire molti dei personaggi e temi che compongono questo mosaico e di perdersi nel labirinto di allegorie grossolane, scene madri, domande poste con intelligenza ma lasciate irrisolte.

Allo stesso tempo, a tutto questo coesistono meravigliosi momenti che da soli valgono tutto il film: sequenze o anche solo singole inquadrature che racchiudono ed esprimono tutte le potenzialità dello spettacolo messo in scena. Una contraddizione che trova una sua paradossale coerenza, una ragion d’essere nel violento contrasto tra bellezza e bruttura, verità e menzogna su cui si impernia l’intero film.

Babylon è un party destinato a mandare in visibilio un numero esiguo di spettatori e scontentarne la maggior parte, e con ottime ragioni. Chi da un film si aspetta coerenza ed equilibrio tra tutte le sue parti – equilibrio a cui lo stesso Chazelle ci aveva abituato – difficilmente approverà un film così ostinatamente convulso. Chi si aspetta buon gusto, rifiuterà questo tour nell’eccesso sgradevole. Chi, d’altra parte, è disposto a lasciarsi trascinare dalla festa in casa Chazelle, avrà davanti agli occhi tre ore di spettacolo puro e di quella meraviglia che solo il Cinema sa ricreare. A prescindere da ciò che ci si può aspettare all’ingresso in sala, comunque, è una festa a cui vale la pena dare una possibilità, anche se va spesso fuori controllo: un grande inciampo d’Autore come questo, forse, vale cento volte altri film molto più riusciti.

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January 22, 2023
STREGHE, MOSTRI, SESSUALITÀ FEMMINILE: DA MARIANNE A JENNIFER’S BODY

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La casa della signora Daugeron cade letteralmente a pezzi, le persiane sono sempre chiuse, il giardino non viene curato da mesi, non si direbbe sia abitata se non per la cassetta della posta verde con il nome ancora ben visibile. All’interno sono accatastate pile e pile di romanzi, in quasi tutte le lingue del mondo, e l’autore è sempre lo stesso: Emma Larsimon. Le storie dell’orrore di Emma hanno come antagonista principale la strega Marianne, entità malvagia che «non se ne va mai a mani vuote».

Emma scrive ciò che sogna, i suoi romanzi sono la trasposizione di incubi ricorrenti che aveva da adolescente, cessati solo quando sono stati trascritti nelle avventure di Lizzie Lark. Emma vorrebbe concludere la serie di libri che l’ha resa famosa, tuttavia l’improvviso incontro con una vecchia amica la costringerà a tornare a Elden, sua città natale, e ad affrontare demoni rimasti a dormire sotto la luce intermittente di un faro. Marianne è tornata e sta per riprendersi ciò che è suo.

Se amate le serie horror come The Haunting of Hill House, allora non potete perdervi questa piccola perla francese: Marianne è la storia di una giovane donna tormentata dal rimorso e dal senso di colpa, incarnati nella forma di una strega a dir poco terrificante.

LE STREGHE E IL FASCINO DEL MALE

Marianne

La figura e il simbolismo della strega affascinano da sempre i racconti dell’orrore, così anche il cinema (Suspiria, The Witch) e la televisione (American Horror Story). La rappresentazione messa in scena nella serie Marianne è particolarmente interessante: la strega, salvo in alcuni momenti, si incarna principalmente in due figure, un’anziana donna dall’aspetto inquietante (la signora Daugeron) e una giovane affascinante vestita con abiti d’epoca. Le due immagini opposte si avvicinano molto a ciò che ormai nell’immaginario collettivo può essere associato a una strega: una vecchia un po’ inquietante come la befana o una bellissima ragazza pronta a stregarci. La doppia caratterizzazione funziona molto bene in Marianne, ed è necessario fare i complimenti all’attrice Mireille Herbstmeyer, la cui bravura è chiara già nel primo episodio della serie. Il terrore si mescola al fascino e alla seduzione, le armi più importanti che una figura del genere si trova ad usare. Nella cultura popolare (e di conseguenza anche nel cinema) abbondano donne seduttrici e malvagie che nascondono il loro essere senza scrupoli dietro un bel viso. Un esempio che risale agli anni ’40 è la bellissima Irena, protagonista del film Il bacio della pantera (Cat People, 1942), convinta di essere la discendente di una comunità di streghe e per questo condannata a trasformarsi in una bestia famelica in qualunque momento. Più recente è il caso di Jennifer’s Body (2009) in cui l’aspetto seducente della protagonista nasconde in realtà un vero e proprio mostro assetato di sangue.

LA VISIONE FEMMINISTA

Cat People

La sessualità è una delle caratteristiche prevalenti di queste figure e la teoria cinematografica femminista si è interrogata molto sulle relative implicazioni che comporta. Una delle visioni più affascinanti (anche se forse non proprio confortante) vede la strega (e di conseguenza tutte le forme del cosiddetto “mostruoso femminile”) come simbolo della rivalsa femminile contro la violenza maschile sistematica, e in quanto tale elemento da condannare. La forte carica sessuale del personaggio riduce la sessualità femminile ad essere qualcosa di pericoloso, terrificante e distruttivo. Jennifer sembra una normalissima ragazza, popolare, forse un po’ superficiale, ma la sua insaziabile sete di sangue la porta a sedurre più di un uomo per poi farlo orribilmente a pezzi. La mostruosità femminile è soltanto un modo per incarnare le lotte femministe contro il sistema patriarcale; le storie sulla sessualità distruttiva delle donne sono costruite per poter giustificare il controllo della società su di essa. Questo è ciò che le streghe ricordano costantemente alle donne: la libertà sessuale va repressa, la potenza femminile spaventa, più di una pantera famelica.

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January 21, 2023
LIVE #29: THE LAST OF US E IL RAPPORTO CINEMA/VIDEOGAME

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Con Alessandro Dioguardi, l’ospite di questa settimana, parliamo del debutto della serie tv The Last of Us e del rapporto tra cinema e videogame.

Buona visione!

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January 20, 2023
Storia della Dreamworks Parte 1: L’invasione dei ragazzacci da Glendale

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Dando uno sguardo allo scenario dell’animazione negli anni ‘90 ci si trova quasi costretti a limitare il nostro sguardo agli Stati Uniti: in Italia i tempi di Carosello e dei film di Bruno Bozzetto erano ormai un lontano ricordo, anche la nascente Lanterna Magica di Enzo d’Alò produce opere gradevoli ma non in grado di restare impresse nella memoria del grande pubblico. Nel resto d’Europa la situazione non è molto diversa, in alcuni casi, infatti, gli studios vengono colonizzati dalle major hollywoodiane, diventandone succursali, allo stesso tempo altri studi con una grande potenza creativa non riescono ad avere risultati commerciali convincenti. Quanto al Giappone, i capolavori in uscita in tv e in sala erano ben lontani dal raggiungere la fama internazionale.

I Walt Disney Animation Studios dominano come mai prima d’ora. Il cosiddetto Rinascimento Disney, esploso nel 1989 con La Sirenetta (John Musker e Ron Clements) poi proseguito con opere come La Bella e la Bestia (Gary Trousdale e Kirk Wise, 1991) e Aladdin (Musker e Clements, 1992) mostra al pubblico un connubio quasi perfetto tra i suoi elementi. Storie semplici e dal sapore universale, protagonisti determinati a coronare i propri sogni (amorosi e non), spalle comiche popolari, antagonisti carismatici, colonne sonore di Alan Menken e soci profondamente debitrici di Broadway, e un comparto artistico che, tra graphic design, animazione e scenografie risulta immediato ma allo stesso tempo raffinatissimo.

Dopo aver raggiunto il proprio apice commerciale con Il Re Leone (Roger Allers e Rob Minkoff, 1994) la seconda fase del Rinascimento appare inevitabilmente calante con il seriosissimo Pocahontas (Mike Gabriel e Eric Goldberg, 1995), l’epico melodramma Il Gobbo di Notre-Dame (Trousdale e Wise, 1996), il brioso Hercules (Musker e Clements, 1997), l’avvincente Mulan (Tony Bancroft e Barry Cook, 1998) e il canto del cigno Tarzan (Kevin Lima e Chris Buck, 1999), ultima opera prodotta prima di addentrarsi in un periodo di sperimentazioni più o meno riuscite. Tuttavia siamo ben lontani dal parlare di crisi. la Disney rimane infatti egemone.

L’astro nascente Pixar, che per la Disney gioca un ruolo da pericolosa alleata pronta a spiccare il volo, con il coprodotto Toy Story – Il Mondo dei Giocattoli (John Lasseter, 1995) primo film animato completamente in CGI, dà il via alla più grande rivoluzione nel campo dell’animazione dai tempi di Biancaneve e i Sette Nani (1937).

La concorrenza in molti casi è impotente. La Warner Bros. non ha più la spinta propulsiva dell’epoca dei cortometraggi, il reparto animazione sfrutta fino all’osso i personaggi di cui possiede il copyright (dai sempreverdi Looney Tunes e Tom & Jerry fino a Scooby-Doo e gli altri personaggi targati Hannah & Barbera passando per i supereroi DC) in decine di serie, film e special rivolti prevalentemente al mercato televisivo, con risultati più o meno riusciti. I pochi esempi cinematografici rilevanti sono il bizzarro cult Space Jam (Joe Pytka, 1996) e un vero e proprio underdog come Il Gigante di Ferro (Brad Bird, 1999) flop al botteghino ma enorme successo di pubblico e critica negli anni successivi.

L’autore che nel decennio precedente era riuscito maggiormente a mettere in difficoltà la Disney proponendo personaggi perfetti in atmosfere più cupe in opere come Brisby e il Segreto di NIMH (1982), Don Bluth, nei primi ‘90 inanella una serie di insuccessi clamorosi, riprendendosi solo parzialmente nel 1997 con il discusso, e discutibile, Anastasia, prodotto da una 20th Century Fox che cerca di ritagliarsi uno spazio nel mercato animato.

Nella seconda metà degli anni ‘90 tuttavia assistiamo alla nascita dello studio che almeno per i 15 anni successivi è stato il contraltare perfetto alla raffinatezza Disney, nascosto da un logo angelico e rassicurante troviamo un tripudio di umorismo adulto, citazionismo sfrenato, riferimenti sessuali nemmeno troppo velati e personaggi che nella maggior parte dei casi non sono disegnati per vendere peluche e tazze: l’irriverente e ambiziosa Dreamworks SKG.

S come Steven Spielberg, imperatore del cinema pop da venti anni che tramite la sua Amblin aveva già tentato qualche avventura animata come Balto (Simon Wells, 1996);

K come Jeffrey Katzenberg, uno dei salvatori di una Disney moribonda negli anni ‘80, dirigente sicuramente capace ma dai modi bruschi e dai difficili rapporti con i reparti artistici (celebre la sua richiesta di rendere la scenografia de La Bella e la Bestia “più francese, tipo Botticelli”), accusato di voler omologare ogni racconto ad una storia d’amore alla Romeo e Giulietta, e sentendosi insidiato nelle posizione di vertice che occupava, lascia Burbank sbattendo la porta nel 1994;

G come David Geffen, magnate dell’industria discografica con la fame di lanciare una nuova etichetta.

Dopo alcune produzioni live action, abbiamo nel 1998 l’esordio nell’animazione, con due opere sicuramente diverse ma egualmente dirompenti.

Con Z la Formica (Eric Darnell e Tim Johnson, 1998) troviamo per la prima volta lo scontro diretto con le concorrenti, dato che poco dopo la Pixar manderà nelle sale A Bug’s Life – Megaminimondo (John Lasseter e Andrew Stanton, 1998), film sempre ambientato nel mondo degli insetti con protagonista una formica. Situazioni simili si verificheranno nel 2000, quando La Strada per El Dorado (Bibo Bergeron e Don Paul) condividerà l’ambientazione centroamericana (e il tipo di umorismo) con Le Follie dell’Imperatore (Mark Dindal), e nel 2005 quando Madagascar (Eric Darnell e Tom McGrath) vedrà un gruppo di animali in fuga dallo zoo di Central Park guidati da un leone proprio come nel dimenticabile Uno Zoo in Fuga (Steve Williams). Tuttavia, a parte il setting entomologico Z la Formica e A Bug’s Life hanno ben poco in comune.

Se le formiche Pixar sono azzurre, dai lineamenti morbidi e dall’aria amichevole quelle Dreamworks hanno il colore della terra e riprendono in maniera caricaturale i lineamenti dei loro doppiatori che risultano volutamente sgradevoli. Queste ultime non si muovono in un mondo colorato, l’immondizia che incontrano non viene trasformata in una metropoli a misura di insetto, il film non si apre con una panoramica su un prato verde ma con il protagonista interpretato da Woody Allen impegnato in una seduta psicoterapeutica perché si sente insignificante, non a caso esordisce con “Sa, mia madre non aveva mai tempo per me. Insomma, quando si è il figlio di mezzo in una famiglia di 5 milioni non ricevi nessuna attenzione, voglio dire, com’è possibile..”

Il topos della guerra ci è presentato in maniera differente, nel film Pixar è un pretesto per insegnare al pubblico l’importanza del lavoro di squadra, della fiducia negli outsider, del cervello che supera la forza bruta, in Z in seguito alla battaglia iniziale con le termiti ci viene mostrata la testa decapitata del miglior amico del protagonista (Sylvester Stallone) senza troppe remore. Il finale è lieto in entrambi i casi, la formica reietta conquista il suo posto in una società ristrutturata in senso meritocratico e corona il suo sogno d’amore, ma in Z si continua ad avvertire il sapore dolceamaro dei finali alleniani.

D’altro canto con Il Principe d’Egitto (Brenda Champman e Simon Wells) abbiamo una rottura ancora più radicale. In animazione avevamo visto molte volte adattamenti di fiabe, leggende folkloristiche e miti antichi, con il succitato Hercules uscito l’anno prima, ma mai uno studio d’animazione aveva prodotto un film ad alto budget con soggetto biblico. La storia di Mosè, raccontata nel libro dell’Esodo e già esaltata al cinema da Cecil B. De Mille con I Dieci Comandamenti (The Ten Commandments) nel 1923 e in una nuova versione nel 1956, ci viene raccontata con pochissimi filtri, sufficienti a non sollevare eccessive polemiche tra i fedeli e fermando il racconto al passaggio del Mar Rosso, prima della costruzione degli idoli alternativi al Dio manifestatosi a Mosè e dei 40 anni trascorsi dal popolo ebraico nel deserto. La pellicola ha toni epici, austeri, i dialoghi non sono immediati per un pubblico infantile, la morte e la violenza non vengono nascoste, nemmeno nella famigerata decima piaga. Supportato da scenografie altisonanti e animazioni non eccessivamente dure, da un cast di star come Val Kilmer e Ralph Phiennes e dalla colonna sonora di Hans Zimmer condita dalla hit When You Believe cantata da Mariah Carey e Whitney Houston, il film mostra una una dimensione epica e matura ad un livello che la Disney aveva solo sfiorato con Il Re Leone e Il Gobbo di Notre-Dame.

Ed è il caso di dire che è davvero un peccato il fatto che il film venga spesso sacrificato ad una visione scolastica, su televisioni a tubo catodico poste su carrelli in una situazione familiare a moltissimi studenti quantomeno italiani.

Circostanza in cui troviamo anche Giuseppe, il Re dei Sogni (Rob LaDuca e Robert Ramirez) sorta di prequel direct-to-video del Principe, con budget molto più basso che nonostante la volontà di continuare a raccontare una storia di grande spessore (seppur meno nota) e il coraggio di mostrare una vera e propria scena di molestia sessuale, non ha la potenza visiva e comunicativa del predecessore, risultando di gran lunga meno memorabile.

Le successive opere in animazione tradizionale dello studio risulteranno più incerte, convincendo la dirigenza a concentrarsi sull’animazione in CGI e per breve tempo alle collaborazioni in claymation con la britannica Aardman. La Dreamworks avrà ancora più di un asso nella propria manica.

Per leggere la seconda parte, clicca qui.

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January 20, 2023
RAMI MALEK IN TRATTATIVE PER INTERPRETARE BUSTER KEATON

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Presso Warner Bros. Television è in programma la produzione di una miniserie sulla vita di Buster Keaton. La regia del progetto è nelle mani di Matt Reeves, reduce del successo di The Batman, e nei panni della star del cinema muto ci dovrebbe essere l’attore premio Oscar Rami Malek. Buster Keaton: A Filmmaker’s Life del biografo James Curtis è il materiale di partenza della serie, per cui sono in corso le trattative di acquisizione.

Matt Reeves finanzierà anche tramite la sua 6th and Idaho Productions, che è sotto accordo globale con Warner Bros. TV, e in produzione dovrebbero essere coinvolti anche Rami Malek stesso e il produttore televisivo David Weddle. In trattative per il ruolo di produttore esecutivo e sceneggiatore c’è Ted Cohen, già autore di serie di successo come Friends e Succession.

Buster Keaton, che visse dal 1895 al 1966, è considerato una delle star più importanti dell’era del cinema muto insieme a Charlie Chaplin. Ha iniziato da bambino in spettacoli di vaudevile insieme ai suoi genitori, che erano artisti itineranti, prima di passare al cinema alla fine degli anni ‘10. Lavorando con creativi e dirigenti di alto rango tra cui Douglas Fairbanks, Joseph M. Schenck e Edward F. Cline, è diventato famoso per aver eseguito acrobazie esagerate e commedie fisiche con un’espressione facciale impassibile. Il declino della sua carriera iniziò quando firmò con la prestigiosa MGM perdendo, però, la sua indipendenza artistica. Affrontò in seguito diversi problemi personali come il divorzio dalla moglie e l’alcolismo, prima di tornare sulle scene negli anni ‘40, risposarsi e ottenere il premio Oscar alla carriera nel 1959.

Rami Malek è conosciuto per la serie statunitense Mr. Robot dal 2015 al 2019 e per aver interpretato Freddie Mercury nel film biografico di Bryan Singer del 2018 Bohemian Rhapsody. Dai due ruoli ha ottenuto rispettivamente un Emmy Award e un Oscar, ma anche molti altri riconoscimenti. Negli ultimi tempi è stato il villain di James Bond in No Time To Die e ha partecipato al cast corale di Amsterdam di David O. Russell; pochi giorni fa è apparso in uno spot di Cartier di Guy Ritchie girato a Parigi insieme a Catherine Deneuve.

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January 20, 2023
SCREAM 6 – RILASCIATO IL PRIMO TRAILER UFFICIALE

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Amanti dello slasher sorridete, Ghostface sta tornando e sembra più cattivo che mai.

Ebbene sì perché poche ore fa è stato pubblicato il trailer ufficiale del prossimo capitolo con protagonista Ghostface che si intitolerà Scream VI.

LINK TRAILER IN ITALIANO

LINK TRAILER LINGUA ORIGINALE

Nel trailer, che riprende i classici toni violenti della saga, si vedono i sopravvissuti del capitolo precedente, “rifugiati” ormai a New York City, mentre vengono perseguitati da un nuovo Ghostface particolarmente brutale.

Come per il capitolo precedente, la sceneggiatura è affidata a James Vanderbilt e Guy Busick, mentre la regia è gestita nuovamente dalla coppia Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett. Questi ultimi, noti per il film Finché Morte Non Ci Separi, hanno preso in mano la saga ideata dal compianto genio dell’horror Wes Craven.

Nel cast non troveremo Neve Campbell, la storica Sidney Prescott, che ha lasciato il franchise a seguito di un’offerta da lei ritenuta inadeguata.

Torneranno invece Jenna Ortega, Melissa Barrera, Courteney Cox, Hayden Panettiere, Mason Goodin e Jasmin Savoy Brown a cui si aggiungeranno Samara Weaving (Babylon), Tony Revolori (Grand Budapest Hotel), Dermot Mulroney (Shameless), Henry Czerny (Mission: Impossible) e Liana Liberato (Haunt).

Il film è stato prodotto da Project X Entertainment, Spyglass Entertainment, Radio Silence Productions e infine Paramount Pictures che si occuperà anche della distribuzione negli Stati Uniti.

In Italia invece il film sarà distribuito da Eagle Pictures e arriverà nelle sale a partire dal 9 marzo 2023.

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January 20, 2023
OLTRE L’EROE FORTE E INTREPIDO – PERCHÈ IL GATTO CON GLI STIVALI 2 STA PIACENDO TANTO

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L’Internet e i social in particolar modo sono, come sappiamo, luoghi in cui chiunque può esprimere la propria opinione e, dunque, vige la parzialità. Tuttavia, per quanto riguarda i media e il loro gradimento da parte del pubblico, possono anche essere un campione interessante, se preso con le pinze. Con questo in mente è curioso notare l’exploit di popolarità che sta vivendo un sequel che probabilmente nessuno stava aspettando e su cui nessuno riponeva grandi aspettative: sto parlando de Il gatto con gli stivali 2 – L’ultimo desiderio.

Al momento della scrittura di questo articolo, Il gatto con gli stivali 2 è il secondo film più popolare su Letterboxd, il social media dedicato al cinema, dove detiene inoltre una media di 4.2 su 5, punteggio che, sul sito, ha anche Quarto potere di Orson Welles. Se da una parte ciò è la prova evidente della parzialità del sito, in cui una pietra miliare della storia della settima arte può essere paragonata ad un film d’animazione appena uscito, dall’altra è la dimostrazione dell’esistenza di un gradimento. Gradimento che sembra confermato anche dal risultato al botteghino. Ad oggi, il film ha incassato globalmente più di 250 milioni, cifra non paragonabile ai risultati degli altri capitoli di Shrek ma impressionante se si tiene in conto che si tratta di un’uscita dell’epoca post streaming e post pandemia. Secondo Collider solo dieci film animati, dopo l’ondata di COVID-19, sono riusciti ad incassare più di 100 milioni internazionalmente. È inoltre notevole che, in un momento storico in cui anche la Disney fa difficoltà a pareggiare coi propri film d’animazione (oltre allo strano caso di Strange World ricordiamo che Encanto ha chiuso con “soli” 256 milioni), a riuscirci sia stata la Dreamworks, per di più in un momento in cui il botteghino è dominato da Avatar 2.

Il Gatto con gli Stivali, protagonista del film

Tra content creator che fanno recensioni entusiaste, articoli online di testate anche importanti che celebrano il film e utenti che lo considerano il migliore della saga dai tempi di Shrek 2, la domanda sorge spontanea: ma davvero Il gatto con gli stivali 2 merita di essere citato nella stessa frase di Quarto potere?

La risposta, ovviamente e assolutamente, è “no”. Tuttavia, sarebbe riduttivo non provare a ipotizzare come e perché l’entusiasmo attorno a questo film sia montato a simili livelli.

TRAMA

Il Gatto con gli Stivali (in originale Antonio Banderas) ha consumato otto delle sue nove vite. Con l’intento di recuperare ciò che ha perso, decide di cercare una mitica stella, che permette di esprimere un singolo desiderio. Ma con una sola vita a disposizione, un cacciatore di taglie alle calcagna e altri due antagonisti interessati alla stella, ovvero Jack Horner e la banda criminale di Riccioli D’Oro (in originale Florence Pugh) e i 3 Orsi, Gatto si allea con la sua vecchia fiamma Kitty Zampe di Velluto (in originale Salma Hayek) e un cane senza nome, ribattezzato molto originalmente “Perrito”, dotato di un ottimismo esagerato (in originale Harvey Guillén).

ONLY SHOOTING STARS BREAK THE MOLD: NOSTALGIA

Se c’è una cosa che negli ultimi anni la Disney, coi suoi remake live action, ci ha insegnato, è che la nostalgia paga. La Dreamworks sembra aver assorbito la lezione senza, però, tradire nel processo l’animazione. Essendo Il gatto con gli stivali 2 il primo film della saga di Shrek uscito negli ultimi dieci anni, è praticamente inevitabile sottrarsi all’eredità del più famoso “padre”. Quindi al suo interno sono presenti una serie di riferimenti e cameo che renderanno contenti i fan dell’orco più famoso del cinema (uno in particolare, sul finale, vi farà sognare). Ma più importante dei semplici riferimenti è lo spirito di Shrek. Se Il gatto con gli stivali (2011, Chris Miller) aveva preferito riprendere i topoi dei film avventurosi di ambientazione spagnola, facendo evidentemente il verso a quelli con protagonista Antonio Banderas, nel seguito torna la verve parodistica delle favole, rappresentata dal personaggio di Jack Horner, e dal suo arsenale di oggetti magici. Oggetti che sbeffeggiano soprattutto la Disney, riprendendo quello che era stato l’iniziale scontro da cui la Dreamworks e la sua saga più conosciuta sono nate.

Jack Horner con “l’insetto etico”, evidente parodia del Grillo Parlante

Torna inoltre anche lo humour dei film di Shrek: nessuna paura nell’inserire alcune battute che anche (o solo) gli adulti potranno trovare divertenti, comprese alcune parolacce prontamente censurate. Così facendo, Il gatto con gli stivali 2 non cade nel trabocchetto di rivolgersi soltanto ad un pubblico infantile, e diventa invece un prodotto che tutta la famiglia può apprezzare. Anzi, che forse soprattutto i più grandi possono amare. L’intelligenza del team creativo è stata quella di realizzare che, probabilmente, la mossa più intelligente sarebbe stata pensare ai giovani adulti cresciuti coi film di Shrek, e non temere di inserire all’interno de Il gatto con gli stivali 2 elementi crudi o… cupi.

HASTA LA MUERTE: ANCHE I GATTI SOFFRONO D’ANSIA

Negli ultimi giorni, i commenti dei genitori che hanno accompagnato i figli piccoli a vedere il film ruotano attorno ad un consenso generale, ovvero che sia troppo cupo per i bambini. Le lamentele nascono soprattutto in relazione al personaggio del Lupo (la cui vera identità non sveleremo), il cui design e le cui apparizioni, che rimandano al genere horror, gli hanno già fatto guadagnare un posto nella galleria dei cattivi più iconici della Dreamworks.

Il Lupo, uno dei cattivi del film

La vicenda de Il gatto con gli stivali 2 ruota sostanzialmente attorno alla morte, al terrore del protagonista nello scoprirsi improvvisamente mortale e nel trovarsi impreparato ad affrontare questa nuova consapevolezza. Una delle scene più apprezzate online vede Gatto avere un attacco di panico e Perro confortarlo, con riferimento ad una pratica terapeutica realmente esistente. Una rappresentazione accurata e affatto indorata all’interno di un film rivolto principalmente a bambini stupisce in un panorama in cui spesso anche media che si propongono di sensibilizzare sulla salute mentale finiscono col risultare fuori luogo (pensiamo solo a 13).

Tuttavia, il film ha anche il grande merito di trovare all’angoscia esistenziale una soluzione positiva, non nuova ma raccontata in una maniera estremamente godibile. In particolar modo, per la crescita dei protagonisti risulta fondamentale Perrito, il quale, pur dotato di una storia personale terribile, con la sua visione positiva della vita diventa il perfetto ago della bilancia all’interno del duo cinico Gatto-Kitty ed evita di essere, come spesso accade, un sidekick divertente ma sostanzialmente inutile ed irritante.

Gatto, Kitty e Perrito, la “Squadra Amicizia”

Vista la lunga produzione affrontata dal film, possiamo dire che Il gatto con gli stivali 2 ha avuto la fortuna di arrivare al momento giusto, in un periodo in cui di salute mentale si parla parecchio e in cui tanti si trovano ad affrontare l’incertezza e l’angoscia causate da uno strano periodo storico. Non stupisce allora che questo film sia stato fonte di riconoscimento e di conforto per molti spettatori.

Tuttavia questo potrebbe non essere l’unico elemento ad aver stuzzicato l’attenzione delle ultime generazioni.

IL VOSTRO EROE PIÙ FORTE E INTREPIDO (?)

Certamente una delle mosse più intelligenti compiute nel pensare questo film è stata evitare qualsiasi riferimento al suo predecessore (eccettuata la presenza di Kitty), il quale non si è dimostrato tanto memorabile quanto gli altri capitoli di Shrek. Un altro allontanamento dal primo Gatto con gli stivali è stata la caratterizzazione dei personaggi. In particolar modo, la situazione critica in cui Gatto si trova diventa un’occasione per analizzare come la sua personalità aitante e machista sia non solo una facciata ma anche fortemente dannosa per sé stesso e per le persone che lo circondano, andando così a smontare un modello maschile estremamente comune nei film d’azione per costruirne un altro, più aperto nell’espressione dei suoi sentimenti e nel rapporto con gli altri.

In questa prospettiva, anche Kitty, che nel primo film aveva il ruolo tipo di femme fatale (anche se assolutamente autosufficiente), è più approfondita. Oltre ad avere dei problemi personali da affrontare, vista la situazione di fragilità in cui si trova Gatto tocca a lei, spesso e volentieri, assumere la direzione all’interno del loro trio o prendere decisioni importanti, col protagonista che la segue a ruota facendo in diverse occasioni da spalla comica.

Kitty prende le redini della situazione durante uno scontro

Il ribaltamento di classici stereotipi di genere e la decostruzione dell’immagine eroica sono stati notati ed apprezzati dal web, anche se diversi lodano al contrario l’assenza di un’ “agenda woke”, dimostrazione di come questi elementi, pur presenti, sono parte della narrazione e non unici costituenti, tanto da passare inosservati ad occhi meno allenati. Infine, il film ha dalla sua anche altri due elementi che soprattutto i giovani adulti potranno apprezzare: il topos molto amato della found family (in ben due versioni: Riccioli e gli orsi e il trio Gatto-Kitty-Perrito) e la critica, anche questa non evidente ma certamente presente, al capitalismo nella figura di Jack Horner, che guarda caso è anche il cattivo più monodimensionale e deprecabile di tutto il film. Un film che, probabilmente senza volerlo, colleziona tanti temi cari alla generazione social, non può non guadagnarsi apprezzamento sui social stessi.

“IN REALTÀ È UN BEL FILM”

Tutti questi elementi, comunque, non avrebbero valore se non fossero a servizio (e non sostitutivi) di un prodotto di buona fattura, e forse è questo ciò che ha mandato in tilt il pubblico intero: il fatto che Il gatto con gli stivali 2, un’apparente operazione per fare soldi facili, sia effettivamente un bel film. Non solo questo, ma che abbia rotto la “maledizione” per cui ogni seguito è automaticamente peggio dell’originale (ovviamente con qualche eccezione notevole: in casa Dreamworks ricordiamo Kung Fu Panda 2), dimostrandosi nettamente superiore al suo predecessore. In primo luogo l’animazione ha un proprio stile riconoscibile. Sulla scia di Spider-Man: Un nuovo universo (2018) mescola elementi 2D e 3D, presenta soluzioni grafiche estremamente varie, con citazioni agli anime e agli spaghetti western (Il buono il brutto e il cattivo è stata un’ispirazione dichiarata), e una grande varietà di set da ammirare.

Uno scontro tra Gatto e il Lupo

Il gatto con gli stivali 2 riesce inoltre a gestire, in un’ora e quaranta di tempo, molti personaggi, tutti dotati di un’equa quantità di tempo per brillare, di una personalità riconoscibile e di un arco narrativo, un’impresa che spesso non riesce neppure a film più lunghi. Come se non bastasse lo fa creando un’avventura godibile per bambini e adulti, con scene d’azione ben realizzate, in un mix bilanciato di narrazione e temi importanti. E proprio il fatto che sia un film ben realizzato, quando le aspettative di molti erano pari allo zero, sembra essere un altro motivo per cui tanti ne hanno dato un giudizio iperbolicamente positivo: sul web diverse recensioni hanno come premessa qualcosa sulla falsariga di “Non mi aspettavo nulla andando a vederlo, ma”…

CONCLUSIONI

Il gatto con gli stivali 2 – L’ultimo desiderio è riuscito a catalizzare attorno a sé l’attenzione del web anche e soprattutto perché ha avuto la fortuna di uscire in un momento appropriato e l’intelligenza di rivolgersi a un pubblico che del web fa appunto molto uso, senza però escludere il resto degli spettatori. Inoltre, il team creativo ha avuto il buon senso di sfruttare quest’occasione per migliorare ciò che non funzionava nel precedente film e, in generale, non giacere sugli allori, realizzando un prodotto con evidente cura quando molti si aspettavano, al contrario, un sequel arraffa soldi.

Come è spesso in queste situazioni, l’opzione migliore resta quella di vedere personalmente il film, se è ancora al cinema dove vi trovate, o in streaming\home video quando sarà disponibile, per decidere voi stessi se e quanto l’hype proveniente dal web, questa volta, sia meritato.

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January 20, 2023
ANTHONY HOPKINS NELLA SERIE DI ROLAND EMMERICH SUI GLADIATORI DELL’ANTICA ROMA

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Il due volte premio oscar Anthony Hopkins è entrato a far parte del cast di Those About To Die, la serie drammatica in costume realizzata da Roland Emmerich per Peacock. L’interprete di Hannibal Lecter, 85 anni compiuti da poco, tornerà sul piccolo schermo dopo l’esperienza in Westworld, con il ruolo dell’imperatore Vespasiano. Le riprese inizieranno a Roma negli studi di Cinecittà nel mese di marzo.

Lo show sarà tratto dall’omonimo saggio del 1958 scritto da Daniel Mannix, che ha già ispirato Ridley Scott per Il Gladiatore con Russell Crowe. Dopo il recente annuncio del sequel del Gladiatore, una nuova vicenda trascinerà il pubblico nell’antica Roma, in particolare nello spettacolare, complesso e corrotto mondo delle competizioni tra gladiatori, presentando un insieme di personaggi appartenenti a diversi ceti della società del tempo.

L’imperatore Vespasiano affidato a Hopkins ha una grande esperienza per quanto riguarda le battaglie e ha ottenuto il trono dopo una sanguinosa guerra civile durata 10 anni. Vespasiano sta invecchiando ed è disprezzato dai Patrizi, che lottano invece per ottenere posizioni prestigiose nell’Impero e mettere i propri eredi al suo posto.

Storicamente, l’imperatore Vespasiano fu autore di una consistente manovra fiscale e di una vasta riqualificazione urbana di Roma, tramite l’edificazione del Foro della Pace e l’avvio dei lavori di costruzione dell’Anfiteatro Flavio, il futuro Colosseo. Si tratta quindi di un ruolo probabilmente importante nello svolgimento e di notevole carisma per l’interprete de Il silenzio degli innocenti e di The Father: nulla è come sembra.

L’autore della serie è Robert Rodat, sceneggiatore di Salvate il soldato Ryan e Il patriota, e sarà diretta da Roland Emmerich, regista celebre per lungometraggi catastrofici come Indipendence Day, 2012 e il recente Moonfall, ma anche per pellicole di ambientazione quali Il Patriota e Anonymous.

Robert Rodat e Roland Emmerich saranno anche produttori esecutivi, con Gianni Nunnari, Harald Kloser, Oliver Berben, Herbert G. Kloiber, Martin Moszkowicz, Jonas Bauer, Stuart Ford e Lourdes Diaz. La casa madre è AGC Television con High End Productions, e la serie, le cui riprese cominceranno a partire da marzo in Italia, a Cinecittà, è destinata all’uscita su Peacock.

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January 19, 2023
ANTOINE FUQUA DIRIGERÀ LA BIOPIC DI MICHAEL JACKSON: RIPRESE NEL 2023

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Dopo Freddie Mercury, Elton John, Elvis e (recentissimamente) Amy Winehouse, è ufficiale l’identità del protagonista della prossima biopic musicale: si tratta di nientedimeno che il Re del Pop Michael Jackson! Deadline annuncia il titolo Michael e la regia di Antoine Fuqua: non c’è ancora un protagonista, ma il green light della produzione sottintende l’inizio del riprese nell’arco del 2023.

Stando alla fonte, Michael utilizzerà e capitalizzerà al massimo i tantissimi successi musicali di Jackson e rievocherà i momenti salienti della sua carriera, dai trascorsi nei The Jackson 5 da bambino sino alla straordinaria ascesa che, da adulto, l’ha portato a diventare una delle più influenti e profittevoli star musicali del mondo, senza tacere le accuse di pedofilia dei suoi ultimi anni fino alla morte nel 2009, causata da un arresto cardiaco per un cocktail di sedativi.

La dichiarazione di Joe Drake, presidente del Lionsgate Motion Picture Group, che produce il film: «Antoine è un regista perspicace e potente, e ci sentiamo molto fortunati che abbia scelto Michael come suo prossimo progetto. Le sue capacità di narrazione visionaria e l’impegno per la sua arte renderanno Michael un film indimenticabile». Anche il produttore Graham King si pronuncia entusiasta: «I film di Antoine forniscono prospettive personali di personaggi straordinari che affascinano continuamente il pubblico globale. Sono fiducioso che Antoine realizzerà un film eccezionale e avvincente, che celebrerà e offrirà nuove e profonde intuizioni sulla vita del Re del Pop».

Antoine Fuqua è regista di Training Day, King Arthur e del nuovo prodotto Apple TV con Will Smith Emancipation, ma ha iniziato la carriera dietro la macchina da presa proprio girando videoclip di artisti di musica pop come Prince, Lil’ Wayne, Toni Braxton e Stevie Wonder. «I primi film della mia carriera sono stati video musicali, e sento ancora che la combinazione di film e musica è una parte profonda di ciò che sono. Per me, non esiste un artista con il potere, il carisma e il puro genio musicale di Michael Jackson. Sono stato molto influenzato, nel realizzare video musicali, dalla visione del suo lavoro: il primo artista nero a essere trasmesso in alta rotazione su MTV. La sua musica e quelle immagini fanno parte della mia visione del mondo e la possibilità di raccontare la sua storia sullo schermo insieme alla sua musica è stata irresistibile».

Fuqua sta attualmente terminando le riprese di The Equalizer 3 con Denzel Washington in Italia, dopodiché si dedicherà interamente a Michael, per iniziare le riprese entro l’anno. Il direttore della fotografia designato è Robert Richardson, tre volte premio Oscar e collaboratore abituale di Oliver Stone, Quentin Tarantino e Martin Scorsese, autore anche della fotografia di Emancipation. La sceneggiatura è di John Logan, penna dietro il successo di film come Il Gladiatore, Hugo Cabret, The Aviator e Skyfall.

È nel team nelle vesti di produttore il veterano Graham King, premio Oscar per The Departed – Il bene e il male, che ha già trasformato la storia dei Queen nel blockbuster Bohemian Rhapsody, campione al boxoffice e candidato all’Oscar al miglior film. Si unisce alla produzioni l’etichetta GK Films, che produrrà insieme a John Branca e John McClain.

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January 19, 2023
SAVE THE DATE – NETFLIX SVELA I SUOI TITOLI DI PUNTA PER IL 2023
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Ormai è una tradizione: da qualche anno a questa parte, a metà gennaio Netflix rilascia un trailer in cui anticipa tutti i titoli più importanti che verranno distribuiti sulla piattaforma durante il corso del nuovo anno. Il 2023 non fa eccezione, con il nuovo filmato di due minuti e mezzo che rivela titoli, date di uscita e immagini inedite dei prodotti Netflix che verranno resi disponibili a partire da gennaio fino a dicembre.

Sul proprio sito di news Netflix anticipa un anno ricco di “kolossal d’azione, drammi intimi, commedie romantiche, thriller di fantascienza, avventure internazionali, storie per la famiglia o documentari illuminanti” promettendo film per qualsiasi stato d’animo, e il primo impatto in effetti sembra essere davvero vario. Oltre al trailer, la piattaforma ha messo a disposizione anche un documento online contenente il proprio catalogo dei film del 2023.

TRAILER in lingua originale con sottotitoli italiani

CATALOGO FILM 2023

L’anno inizia con le commedie romantiche: si parte il 27 gennaio con Jonah Hill e Eddie Murphy protagonisti di You People che li vede nei ruoli di genero e suocero, e si procede poi a febbraio con Da me o da te con Reese Witherspoon e Ashton Kutcher. A marzo è poi la volta dei grandi ritorni: Idris Elba è di nuovo l’ispettore John Luther in Luther: verso l’inferno e i coniugi Adam Sandler e Jennifer Aniston rivestono insieme i panni di detective a tempo pieno in Murder Mystery 2 affiancati da Mark Strong.

Una grande estate action inizia già a maggio con The Mother che vede Jennifer Lopez in versione assassina, per poi procedere con Extraction 2, sequel del film con Chris Hemsworth nel ruolo del mercenario Tyler Rake. A luglio John Boyega e Jamie Foxx saranno protagonisti del giallo pulp d’azione They Cloned Tyrone e ad agosto tocca alle rocambolesche avventure di Heart of Stone con Gal Gadot e Jamie Dornan e alla rapina internazionale di Kevin Hart in Lift (girato anche a Venezia).

Seguiranno in autunno film per famiglie come l’avventura fantasy Damsel con Millie Bobby Brown e Angela Bassett, il film animato Leo con Adam Sandler nel ruolo di un animaletto di classe e la commedia romantica A Family Affair con l’inedita coppia formata da Nicole Kidman e Zac Efron. Affiancano questi titoli anche storie più drammatiche, come il dramma cospirazionista The Pain Hustlers con Emily Blunt e Chris Evans diretti da David Yates dopo la trilogia di Animali Fantastici, l’atteso ritorno al thriller di David Fincher in The Killer con Michael Fassbender e infine il thriller psicologico Leave the World Behind con Julia Roberts e Mahershala Ali.

Chiude l’anno, anche qui secondo una tradizione ormai consolidata da tempo dal colosso streaming, il film di maggior peso produttivo per quanto riguarda il catalogo del 2023: Rebel Moon di Zack Snyder con Sofia Boutella, Charlie Hunnam e Djimon Hounsou promette un grande tasso di spettacolarità, dato anche dal fatto di nascere come episodio di Star Wars ideato da Snyder ma scartato da Lucasfilm.

Ecco l’elenco completo di film annunciati nel video anteprima del 2023 di Netflix:
- You People in uscita il 27 gennaio
- Da me o da te in uscita il 10 febbraio
- Luther: verso l’inferno in uscita il 10 marzo
- Murder Mystery 2 in uscita il 31 marzo
- The Mother in uscita il 12 maggio
- Extraction 2 in uscita il 16 giugno
- They Cloned Tyrone in uscita il 21 luglio
- Heart of Stone in uscita l’11 agosto
- Lift in uscita il 25 agosto
- Damsel in uscita il 13 ottobre
- Pain Hustlers in uscita il 27 ottobre
- The Killer in uscita il 10 novembre
- A Family Affair in uscita il 17 novembre
- Leo in uscita il 22 novembre
- Leave The World Behind in uscita l’8 dicembre
- Rebel Moon in uscita il 22 dicembre
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January 19, 2023