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IL TRAILER DI SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE

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Glitch, panorami geometrici, eserciti di supereroi e conflitti interiori di Miles Morales: Sony pubblica online il trailer ufficiale di Spider-Man: Across The Spider-Verse, in uscita nel 2023, sequel del successo di critica e pubblico Spider-Man: Un Nuovo Universo, Oscar al miglior film d’animazione 2019.

TRAILER ORIGINALE

TRAILER ITALIANO

La sinossi del film: dopo essersi riunito con Gwen Stacy, l’amichevole Spider-Man di quartiere di Brooklyn viene catapultato nel Multiverso, dove incontra una squadra di “Spider-Eroi” incaricata di proteggerne l’esistenza. Ma quando gli eroi si scontrano su come affrontare una nuova minaccia, Miles si ritrova contro gli altri “Ragni” e dovrà ridefinire cosa significa essere un eroe per poter salvare le persone che ama di più.

Il primo trailer del film si basa su un dialogo tra il protagonista Miles Morales e sua madre a proposito del crescere per trovare se stessi, accompagnato dalle immagini del primo film e da anticipazioni del secondo capitolo, con scontri epici, passaggi di universo e la complicità di Gwen Stacy / Spider-Woman.

Mentre il primo film era incentrato sul ruolo di Kingpin come villain, il secondo renderà la tematica del Multiverso ancor più centrale. Uno dei registi introduce il villain La Macchia lodandone il grande potenziale: la sua capacità di aprire portali attraverso le dimensioni lo rende perfetto per lo Spider-Verse (entrambi i sequel).

Il team di produzione ha annunciato nuove tecniche d’animazione innovative e l’utilizzo di stili diversi, fino a 6, per i vari universi che Miles Morales attraverserà nel suo viaggio nel metaverso per incontrare tanti altri esseri-ragno come lui. Il risultato sarà senza dubbio visivamente elettrizzante anche più del primo episodio.

New entry sono Spider-Man 2099 (“lo Spider-Man senza senso dell’umorismo”, come l’ha chiamato il suo interprete Oscar Isaac), Mayday Parker, figlia neonata di Peter Parker e Mary Jane, il supereroe britannico Spider-Punk; e Spider-Man India, variante del personaggio che proviene da Mumbattan, una combinazione di Mumbai e Manhattan.

Il cast di voci originali include ritorni e nuove star: Shameik Moore è Miles Morales, Hailee Stanfield è Gwen Stacy, Jake Johnson è Peter Parker, Oscar Isaac è Spider-Man 2099, Issa Rae è Jessica Drew, Daniel Kaluuya è Spider-Punk, Jason Schwartzman la Macchia, Brian Tyree Henry il padre di Miles, Luna Laurez Vélez la madre di Miles, Jorma Taccone è l’Avvoltoio (nel primo film doppiava Norman Osborn), Zoe Kravitz Mary Jane Watson.

Prodotto da Sony Pictures e distribuito da Eagle Pictures, Spider-Man: Across the Spider-Verse è stato diretto da Joaquim Dos Santos, Kemp Powers (Soul) e Justin K. Thompson (Star Wars: Clone Wars, Spider-Man: Un nuovo universo). Phil Lord e Christopher Miller hanno curato la sceneggiatura insieme a David Callaham, mentre il regista del precedente capitolo Peter Ramsey è tornato come produttore esecutivo affiancato da Avi Arad, Christina Steinberg ed Amy Pascal.

Spider-Man: Across The Spider-Verse uscirà nelle sale italiane il 1 giugno 2023, anticipando di un giorno io debutto nei cinema statunitensi. Nel 2024 invece è già fissata l’uscita del sequel e terzo film del franchise Spider-Man: Beyond The Spider-Verse.

December 14, 2022
CALLIGRAFISMO – IL MOVIMENTO OSCURATO DAL NEOREALISMO

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Il Calligrafismo è un movimento che si è sviluppato nei primi anni del dopoguerra e ha avuto vita breve, tra il 1940 e il 1943. Il termine è stato utilizzato per la prima volta nel 1922 dal critico letterario G. A. Borgese per indicare la tendenza degli scrittori a concentrarsi eccessivamente sull’esteriorità formale e meno sul contenuto. Lo stesso tipo di poetica è stato portato avanti da parte dei cineasti che si definirono, per l’appunto, “calligrafici”. Il cinema di questi anni vanta registi quali Mario Soldati, Alberto Lattuada e Ferdinando Maria Poggioli.

SCELTE ESTETICHE DEI “CALLIGRAFICI”

Il principio cardine di questi autori era l’ allontanamento dal cinema politicamente impegnato che aveva caratterizzato gli anni del regime fascista. “La cinematografia è l’arma più forte dello Stato”, affermava Benito Mussolini nel 1922, mostrandosi pienamente consapevole delle potenzialità che il cinema aveva per diffondere gli ideali del regime. Lattuada definiva come segue lo stile dei calligrafici:

“il rifiuto di usare questa meravigliosa arma così forte per la propaganda; da qui il bisogno di rifugiarsi nei canoni letterari e nei temi che non illustrassero in nessun modo quello che poteva essere l’ingigantimento del movimento fascista”.

L’obiettivo era quindi quello di rimettere al centro dell’attenzione la bellezza visiva e tecnica dell’arte cinematografica e di produrre cinema con l’intento di creare qualcosa di esteticamente gradevole: non a caso le produzioni che appartengono al genere sono tecnicamente e stilisticamente impeccabili. Inoltre, il movimento desiderava affermare l’autonomia del cinema in quanto arte, in contrapposizione alle altre forme artistiche, e competere con il cinema europeo di quegli anni.

In realtà, i cosiddetti “calligrafici” non si consideravano una corrente cinematografica italiana. In quegli anni i protagonisti della settima arte erano poco numerosi e non sentivano di appartenere allo stesso gruppo. Lo rende esplicito Mario Soldati quando afferma che

“in quel periodo tutti quelli che non erano «comunisti» erano «calligrafici». Io mi sentivo antifascista ma non ero comunista. Mi chiamavano «calligrafico» per questo, ma è un malinteso. E poi non c’era nessun gruppo…”.

Tuttavia , i critici della rivista Cinema li definivano in quanto tale per via dei tratti estetici e formali che tutte le loro produzioni condividevano, prima fra tutti una grande attenzione nella costruzione degli ambienti interni ed esterni. Lizzani, critico della rivista sopra citata, definiva come segue il movimento:

“C’è in esso [nel Formalismo] tutto il disprezzo (non confessato naturalmente, ma non meno reale) per «l’accaduto umano», c’è il rifiuto, in una tale tendenza, per tutto ciò che ha sapore di realtà, per tutto ciò che è il «moderno» in ogni tempo: l’attuale, il reale, l’uomo nella sua vicenda giornaliera.”

Le storie sono spesso ispirate ai romanzi italiani dell’Ottocento, tra cui quelli di Antonio Fogazzaro e Emilio De Marchi, ma anche internazionali, in particolare romanzi russi e francesi. Non a caso le produzioni hanno visto la collaborazione alla sceneggiatura di diversi letterati, tra cui Emilio Cecchi, Corrado Alvaro ed Ennio Flaiano. I calligrafici promuovevano, quindi, un cinema di matrice letteraria, in cui la letteratura era considerata fonte di ispirazione per la creazione di personaggi, storie e intrecci.

Piccolo mondo antico

PRINCIPALI ESPONENTI

Colui che ha iniziato il genere è Mario Soldati, che nel 1941 ha girato Piccolo mondo antico, un film tratto dall’omonimo romanzo di A. Fogazzaro (1896). La storia è ambientata nel 1850, in un “piccolo mondo antico” in cui Franco, un giovane aristocratico, sposa Luisa Rigey contro il parere della nonna, la marchesa Maironi. La critica cinematografica di quegli anni mise in evidenza la fedele resa dei costumi e delle ambientazioni, pur accusando il film di una certa freddezza. La pellicola rappresenta appieno lo stile e il gusto calligrafico e solo la critica più recente ha valorizzato la produzione di Mario Soldati. Tuttavia, anche negli anni Quaranta non mancarono le critiche positive, le quali giudicarono la produzione di Soldati colta e matura, come un’alternativa alle produzioni spesso frivole del cinema dei telefoni bianchi e al documentarismo degli anni Quaranta. Si tratta di un film dal gusto teatrale, lontano dal realismo che si auspicava per il cinema del dopoguerra, ma l’intento dei calligrafici era proprio quello di trasporre cinematograficamente dei classici della letteratura, un compito svolto dal cinema sin dalle sue origini e capace in questo caso di estrapolare le produzioni dalla triste realtà del dopoguerra.

L’anno successivo Soldati girò Malombra (1942), nuovamente tratto da un romanzo di Fogazzaro (1881), in cui la giovane Marina di Malombra tenta di vendicare un’antenata che credeva essersi reincarnata in lei. Anche questa volta, la critica si divise tra coloro che accusavano Soldati di essersi rifugiato nel Calligrafismo per fuggire alla rappresentazione della realtà. Esemplificativo è il giudizio di Antonio Pietrangeli che defì la produzione “Fredda, annoiata, striminzita, presuntuosetta, untuosa, orpelli di qua e di là”. Diego Calcagno, invece, pose in luce l’ottima resa cinematografica di uno dei più inquietanti romanzi di Fogazzaro e l’elevatissima qualità della fotografia. Ad ogni modo, la critica che si è occupata retrospettivamente del film, lo ha rivalutato alla luce del contesto in cui è avvenuta la produzione. Il critico Guido Aristarco ha affermato che Malombra rappresenta un esempio di “ ‘resistenza passiva’ […], a fronte di una resistenza più impegnata e solerte”. Il critico francese Jean A. Gilli ha aggiunto che “non ci si è accorti che la cura della forma non soffocava la tensione profonda delle opere”.

Un altro regista che con grande lucidità rispettò lo stile calligrafico è Alberto Lattuada, che proprio in quegli anni girò il suo primo film: Giacomo l’idealista (1943), tratto dall’omonimo romanzo di Emilio De Marchi (1897). Lo stesso regista disse che

“era un film che sotterraneamente discuteva la struttura ancora esistente, ancora forte, dei tabù religiosi, dell’ipocrisia cattolica […] pensavo che un film scritto bene ha più valore che non il tentativo di fare un semi documentario oppure di strappare la realtà con immagini magari disordinate, non mi sembra una colpa, anche se mi hanno accusato di “calligrafismo” […] Si è visto in sostanza che quello che era chiamato formalismo era il modo più elegante di sfuggire alla propaganda che veniva suggerita”.

Malombra

CRITICHE

Come sottolineato precedentemente, si tratta di un movimento che è stato accolto non senza diffidenze e critiche. Il Calligrafismo ha cronologicamente seguito il cinema dei telefoni bianchi, giudicato incapace di rappresentare le complessità del dopoguerra. Tuttavia, anche il Calligrafismo è stato accusato di occuparsi eccessivamente della messa in scena e, di conseguenza, di non apportare le novità cinematografiche che si auspicavano. I personaggi furono spesso descritti come di scarso spessore psicologico anche se, tuttavia, i film mettono spesso in scena storie con protagoniste femminili psicologicamente complesse, con incubi, allucinazioni, sogni e desideri. Le principali critiche arrivarono da coloro che avrebbero in seguito dato vita al Neorealismo, il quale presenta dei tratti estremamente diversi: grande cura del contenuto, nel quale si vuole dare voce alle problematiche delle classi lavoratrici e disagiate; allontanamento dalle tecniche teatrali grazie alla presenza di attori perlopiù non professionisti e lunghe riprese all’aperto; infine, personaggi dotati di grande umanità.

Giacomo l’idealista

CONCLUSIONI

Il Calligrafismo è stato un movimento che è passato a lungo inosservato, oscurato dall’ondata Neorealista. Una sua rivalutazione è avvenuta solo a partire dagli anni Sessanta, quando ci si è resi conto che per i calligrafici (non solo A. Lattuada e M. Soldati, ma anche F. M. Poggioli, D. Chiarini e R. Castellani) lo stile non era un modo per rifugiarsi dalla realtà ma, come ha notato il critico G. P. Brunetta,

“scelgono volontariamente una sorta di isolamento polemico e di allontanamento dal presente [che] contribuisce in modo decisivo a migliorare il livello medio della produzione”.

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December 14, 2022
FINAL GIRLS – ANALISI DI UNA FIGURA PROBLEMATICA

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Ce ne devono essere almeno cinque. La puttana, è corrotta, è la prima a morire. L’atleta, lo studioso, il buffone, tutti soffrono e muoiono per mano del mostro che hanno evocato. Mentre l’ultima vive o muore secondo il capriccio del fato, la vergine.

Vi siete mai chiesti il motivo per il quale nell’horror classico (soprattutto slasher) nella maggior parte dei casi è sempre la giovane ragazza a scampare alla furia del killer omicida? In Non aprite quella porta (1974) abbiamo Sally, che riesce a fuggire dalla motosega di Leatherface ricoperta di sangue a bordo di un camioncino; in Venerdì 13 (1980) era Alice l’unica a sopravvivere tra i ragazzi del Campo Crystal Lake, l’unica in grado di affrontare il proprio aguzzino; in Halloween (1978) abbiamo visto Laurie lottare con qualsiasi tipo di arma disponibile per non farsi ammazzare da Micheal Myers. Gli horror parodici che sono usciti a partire da Scream (1996) hanno poi sfruttato e ironizzato su quello che è diventato un vero e proprio cliché del genere: un gruppo di giovani braccati dalla furia di un pazzo omicida vengono decimati uno ad uno, finché è una sola ragazza a restare in vita nel finale, da qui il nome “Final Girl”. Persino Sigourney Weaver (lei stessa interprete di una Final Girl in Alien) mette in chiaro le dinamiche in Quella casa nel bosco (2011).

DISTINZIONE E “TRASGRESSIONE” SESSUALE

Lo slasher è fortemente basato sulla distinzione sessuale, l’assassino viene percepito come uomo mentre le vittime designate sono prettamente femminili. Certo, abbiamo anche vittime maschili, ma basta farci caso per rendersi conto di come all’interno del genere le sequenze di uccisione di giovani donne sono prolungate, grafiche e violente, mentre per quel che riguarda gli uomini è più comune che vengano fatti fuori in modo rapido o addirittura off-screen. Poi abbiamo la nostra Final Girl, a cui non viene affatto risparmiato il trattamento che subiscono le vittime: la sua sopravvivenza finale passa attraverso numerose scene in cui la vediamo gridare di paura, fuggire terrorizzata, piangere disperata. Sally è ricoperta di sangue quando riesce a salvarsi, Laurie scappa ferita dal coltello di Myers. Qui però sorge la domanda: se le vittime preferite del genere sono femminili, allora come mai è una figura femminile a sopravvivere? L’interpretazione più diffusa riguarda la sfera sessuale: in Scream, Randy dice «Non conosci le regole? Non si deve mai fare sesso, è proibito! Sesso uguale morte!». Non è raro, infatti, che molte delle vittime femminili siano fortemente caratterizzate dal punto di vista sessuale e soprattutto vengono mostrate sullo schermo come coinvolte nella sfera del sesso. In Non aprite quella porta, Pam, amica di Sally, viene uccisa insieme al fidanzato poco dopo che i due si sono appartati dal gruppo per concedersi un momento di intimità. Al contrario Sally, pur mostrando un certo interesse verso uno dei ragazzi, non viene mai mostrata in situazioni esplicite. Il sesso è trasgressione, abbandonarsi alla promiscuità sessuale è una condanna a morte. Ed ecco che torna più chiaro ciò che diceva Sigourney Weaver, l’ultima a vivere è la vergine. Il concetto risulta di per sé piuttosto problematico: la caratterizzazione di verginità è strettamente legata all’ideologia patriarcale che considera la sfera sessuale femminile un tabù.

La verginità è la chiave per sopravvivere, abbandonarsi ai piaceri significa morire.

CRITICA CINEMATOGRAFICA FEMMINISTA: LA PROSPETTIVA DI CLOVER

Numerose studiose e critiche femministe si sono interrogate sull’argomento, ma il punto di vista più interessante rimane quello di Carol J. Clover nel saggio Her Body, Himself. Alla base del suo discorso, Clover afferma che il pubblico di riferimento dello slasher è prettamente maschile, questo perché dietro le dinamiche del cinema come industria si è sempre avuta una percentuale di uomini di gran lunga superiore alla percentuale di donne. La figura della Final Girl è cruciale perché risulta essere un “surrogato” dello spettatore maschile: la sua caratterizzazione poco femminilizzata finisce per avvicinarsi molto di più a una mascolinità che poi ritroviamo nella parte finale del film in cui la giovane donna afferra un’arma (simbolo fallico per eccellenza) e uccide il carnefice. L’obiettivo è quello di permettere allo spettatore uomo di identificarsi in una figura femminile che “gli somiglia” proprio in virtù del suo essere poco femminile; in più, la visione di una giovane ragazza in pericolo, costantemente braccata, terrorizzata da una minaccia, rappresenta in un certo modo una fantasia tipica del desiderio e dello sguardo maschili. La Final Girl sopravvive perché diversa alle altre ragazze, che al contrario si caratterizzano come vittime perfette.

L’analisi della figura ci mostra come il suo ruolo non sempre rappresenta un’occasione di empowerment femminile, piuttosto funge da surrogato (alternativa possiamo dire) per l’uomo. La sua femminilità è ambigua, e alla fine viene messa da parte in favore di una mascolinità necessaria perché il pubblico di spettatori uomini sia legittimato a identificarsi in una donna senza che la loro mascolinità venga messa in discussione.

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December 13, 2022
DUNE PARTE 2 – TERMINATE LE RIPRESE

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Qualche giorno si era diffusa la notizia della presunta conclusione delle riprese di Dune: Parte 2, la voce era fondata su alcune immagini condivise da membri del team che hanno lavorato alla pellicola e che, insieme al cast, avrebbero partecipato ad un party per la fine delle riprese.

A confermarlo è stato Timothée Chalamet pubblicando una foto su instagram ritraente lui assieme al padre, Marc Chalamet, in una delle location in cui Denis Villeneuve, regista della pellicola in questione, ha girato il film.

LINK FOTO INSTAGRAM

L’inizio delle riprese del sequel fu annunciato da Warner Bros. nella metà di luglio ed è stato girato in 4 location diverse, ovvero: Abu Dhabi, Budapest, Giordania e Italia (più precisamente in Veneto).

La storia del secondo capitolo, adattata dal romanzo di Frank Herbert da Denis Villeneuve e Jon Spaihts, dovrebbe narrare le vicende dell’unione di Paul Atreides (Timothée Chalamet) al popolo dei Fremen e soprattutto a Chani (Zendaya) mentre cerca di vendicarsi contro i cospiratori che hanno sterminato la sua famiglia.

Nel cast confermati Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Dave Batista, Javier Bardem, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling a cui si aggiungono Florence Pugh, Christopher Walken, Léa Seydoux, Austin Butler, Stephen Henderson, Souheila Yacoub.

Ad occuparsi delle musiche sarà ancora Hans Zimmer (Top Gun: Maverick) e della fotografia, come per il primo capitolo, sarà Greig Fraser (The Batman).

Alla regia non può mancare Denis Villeneuve (Blade Runner 2049), autore anche del primo capitolo, film più premiato all’edizione degli Oscar 2022, con ben 6 statuette vinte tra cui miglior fotografia e miglior colonna sonora (mentre fece scalpore la non candidatura come miglior regia per lo stesso Villeneuve).

La pellicola è stata prodotta da Legendary Entertainment e Warner Bros. Entertainment. Quest’ultima si occuperà anche della distribuzione che avverrà nell’autunno del 2023.

C’è ancora da aspettare un bel po’ prima di poter tornare su Arrakis, nel frattempo si consiglia la visione del primo capitolo, disponibile per lo streaming su Sky o Now TV.

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December 13, 2022
GOLDEN GLOBE 2023 – NOMINATION

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Lunedì 12 dicembre 2022 a partire dalle 14.35 italiane sono state annunciate in live streaming sui canali social dei Golden Globe Awards le nomination ai premi di quest’anno. I candidati sono stati rivelati dalle star di Lopez vs. Lopez George Lopez e Mayan Lopez nel corso dello show Today della NBC.

Per quanto riguarda i film, in testa al numero di nomination sta Gli spiriti dell’isola di Martin McDonagh con 8 candidature, seguito da Everything Everywhere All at Once diretto da Daniel Kwan e Daniel Scheinert con 6 nomination. Si fermano a 5 categorie The Fabelmans di Steven Spielberg e Babylon di Damien Chazelle.

È candidata a miglior film drammatico e a miglior canzone (di Lady Gaga) la sorpresa cinematografica della stagione, Top Gun: Maverick di Joseph Kosinski. Anche Avatar: La via dell’acqua raccoglie solo due nomination, al miglior film drammatico e alla regia. Da segnalare anche la nomination alla miglior canzone originale a Guillermo del Toro per un brano del suo Pinocchio.

Guida la classifica delle serie tv Abbott Elementary di ABC con 5 candidature, mentre ad essere nominati in 4 categorie sono diversi titoli della passata stagione: Only Murders in the Building e Pam & Tommy di Hulu, The Crown e Dahmer di Netflix, e The White Lotus di HBO.

Ecco di seguito le nomination ai Golden Globe 2023:

FILM

Miglior regia di un film

James Cameron, Avatar: La via dell’acqua

Daniel Kwan, Daniel Scheinert, Everything Everywhere All at Once

Baz Luhrmann, Elvis

Martin McDonagh, Gli spiriti dell’isola

Steven Spielberg, The Fabelmans

Miglior sceneggiatura di un film

Tár

Everything Everywhere All at Once

Gli spiriti dell’isola

Women Talking

The Fabelmans

Miglior film commedia o musical

Babylon

Gli spiriti dell’isola

Everything Everywhere All at Once

Glass Onion – Knives Out

Triangle of Sadness

Miglior attrice in un film commedia o musical

Lesley Manville, La signora Harris va a Parigi

Margot Robbie, Babylon

Anya Taylor-Joy, The Menu

Emma Thompson, Il piacere è tutto mio

Michelle Yeoh, Everything Everywhere All at Once

Miglior attore in un film commedia o musical

Diego Calva, Babylon

Daniel Craig, Glass Onion – Knives Out

Adam Driver, White Noise

Colin Farrell, Gli spiriti dell’isola

Ralph Fiennes, The Menu

Miglior film drammatico

Avatar: La via dell’acqua

Elvis

The Fabelmans

Tár

Top Gun: Maverick

Miglior attrice in un film drammatico

Cate Blanchett, Tár

Olivia Colman, Empire of Light

Viola Davis, The Woman King

Ana de Armas, Blonde

Michelle Williams, The Fabelmans

Miglior attore in un film drammatico

Austin Butler, Elvis

Brendan Fraser, The Whale

Hugh Jackman, The Son

Bill Nighy, Living

Jeremy Pope, The Inspection

Miglior attrice non protagonista in un film

Angela Bassett, Black Panther: Wakanda Forever

Kerry Condon, Gli spiriti dell’isola

Jamie Lee Curtis, Everything Everywhere All at Once

Dolly De Leon, Triangle of Sadness

Carey Mulligan, She Said

Miglior attore non protagonista in un film

Brendan Gleeson, Gli spiriti dell’isola

Barry Keoghan, Gli spiriti dell’isola

Brad Pitt, Babylon

Ke Huy Quan, Everything Everywhere All at Once

Eddie Redmayne, The Good Nurse

Miglior film straniero

All Quiet on the Western Front

Argentina, 1985

Close

Decision to Leave

RRR

Miglior film d’animazione

Pinocchio

Inu-Oh

Marcel the Shell with Shoes On

Il Gatto con gli Stivali 2

Red

Miglior canzone originale

“Carolina”, Taylor Swift (Where the Crawdads Sing)

“Ciao Papa”, Roeben Katz, Guillermo del Toro (Pinocchio)

“Hold My Hand”, Lady Gaga (Top Gun: Maverick)

“Lift Me Up”, Rihanna (Black Panther: Wakanda Forever)

“Naatu Naatu”, Kala Bhairava, M. M. Keeravani, Rahul Sipligunj (RRR)

Miglior colonna sonora di un film

Carter Burwell, Gli spiriti dell’isola

Alexandre Desplat, Pinocchio

Hildur Guðnadóttir, Women Talking

Justin Hurwitz, Babylon

John Williams, The Fabelmans

SERIE TV

Miglior serie commedia o musical

Abbott Elementary

The Bear

Hacks

Only Murders in the Building

Wednesday

Miglior attrice in una serie commedia o musical

Quinta Brunson, Abbott Elementary

Kaley Cuoco, The Flight Attendant

Selena Gomez, Only Murders in the Building

Jenna Ortega, Wednesday

Jean Smart, Hacks

Miglior attore in una serie commedia o musical

Donald Glover, Atlanta

Bill Hader, Barry

Steve Martin, Only Murders in the Building

Martin Short, Only Murders in the Building

Jeremy Allen White, The Bear

Miglior serie drammatica

Better Call Saul

The Crown

House of the Dragon

Ozark

Scissione

Miglior attrice in una serie drammatica

Emma D’Arcy, House of the Dragon

Laura Linney, Ozark

Imelda Staunton, The Crown

Hilary Swank, Alaska Daily

Zendaya, Euphoria

Miglior attore in una serie drammatica

Jeff Bridges, The Old Man

Kevin Costner, Yellowstone

Diego Luna, Andor

Bob Odenkirk, Better Call Saul

Adam Scott, Scissione

Miglior attrice non protagonista in una serie

Elizabeth Debicki, The Crown

Hannah Einbinder, Hacks

Julia Garner, Ozark

Janelle James, Abbott Elementary

Sheryl Lee Ralph, Abbott Elementary

Miglior attore non protagonista in una serie

John Lithgow, The Old Man

Jonathan Pryce, The Crown

John Turturro, Scissione

Tyler James Williams, Abbott Elementary

Henry Winkler, Barry

Miglior miniserie o film tv

Black Bird

Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story

The Dropout

Pam & Tommy

The White Lotus

Miglior attrice in miniserie o film tv

Jessica Chastain, George & Tammy

Julia Garner, Inventing Anna

Lily James, Pam & Tommy

Julia Roberts, Gaslit

Amanda Seyfried, The Dropout

Miglior attore in una miniserie o film tv

Taron Egerton, Black Bird

Colin Firth, The Staircase

Andrew Garfield, In nome del cielo

Evan Peters, Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story

Sebastian Stan, Pam & Tommy

Miglior attrice non protagonista in serie, miniserie o film tv

Jennifer Coolidge, The White Lotus

Claire Danes, Fleishman Is in Trouble

Daisy Edgar-Jones, In nome del cielo

Niecy Nash, Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story

Aubrey Plaza, The White Lotus

Miglior attore non protagonista in serie, miniserie o film tv

Murray Abraham, The White Lotus

Domhnall Gleeson, The Patient

Paul Walter Hauser, Black Bird

Richard Jenkins, Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story

Seth Rogen, Pam & Tommy

Dopo un anno in cui a causa di una bufera di polemiche la cerimonia di assegnazione dei Golden Globe è rimasta senza diretta televisiva per la prima volta da decenni, quest’anno il premio assegnato dalla Hollywood Foreign Press Association farà ritorno in una nuova veste. La cerimonia tornerà trasmessa su NBC a gennaio 2023 per dare il via, come di consuetudine, alla Award Season.

La cerimonia di consegna dei Golden Globe 2023 si terrà il 10 gennaio 2023 e vedrà l’attore comico Jerrod Carmichael in veste di presentatore.

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December 12, 2022
JOKER FOLIE À DEUX – LA PRIMA IMMAGINE DI JOAQUIN PHOENIX

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Todd Phillips, regista di Joker: Folie à Deux, ha diffuso sabato 10 dicembre sui suoi canali social la prima immagine dal set del suo nuovo film. Lo scatto mostra Joaquin Phoneix nei panni di Arthur Fleck / Joker a torso nudo mentre qualcuno, presumibilmente una guardia carceraria, lo sta radendo.

Benché le riprese siano cominciate già il 5 novembre scorso tra New York e Los Angeles, il progetto è ancora tenuto in gran segreto. Ciononostante, grazie al sito ufficiale della FTIA (Film & Television Industry Alliance), è stata diffusa la sinossi preliminare del film che recita: “Il sequel musical segue la strizza-cervelli dell’Arkham Asylum Harley Quinn mentre si innamora di un suo paziente, Arthur Fleck aka Joker.”.

Se Joker nel 2019 narrava l’origin story della nemesi di Batman in una storia fortemente debitrice di due opere iconiche di Martin Scorsese, come Taxi Driver e Re per una notte, il sequel sembra orientato a seguire lo stile dei grandi musical di Broadway, come West Side Story o Singing in the Rain, scelta che valorizzerà appieno la figura di Lady Gaga.

Il testo della sinossi sembra anche confermare le teorie seguenti l’annuncio del titolo ufficiale del film. “Folie à Deux” fa infatti riferimento ad un termine clinico usato per identificare una condizione psichiatrica caratterizzata dal transfert di una psicosi da un paziente ad un altro.

Nel 2019 il primo film fu un successo di pubblico e critica, incassando globalmente più di un miliardo di dollari e vincendo numerosi premi tra cui il Leone d’oro alla 76ª Mostra internazionale d’arte cinematografica a Venezia, due Golden Globe e due Premi Oscar su undici nomination, tra cui la statuetta per il miglior attore protagonista ricevuta da Joaquin Phoenix.

Joker: Folie à Deux sarà diretto ancora una volta da Todd Phillips, autore della sceneggiatura insieme a Scott Silver, e sarà nuovamente prodotto da Martin Scorsese. Il cast vedrà il ritorno di Joaquin Phoenix nei panni del protagonista e di Zazie Beets nel ruolo di Sophie Dumond, mentre tra le new entry saranno presenti Brendan Gleeson, Jacob Lofland, Harry Lawtey e Lady Gaga, che dovrebbe interpretare la nuova incarnazione di Harley Quinn.

Joker: Folie à Deux arriverà nei cinema il 4 ottobre 2024.

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December 11, 2022
RECENSIONE SAINT OMER – TRA IL MITO DI MEDEA E IL MISTERO DELLA MATERNITÀ

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Nel 2022, la regista francese Alice Diop firma il suo primo lungometraggio dopo un percorso da documentarista iniziato nel 2005. Saint Omer viene presentato nel corso della 79ma edizione del Festival di Venezia, stregando pubblico e critica. Due premi: il Leone del Futuro – Premio Venezia opera prima “Luigi De Laurentiis” e Gran Premio della Giuria. Ambientato nella cittadina costiera di Saint Omer, il film si concentra intorno al caso giudiziario che coinvolge la giovane studentessa Laurence Coly (Guslagie Malanda), colpevole di infanticidio. Al processo, assiste la scrittrice e docente universitaria Rama (Kayije Kagame), in cerca di spunti dal vero per la stesura di un romanzo incentrato sul mito di Medea.

Se con il francese L’événement – La scelta di Anne (2021) di Audrey Diwan la riflessione sulla maternità s’incrocia con la necessità di rivendicare la libertà del corpo femminile, con Saint Omer ci troviamo di fronte all’impossibilità di decifrare il mistero della procreazione. Diretto in uno stile che ricorda l’aura di dubbio che caratterizza Il sospetto (Vinterberg, 2012), Saint Omer non fornisce risposte né soluzioni: unicamente allo spettatore è affidato il difficile compito dell’interpretazione al termine della visione.

IL FILO ROSSO CHE CI UNISCE

La maternità implica necessariamente una madre e un figlio. Attraverso una complessa struttura narrativa, il film di Alice Diop è articolato in un sofisticato sistema di doppi, legami e contrapposizioni. Rama sta vivendo i primi mesi della maternità, e si rispecchia nella madre insofferente e distante; ma si riflette anche in Laurence, nel suo gesto estremo dalle motivazioni incerte. L’unione che trascende l’estrazione sociale e le etnie si articola intorno alla difficoltà di essere madri, in seno a diverse motivazioni: dietro il distacco della madre di Rama si cela un profondo sentimento di inadeguatezza, di nostalgia verso il proprio paese d’origine, nonché il forte legame con le tradizioni africane; la vita di Laurence viene drammaticamente segnata dalle aspettative dei genitori che vogliono per la virtuosa figlia un futuro di successo.

Questo racconto di madri e figlie viene narrato secondo un abile gioco di parole e silenzi. A Rama sono affidate pochissime battute, poiché bastano i suoi sguardi malinconici a manifestare la sua insofferenza e i suoi timori all’indomani della nascita del figlio. Allo stesso modo, sua madre è silenziosa, quasi un fantasma: per lei parlano i flashback che la mostrano nel fiore della sua matura bellezza, del tutto svanita nel presente. Formidabile e altamente eloquente, in tal senso, è la scena in cui la regista mostra la donna indossare i suoi abiti tradizionali e i gioielli di fattura africana davanti a un vecchio specchio: l’immagine della Rama bambina seduta sul letto, accanto alla madre, è il simbolo di una maternità corrotta dalla solitudine, dall’impossibilità di ritornare nella terra natìa, la quale può essere evocata solo tramite gli oggetti.

La protagonista Rama durante il processo

In contrasto con le sequenze dedicate a Rama e alla madre, le scene in cui Laurence è protagonista sono intrise di parole. Le parti ambientate in tribunale, durante il dibattimento, sono caratterizzate da una scrittura eccellente. La ragazza oscilla tra l’essere una vittima delle circostanze a essere additata come un mostro. L’auto-negazione della maternità è da ricercarsi nel suo rapporto con una madre che ha preteso troppo dalla figlia virtuosa? Oppure dalla sua volontà di fare carriera che si è scontrata con le difficoltà della vita? La sua figura come madre viene posta sul banco degli imputati e dissezionata come un corpo morto. Durante l’arringa finale, l’avvocato di Laurence tenta in estrema ratio di difendere la sua cliente e, in questo momento, pronuncia un concetto che è il cuore di tutto il film. La donna cita le cellule chimera, le quali sono il risultato dello scambio tra quelle del feto e quelle della madre durante la gravidanza: in questo senso, ogni figlia e ogni madre restano perennemente connesse, non c’è via di scampo. Il filo che salda la procreazione spaventa Rama e atterrisce il pubblico, perché anche dinanzi al gesto deplorevole di Laurence, ella resta comunque una madre; mantiene, nel suo corpo, le tracce della figlia che ha assassinato. Alice Diop, in questo senso, genera un conflitto nello spettatore, giacché non induce al giudizio in senso stretto: la regista conduce il pubblico verso la via dell’introspezione; domanda, in questa forma, di riflettere sul senso assoluto della maternità e sui suoi lati oscuri.

UNA MODERNA MEDEA

Il mito di Medea, moglie di Giasone che per vendicarsi verso il marito uccide i propri figli, è già stato oggetto di messinscene teatrali e cinematografiche. Celeberrimo è l’adattamento di Pier Paolo Pasolini del 1969: la scena che preannuncia l’infanticidio viene mostrata anche nel film di Alice Diop, sancendo un forte collegamento con la tradizione cinematografica riguardante il mito. In Saint Omer, Medea è Laurence, madre che abbandona la figlia di quindici mesi sulla spiaggia durante la notte, sperando che la marea la porti via. Rama è convinta che, assistendo al processo, possa trarre spunti per la scrittura del suo prossimo romanzo incentrato sulle “Medee moderne”. Tuttavia, lo scontro con la realtà è duro e violento. Il racconto di Laurence sul banco degli imputati lascia atterriti, così come le testimonianze del compagno, della madre e della sua docente universitaria. La stessa Rama, nel momento in cui incrocia lo sguardo enigmatico di Laurence, non resiste e scoppia a piangere. È proprio l’ambiguità dell’assassina che lascia senza parole: all’inizio del processo la ragazza pare sincera e non possiamo che patteggiare per lei; tuttavia, le discrepanze nel suo racconto vengono rimarcate dalle parole del giudice, da quelle del compagno che la descrive come una ragazza fredda e manipolatrice. La docente asserisce che la scelta di Laurence di trattare Wittgenstein nella sua tesi sia segno di una volontà di indossare una maschera, di negare le sue detestate origini africane

Laurence viene interrogata, parla con un francese perfetto: eppure, dietro alle sue parole si cela il dubbio di una verità assente. Perché il fatto è dichiarato, la ragazza non lo nega, e l’intero processo si articola intorno alla necessità di appurare le ragioni di un gesto così contronatura. Ma i dilemmi sono molteplici: Laurence asserisce che è stata una stregoneria inflitta dalle zie senegalesi ad averla indotta a compiere l’omicidio, dichiarazione che, effettivamente, trascende ogni cultura ed etnia; basti pensare a come la tradizione italiana sia così legata alla credenza del malocchio e della superstizione. Ma nei suoi sguardi analizzati dal punto di vista di Rama dicono tutt’altro. La Medea-Laurence non è mito, ma realtà, così come lo sono i casi di infanticidio che ritroviamo nelle pagine di cronaca nera. La concretezza delle vicende spaventa Rama e il pubblico in sala, perché non è possibile rinvenire cause certe: non si sa se il gesto di Laurence sia dovuto alla stregoneria, a una grave forma di depressione, o a un animo radicalmente maligno. Fino alla fine non si riuscirà a comprendere le motivazioni dietro al suo tremendo gesto: la soluzione forse non si cela nelle parole, ma nei silenzi, negli sguardi e nelle smorfie abbozzate.

La solitudine di Rama

LA SOLITUDINE DI MADRI E FIGLIE

Con Saint Omer il mistero della maternità viene indagato con graffiante realismo ed eleganza stilistica. Erede della tradizione documentaristica, Alice Diop firma un film che manifesta la necessità di scandagliare il rapporto tra madri e figlie, ponendo l’accento, in particolare, sulla loro solitudine. Rama, sua madre e Laurence sono donne sole che affrontano, come tali, il difficile compito di vivere la gravidanza, di partorire, di accudire una vita in un mondo colmo di orrori. Il legame tra creatrice e creatura è inscindibile, ma non al riparo dalla cruda realtà. E allora, che fare? Saint Omer, ancora una volta, non fornisce risposte: non viene mostrato il momento del verdetto, durante il processo a Laurence. Decifrare questo film colto e stilisticamente raffinato è compito esclusivo dello spettatore: resta a noi la facoltà di riflettere sul mistero della maternità e sulle moderne Medee.

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December 11, 2022
I PRIMI PREMI DELLA CRITICA – INIZIA LA AWARD SEASON

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Negli ultimi giorni sono arrivate le prime premiazioni dei migliori film del 2022 secondo la critica cinematografica, dando il via alla stagione dei premi.

A fine novembre i Gotham Awards, dedicati al cinema indipendente e assegnati da comitati composti da critici e lavoratori del mondo del cinema, hanno votato come miglior film dell’anno Everything Everywhere All At Once di Daniels. Un anno fa vinse nella medesima sezione La figlia oscura di Maggie Gyllenhaal (poi vincitore dell’Indipendent Spirit Award), mentre due anni fa era toccato a Nomadland di Chloé Zhao, in seguito premiato con l’Oscar al miglior film.

Secondo la National Board of Review invece il miglior film dell’anno è Top Gun: Maverick di Joseph Kosinski, mentre il miglior regista è Steven Spielberg per The Fabelmans. Gli attori premiati sono stati Colin Farrell (Gli spiriti dell’isola), Michelle Yeoh (Everything Everywhere All At Once) come protagonisti e Brendan Gleeson (Gli spiriti dell’isola) e Janelle Monàe (Glass Onion: A Knives Out Mystery) come non protagonisti.

La National Board of Review è composta da un gruppo selezionato di cineasti, professionisti del settore, studiosi, studenti e cinefili, e spesso i suoi premi vengono visti come uno dei primi indicatori per i trend della stagione dei premi. Un anno fa ad aggiudicarsi l’NBR come miglior film e miglior regia fu Licorice Pizza di Paul Thomas Anderson, poi nominato a tre Oscar. Va ricordato però che negli ultimi 13 anni solo un film vincitore dell’NBR ha poi vinto l’Oscar al miglior film, cioè Green Book nel 2019.

Anche l’American Fim Institute, istituzione no-profit creata dalla National Endowment for the Arts, ha diffuso la sua lista dei migliori 10 film del 2022, ancora una volta valido termometro per prevedere i trend dell’award season ventura. Nel 2021, 8 dei 10 film citati dall’AFI sono stati nominati all’Oscar come miglior film. Di seguito, la lista dei 10 migliori film del 2022:

Avatar: La via dell’acqua
Elvis
Everything Everywhere All at Once
The Fabelmans
Nope
She Said
Tár
Top Gun: Maverick
The Woman King
Women Talking

AFI Special Award: Gli spiriti dell’isola (assegnato perché la pellicola non poteva essere inclusa nella top-ten essendo una produzione internazionale)

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December 10, 2022
RECENSIONE IL CORSETTO DELL’IMPERATRICE – STRINGERE E ALLENTARE

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Presentato in anteprima alla 75ma edizione del Festival di Cannes, nella sezione Un Certain Regard, Il corsetto dell’imperatrice (Corsage) è un film austriaco diretto da Marie Kreutzer; classe 1977, Kreutzer firma la regia del suo quinto lungometraggio per il grande schermo, dopo aver diretto cortometraggi e film per la televisione. Protagonista assoluta è la diva nell’ombra Vicky Krieps che, dopo lo struggente Stringimi forte (Amalric, 2022) regge nuovamente da sola un intero lungometraggio.

Se pensate di entrare in sala e assistere a un classico biopic storico focalizzato sull’Imperatrice Sissi – beh, resterete (piacevolmente) disattesi. Marie Kreutzer esegue una complessa destrutturazione del film biografico volta a rigettare gli stereotipi elaborati dal cinema classico. La regista rifiuta la figura di Elisabetta di Baviera che la cultura di massa ha identificato con la Sissi di Romy Schneider, nella trilogia di film diretti da Ernst Marischka.

Ciò che sortisce è un ritratto crudo e realista di una Elisabetta che, al compimento dei quarant’anni, si trova a fare i conti con la sua immagine pubblica e privata. La candida e gioiosa Romy Schneider viene brutalmente scalzata dalla Sissi di Vicky Krieps, dilaniata dall’anoressia nervosa e dal culto della propria bellezza.

UN FILM FEMMINISTA CHE TRASCENDE I SECOLI

Vicky Krieps è la Principessa Sissi

La capacità di un film di esprimere concetti ed elaborare problematiche che dal particolare si proiettano all’universale è più che rara. È necessario, in questo senso, sollecitare l’empatia dello spettatore verso il protagonista, contribuire all’identificazione con lo stesso, sentire le sue emozioni e i suoi turbamenti. Scegliendo la figura dell’Imperatrice Elisabetta, Marie Kreutzer si ritrova di fronte alla difficoltà di rendere umana una donna di potere, vissuta da sempre entro le mura di corte, dedita a uno stile di vita agiato. Eppure, sin dalla prima inquadratura, in cui ritroviamo una Elisabetta in apnea nella vasca da bagno, il meccanismo empatico si mette in moto. Il disagio esistenziale della protagonista viene dichiarato immediatamente e nella sua forma più cruda. Eseguendo un raffinato lavoro di ricerca riguardante le fonti storiche, Kreutzer restituisce il ritratto dell’Imperatrice al compimento dei suoi quarant’anni: la bellezza inizia a svanire, ed ella cerca di reagire con tutte le sue forze. Così come in Spencer Pablo Larraín (2021) mostra una Lady Diana dilaniata dalla bulimia, ne Il corsetto dell’imperatrice la regista si concentra sull’anoressia nervosa che affligge la donna, simbolicamente identificata con il corsetto del titolo, che Elisabetta indossa ogni giorno. Stringere, stringere, stringere: questo è il solo scopo dell’Imperatrice d’Austria. La magrezza coincide con la bellezza, e così come nel tardo Ottocento anche la società contemporanea si ritrova a dover convivere con tale ideale. Ed ecco che lo struggimento di Elisabetta trascende i secoli e le classi sociali: ecco che i suoi estenuanti esercizi fisici, la sua cura per i lunghi capelli e le sue restrizioni alimentari parlano alle donne di oggi con una violenza visiva volta a sollecitare l’engagement personale.

La performance di Vicky Krieps, in questo senso, non si esaurisce in un dimagrimento folle – alla Christian Bale, per intenderci – bensì incorpora un disagio femminile universale. Non siamo di fronte a un’operazione di body positivity finalizzata all’hashtag popolare: l’Elisabetta di Krieps combatte contro sé stessa, la monarchia e la società; il suo ritratto non è unidimensionale, poiché ella è forte ma anche debole, una madre imperfetta ma una moglie tenace, dura contro il suo corpo e, tuttavia, caritatevole verso il prossimo. La sua personalità sfaccettata è restituita con sincerità, soprattutto in virtù di una regia che non abbandona mai il suo corpo e i suoi pensieri: non c’è censura, ma neanche pietà. Perché l’Imperatrice, alla fine di questo meraviglioso viaggio, si salva da sola: vince le proprie debolezze, si taglia i lunghi capelli e si scrolla di dosso il peso dei propri turbamenti. La metafora del bruco che diventa farfalla è sicuramente la più pertinente.

DECADENZA

La decadenza della monarchia

Il film si sviluppa tra il 1877 e il 1878: Franz Joseph (Florian Teichtmeister) è Imperatore d’Austria, Re d’Ungheria e di Boemia. Tuttavia, il timore della fine della monarchia fa tremare la sua corte, soprattutto in seguito all’Unificazione d’Italia e la costituzione dell’Impero Tedesco. Il fantasma della decadenza aleggia per tutta la durata della pellicola, in forme diverse. Il crepuscolo dei regnanti è incorporato dal decadimento fisico e psichico di Elisabetta, dagli screzi con il marito e dal sentimento di disagio che intercorre con la figlioletta. A livello stilistico, tale elemento si esprime principalmente nel rigetto verso le cerimonie istituzionali: nonostante siano presenti, la regista eclissa la pomposità delle celebrazioni a favore del sentimento di inadeguatezza espresso da Elisabetta, la quale si rifiuta di essere gettata in pasto all’alta società che, costantemente, non trattiene pungenti commenti sulla sua magrezza. Così Kreutzer volge lo sguardo all’intimità della donna, scelta che si palesa fin dall’inizio: Elisabetta, durante la celebrazione del suo compleanno, finge uno svenimento pur di ritornare a palazzo; il sapiente ralenti che inquadra la donna salire le scale insieme alle sue dame di compagnia, immagine di solitudine, fuga e turbamento, è il filo nascosto che funge da chiave interpretativa di tutto il film.

Ma la decadenza è anche simboleggiata dall’invenzione del cinematografo, con la quale Elisabetta entra in contatto durante il suo soggiorno in Inghilterra. In alcuni momenti, l’Imperatrice viene mostrata attraverso l’occhio della cinepresa: viene ripresa a cavallo, mentre salta gioiosamente e perfino mentre impreca con tutte le sue forze – la magia del muto! La componente della modernità si riscontra per tutta la durata del film: vengono inquadrate delle fotografie appese nella stanza di Elisabetta; i candelabri sono stati sostituiti da lampadine; l’Imperatrice prova l’eroina, su consiglio del medico di corte; i manicomi che la donna visita si adeguano alle nuove scoperte scientifiche. Non per ultimo, Marie Kreutzer sceglie la cantautrice Camille come autrice della colonna sonora del film, la quale elabora brani cupi e dal sapore etereo che esprimono il sentimento di disagio di Elisabetta. Un’operazione che ribadisce non solo la forte presenza del progresso che schiaccia la monarchia, ma anche lo sguardo di Kreutzer rivolto alla contemporaneità.

STRINGERE E ALLENTARE

Le scelte di una regnante

Archiviando l’immagine della Sissi fiabesca, Il corsetto dell’imperatrice si rivela essere un’opera complessa e raffinata, ambientata nel tardo Ottocento ma che parla al presente con un linguaggio forte ed epurato da tabù e censure. Marie Kreutzer, attraverso il corpo di Krieps-Elisabetta, non esprime solo la necessità di porre al centro il femminile singolare, bensì l’urgenza di raccontare i corsetti che le donne, oggi come allora, sono costrette a portare, a stringere per raggiungere un ideale di bellezza socialmente condiviso. Il viaggio nell’intimità di Elisabetta, dalla decadenza alla rinascita, quantifica la volontà, da parte dell’opera, di trasmettere il monito ad allentare i nostri corsetti. O, per meglio dire, a rifiutare le regole e iniziare a vivere.

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December 9, 2022
LIVE #24: LA TOP 100 DI SIGHT AND SOUND

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Con Shannon Magri e Alessandro Corrao parliamo della top 100 della rivista Sight & Sound che ha fatto tanto discutere.

Buona visione!

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December 9, 2022